En Filmin hemos hecho historia. Más de 100 películas de la legendaria major estadounidense, Metro-Goldywn-Mayer, se han sumado a nuestro catálogo para todos los suscriptores. Desde ganadoras del Oscar a clásicos indiscutibles de Hollywood, una lista trufada de obras maestras del ayer que nos siguen acompañando ahora. ¿Pero cuánto sabemos de ellas? Os proponemos un divertimento en forma de anécdotas que rodean a algunas de las películas más míticas de la Metro-Goldywn-Mayer, como la vez que Billy Wilder dejó de invitar a Marylin Monroe a la fiesta de fin de rodaje de "Con faldas y a lo loco" o que el título para "Annie Hall" escogido por Woody Allen fue "Anhedonia" hasta que los productores le convencieron de cambiarlo.

1. TORO SALVAJE

La película que salvó a Martin Scorsese. Tras caer en una adicción a las drogas, concretamente a la cocaina, la carrera de Scorsese parecía acabada, hasta que llegó Robert de Niro, actor con el que ya había trabajado en "Taxi Driver", para convencerle de que debía rodar "Toro Salvaje", sin excusas. Tal fue su insistencia, que el director neoyorkino acabó por hacerle caso, rehabilitándose por completo de las drogas y consagrándose como uno de los genios de su generación. Y es que más allá de suponer el mejor trabajo de Scorsese, "Toro Salvaje" es considerada una de las mejores películas de todos los tiempos.

2. COWBOY DE MEDIANOCHE

En su estreno original, la película fue clasificada como X en Estados Unidos, una calificación que solía asociarse a las películas porno y que provocaba rechazos entre algunos distribuidores. Más tarde, en 1971, se otorgó una nueva calificación a la película, R, que avisa de que los menores de 17 años deben ir acompañados de sus padres. Aún así, "Cowboy de Medianoche" ha quedado como la única película clasificada como X en ganar un Oscar a la Mejor Película. 

3. WEST SIDE STORY

Elvis Presley sonó para el papel protagonista de Tony pero, disuadido por su agente, acabó por rechazarlo. Más tarde se arrepentiría de ello. Natalie Wood por su parte no era la candidata inicial para el papel de Maria. Este debía ser interpretado por Audrey Hepburn pero la actriz, embarazada de su esposo, el también actor Mel Ferrer, se vio obligada a rechazar la oferta. La censura vetaría la proyección de la película en las pantallas españolas hasta 1962, los españoles debían cruzar los Pirineos para visionar sus escenas tal y como hacían con el cine erótico o con las producciones experimentales de Bergman. En Barcelona "West Side Story" fue la primera película representada en la sala Aribau coincidiendo con su inauguración, encabezando su cartelera durante más de año y medio.

4. PLATOON

Todos los actores se vieron inmersos en un duro entrenamiento militar de trece días antes de comenzar el rodaje. Fue diseñado por Oliver Stone para que los actores se vieran inmersos y se hicieran una idea de las condiciones en que estaban aquellos soldados. Para ello hacían maniobras con rifles m-16 y equipos de más de 40 kilos en plena jungla. La comida consistía en unos paquetes de comida fría especialmente preparada para los soldados. Al anochecer, se debían de atrincherar en hoyos para dos personas y se turnaban para hacer guardias. Cuando finalizó el entrenamiento, sin tiempo para descansar, comenzó el rodaje. Con él, Stone consiguió plasmar el cansancio de los soldados en los rostros de los actores. En las academias de oficiales del Ejército de Estados Unidos se utiliza el papel del Teniente Wolfe como ejemplo de como no debe ser un joven oficial.

5. HECHIZO DE LUNA

Cher ya había hecho cosas en el mundo de la interpretación, y de hecho había sido nominada a un Oscar anteriormente por "Silkwood". Sin embargo, todavía tenía las dudas de si el público la tomaría en serio como actriz. El papel de Loretta la hacía sentir incómoda porque era más complejo comparado con lo que había hecho. Esto la hacía creer que había más riesgos de que saliera mal. Aun con todas estas inseguridades, decidió probar. Está claro que hizo muy bien, ya que suyo fue el Oscar.

6. LA AVENTURAS DE PRISCILLA, REINA DEL DESIERTO

Como muestra de orgullo de la cultura popular australiana, el Priscilla, el autobús turístico de la película, participó en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Verano de Sídney 2000. El autobús estuvo en el desfile luciendo en su techo un tacón de aguja gigante y estuvo acompañado de drag queens con pelucas grandes en homenaje a la cinta y también a la comunidad LGBT de la ciudad.

7. EL SILENCIO DE LOS CORDEROS

Al personaje de Anthony Hopkins le pirran los sesos humanos pero la inspiración para este psicópata no viene de un caníbal, sino de un dentista. No uno en concreto, más bien todos los dentistas del mundo. El actor convenció al director Jonathan Demme y el diseñador de vestuario Colleen Atwood de vestir a Lecter de blanco en vez de naranja. La idea le llegó por su miedo a los dentistas. "El silencio de los corderos" es la única película de terror con Oscar a mejor película. Las otras pocas nominadas en la categoría han sido "El exorcista", "Tiburón", "El sexto sentido", "Cisne negro" y "Déjame salir".

8. TERCIOPELO AZUL

"Terciopelo Azul" tiene varias referencias a Abraham Lincoln y su posterior asesinato. Los apartamentos del filme se sitúan en la calle Lincoln y el apellido de Frank Booth está basado en el del asesino de Lincoln, John W. Booth. "Vértigo", "La noche del cazador" y "Un perro Andaluz" están entre sus principales influencias. Woody Allen dijo de ella que era la mejor película que había visto con diferencia en mucho tiempo.

