75 curiosidades que quizá no conozcas de nuestros clásicos de Universal

Autor: Filmin

75 curiosidades que quizá no conozcas de nuestros clásicos de Universal

Tras hacer historia con la incorporación en nuestro catálogo de 100 títulos de Metro Goldywn-Mayer, no queremos quedarnos quietos y os presentamos 75 nuevos clásicos de la historia del cine del catálogo de Universal, que nos hacen poder decir bien alto que, por fin, tenemos el mejor catálogo de toda la historia de Filmin. Para celebrarlo, volvemos a las curiosidades que ocultan estas 75 películas, desde anécdotas de rodaje, récords en los Oscars u otras suculentas cuestiones: de cómo Robert DeNiro llamaba a Martin Scorsese en plena noche durante el rodaje de "El Cabo del Miedo" o las sustancias de dudosa legalidad que corrieron en el set de "Granujas a todo ritmo". Descúbrelas todas ellas en nuestro post. <

1. VÉRTIGO (DE ENTRE LOS MUERTOS)

Aunque a día de hoy está considerada como la mejor película de la historia del cine según la crítica cinematográfica (a raíz de la última encuesta de la revista Sight & Sound, la más amplia y relevante a nivel internacional), la película fue bastante maltratada en su estreno y no tuvo el éxito esperado. Hitchcock culpó a sus dos protagonistas. De Kim Novak dijo que se había equivocado totalmente con su elección, y de James Stewart, que era demasiado viejo para el papel y eso había ahuyentado al gran público. Algo de razón, quizás, tenía: Stewart era 25 años mayor que Novak, una diferencia de edad exagerada para dos personas que mantienen no uno, sino dos romances en el film. Hitchcock no volvió a contar con ninguno de los dos.


2. LOS PÁJAROS

Que Alfred Hitchcock tenía un sentido del humor peculiar, y que se las hizo pasar canutas a Tippi Hedren, es de sobras conocido. Durante el rodaje, al director se le ocurrió que era una buena idea regalarle a la hija de Hedren, Melanie Griffith, que por entonces tenía unos cinco años, una muñeca que era una réplica increíblemente exacta de su madre. La semblanza era tal que la muñeca daba incluso mal rollo, sobre todo porque, además, venía guardada en una cajita de madera muy similar a un ataúd en miniatura.


3. PSICOSIS

Para Hitchcock, tan celoso de su creatividad que prefería que el público extranjero viese sus películas dobladas porque le molestaba que los subtítulos cubriesen un trozo de sus planos, el 33% de los logros de “Psicosis” le correspondían al compositor Bernard Herrmann. Estaba tan contento con la partitura de la película que duplicó su salario previamente estipulado, hasta los 35.000 dólares. Herrmann se lo ganó completamente con la escena de la ducha, que en principio Hitchcock le dijo que iba a ser totalmente silente. El músico no le hizo mucho caso y compuso la célebre pieza  que acompaña al apuñalamiento con violines. Al escucharla y ver cómo mejoraba la secuencia con la música, el director cambió de opinión.


4. LA VENTANA INDISCRETA

Una curiosidad para los amantes de la fotografía: la cámara de 35 mm. que usa el personaje de James Stewart en la película es de fabricación alemana, una Varex que se comercializó en Estados Unidos con la marca Exakta VX (aunque el logo aparece cubierto con cinta adhesiva negra). La lente es una Kilfitt de 400 mm., cuyo grna tamaño y aumento impide prácticamente utilizarla tal y como lo hace el protagonista, sin tener la cámara montada en un trípode.


5. LA SOGA

Cualquier estudiante de cine o comunicación audiovisual sabe que Hitchcock, en realidad, no rodó en un único plano secuencia toda la película (el metraje de los rollos de celuloide de la época, de hecho, no lo permitía). Pero sabías que en realidad “La soga” se rodó en solo 10 tomas, de 9:34, 7:51, 7:18, 7:09, 9:59, 8:35, 7:50, 10:06, 4:37 y 5:40 minutos cada una.


6. EL HOMBRE QUE SABÍA DEMASIADO

A Doris Day no le gustaba demasiado la canción “Que será, será”, que interpreta en la película. Se negó a grabarla, tildándola de “una canción infantil totalmente olvidable”. ¡Menudo ojo! Ganó el Oscar a la Mejor Canción, se convirtió en una canción más popular, la interpretó en otras dos películas (“No os comáis las margaritas” y “Una sirena sospechosa”) e incluso fue la sintonía de “El show de Doris Day”, su serie de televisión.


7. PERDICIÓN

La primera experiencia del novelista Raymond Chandler en el cine se convirtió en una auténtica pesadilla por culpa de su malísima relación con Billy Wilder. Tanto es así que un día Chandler no se presentó al trabajo y amenazó con abandonar el proyecto. Alegaba estar harto de la actitud de Wilder, que no paraba de hablar por teléfono con mujeres, le hablaba mal y ni siquiera se quitaba la gorra de béisbol para trabajar. Chandler exigió que Wilder se disculpara con él y, presionado por los productores, el director tuvo que hacerlo. “Fue la primera vez que vi arrodillarse a un productor y a un director, en el que un guionista logra humillar a los peces gordos”, recordó Wilder tiempo después.


8. LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO

De todas las películas de Martin Scorsese, quizá esta es la más personal, ya que desde niño había soñado con adaptar la vida de Jesús a la gran pantalla. La ocasión le llegaría en la madurez de su carrera, y no le saldría gratis, y es que para que Universal se embarcara en tal ambicioso proyecto, Scorsese tuvo que acceder a dirigir un título mucho más comercial: “El Cabo del Miedo”. Al final, ambas películas se convirtieron en clásicos instantáneos.


9. EL CABO DEL MIEDO

Esta película tiene una de las interpretaciones más memorables de Robert de Niro, y no es casualidad, ya que el actor hizo muchos méritos para perfeccionar su papel. Para empezar, pagó a un dentista la suma de cinco mil dólares para estropear sus dientes, de manera que fueran más creíbles para un ex convicto. Después del rodaje, volvió a pagarle dos mil dólares para que los devolviera a su estado anterior. Además, estuvo meses preparando el escalofriante acento del personaje. La idea vino de un papel anterior de De Niro, en el que interpretaba a un sureño, de modo que se paseó durante un tiempo por las calles de distintos pueblos del sur estadounidense, pidiendo a los vecinos que leyeran fragmentos de sus diálogos. El resultado fue tan alucinante que asustaba incluso al mismísimo Scorsese, y De Niro, consciente de esto, empezó a llamar a su casa imitando el acento del personaje. Eso sí que es meterse en el papel.