9. TERMINATOR

James Cameron que tuvo la idea inicial en un hotel de Roma en el que se encontraba durante el rodaje de un spot televisivo. En concreto, la inspiración le llegó al director durante una noche de fiebres y mareos en la que despertó con la imagen de un Terminator surgiendo de una bola de fuego. Consciente de estar ante un punto de partida más que interesante para comenzar a escribir un guión, Cameron se levantó de inmediato y corrió a dibujar lo que serían los primeros bocetos de uno de sus personajes más memorables.

10. MALAS INFLUENCIAS

Fue concebida por su guionista David Koepp como una especie de variación 'High Tech' del clásico ''Extraños en un tren'' de Hitchcock con toques de ''Mujer, blanca, soltera, busca'". Además de suponer uno de los mejores papeles que Rob Lowe ha interpretado en su carrera (el primero como villano) también supuso la obra que puso en el punto de mira a Curtis Hanson, maestro del neo-noir que a continuación crearía "La mano que mece la cuna", "Río Salvaje" y la oscarizada y mundialmente aclamada "L.A. Confidential".

11. CUANDO HARRY ENCONTRÓ A SALLY

El orgasmo más icónico de la historia del cine ni siquiera estaba en el primer borrador de su guión. Por no estar, ni siquiera estuvo en la versión que algunas aerolíneas ofrecían a bordo de sus aviones. La idea de fingir el orgasmo, por obra y gracia de su protagonista, llevó a Meg Ryan y Billy Crystal a una de las mesas del restaurante Katz's Delicatessen de Nueva York, donde sus famosos sándwich de pastrami vieron emerger el negocio a partir de la instalación de una placa que animaba a vivir la misma experiencia sensorial que erotizó aquel símbolo femenino.

12. EL MISTERIO VON BÜLOW

Jeremy Irons consiguió su primera y única nominación al Oscar hasta la fecha por su interpretación, que acabaría ganando. Y lo hizo dando vida al personaje real Claus von Bulow, quien fue declarado culpable pero luego absuelto de intentar asesinar a su esposa adinerada en dos juicios que atrajeron una intensa atención internacional en la década de 1980. Murió este mismo 2019, el 31 de mayo concretamente, a los 92 años de edad.

13. RAIN MAN

En el guion original de "Rain Man" se decía que Raymond era una persona amigable y feliz, pero después de una lectura inicial, el actor Dustin Hoffman sugirió que el personaje fuese un autista recluso. Sugerencia que terminó siendo aceptada.

14. UN PEZ LLAMADO WANDA

Michael Palin pasó a fundar el Centro de Londres para niños de la tartamudez después de que un grupo de tartamudos se enfrentó a él con respecto a la sensibilidad con la que se ocupó de la discapacidad del personaje Ken en esta película. Asimismo, la escena en la que Otto se sienta en el fondo detrás de Wanda (Jamie Lee Curtis) es una reminiscencia de una escena en "Halloween", en la que el personaje de Michael Myers se sentó detrás de Curtis. John Cleese siempre ha considerado "Un pez llamado Wanda" su película favorita.

15. EL ÚLTIMO TANGO EN PARÍS

La idea de la película surgió gracias a una fantasía sexual del director, Bernardo Bertolucci, quién afirmó que "una vez soñó con mantener relaciones sexuales con una completa desconocida". Una fantasía que finalmente se convirtió en un polémico clásico cinematográfico.

16. ROBOCOP

En determinado momento de "Robocop", un boletín de noticias anuncia la destrucción que ha provocado un láser sobre una zona residencial de Santa Bárbara, causando la muerte de dos ex presidentes de los Estados Unidos. En el momento en que se estrenó la película, Richard Nixon y Ronald Reagan vivían en Santa Bárbara. Blanco y en botella. Paul Verhoeven incluyó toda una serie de críticas a la sociedad a través de los anuncios televisivos y la forma sensacionalista en la que se expresan los medios en sus películas. Además, pone en evidencia al sistema policial, siendo todo un panfleto anticapitalista y misógino con el que poder denunciar la corrupción política.

17. LA PUERTA DEL CIELO

Es señalada como el ocaso de lo que supuso el Nuevo cine americano o Nuevo Hollywood. Su fracaso de público y crítica también marcó la caída de los grandes estudios de la época dorada (lo pasó realmente mal y fue crítica la situación en que se quedó United Artists). Por otra parte, tiñó de director maldito a Michael Cimino que había sido encumbrado con "El Cazador" y hundido con "La puerta del cielo"… y nunca volvió a levantar totalmente la cabeza. La cantidad de celuloide filmado y una obra final de cinco horas hizo que ante el terror de la hecatombe el propio director cortara y cortara, así exhibió en los cines una versión de 148 minutos. Sin embargo, el paso del tiempo le ha hecho justicia y tras restaurarse la versión del director con el metraje original de 216 minutos ha sido encumbrada como una de las obras magnas mas relevantes de la historia del cine.

18. EL TREN DE BERTHA

El segundo largometraje de Martin Scorsese, y uno de los menos conocidos, nació tras el éxito de "Mamá sangrienta", de Roger Corman y otras películas de gángsters con protagonista femenina. Corman, impresionado por "Who’s That Knocking", le ofreció su primer trabajo como director comercial. Scorsese aceptó. "El tren de Bertha" fue concebida como una nueva versión de "Bonnie y Clyde", sin embargo, su principal objetivo no era otro que presentar a una mujer criminal como protagonista para tratar de repetir el éxito que "Mama Sangrienta" tuvo en taquilla. No llegó a tanto, por mas que bien lo mereciera.

19. LENNY

Lenny es todo un personaje, un icono absoluto del stand-up comedy. En los años 60 encandiló a la sociedad americana con sus discursos mordaces y su original charlatanería. El ganador de dos Oscar, Dustin Hoffman, da vida a este controvertido cómico americano. Una película extraordinaria que en 1974 consiguió seis nominaciones a los Oscar, incluyendo el Oscar a la mejor fotografía.

20. ANNIE HALL

Aunque todos la hayamos conocido con el título que tiene su personaje protagonista, durante mucho tiempo "Annie Hall" no se llamó así, sino "Anhedonia", un término griego que significa ‘imposibilidad de sentir placer’. Un título confuso elegido por el propio Woody Allen que no gustó a los productores y que finalmente se cambió por uno más conciso y fácilmente recordable. Un acierto.

21. MANHATTAN

Aunque parezca increíble, Woody Allen considera "Manhattan" una de las grandes decepciones de su carrera, señalando que se trata de uno de sus trabajos menos conseguidos. Tanto es así que el cineasta llegó al punto de proponer a los responsables de United Artist dirigir una película gratis a cambio de que "Manhattan" nunca llegara a estrenarse. En la actualidad, Allen no ha cambiado de opinión y asegura que en aquel momento "lo que pensé fue: si, en este punto de mi vida, esto es lo mejor que puedo hacer, no deberían pagarme por hacer películas". Escuchar para creer.

22. HANNAH Y SUS HERMANAS

Aunque bastantes escenas se rodaran en el apartamento de Mia Farrow, esta y sus hijos realizaban las rutinas de vida diaria mientras el equipo de rodaje trabajaba. Procuraban no molestar ni interferir en el proceso de preparación. Aunque no careciera de cierto frenesí tanto para la familia como para los integrantes del equipo del rodaje. A Michael Caine le gustaba observar a Mia en sus tareas domésticas. Cómo podía pasar de una labor a otra sin complicación alguna. Podía estar alimentado a uno de sus hijos, y ser interrumpida por un ayudante de dirección que le requería para rodar una escena. Ella colocaba los cubiertos en el plato, caminaba tranquilamente hacia el lugar de rodaje y se preparaba para actuar.

23. LA ROSA PÚRPURA DEL CAIRO

La nostalgia es terriblemente caprichosa: algunos se suicidan; otros se alcoholizan. Woody Allen fue capaz de canalizar toda su tristeza en una película: La rosa púrpura del Cairo, su filme más querido. Ante su incapacidad para entender por qué el público rechazaba ese placer celestial de ir al cine, de confundir fantasía y realidad, surgió un argumento. “Me dije: ‘oye, pues sería divertido que un personaje saliera de la pantalla para entrar en la vida de una espectadora que no tiene nada. Y sería muy romántico que la hiciera entrar en la película”. Escribió la mitad de la película del tirón antes de que le llegara el bloqueo creativo. Cuatro meses sin añadir una línea. De repente, se le abrieron los cielos: “Solo regresé al guión cuando comprendí que el actor real también tenía que aparecer en escena”.

24. ALICE

Woody Allen encontró la inspiración para "Alice" tras salirle un orzuelo en el ojo, lo cual le llevó al acupunturista. A partir de aquí el incidente comenzó a crecer en su imaginación, floreciendo y plegándose sobre sí mismo, y finalmente se convirtió en una historia sobre Mia Farrow en la que da vida a una rica esposa florero de Nueva York que se ve obligada a evaluar cada aspecto de su vida después de que un extraño anciano de Chinatown le de  una serie de hierbas mágicas de sorprendentes efectos.

25. SEPTIEMBRE

De acuerdo con un reportaje de 2011 publicado en Movieline Magazine, "Septiembre" es la menos taquillera de todas las películas de Woody Allen con una recaudación de sólo 486.484 dólares. La trama en la que Mia Farrow mata al hombre que maltrató a su madre (Elaine Stritch) está inspirada en la vida de Lana Turner, cuya hija de 14 años, Cheryl Crane, mató al gangster Johnny Stompanato en 1958.

26. DÍAS DE RADIO

El conocimiento enciclopédico de Woody Allen sobre el pop y el jazz anteriores a 1950, evidente en la mayoría de las bandas sonoras de sus películas, fue la inspiración para "Días de Radio": "Se originó a partir de una idea de que quería elegir un grupo de canciones que fueran significativas para mí, y cada una de esas canciones sugirió un recuerdo", recordó el cineasta en el libro Woody Allen on Woody Allen. "Entonces esta idea comenzó a evolucionar: lo importante que era para mí la radio cuando era niño y lo importante y glamoroso que parecía para todos".

27. INTERIORES

Supone la primera película no cómica, intrínsecamente dramática, de Woody Allen. Inspirado nuevamente por el cine de Bergman, "Interiores" se revela en un vehículo de lucimiento para su director de fotografía, Gordon Willis, que venía de encumbrarse por todo lo alto con "El Padrino: parte I y II". El reto era mayúsculo, y este no era otro que rodar en oscuridad natural sin empleo alguno de luz, sobre todo en sus escenas finales.Tampoco tiene empleo de música extradiegética y a pesar de estar su historia ubicada en el corazón de Nueva York, imperan en todo momento los interiores de una casa que estaba realmente ubicada en Southampton, Long Island, lejos de la Gran Manzana.

28. SOMBRAS Y NIEBLA

Rodada en blanco y negro en un enorme escenario sonoro en Nueva York, supuestamente el más grande jamás construido en la ciudad, al menos en ese momento, "Sombras y Niebla" evoca y homenajea el expresionismo alemán de maestros como Fritz Lang y FW Murnau a través de un abundante empleo de, en efecto, sombras y niebla. Las sombras del "M" de Fritz Lang en la escena de apertura son su inapelable carta de presentación.

29. OTRA MUJER

Woody Allen filmó su propia versión de "Fresas salvajes", de Bergman, contando con una excelente Gena Rowlands en el papel de una mujer que afronta un punto de inflexión en su vida. El concepto central de "Otra Mujer" se basa en una mujer que escucha las sesiones de terapia de otra. La idea se le ocurrió a Allen como una comedia, pero años más tarde la convirtió en la base de un drama. Volvería a convertir la idea en una comedia en una de las historias de "Todos dicen I Love You" (1996).