10. DOCE MONOS

Hubo una época en la que grandes majors como Universal tomaban decisiones tan arriesgadas como comprar los derechos de un cortometraje de culto como “La Jetee” de Chris Marker. Algo que los algoritmos actuales jamás habrían permitido pasó a principios de los 90 y se convirtió en el proyecto soñado de la ciencia ficción de ese año. Al guión, los responsables de “Blade Runner”, Janet y David Peoples, a la dirección, la delirante mente de uno de los autores más inabarcables del momento, Terry Gillian. Nada podía ser mal, como bien debieron saber Bruce Willis y Brad Pitt, que sacrificaron parte de sus salarios para poder participar en la película y tuvieron que convencer a Gillian de que eran los indicados para el papel. No fue tarea fácil. Gillian le hizo a Bruce Willis una lista con los tics que había detectado en el actor y que no quería ni ver en su película, sobre todo, “la mirada de tío duro”. Con Brad Pitt, en aquel entonces una prometedora estrella al que se le conocía más por su belleza que por sus dotes interpretativas, le quitó los cigarrillos para inducirle a tener el mono y que pudiera transmitir ese nerviosismo y rapidez de diálogos.




11. BARTON FINK

Es la primera y última película que ha logrado en Cannes los tres premios más relevantes: la Palma de Oro a la Mejor Película y los premios al Mejor Director y al Mejor Actor (John Turturro). Roman Polanski fue en aquella edición el presidente de un jurado que, además, falló por unanimidad la Palma de Oro. Al Festival no terminó de gustarle que una misma película se llevara los tres principales galardones pues consideró que eso desprestigiaba el resto de la sección oficial, así que estableció a partir de entonces una nueva norma que restringía a un máximo de dos el número de premios que puede ganar una misma película.


12. ESPARTACO

El estreno de la película supuso un golpe casi definitivo para la llamada Caza de Brujas del senador McCarthy, al acreditar como guionista a Dalton Trumbo con su nombre real, algo que estaba prohibido pues Trumbo era uno de los escritores señalados en la lista negra de Hollywood por su supuesta relación con el comunismo. Hay, no obstante, bastante discusión sobre quién propició que el nombre de Trumbo apareciese en los créditos del film. Popularmente siempre se ha creído que fue Kirk Douglas quien presionó al estudio, cuya intención inicial era que Stanley Kubrick fuese acreditado también como guionista. Sin embargo, la familia de Trumbo, el productor Edward Lewis y los hijos de escritor Howard Fast defienden que el actor tenía miedo de que la aparición del nombre real de Trumbo perjudicase su carrera, y que fue precisamente Lewis quien propició que eso ocurriera. De todos modos, habría que señalar que “Éxodo”, de Otto Preminger, rodada antes pero estrenada un par de meses después de “Espartaco”, ya mostraba el nombre de Trumbo en los créditos iniciales del film. Y que quizás el gesto definitivo para que la lista negra de McCarthy empezara a arder fue que el entonces presidente de Estados Unidos, John F. Kennedy, asistió a una proyección de la película y admitió públicamente que le había gustado pese a la presión social, las protestas y las declaraciones de tipos influyentes en Hollywood como John Wayne, que había calificado “Espartaco” como “propaganda marxista”.




13. SED DE MAL

El célebre plano secuencia con el que arranca la película se rodó en una noche. Y no fue fácil, principalmente porque el actor que interpreta al agente de aduanas se equivocaba todo el rato con su frase. Cuando estaba ya asomando el sol en el horizonte, Orson Welles se dirigió a todo el equipo: “Muy bien, intentémoslo una última vez”. Y a continuación, al actor en cuestión: “Si olvida su frase simplemente mueva los labios, después ya le doblaremos. ¡Pero, por favor, no diga ‘Lo siento, señor Welles’ si se equivoca!”.



14. GRANUJAS A TODO RITMO

Segunda colaboración del mayor tridente de la comedia norteamericana de los ochenta: John Belushi, Dan Aykroyd y John Landis. En esta ocasión, los icónicos personajes creados para el exitoso programa “Saturday Night Live” daban el salto al cine en este musical de culto que estuvo repleto de estrellas como James Brown, Aretha Franklin o Ray Charles. 

Pero, una vez más, con tal tríada al volante, el rodaje fue todo lo accidentado que uno podría esperar. Cuando a John Landis le dijeron que el presupuesto de la película sería de 17.5 millones espetó entre risas: “Pues creo que ya nos lo hemos gastado todo”. Y es que según Dan Aykroyd, en el presupuesto se llegó a incluir hasta drogas como cocaína, para ayudar al equipo y al casting a mantenerse despiertos durante las largas jornadas nocturnas. Un estimulante que John Belushi disfrutaba especialmente, ya que creía que realzaba su interpretación. Tales excesos llevaron a que Belushi se ganara el sobrenombre de “Agujero Negro”, y no por todo lo que se perdía en su nariz, si no por la gran cantidad de gafas de sol negras que llegó a extraviar durante el rodaje. Podía hacer una escena y, a la siguiente, ni rastro de ellas.



15. LA COSA

Considerada por muchos, e incluso por él mismo, como la mejor película de John Carpenter, fue la primera parte de su llamada Trilogía del Apocalipsis, compuesta por “El príncipe de las tinieblas” y “En la boca del miedo”. A pesar de que muchos creen que está inspirada en “Las montañas de la locura” de Lovecraft por sus muchas similitudes, es en realidad una adaptación de un cuento corto de ciencia ficción, “Who Goes There?” de John W. Campbell. Éste ya había sido adaptado con anterioridad al cine por la película de 1951, “El enigma de otro mundo”, que se había tomado las letras de Campbell mucho más a la ligera que Carpenter. De hecho, su deseo de adaptarla nuevamente nació de ser lo más fiel posible a la obra original, cosa que consiguió con creces. También fue la primera película en la que Carpenter no fue el encargado de la banda sonora, que corrió a cargo de Ennio Morricone, nominado a un Razzie por su trabajo, lo cual demuestra que los Razzie, quizá como los Oscars, poco pueden hacer ante el paso del tiempo.



16. AMERICAN GRAFFITI

Al parecer, solo George Lucas y Francis Ford Coppola confiaban en el potencial de esta película, que costó menos de un millón de dólares y recaudó 140 millones en todo el mundo. Ningún estudio quería financiarla, pues Lucas quería que en el film sonaran hasta 40 canciones distintas, por lo que solo en la compra de derechos de los temas la producción ya se encarecía bastante. Finalmente Universal se animó a producirla cuando Coppola se incorporó al proyecto, pero ya rodada, la mantuvo seis meses en la nevera pues no sabía cuando ni cómo estrenarla, y consideraba que al no contar con actores conocidos, estaba condenada al fracaso. De hecho, en un pase previo con público joven en un cine de San Francisco, un directivo del estudio la calificó de “irrelevante” pese al entusiasmo que habían mostrado los espectadores. El comentario enfadó tanto a Coppola que llegó a firmar un cheque para comprarle a Universal los derechos del film. Finalmente se llegó a un acuerdo según el cual el estudio se comprometía a estrenar el film reservándose el derecho a sugerir cambios en el montaje.