30. BROADWAY DANNY ROSE

Una carta de amor a sus raíces cómicas, "Broadway Danny Rose" marca el momento en que Allen logró sintetizar su influencia europea y su humor estadounidense en algo propio. Es una historia pequeña, y corta, pero la historia de Allen está llena de corazón y crea dos de sus mejores personajes en Danny y Tina. También marca la primera actuación estelar de Mia Farrow en una película de Woody Allen.

31. RECUERDOS DE UNA ESTRELLA

"Recuerdos de una estrella" destaca por el particularísimo homenaje que Woody Allen rinde a Fellini, concretamente a "Ocho y Medio". También por resultar la película que marca el debut en el cine de Sharon Stone. A pesar de ser señalada por muchos como su primer patinazo, la película guarda secuencias, momentos, verdaderamente memorables.

32. BANANAS

Es la tercera película de Woody Allen, una de las primeras en las que el director neoyorquino consiguió un control casi total sobre las decisiones creativas, de ahí a que una gran parte esté improvisada. Una situación que dio hilarantes escenas, como la de los músicos silenciosos, que improvisaron su mímica porque la compañía de alquiler de instrumentos les falló ese día. Como nota final, esta es también una de las primeras películas donde Sylvester Stallone aparece acreditado, pero le tuvo que rogar a Woody Allen que le escogiera ya que el director no le consideraba lo suficientemente “duro” para su papel.

33. TODO LO QUE SIEMPRE QUISO SABER SOBRE EL SEXO Y NUNCA SE ATREVIÓ A PREGUNTAR

 La enemistad entre Woody Allen y el autor original de la novela, el Dr. David Reuben, se remonta a cuando el director neoyorquino le vio en un late show norteamericano apropiándose de uno de sus primeros chistes en “Toma el dinero y corre”. Como venganza, decidió adaptar, muy a su manera, las enseñanzas del buen doctor, quien tampoco acabó muy contento con el resultado. Tras verla espetó del trabajo de Allen: “No he disfrutado de la película porque me ha parecido una tragedia sexual. Cada episodio era la crónica de un fracaso sexual, lo cual es todo lo contrario a lo que intenta expresar el libro”.

34. LA COMEDIA SEXUAL DE UNA NOCHE DE VERANO

La primera colaboración entre Woody Allen y Mia Farrow, quien se acabaría convirtiendo en una de sus musas más destacadas junto con Diane Keaton. Además, fue la primera película que marcaría todos los títulos de créditos de las posteriores películas de Allen hasta la fecha, con su clásico “Cast (in Alphabethical Order)”.

35. FARGO

El título de la película se refiere a la localidad del mismo nombre situada en Dakota del Norte. Sin embargo, y salvo un par de planos en exteriores,ni una sola escena se filmó en "Fargo" : el rodaje se realizó durante el invierno más caluroso de los últimos cien años, por lo que el equipo tuvo que trasladarse a diferentes localidades de Minessotta y Canadá. Aunque la película abre con el clásico rótulo de "basada en hechos reales", dicha afirmación era en realidad una estrategia comercial de los Coen, convencidos de que la supuesta veracidad de una historia tan truculenta atraería a más espectadores. Pero no deja de ser una una verdad a medias: para su historia, los cineastas bien pudieron inspirarse en sendos crímenes cometidos en Minnesota en 1962 y 1972, y que guardan bastante similitud con los secuestros y asesinatos que se describen en su película. Sea como fuere, la táctica funcionó a la perfección: "Fargo" se convirtió en una de sus obras más populares y en la más rentable económicamente, ya que, a partir de un presupuesto de 7 millones de dólares, lograron una recaudación mundial superior a los noventa y seis.

36. PENA DE MUERTE

Primer Oscar para la legendaria Susan Sarandon, que ya había enamorado al mundo con su interpretación en “Thelma & Louise”. Tanto, que cuando a la hermana Helen Prejean, persona en la que está inspirada “Pena de Muerte”, le presentaron a la actriz encargada de interpretarla exclamó: “Gracias a Dios que es Louise”. Como colofón final, es la primera película con la que Tim Robbins y Sean Penn recibieron su primera nominación de la Academia, repitiendo ocho años después con “Mystic River”.

37. NETWORK

Entre las muchas curiosidades que rodean a la película “Network”, una de ellas es que ostenta el récord al Oscar a la Mejor Actriz Secundaria más breve de la historia. Cinco minutos y dos segundos necesitó la actriz Beatrice Straight para convencer a la Academia que merecía la estatuilla. Tristemente, también es la primera película para la que se concedió el primer Oscar póstumo, en este caso para Peter Finch, Mejor Actor, que falleció en enero de 1977, poco antes de la ceremonia de los Oscar.

38. YENTL

La primera película de la historia en ser dirigida, escrita, producida e interpretada por una mujer, la imparable Barbra Streisand, que después también sería pionera de Internet convirtiéndose en uno de los primeros memes de la red con el conocido como “Efecto Streisand”. Entre sus otros muchos logros, también se convirtió en la primera cineasta en ganar el Globo de Oro a la Mejor Dirección, y Spielberg se deshizo en elogios calificándola como "el mejor debut de la historia del cine tras Ciudadano Kane".

39. NO HAY SALIDA

Kevin Costner llevó de cabeza a la aseguradora de la película porque decidió hacer todas las escenas más peligrosas y que requerían un especialista para ello. Quizá no en vano, se considera como uno de los primeros grandes papeles del actor norteamericano, que entró en el proyecto tras la negativa de Mel Gibson o Patrick Swayze para interpretar a Tom Farrell.

40. UN PUENTE LEJANO

Una película con un reparto trufado de grandes actores pronto puede convertirse en una lucha de egos. Pues algo así le pasó a Sean Connery cuando se enteró que Robert Redford ganaba más dinero que él con un papel considerablemente más pequeño. Tal fue el enfado que se puso en huelga hasta que la productora satisfizo su petición de una subida salarial.

41. TIRA A MAMÁ DEL TREN

Orion Pictures, por aquel entonces la productora de la película, necesitaba permiso de Warner Bros para poder usar referencias de “Extraños en un tren” de Hitchcock, de la cual era una parodia cómica. Pero Warner no estaba muy dispuesta a colaborar, hasta que se dieron cuenta de que Orion tenía los derechos de “Arthur, el soltero de oro”, por lo que decidieron hacer un intercambio. La secuela de Arthur fue uno de los mayores desastres en taquilla de aquel año para Warner, mientras que “Tira a mamá del tren” se convirtió en una de las 13 películas más exitosas de 1987.

42. ALGO SALVAJE

El guión de “Algo Salvaje” era tan atractivo que el propio Jonathan Demme acabó leyéndolo en menos de un día. No es para menos, y es que venía firmado por E. Max Frye cuando este aún estaba en la escuela de cine, que más tarde sería nominado al Oscar por su libreto de “Foxcatcher”. Toda una joven promesa. Orion también quedó rendida ante ella, y decidieron que iban a producirla en menos de una semana, algo poco común en los mecanismos de Hollywood.

43. EL SICILIANO

A pesar de que la novela es una secuela de “El Padrino”, por un motivo de derechos de autor todas las referencias a la familia Corleone están omitidas en la película. Y, como no podía ser de otra manera, el bueno de Michael Cimino tuvo problemas para entregar una versión final de la película a los productores. Y es que este, por contrato, tenía control creativo sobre el montaje si la duración no sobrepasaba los 120 minutos, cosa que acabó pasando. Cimino, desesperado, les dijo que si querían una versión de esa duración, la tendrían, y decidió cortar todas las escenas de acción. En Filmin estará disponible la versión con el montaje del director de 150 minutos.

44. 37 HORAS DESESPERADAS

Una vez más, Michael Cimino y su eterna pelea con los productores por hacerse con el montaje final de la película. En esta ocasión sí fue injustamente masacrado y Cimino no tuvo opción a una versión alternativa, lo que acabó derivando en agujeros inexplicables en el guión que provocaron un gran rechazo por parte de la crítica y su hundimiento en taquilla, superando así el fracaso de “La puerta del cielo”. Con los años, y como con gran parte de la filmografía de Cimino, se ha acabado reivindicando, aunque tristemente, fue también una de las últimas películas que dirigió. Quizá podemos hablar de él como el mayor ejemplo de director que debió sufrir las tijeras de producción más que nadie en el mundo del cine. 

45. SALVADOR

Un rodaje accidentado desde sus primeros compases. Como no encontraba financiación para la película, el director, Oliver Stone, tuvo que hipotecar su casa por segunda vez hasta que convenció a una productora externa para financiarla. También encontrar al actor que encarnaría al fotoperiodista Richard Boyle no fue tarea fácil, y es que se barajaron grandes nombres como Lee Marvin, Marlon Brando o Paul Newman, pero todos acabaron rechazándolo por un motivo u otro. Finalmente, James Woods se hizo con el papel protagonista con Joe Belusci como su secundario. Se cuenta que ambos actores lidiaron con una rivalidad, incitada por el propio Stone, durante todo el rodaje de la película.

46. SEIS GRADOS DE SEPARACIÓN

Will Smith se negó a besar a Anthoy Michael Hall justo antes de rodar la escena del beso entre sus personajes, que tuvo que ser manipulada a través del montaje para que lo pareciera. Smith alegó en una entrevista años más tarde que Denzel Washington le había aconsejado no besar a un hombre en pantalla, porque podría perjudicar su carrera. Smith, arrepentido, dijo que había sido muy inmaduro por su parte.

47. 1984

Segunda versión cinematográfica de la novela de George Orwell, rodada 28 años después de la primera y en el mismo año en el que Orwell imaginó que ocurrirían los eventos de la novela. El apunte trágico lo puso la leyenda del cine británico Richard Burton, ya muy afectado por problemas de salud que acabaron derivando en su muerte poco después del rodaje de la película, haciendo de ella su última aparición en pantalla. El actor inglés estaba tan perjudicado por su enfermedad que muchas tomas tuvieron que repetirse decenas de veces. Como homenaje, toda la película está dedicada a su memoria.

48. LA MUJER DEL TENIENTE FRANCÉS

La gran estrella de la película, Meryl Streep, era por aquel entonces una joven promesa en Hollywood que ya había ganado un Oscar a Mejor Actriz Secundaria por “Kramer vs. Kramer”, pero jamás había sido nominada al Oscar a Mejor Actriz. Hasta entonces. Para prepararse el papel y conseguir un acento victoriano a la altura de las exigencias que requería el personaje, viajó a Reino Unido tres meses antes del rodaje para modular su acento americano, con lecciones diarias con un entrenador vocal. A pesar del esfuerzo y de contar como contrapunto masculino a Jeremy Irons en su debut en el cine, la actriz ha llegado a declarar en alguna entrevista que no quedó satisfecha con su trabajo, considerándolo como uno de los más flojos de su carrera.

49. ARDE MISSISSIPPI

Una película tremendamente controvertida en el momento de su estreno, pues retrataba un caso real que aún estaba en las retinas de muchos norteamericanos, dando pie a que muchos críticos le reprocharan que muchos hechos relacionados con el caso habían sido distorsionados o directamente eliminados de la historia. Como dos datos curiosos, Samuel L. Jackson fue rechazado en el cásting pues según el director, no tenía suficiente acento sureño, a pesar de haber nacido en Tennessee, y, por sorprendente que parezca, muchos de los extras que aparecen como miembros del KKK lo eran realmente, y se presentaron con sus respectivos carnés al rodaje.

50. VESTIDA PARA MATAR

Antes de dirigir “Vestida para Matar”, Brian De Palma quiso llevar a la gran pantalla el caso del asesino de cruising de Nueva York pero no pudo hacerse con los derechos del artículo original del New York Times, que finalmente acabaron en manos de William Friedkin en la que fue “A la caza”. Es por ello que ambas películas guardan cierta similitud, pues muchos elementos del primer borrador de De Palma sobre el asesino del Cruising acabaron por aparecer en “Vestida para Matar”. Curiosamente, ambas películas se estrenaron el mismo año, en 1980.