17. MOVIDA DEL 76 (DAZED AND CONFUSED)

Se trata, probablemente, la película que mejor retrata la adolescencia en Estados Unidos en los años 70. Sin duda, Richard Linklater era consciente de que, para que el espectador tuviera esta sensación de viaje en el tiempo, era importante que la música fuera reconocible y se adecuara a los éxitos de la época. Es por ello que una sexta parte del presupuesto de la película se destinó únicamente a comprar los derechos canciones tan míticas como Hurricane, de Bob Dylan, o Cherry Bomb, de The Runaways. Aun así, la productora no pudo satisfacer por completo las necesidades musicales de Linklater, dado que Robert Plant le denegó expresamente el uso de “Rock and roll” de Led Zeppelin. Por otra parte, para que el ambiente lúdico fuera más creíble, la mayoría de los actores que aparecen bebiendo cerveza, en efecto, están bebiendo cerveza de verdad. Esto supuso un problema para algunos de los miembros del cast, como Jason London, que se negó a beber alcohol durante el rodaje. Además, estaba intentando dejar de fumar, lo cual le fue difícil en un ambiente en el que, precisamente, la vida sana no se celebraba.




18. DIECISÉIS VELAS

John Hughes se hizo mundialmente famosos por sus películas sobre adolescentes, llegando probablemente a su cima con “Dieciséis velas”. Pero no todo fue dulce en la película. Molly Ringwald, una de las primeras actrices seleccionadas, quiso que el papel de Jack Ryan, su interés amoroso, fuera interpretado por Viggo Mortensen, un chico que, literalmente, le hacía que le temblaran las piernas. Finalmente fue Michael Schoeffling el escogido. 

Y es que Molly tiene muy claro lo que quiere y algunas de las decisiones más populares de vestuario son suyas. Por ejemplo, la decisión de llevar el sombrero ladeado al principio de la película fue en contra de la diseñadora de vestuario, pero ella insistió tanto que acabó apareciendo con él. Poco después del estreno de la película, muchas chicas se lanzaron a imitarla.


19. EL CLUB DE LOS CINCO

Un hito generacional y la película que cambió para siempre el subgénero de la comedia juvenil. El castigo escolar más recordado de todos los tiempos convirtió en estrellas a sus jóvenes intérpretes, conocidos como el Brat Pack. Tal fue el éxito de la película que llegó a plantearse la posibilidad de volver a los personajes diez años después, en una especie de reunión de "El club de los cinco". Esto no llegó a pasar debido a la complicada relación entre John Hughes y algunos de los actores protagonistas. Hughes no quería repetir la experiencia de trabajar con Judd Nelson y se había distanciado de Molly Ringwald cuando esta decidió alejarse del género adolescente y empezar a aceptar proyectos más adultos.




20. REALITY BITES (BOCADOS DE REALIDAD)

Pocos saben que el debut de Ben Stiller detrás de las cámaras fue un impedimento para que la banda sonora de "Pulp Fiction" fuera aún más alucinante. Y es que entraba en los planes de Tarantino incluir la famosa canción de The Knack “My Sharona” en su película. Sin embargo, cuando fue a obtener los derechos, se encontró con que la licencia ya había sido otorgada a la película de Stiller. 

Además de la fantástica banda sonora, la película cuenta con dos actores protagonistas en estado de gracia. Precisamente, fue Winona Ryder quien arrastró a Ethan Hawke hacia el papel. En ese momento, Hawke estaba profundamente infeliz con la línea que había tomado su carrera, puesto que, después de “El club de los poetas muertos”, notaba que se había estancado. Fue entonces cuando la actriz, que era admiradora de sus dotes interpretativos, aceptó el papel a condición de que él fuera su coprotagonista.


21. TOPAZ

En el guion de la película, el personaje interpretado por Philippe Noiret no tenía ningún problema al andar. Sin embargo, en la película usa una muleta porque el actor tuvo un accidente montando a caballo poco antes de que empezara el rodaje, y Hitchcock prefirió que siguiera en el proyecto, aún lesionado, antes de buscarle un sustituto.


22. MATADERO CINCO

El cine es magia y a veces hace pasar por creíbles cosas que en la vida real son inconcebibles. En “Matadero cinco”, el protagonista, el actor Michael Sacks, es solo once meses mayor que Holly Near, que interpreta a su hija. Y peor aún, cuatro meses más joven que Perry King, que encarna a su hijo.


23. EL DIABLO SOBRE RUEDAS

Al tratarse de una película para televisión, los directivos de la ABC no dudaron en intentar meterle mano al montaje de la película. Sugirieron que el final era poco espectacular, y que sería mucho mejor si, después de caer por el barranco, el camión explotaba en el aire convertido en una gran y espectacular bola de fuego. Pero Spielberg concebía el camión más como un monstruo de una película kaiju de la productora japonesa Toho (como Godzilla) que como un vehículo grande, por eso quería que su muerte fuese “lenta y dolorosa”. Spielberg le dijo a su productor, George Ekstein, que si quería hacer saltar el camión por los aires que se buscara a otro director para rodar esa escena, y pese a ser un director joven e inexperto su ímpetu convenció a Eckstein que logró defender el final original frente a la cadena.


24. LA SERPIENTE Y EL ARCOIRIS

Wes Craven, que venía de alcanzar un rotundo éxito con “Pesadilla en Elm Street”, dirigió esta película basada en una novela de Wade Davis. El escritor, sin embargo, no quedó contento con la elección del cineasta, dado que la condición sine qua non que puso a la hora de vender los derechos de su obra fue que la dirigiera Peter Weir y la protagonizara Mel Gibson. La productora, para disgusto de Davis, hizo caso omiso y contrató a Craven y a Bill Pullman. Otro obstáculo al que se tuvieron que enfrentar fue la localización. La novela cuenta la historia de Un antropólogo de Harvard que es enviado a Haití para investigar una sustancia relacionada con el vudú. Consecuentemente, los planes de la productora pasaban por rodar en Haití. Sin embargo, en el país caribeño estaban teniendo lugar una serie de revueltas que acabaron con la dinastía Duvalier, el régimen dictatorial que imperaba, de modo que las autoridades no les pudieron garantizar la seguridad en el rodaje. Todo el equipo, entonces, tuvo que ser trasladado a la República Dominicana.


25. LOS TRES DÍAS DEL CONDOR

Estrenada durante un momento convulso de la historia norteamericana, tras la dimisión de Richard Nixon y el escándalo del Watergate, fue la cuarta colaboración entre Sidney Pollack y Robert Redford. Para prepararse para el papel de espía de la CIA, Robert Redford estuvo asesorado nada más y nada menos que por uno de sus directores, Richard Helms. Muchos años más tarde, "Capitán América: Soldado de Invierno", película en la que Redford actúa de villano, se inspiraría en la estructura de "Los tres días del Condor" para contar su historia.


26. NACIDO EL CUATRO DE JULIO

Tres años después de "Platoon" Oliver Stone regresaba a Vietnam para volver a ganar el Oscar a la Mejor Dirección gracias a esta adaptación de la novela autobiográfica de Ron Kovic, un veterano de Vietnam reconvertido en activista pacifista. El propio Kovic estuvo profundamente involucrado en el desarrollo del proyecto, ya que co-escribió el guión con el propio Stone y le cedió a Tom Cruise su verdadera medalla de la Estrella de Bronce para que pudiera lucir en la película. Como apunte curioso, Tom Cruise nació el 3 de julio.