51. IMPACTO

Quentin Tarantino siempre la ha considerado como su película favorita de Brian De Palma, uno de sus directores predilectos. Tanto, que fue por este motivo por el que John Travolta acabó siendo Vincent Vega en su inolvidable papel para “Pulp Fiction”. Travolta también fue el causante de que a algún iluminado productor se le ocurriera la idea de incluir a Olivia Newton-John como Sally, interpretada finalmente por Nancy Allen debido a la negativa de De Palma para que “Impacto” se convirtiera en una especie de reencuentro de “Grease”.

52. CARRINGTON

Transgresor biopic de la pintora Dora Carrington, interpretada por la siempre genial Emma Thompson, quien declaró haber disfrutado mucho de las escenas en las que su personaje debía aparecer desnudo, ya que consideraba que su cuerpo, que en este caso representa una figura andrógina situada en las antípodas de la feminidad que entonces representaba a Hollywood, no era precisamente el arquetipo por el que se regía. El gender-fluid llegaba a la meca del cine con una película adelantada a su tiempo (aunque no debería serlo).

53. CASADA CON TODOS

La primera opción de Jonathan Demme para los papeles principales al final acabó por no resultar del todo. Por ejemplo, reescribieron el guión seis veces para que Tom Cruise aceptara ser el protagonista, pero este acabó decidiéndose por “Cocktail”. Lo mismo pasó con Jessica Lange que al final fue sustituida por una magnífica Michelle Pffeifer. 

54. CASA DE JUEGOS

Debut del dramaturgo David Mamet en la dirección, que entró a la adaptación de la película de su propia obra teatral tras el abandono de Peter Yates. Fue considerada por Roger Ebert como una de las grandes películas del s. XX y se recibió entre aplausos por la crítica, a pesar de que Orion decidió limitar el estreno en Estados Unidos a un número muy limitado de copias. 

55. UN PAR DE SEDUCTORES

Originalmente, el proyecto se pensó como una película para Mick Jagger y David Bowie, ya que ambos estaban disfrutando del éxito compartido del videoclip, Dancing in the Street y los productores de Hollywood andaban frotándose las manos con lo que podría ser la reunión en pantalla grande de estas dos estrellas musicales. Pero al poco de empezar a andar, Jagger y Bowie marchan por discrepancias con el guión y saltan al proyecto los eternos Steve Martin y Sir Michael Cane. Además, fue la primera película en la que Frank Oz, conocido titiritero de cine, director de “Cristal Oscuro” o “La Tienda de los Horrores”, no utilizaba marionetas en una de sus películas. 

56. LOS AMIGOS DE PETER

Una auténtica película de colegas. Gran parte del reparto, como Stephen Fry, Emma Thompson, Hugh Laurie o Tony Slattery fueron juntos a la Universidad de Cambridge, donde formaban parte del mismo grupo de Artes Dramáticas, tal y como les ocurre a los protagonistas de la película. Esta amistad ha continuado con los años, y el director, Kenneth Branagh y Stephen Fry han llegado a colaborar hasta en dos guiones cinematográficos, “La flauta mágica de Kenneth Branagh” y “Wolfgang Amadeus Mozart”. 

57. MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES

Una de las grandes apuestas de la Metro-Goldwyn-Mayer para los Oscars de su año, que llegó a gastar 10 millones de dólares para que los académicos la tuvieran en su consideración. Pero a pesar de que fue un auténtico éxito de taquilla, no tuvo tanta suerte en la temporada de premios ya que no fue nominada a ningún Oscar y tampoco recibió ningún premio, algo que nos demuestra que el reconocimiento de los académicos no siempre es sinónimo de calidad cinematográfica. 

58. LA NOCHE DEL CAZADOR

Primera y única película del actor Charles Laughton como director. Quedó tan deprimido con las malas críticas que recibió en su día que perdió todo ánimo de volver a dirigir. Aún así, el gran director de fotografía Stanley Cortez llegó a afirmar que solo dos directores con los que había trabajado habían entendido cómo captar la luz: Welles y el propio Laughton. Por su parte, Robert Mitchum deseaba como nadie interpretar al diabólico cura protagonista de la película, y durante su audición, sorprendió profundamente a Laughton gracias a su gran intelecto y comprensión de la verdadera naturaleza malvada del personaje. 

59. EL APARTAMENTO

La última película en blanco y negro en ganar un Oscar a la Mejor Película, sin contar con las honrosas excepciones de “La Lista de Schindler” y “The Artist”. Una de las grandes comedias de Billy Wilder y su eterno colaborador, I.A.L Diamond, que no permitían a los actores desviarse ni una sola palabra del guión, algo que trajo bastante de cabeza a Shirley McLaine, muy dada a improvisar parte de sus escenas. Además, Wilder se convirtió en la primera persona en ganar un Oscar a la Mejor Película, Mejor Guión y Mejor Director en una única edición. 

60. IRMA LA DULCE

Otra película cuyo cásting acabó siendo muy diferente a cómo lo había imaginado en un principio Billy Wilder. Primero, consideró para Irma a Elizabeth Taylor, pero no quiso lidiar con las turbulencias de su romance con el actor Richard Burton en aquel momento. Después y tras el éxito de “Con faldas y a lo loco”, pensó en Marilyn Monroe, pero tristemente falleció antes de empezar el rodaje, y finalmente, fue ofrecido a la actriz Shirley McLaine, con quien Wilder ya había trabajado en “El Apartamento”. La actriz aceptó sin tan siquiera leerse el guión, afirmando que confiaba ciegamente en el talento de Wilder y Jack Lemmon, el que sería su compañero de reparto. A pesar de ello, McLaine nunca quedó del todo satisfecha con su actuación, y se sorprendió terriblemente cuando la nominaron al Oscar a la Mejor Actriz. 