27. LA TRAMA

Aunque Bruce Dern, protagonista masculino del film, ya había trabajado con Hitchcock (en algunos episodios de “Alfred Hitchcock presenta” y con una figuración en “Marnie, la ladrona”), se sorprendió mucho de que el maestro del suspense le ofreciese un papel tan importante en “La trama”, por lo que directamente le preguntó por qué le había elegido. “Sencillamente, porque el Sr. Packinow exigía 1 millón de dólares, y Hitchcock no le paga un millón a nadie”, le respondió. Dern tardó un tiempo en descubrir que el tal Sr. Packinow era, en realidad, Al Pacino.


28. HUIDA A MEDIANOCHE

Volvemos asistir, en esta película, a una gran interpretación de método de Robert De Niro. En esta ocasión, se preparó para el rol codeándose durante meses con caza recompensas profesionales. La involucración de De Niro en el papel fue tanta que, en la pelea que en la película mantiene con John Ashton, le golpeó de verdad en numerosas ocasiones, provocando algún que otro hematoma en el cuerpo a su compañero. Sin embargo, no fue la única actuación de método de la película. El coprotagonista, Charles Grodin, tiene cicatrices permanentes en las muñecas debido a su obsesión por llevar esposas de acero durante la mayoría del rodaje, incluso en planos generales, y no de goma o de plástico.


29. EL MAGO

Una versión pop del clásico “El Mago de Oz” nacida en el seno de la Motown y su división cinematográfica que supuso el debut en pantalla de, en aquel momento, la estrella emergente Michael Jackson como El Espantapájaros.
Inicialmente fue un proyecto asignado al director John Badham, que declinó dirigirla debido a la decisión de los productores de fichar a Diane Ross como Dorothy. Según Badham, la reputada actriz y cantante era demasiado adulta para interpretar el papel de una niña, y cuando decidieron que Dorothy sería una profesora de parvulario se negó a continuar en el proyecto. Es entonces cuando Sidney Lumet saltó a la silla gracias a su fama de ser un director que acababa sus películas a tiempo y dentro del presupuesto, aunque acabó por convertirse en la película más caras jamás rodada en Nueva York hasta la fecha. También fue el único musical con el sello de Sidney Lumet, gran ejecutor de thrillers como “Doce hombres sin piedad” o “Network”. Fue también uno de los primeros guiones de Joel Schumacher, a quienes muchos recordarán por sus trabajos como director en “Batman y Robin” y “Batman Forever”.


30. QUADROPHENIA

Tras el éxito de "Tommy", The Who produjo este drama basado en su ópera rock homónima. Una violenta lucha entre "mods" y "rockers" que fue inspiración para el revival mod que se vivió en Inglaterra a finales de los 70, y cuyo diseño de vestuario y producción sigue siendo uno de los más influyentes del cine contemporáneo. Prueba de ello es que si el más hater entre los haters, Liam Gallagher, la cita como una de sus películas favoritas de todos los tiempos, y que preferiría verla en bucle todo el día antes que verse “Trainspotting”. Por algo será.




31. XANADU

Pocas películas tan vilipendiadas por la crítica en su momento han logrado convertirse en un objeto de culto tan querido como esta fantasía kitsch con Olivia Newton-John en plan superestrella. Tres décadas después de su estreno, sigue siendo una de las experiencias estéticas más impactantes que Hollywood nos ha ofrecido jamás.

Y es que tras el éxito de "Grease", esta debía ser la película que lanzara la carrera de Olivia Newton-John en solitario, pero en vez de eso, y debido a su descalabro en taquilla, fue la última película que llegó a protagonizar como solista. Y es que parece que el rodaje de "Xanadú" fue una de esas experiencias que podrían traducirse en “una serie de catastróficas desdichas”. Según Newton-John, el guión se escribió completamente sobre la marcha, y Joel Silver, el productor, llegó a encerrar a uno de los guionistas durante tres días hasta que entregara sus líneas. Además, ya solo el set del Xanadú Club consumió 1 millón de dólares del presupuesto. Un exceso que acabó por pasarles factura, en el sentido más literal de la palabra.


32. JESUCRISTO SUPERSTAR

Interpretar al hijo de Dios marca a cualquiera, y lo cierto es que este es el único papel reseñable en el cine del actor Ted Neeley, que sin embargo celebró en 2018 sus 50 años interpretando al Mesías en distintas giras teatrales del musical. Tres décadas después de su última aparición en una película de ficción (“La ambición de Jodie Palmer”, de David Greene), Quentin Tarantino le regaló un cameo en “Django desencadenado” (2012).


33. AQUEL EXCITANTE CURSO

La directora de "Clueless (Fuera de Onda)", Amy Heckerling, debutó en el cine con un libreto del mismísimo Cameron Crowe, autor de películas como “Casi famosos” o “Jerry McGuire”. Pero no fue la única que estaba de estreno. Un jovencito Nicolas Cage, que en aquel momento se hacía llamar Nicolas Coppola, quiso probar suerte en el mundo del cine, bien apadrinado por su tío, el legendario Francis Ford Coppola. Suponemos que por cosas de la edad, el bueno de Nick llegó al rodaje con ínfulas de diva, y solía presumir que se haría famoso mucho antes que los demás por todos los contactos que le proporcionaría su tío. En cuanto se dio cuenta de que el resto de sus compañeros se burlaba de él haciendo imitaciones de Robert Duvall en “Apocalypsis Now”, dejó de jugar la carta del sobrino famoso. De hecho, es la primera y única película en la que aparece acreditado con el nombre familiar, después, pasaría a ser el Cage que todos amamos ahora, precisamente para distanciarse de la alargada sombra de los Coppola.


34. DESMADRE A LA AMERICANA

Uno de esos fenómenos inesperados que ocurren en contadas ocasiones y que cambió para siempre el panorama de la comedia estadounidense. Costó apenas 3 millones de dólares, recaudó más de 142 y fue punto de partida para otros desmadres universitarios como “Porky’s” o incluso “American Pie”. Todo un hito que, además, sirvió de plataforma de lanzamiento para cómicos que estaban triunfando en la televisión estadounidense pero que no acababan de dar el salto al cine, como la leyenda John Belushi. 

Pero se puede decir que antes de su estallido comercial, muy pocos creyeron en el potencial de la película. John Landis tuvo que ingeniárselas de mil maneras para poder rodar con tan ajustado presupuesto. Donald Shutherland fue tan escéptico de su éxito que, cuando le ofrecieron un porcentaje de la taquilla para pagar su salario se negó y exigió una cifra cerrada: 75.000 dólares que podrían haber sido 4 millones de dólares de haber aceptado. Pero suponemos que Donald se lo tomó con humor pues en más de una ocasión ha declarado que “Desmadre a la americana” es una de sus películas favoritas en la que se lo pasó en grande durante el rodaje.




35. EL SENTIDO DE LA VIDA

Los Monty Python reflexionan en ocho episodios sobre las diferentes etapas de la vida humana, desde el nacimiento hasta la muerte, en esta icónica comedia de culto que fue premiada en el Festival de Cannes. John Cleese llegó a bromear que el premio se lo habían concedido solo porque Orson Welles formaba parte del jurado y se había identificado con el Sr. Creosote, el hombre que acaba explotando por comer demasiado. 

Fiel a su extravagente estilo, Graham Chapman pidió expresamente hacer el papel de Dios. Él, abiertamente gay, estaba terriblemente enfadado porque los matrimonios del mismo sexo no estuvieran permitidos en Reino Unido, y fue su manera de reírse de esta injusta situación.




36. LOS GEMELOS ATACAN DOS VECES

Según el propio Schwarzenegger, la decisión de aparecer en esta película es la mejor que ha hecho nunca, y es que el ex político terminó especialmente contento con el resultado. Tanto es así que, en numerosas ocasiones, ha manifestado su voluntad de hacer una secuela llamada “Triplets” (trillizos), a la cual se incorporaría Eddie Murphy como el hermano perdido de los dos protagonistas originales. En el 2003, Danny DeVito empezó a trabajar en algunas ideas de la película, pero su coprotagonista estaba demasiado ocupado presentándose a las elecciones para gobernador de California, por lo cual se aparcó el proyecto. En 2012, después del segundo mandato de Schwarzenegger, se retomó la idea, pero a fecha de hoy, el guión se encuentra todavía en proceso de elaboración. Permítannos dudar de si algún día saldrá adelante.




37. ESTA CASA ES UNA RUINA

Producida por Steven Spielberg, marcó el inicio de su próspera colaboración cinematográfica con Tom Hanks, cuya fama de actor de comedias quedaría consolidada en esta época. Su principal fuente de inspiración fue la película de 1948, "Los Blanding ya tienen casa", protagonizada por Cary Grant y Myrna Loy, de la que tomaron su punto de partida pero también su apuesta por el humor slapstick, convirtiéndose en una de las grandes joyas de la comedia ochentera. El reto que tuvieron que enfrentar los productores fue encontrar una casa gigante cuyos dueños estuvieran dispuestos a permitir su demolición. Los Ridder fueron la familia que puso su casa a disposición de tal gesta, y a pesar de que estaba en venta, no pudieron dejar de sentir un poco de pena en el rodaje de las escenas finales de la película.




38. NO MATARÁS AL VECINO

Tom Hanks, Bruce Dern y Carrie Fisher protagonizan esta comedia negra ambientada en una urbanización que, al parecer, aloja a una familia asesina. Dirige Joe Dante, quien cinco años antes había saboreado las mieles del éxito con "Gremlins". Contaba Joe Dante que Tom Hanks tuvo serias dudas para aceptar el papel, pues era la primera vez que debía ejercer de padre en la gran pantalla, desviándose de la imagen que se había asentado en esos años. Aún así, acabó tan contento con el resultado y el rodaje que le regaló unas gafas de sol a todo el reparto y el equipo con una nota: Gracias. Además, la urbanización donde se rodó ha servido como escenario para multitud de películas y series de Hollywood, entre ellas, el famoso barrio donde vivían las "Mujeres Desesperadas".


39. LA MUERTE OS SIENTA TAN BIEN

Una de las comedias más taquilleras de principios de los 90, convertida en objeto de culto con los años, y especialmente querida por la comunidad LGTB. Meryl Streep y Goldie Hawn sufren inesperados efectos secundarios al ingerir un elixir de la eterna juventud en una divertidísima película de Robert Zemeckis que ganó el Oscar a los Mejores Efectos Especiales. A quien no le gustaron tanto fue a Meryl Streep, que no estaba muy contenta con que la película luciera tantísimos efectos visuales. Llegó a declarar que el rodaje había sido el equivalente a ir al dentista y, hasta la fecha, no ha vuelto a protagonizar una película que dependa tanto de este tipo de efectos.


40. ALWAYS (PARA SIEMPRE)

Steven Spielberg dirige este remake de "Dos en el cielo" (Victor Fleming, 1943), sobre el espíritu de un piloto fallecido que ejerce de mentor de uno novato, actualizando el contexto, pues el film original se ambientaba en la II Guerra Mundial. Fue la última película que rodó Audrey Hepburn poco antes de morir. Su salario fue donado en toda su integridad a UNICEF.




41. RETRATO DE UNA DAMA

La primera colaboración entre la directora ganadora de la Palma de Oro Jane Campion y la ganadora del Oscar Nicole Kidman. Campion descubrió a Kidman en Australia cuando esta solo tenía 14 años, y desde el primer momento vio el gran potencial que atesoraba la actriz. Tal fue la implicación de la joven Kidman en la película que, después del rodaje, le diagnosticaron estrés emocional y tuvo que guardar reposo durante varias semanas.


42. EL GOLPE

Es la única película por la que Robert Redford ha sido nominado al Oscar como actor. Lo ganó en 1981, como director, por “Gente corriente”; fue nominado en la misma categoría en 1995 por “Quiz Show”, y recibió el Oscar Honorífico en 2002, pero jamás volvió a ser reconocido por su trabajo como intérprete. Quizás por eso es aún más curioso que el actor haya declarado que la primera vez que vio “El golpe” fue en 2004, 30 años después de su estreno.


43. CALLES DE FUEGO

Según el propio Walter Hill, esta película nace de su deseo de hacer la película que le gustaría ver a su yo adolescente: coches customizados, neones, besos en la lluvia, trenes de noche, persecuciones a toda velocidad y estrellas de rock, No por nada se convirtió en una de las películas más estéticamente influyentes de su época.
No estaba tan seguro, en cambio, sobre la decisión de tener a Diane Lane en el reparto. En una primera instancia le pareció que la actriz no podía dar la talla, pero tras presentarse al cásting con ropa de cuero y botas altas quedó totalmente convencido y hasta añadió más escenas para su personaje. Quienes no se llevaron tan bien fueron Rick Moranis y Michael Paré. Al segundo le sacaba de quicio que Moranis pudiera meterse con todo el mundo por el mero hecho de ser humorista, especialmente con él, al que imitaba y hacía bromas de mal gusto constantemente.




44. PRIMERA PLANA

Es bien sabido que Billy Wilder no era un ferviente defensor de los remakes, pero aún así aceptó el proyecto de “Primera Plana”, una nueva versión de la deliciosa screwball comedy de Howard Hawks, “Luna Nueva”. A pesar de contar un cast de ensueño que reunía a su querido Jack Lemmon y Walter Matthau, Wilder no quedó del todo satisfecho con el resultado. No fue así, en cambio, entre el público, que la convirtió en la primera película del director que volvía a ser rentable desde “Irma, la dulce”, producida diez años atrás. 