61. CON FALDAS Y A LO LOCO

“Con faldas y a lo loco” está trufada de buenas anécdotas, muchas de ellas relacionadas con Marilyn Monroe y el infierno que fue la experiencia de rodar con ella. Desde retrasos en el rodaje a la repetición hasta la náusea de muchísimas escenas porque la actriz era incapaz de aprenderse su texto. Billy Wilder acabó tan enfadado con ella que no la invitó a la fiesta de final de rodaje, ya que había costado a la producción más de medio millón de dólares adicionales debido a su comportamiento. Aún así, más tarde acabaron reconciliados. Tony Curtis y Jack Lemmon también hicieron de la suyas en el rodaje, como salir vestidos de mujer a ver si la gente podía reconocerles. Además, la directora de vestuario llegó a afirmar que Curtis tenía mejor culo que Monroe, a lo que ella espetó: “Pero no tiene estas tetas”. Con ellos, a lo loco.

62. 12 HOMBRES SIN PIEDAD

Uno de los requisitos de Sidney Lumet para sus actores era que, aunque ese día no tuvieran toma, tenían que estar en la sala con todos los demás para sentir que era sentirse atrapado con un grupo de desconocidos durante tantas horas. Algo que acabó por permear en la desesperación de los personajes. Henry Fonda fue uno de los grandes padrinos de la película, a pesar de que tras la experiencia, decidió que jamás volvería a ejercer nunca de productor. 

63. LA CONDESA DESCALZA

Las asperezas entre grandes estrellas de Hollywood no eran ninguna sorpresa, y “La condesa descalza” tampoco fue la excepción. Es bien conocido que Ava Gardner y Humphrey Bogart no tuvieron la misma química delante que detrás de la pantalla, entre las rencillas varias, Bogart le guardaba rencor a Gardner por haber dejado a su amigo Frank Sinatra y Gardner decía que no se podía trabajar con él porque discutía por todo. 

64. HAIR

Milos Forman volvía a la dirección tras cuatro años de silencio tras su gran clásico “Alguien voló sobre el nido del cuco”. “Hair” fue toda una experiencia vital para él, no solo siendo una de sus películas más ambiciosas a nivel profesional, si no también una en la que tuvo grandes cambios en su vida, como por ejemplo, conseguir la nacionalidad estadounidense. Como puntilla final de las cosas que tiene la vida, cuando se estrenó el musical en Broadway que inspiró la película, el movimiento hippie era algo muy tangible, en cambio, diez años después, con el estreno, acabó por ser considerada casi como una película de época. 

65. LOS CREYENTES

Durante los 70, hubo un gran furor con las películas de temática satánica y posesiones, como bien demuestran la fiebre por “El exorcista” o “The Omen”. En cambio, los 80, tiraron por unos derroteros bien distintos, siendo “Los creyentes” una de las pocas películas donde Satán y su poder eran el sujeto del miedo. 

66. EL BESO DEL ASESINO

Stanley Kubrick fue siempre su peor crítico. A pesar de considerar esta verdaderamente su primera película, antes que “Fear and Desire”, siempre pensó de ella que aún estaba a un nivel de un estudiante de cine. Además, fue su última película basada en un guión original suyo, pues después recurrió a las adaptaciones durante el resto de su carrera. 

67. ATRACO PERFECTO

Stanley Kubrick tuvo sus primeras desavenencias con un estudio en “Atraco Perfecto”. La primera, con el montaje. Al ser no lineal los primeros test con público la tildaban de película confusa. Kubrick, obligado, montó una versión lineal que aún se entendía menos, por lo que no tuvieron más remedio que continuar con el montaje original. Además, fue la primera en la que Stanley Kubrick tuvo que utilizar a un director de fotografía que no fuera él, ya que estaba trabajando por primera vez para un sindicato de producción. Lucien Ballard, director de fotografía de “Grupo salvaje” entre otras, fue el elegido para dicha tarea. Las peleas con Kubrick por la luz o las tomas fueron tales que Ballard dejó de ir a los dailies. 

68. SENDEROS DE GLORIA

“Senderos de Gloria” fue una película sobre la que algunas de las figuras políticas más destacadas de la época se pronunciaron. Para Winston Churchill era un retrato certero de la desesperación de las trincheras y de como, a veces, los errores militares podían pagarse muy caros. En España, en cambio, la dictadura franquista la prohibió por su marcado carácter antibelicista. Francia, a pesar de no estar bajo ningún régimen, también censuró la película porque dejaba en muy mal lugar a las tropas francesas. No se levantó el veto hasta 1978, más de 20 años después del estreno. 

69. EL FUEGO Y LA PALABRA

El único Oscar de Burt Lancaster es por su magnífica interpretación del predicador estafador Elmer Gantry. Adaptación de una novela profundamente controvertida en su época, cuando Richard Brooks se decidió a dirigirla tras una larga lucha porque algún estudio la financiara, el autor original de la novela, Sinclair Lewis, le aconsejó que leyera también las críticas que se escribieron en su día, para así poder mejorar el material original en su incursión cinematográfica. 

70. EUREKA

Algunos críticos y periodistas, cuando se estrenó la película, se refirieron al personaje que encarna Gene Hackman, Jack McCann, como “Ciudadano McCann”. Querían así trazar un paralelismo evidente entre el protagonista de “Eureka” y el “Ciudadano Kane” de Orson Welles. Ambas películas hablan de hombres ricos y poderosos que en el final de sus días descubren que han vivido una existencia incompleta. Pero sin duda el elemento que une a McCann con Kane es la esfera de cristal con nieve que ambos guardan como un tesoro.