Quién tampoco quedó muy contenta con su trabajo fue Carol Burnett, y es que la leyenda de la televisión, multipremiada en los Premios Emmy y los Globos de Oro, no lució al nivel que ella esperaba en la película. Su vergüenza ha llegado a ser tal que, durante un viaje de avión en el que la proyectaron, cuando acabó se levantó para disculparse personalmente con los pasajeros.


45. CUANDO LLEGA LA NOCHE

Dos años después de dirigir el videoclip de "Thriller", de Michael Jackson, John Landis contó con un reparto de ensueño en el que no cabían más estrellas en esta divertida comedia protagonizada por Jeff Goldblum y Michelle Pfeiffer. Atención a los cameos de directores como David Cronenberg, Jonathan Demme, Lawrence Kasdan, Roger Vadim o Don Siegel, entre otros.




46. LA MUJER EXPLOSIVA

Tras el éxito de "El Club de los Cinco", John Hughes dirigió esta nueva comedia juvenil en la que dos pardillos crean por ordenador a la chica de sus sueños, una Kelly LeBrock que por entonces era sex symbol nacional gracias a su papel en "La mujer de rojo", de Gene Wilder. Como en muchas películas de John Hughes, hay un momento de los protagonistas rompen la cuarta pared y miran a cámara.


47. REPO MAN (EL RECUPERADOR)

Película de culto dirigida por Alex Cox. Una comedia negra de ciencia-ficción protagonizada por Emilio Estévez y Harry Dean Stanton y con una banda sonora que ruge a ritmo de punk. La banda sonora corrió a cargo de Iggy Pop, al que el director fue a visitar personalmente para convencerle de ello. En ese momento, la carrera de Iggy no estaba quizá en su punto álgido, y por una cuestión económica aceptó sin pensárselo demasiado. También ayudó que Alex Cox le prometió total libertad creativa para desatarse por completo. 


48. DARKMAN

Se trata de la primera película de éxito de Sam Raimi fuera del universo Evil Dead. Su guión de hierro fue supervisado nada más y nada menos que por los hermanos Coen, grandes amigos del cineasta. Sin embargo, el film no se materializó exactamente como Raimi deseaba. Originalmente, el director quería que el personaje inicial fuera “La sombra”, un personaje de una serie de novelas pulp publicadas en los años 30, y narradas para la radio por un jovencísimo Orson Welles. Sin embargo, no pudo obtener los derechos del personaje, así que tuvo que inventarse a “Darkman” para evitar la violación del copyright. El idilio de Raimi con “La sombra” no termina aquí: en 2005 volvió a intentar conseguir los derechos del personaje, pero tampoco los pudo conseguir.




49. EL BESO DE LA PANTERA

Remake en clave erótico-terrorífica de "La mujer pantera", de Jacques Tourneur, a cargo de Paul Schrader, por entonces en plena forma tras dirigir "Hardcore" y "American Gigoló" y con el prestigio de haber colaborado con Scorsese en dos de sus películas más recordadas. Según Schrader, todas sus anteriores películas habían sido sobre fantasías, pero esta era la primera en la que se adentraba en el mundo de las pesadillas. 

No fue fácil convencer Malcom McDowell para que apareciera en la película, pues no tenía un gran recuerdo de la original de Torneur, pero Schreaer le convenció diciendo que en esta ocasión se centrarían más en los elementos de horror erótico, lo que no sabía es que llegaría casi a rozar lo pornográfico. 

La música también es otro de los elementos claves de este nuevo remake, y es que muchas canciones corrieron a cuenta del cantante David Bowie. Más tarde, Tarantino utilizaría una de ellas para cerrar su película, “Malditos Bastardos”.


50. ESENCIA DE MUJER

Aunque parezca mentira, Al Pacino tiene únicamente un reconocimiento de la Academia norteamericana, y es por esta película, una de las mayores alegrías de su carrera. El mítico actor, sin embargo, estuvo a punto de no aparecer en el film, dado que, en un principio, había rechazado el papel. Fue en una conversación con su agente, a quien agradeció años después, que tomó la decisión de aceptarlo. Una vez en el set de rodaje, se volcó tanto en el personaje que pasó un tiempo interpretando al personaje fuera de las cámaras. Usaba su bastón por la calle y no miraba a los ojos a las personas con las que hablaba. Para perfeccionar esta técnica, fue asesorado por un colegio para ciegos. ¿Su secreto? En palabras del propio Pacino: “Nunca dejaba que mis ojos se concentraran en nada”.




51. TEMBLORES

Kevin Bacon protagoniza la película que dio inicio a esta conocida saga de terror con sentido del humor y monstruosos bichejos subterráneos hambrientos de carne humana. Ninguneada en su estreno en cines, fue sumando adeptos gracias al VHS, convirtiéndose en uno de los grandes fenómenos de videoclub de principios de los 90.




52. ATRAPADO POR SU PASADO

La secuela espiritual de "Scarface". Una película impactante y apasionada que volvía a unir a Al Pacino y Brian de Palma en un universo crepuscular de violencia, drogas y mafia. En un principio, De Palma se mostró reacio a aceptar el proyecto, pues no quería volver a dirigir otra película sobre un mafioso latino después de "Scarface". Entre los nombres que se barajaron estuvo el de Abel Ferrara.




53. EL COCINERO, EL LADRÓN, SU MUJER Y SU AMANTE

El siempre irreverente Peter Greenaway, sin duda, uno de los cineastas británicos más controvertidos de la historia, se marcaba una incómoda obra maestra donde Helen Mirren luce mejor que nunca gracias a un vestuario exquisitamente diseñado por Jean-Paul Gaultier. Una sórdida historia de adulterios, venganzas y canibalismo que fue la gran ganadora del Festival de Sitges de su año.


54. EL SECRETO DE MI ÉXITO

El título de la película bien podría referirse a su propio protagonista, Michael J. Fox, cuyo éxito en el momento era clamoroso. El actor venía de estrenar, el año anterior, la célebre “Regreso al futuro”, lo cual se notó en taquilla. Sesenta y siete millones de dólares fue la recaudación total del film en Estados Unidos, desbancando a otros clásicos de los 80 como “Robocop”, “Depredador”, “Dirty Dancing” o “El imperio del sol”. Precisamente, esta última fue dirigida por Steven Spielberg, en cuya vida está basado el protagonista de la película. El director de Indiana Jones y Tiburón solía colarse, en sus años primerizos en la industria, en los estudios de Universal, y usaba una oficina vacía como su propia oficina - evidentemente, sin funciones reales -, lo cual es imitado en el film por el personaje de Fox.


55. HAZ LO QUE DEBAS

El tercer largometraje de Spike Lee tiene el honor de ser la película que el expresidente estadounidense Barack Obama y la ex primera dama, Michelle Obama, vieron en su primera cita. En ese encuentro, el matrimonio tuvo que escuchar la palabra “fuck” más de doscientas cuarenta veces. Si tenemos en cuenta que la duración es de ciento diez minutos, nos da una asombrosa media de dos por minuto, una cifra que a la que solo Tarantino y Scorsese se acercan.


56. CLOCKERS (CAMELLOS)

Producida y apadrinada por Martin Scorsese, quien le cedió el proyecto a Spike Lee para dirigir "Casino". Una fiera adaptación al cine de la inabarcable novela de Richard Price, donde Lee volvía a demostrar su habilidad cinematográfica para la denuncia social y virtuosismo estético para retratar los suburbios de la Nueva York más marginal.




57. NUESTROS MARAVILLOSOS ALIADOS

El primer guion en Hollywood de Brad Bird (director de "Ratatouille" y "Misión:Imposible - Protocolo Fantasma") fue el de esta comedia de ciencia-ficción producida por Steven Spielberg sobre unos extraterrestres que ayudan a evitar un desahucio en nuestro planeta. Pensada para formar parte de la serie "Cuentos asombrosos", Spielberg quedó tan encantado que decidió que debía ser una película




58. CANDYMAN, EL DOMINIO DE LA MENTE

Basada en un relato de Clive Barker, es una de las mejores películas de terror de los años 90, especialmente porque más allá del gore y las secuencias de miedo, contiene una profunda reflexión sobre la discriminación social y racial en Estados Unidos. Su éxito dio pie a dos secuelas y este mismo 2020 verá la luz su reboot de la mano de una las mentes del terrro más aclamadas de los últimos años, Jordan Peele, director y guionista de éxitos como "Get Out" o "Us". En esta ocasión, ha co-escrito el guión con Nia DaCosta y le ha cedido la dirección a la joven cineasta.




59. EN EL ESTANQUE DORADO

Una película histórica que reunió a dos de los grandes actores de todos los tiempos, Henry Fonda y Katharine Hepburn. Hasta ese momento, ambos intérpretes jamás habían trabajado juntos y tampoco se habían conocido en persona, a pesar de tener múltiples amigos en común. Pero fue llegar y la magia. Ha sido difícil escoger entre las muchas peculiaridades que ocurrieron en la carrera de premios con “El estanque dorado”, pero por decir unas pocas: 

- Fue la primera y única película en la que dos actores que interpretan a un marido y a una mujer se hicieron con ambos premios Oscar. 

- Henry Fonda y Jane Fonda se convirtieron en los primeros padre e hija en recibir una nominación de la Academia por la misma película. Jamás volvieron a trabajar juntos. Las segundas fueron Diane Ladd y Laura Dern por “El Precio de la Ambición”. No ha vuelto a repetirse.

- Fue el último Oscar de la carrera de Katherine Hepburn, que hasta ahora sigue ostentando el récord para una actriz con 4 estatuillas.

- También es la única película en la que dos de los actores ganadores no asistió a recoger su estatuilla.


60. DÍAS SIN HUELLA

Fue la primera película que logró ganar el mismo año el Oscar a la Mejor Película y el premio principal del Festival de Cannes, que por entonces aun no se llamaba Palma de Oro. Diez años después lo logró “Marty”, de Delbert Mann, y nadie más lo había logrado hasta Bong Joon-hoo con “Parásitos”.




61. CRY BABY

El FBI se presentó un día en el rodaje de la película, buscando a la actriz Traci Lords. Cabe recordar que en 1986 Lords fue la protagonista de un escándalo mediático al descubrirse que había sido explotada sexualmente siendo menor de edad para participar en numerosas películas pornográficas. Durante el rodaje, la investigación del FBI sobre el caso, que acabó con todas las películas de Lords siendo retiradas del mercado y con varios productores encarcelados, seguía abierta. La actriz recuerda el cariño con el que el resto del equipo artístico de la película trataron de tranquilizarla aquel día, explicándole los múltiples problemas con la ley que también habían tenido ellos. Al final resultaba que casi nadie podía tirar la primera piedra: todos tenían una detención o una noche en el calabozo que recordar.




62. DRÁCULA

Dráculas ha habido muchos, pero pocos como el que lucieron Frank Langella y John Badham. Tras su éxito en la producción de Broadway, el productor cinematográfico Walter Mirisch no se lo pensó dos veces a la hora de embarcarse en su adaptación para la gran pantalla. El Drácula de Langella retomaba el espíritu elegante y señorial de otras adaptaciones y tan solo puso dos condiciones para participar en la película: tal y como hacía Bela Lugosi, no utilizaría colmillos goteantes de sangre y tampoco rodaría ningún anuncio promocional como Drácula. 

Ese año fue también fue uno particularmente fértil para el cine de vampiros, y es que en 1979 llegaron a estrenarse hasta cinco películas: “Nosferatu, vampiro de la noche”, “Amor al primer mordisco”, “Nocturna” y “Muérdeme abajo, Drácula”

Y, como último apunte, Sir Laurence Olivier, que en esta ocasión ejercía del archienemigo del conde, el Profesor Van Helsing, estuvo gravemente enfermo durante gran parte del rodaje, hasta el punto que muchos pensaron que no sería capaz de acabar la película. Su enfermedad le producía enormes sangrados al menor rasguño o herida. En una película sobre Drácula. Hablando de narrativa de la vida.




63. DESAPARECIDO

La primera incursión en Hollywood del director Costa-Gavras, que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes y también el Oscar a Mejor Guión Adaptado. Basada en hechos reales que ocurrieron durante el sangriento golpe de estado del dictador Augusto Pinochet, estuvo prohibida en Chile desde 1973 hasta 1990, el año que acabó la dictadura. Es la primera película en la que Vangelis colaboraría con la banda sonora, pero jamás se llegó a lanzar una compilación de los temas como tales, y solo puede escucharse la canción original de la película en el disco de Vangelis, “Themes”.


64. PSICOSIS II: EL REGRESO DE NORMAN

No debió ser fácil cargarse a las espaldas la ardua tarea de dirigir la secuela de una de las películas más influyentes de la historia del cine. Pero el australiano Richard Franklin, antiguo alumno del maestro Hitchcock, no se amedrentó con la tarea y acabó por conseguir una más que digna continuación para la vida del asesino Norman Bates. De hecho, fue mejor recibida entre la crítica que “Psicosis” en su día, que recibió muchas opiniones contrapuestas. Según Tarantino, es una de sus películas favoritas y la prefiere a la original. 

La película estaba pensada para ser una TV Movie, hasta que Anthony Perkins decidió unirse al proyecto tras muchos meses persiguiéndole para ello. También se planteó que Jamie Lee Curtis realizara el papel que finalmente acabó siendo para Meg Tilly, teniendo en cuenta que Janet Leigh es su madre. Como apunte, la cabeza de la ducha de “Psicosis” también iba a tener su cameo estelar en la película, pero alguien lo robó justo antes de empezar el rodaje.




65. UN ROMANCE MUY PELIGROSO

La primera de las muchas colaboraciones entre George Clooney y Steven Soderbergh, siendo considerada por el propio actor como una de las mejores de su carrera, aunque sin duda, no la más taquillera. Y es que muchos consideran que Universal se equivocó lanzándola en pleno verano, donde compitió con blockbusters más robustos que acabaron por eclipsarla. No fue así en la temporada de premios, donde Anne V. Coates recibió una nominación a Mejor Edición y Scott Frank, el guionista a Mejor Guión Adaptado. Tras haber dedicado gran parte de su carrera a un cine más radical y de autor, esta fue la oportunidad de Soderbergh para introducirse en la industria y acceder a zonas que antes le eran vetadas.


66. EL CABO DEL TERROR

Robert Mitchum, sin lugar a dudas un tipo peculiar, no parecía dispuesto a aceptar la propuesta de Gregory Peck (productor de la película) de trabajar en el film. Para convencerle, Peck y J. Lee Thompson le mandaron a casa una caja de bourbon. Mitchum les respondió: “De acuerdo, me he bebido vuestro bourbon. Voy borracho. Lo haré”. Eso sí, como condición pidió no rodar ninguna escena en Savannah (Georgia), pues cuando era joven fue incluido, en esta población, en una lista pública de vagos y maleantes. Por eso, muchas escenas de exteriores se filmaron en Stockton (California).


67. FRENESÍ

Inicialmente, el papel de Robert Rusk (interpretado en la película por Barry Foster) fue ofrecido a Michael Caine, que lo rechazó porque considerada que el personaje era muy desagradable y no quería  que le relacionaran con alguien así. Según explica el propio Caine en sus memorias, unos años después coincidió con Hitchcock en un hotel, y este le ignoró por completo, como si no supiese quien era.


68. FORAJIDOS

La película está basada en el cuento “The Killers”, de Ernest Hemingway. Cuenta la leyenda que cuando el escritor asistió a una proyección privada antes del estreno del film, lo hizo llevando una petaca de ginebra en uno de sus bolsillos, y una con agua en el otro. Quería estar prevenido por si le entraba sed, pero sobre todo por si la película era tan mala que se veía obligado a emborracharse para aguantar hasta el final. Al acabar la proyección, Hemingway levantó feliz las dos petacas y sonriendo dijo: “¡No las he necesitado!”


69. CORTINA RASGADA

En una entrevista en 1994, Steven Spielberg confesó que siendo joven se coló en el rodaje de “Cortina rasgada” para ver cómo trabajaba Hitchcock de cerca. Logró permanecer tres cuartos de hora escondido hasta que un asistente de producción le pidió que se marchara.


70. PERO... ¿QUIÉN MATÓ A HARRY?

A diferencia de lo que ocurrió con la mayoría de sus actrices, la relación que mantuvo Hitchcock con la entonces jovencísima y debutante Shirley MacLaine (que ganó un Globo de Oro por su papel en el film) fue muy buena. El director se la llevaba cada día a desayunar con él antes del rodaje. Debido a su origen humilde -trabajaba como corista en Broadway-, Hitch la veía como “una pobre niña que necesitaba ser alimentada”. Los desayunos con Hitchcock deben ser copiosos, porque MacLaine engordó 7 kilos durante el rodaje, lo que le valió una reprimenda del estudio, que la llamó por teléfono exigiéndole que dejara de comer tanto si no quería arruinar su carrera en el cine antes de empezarla.


71. DÍAS EXTRAÑOS

La quinta película de la oscarizada Kathryn Bigelow es increíblemente ambiciosa. Tanto es así que, después de hacer un estudio exhaustivo del mercado, la cineasta llegó a la conclusión de que ninguna de las cámaras que se habían inventado hasta el momento le proporcionarían el acabado que quería para los planos en primera persona. De este modo, la división de innovación de Lightstorm Enterntaiment, la productora de su por entonces marido James Cameron, invirtió un año entero en fabricar una cámara especial para la tarea. El aparato era tan ligero que cabía en la palma de la mano. Para imitar el ojo humano, la pusieron encima de una plataforma portátil, lo cual otorgaba un mínimo de estabilidad y un movimiento similar al de un ser humano cuando camina. El resultado, tal y como se puede ver en el film, fue fantástico.


72. GORILAS EN LA NIEBLA

El reconocido biopic de la zoóloga Diane Fossey tuvo que llevarse a cabo con uno de los principales handicaps que un cineasta se puede encontrar: rodar con animales salvajes. El director, Michael Apted, quería utilizar, siempre que fuera posible, gorilas de verdad, pero se dio de bruces con la realidad. En los planos más cortos, el uso de trajes de gorilas fue inevitable, así que el principal problema a solucionar fue que los ojos se veían demasiado humanos. Así, el responsable de caracterización Rick Baker entró en escena, y diseñó un traje tan óptimo que Apted pudo rodar todos los planos sin que se notara la diferencia con los reales. Otro problema importante fue el uso de bebés gorila. El instinto maternal de los adultos impedía que el equipo de rodaje se llevara a las crías para poder filmar, así que todos los bebés que interactúan con humanos en el film son, en realidad, chimpancés maquillados. Una solución creativa para un obstáculo insalvable.


73. FLETCH, EL CAMALEÓN

Chevy Chase encarna al mítico periodista Fletch, un maestro del disfraz nacido de la imaginación del novelista Gregory Mcdonald, en este thriller de tono cómico que dio pie a dos secuelas y gozó de enorme popularidad en su momento.


74. FLETCH REVIVE

Chevy Chase interpreta de nuevo a uno de sus personajes más icónicos, en la secuela de "Fletch, el camaleón". El reportero de Los Angeles Irwin "Fletch" Fletcher había nacido años antes de la imaginación del novelista Gregory Mcdonald.




75. MARNIE LA LADRONA

Esta fue la última película de Hitchcock montada por George Tomasini, la última que contó con música de Bernard Herrmann y la última en la que trabajó Tippi Hedren. La relación entre el director y la actriz se deterioró tanto durante el rodaje que se llegó a especular que Hitchcock abandonó el rodaje y dirigió las últimas escenas dándole indicaciones a algunos de sus ayudantes. Hedren reconoce que su amistad con Hitchcock terminó con esta película, pero niega ese rumor.


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3 valoraciones

Me llamabais la atención por vuestro catálogo de clásicos, pero finalmente lo que hizo que me suscribiera fue la incorporación del canal de MGM, y con este de Universal me estáis demostrando que hice muy bien en confiar en vosotros. Además, estas publicaciones con curiosidades de cada película hacen que se disfrute aún mas de ellas. Muchas gracias, Filmin.
Una sugerencia: ¿Para cuándo el canal con clásicos de Warner Brothers? ; )

04 marzo 2020 (Editado)
mrkeyboard

Orgullosísimo de tener Filmin, me quedo sin palabras, muchas gracias por todo ésto. Todos estos convenios me hacen preguntarme qué vendrá después. Si puedo hacer una petición, ya que tienen estos convenios con MGM y Universal, es que los sigan ampliando con nuevas ediciones, ya que ningún servicio de streaming de los más conocidos se ocupa de eso, ha sido fantástico lo que han compartido, pero por favor sigan ampliando sus catálogos, en el caso de Universal, hacer una nueva entrega pero con clásicos más antiguos, de la edad dorada de los 1930s a los 1950s. Larga vida a Filmin.

01 marzo 2020