71. TESTIGO DE CARGO

Billy Wilder era mundialmente conocido por sus comedias, así que cuando se lanzó a hacer un thriller judicial como “Testigo de cargo” a la gente le descolocó un poco;  tanto, que durante mucho tiempo la gente se dirigía a Alfred Hitchock para decirle lo mucho que les había gustado la peícula, aunque no fuera suya. Por su parte, Billy Wilder siguió cosechando su fama de director con el que era una delicia trabajar: Charles Laughton, normalmente muy quisquilloso, fue un encanto y Marlene Dietrich nombró a Wilder como uno de los tres mejores directores con los que había trabajado, entre Orson Welles y Josef von Stenberg. 

72. BÉSAME, TONTO

Inicialmente, el personaje de Orville, al que da vida Ray Walston, iba a ser interpretado por Peter Sellers. Pero unas semanas antes del inicio del rodaje, Sellers sufrió un infarto y tuvo que ser sustituido. Cuenta la leyenda que Billy Wilder, al enterarse de que Sellers había sufrido este percance, exclamó: “¿Ataque al corazón? ¡Hay que tener corazón para sufrir un ataque al corazón!”. Curiosamente, en su siguiente película, “En bandeja de plata”, Wilder vio de nuevo como uno de sus actores sufría un infarto; en aquella ocasión la víctima fue Walter Matthau.

73. EN BANDEJA DE PLATA

Billy Wilder decidió reclutar a un montón de extras para llenar el estadio de los Cleveland Browns de la NFL estadounidense y filmar unas cuantas escenas. Los asistentes, a los que no se les iba a pagar nada, entraban en un gran sorteo con un montón de regalos que iban desde transistores de radio hasta un coche. Curiosamente, la ganadora del vehículo fue Audrey Young, la esposa de Wilder.

74. ¿QUÉ OCURRIÓ ENTRE TU PADRE Y MI MADRE?

Juliet Mills tuvo que aumentar cerca de 12 kilos en seis semanas para dar vida al personaje de Pamela Piggott. Pero en principio este papel no era para ella. Wilder se lo ofreció en primer lugar a Lynn Redgrave, nominada unos años antes al Oscar a la Mejor Actriz por su papel en “Georgy Girl” (1966), donde se la veía con un evidente sobrepeso. El caso es que desde aquel film Redgrave había logrado adelgazar considerablemente, y no estaba dispuesta a volver a engordar para hacer la película.

75. MUERTE EN EL INVIERNO

Malcolm McDowell, el mítico protagonista de “La Naranja Mecánica”, “aparece” en la película, aunque es lógico y normal que no seas capaz de encontrarle: solo le vemos de manera muy efímera en una fotografía. En el momento del rodaje, McDowell estaba casado con la protagonista de la película, Mary Steenburgen, lo que explica este fugaz cameo.

76. EL GRUPO

El productor Charles Feldman apostó muy fuerte por la novela de Mary McCarthy en la que se basa la película. Pagó 500.000 dólares de la época para adquirir los derechos de la adaptación antes incluso de que esta se publicara. Cuando salió al mercado, Feldman, que necesitaba que el libro fuera un éxito de ventas, envió a muchos de sus empleados a comprar en distintas librerías de todo el país varios ejemplares. Logró su objetivo: “El Grupo” encabezó la lista de los libros más vendidos del New York Times durante dos años, lo que permitió que él y Lumet pudieran sacar adelante la producción del film sin contar con ninguna estrella en el reparto.

77. HARRY E HIJO

Paul Newman, que dirige, protagoniza, escribe y produce la película, interpreta en la misma a un personaje que se llama Harry. No era la primera vez, ni sería la última. El de Harry es el nombre que más se repite en su filmografía, pues ese había sido el nombre de pila de sus personajes en “Un marido en apuros” (1958) y en “Comando secreto” (1968), y lo sería también años más tarde en “Al caer el sol” (1998).

78. EL MENSAJERO DEL MIEDO

El jefe de United Artists, Arthur Krim, estaba realmente asustado con la controversia política que podía generar, en plena Guerra Fría, la historia de un agente infiltrado comunista que llega a ser candidato a la presidencia de los Estados Unidos. Pero Frank Sinatra estaba como loco por protagonizar la adaptación al cine de la novela de Richard Condon. Tanto es así que utilizó sus influencias y logró que el mismísimo presidente John F. Kennedy telefoneara a Krim para asegurarle que la Casa Blanca no tenía ningún problema con que la película saliese adelante. Que Sinatra hubiese aportado en su día 2 millones de dólares de su bolsillo para la campaña electoral de Kennedy probablemente ayudó a que el presidente se implicara de este modo en el film. Tras la llamada de Kennedy, a Krim se le pasaron todas las dudas.

79. EN EL CALOR DE LA NOCHE

No parece a priori muy razonable que una película que se ambienta en el caluroso verano de Mississippi se rodara en otoño en Illinois. De hecho, algunos de los actores tuvieron que rodar con trozos de hielo en la boca para evitar que, por la noche, su aliento apareciese en cámara. Fue Sidney Poitier quien insistió en que la película se rodara en el norte del país, después de que él y Harry Belafonte estuviesen a punto de ser asesinados por el Ku Klux Klan durante una visita a Mississippi. Por exigencias de la producción (una de las escenas tenía que rodarse en un campo de algodón, y no hay muchos campos de algodón en Illinois), el rodaje se trasladó fugazmente a Tennessee. Después de que Poitier volviese a ser amenazado por los supremacistas blancos, la filmación se interrumpió y el equipo tuvo que regresar a Illinois.

80. LA LOCURA DEL REY JORGE

Nigel Hawthorne, nominado al Oscar al Mejor Actor Protagonista por dar vida al rey Jorge III, fue el primer actor abiertamente homosexual nominado a un Oscar. Aunque muchos actores gays habían sido anteriormente nominados, Hawthorne fue el primero que ya había salido del armario antes de recibir la candidatura. Al actor le molestó bastante, por cierto, que todos los periodistas le preguntasen mucho más por este hecho que por su trabajo en la película.

81. VIDAS REBELDES

El último día de rodaje, Clark Gable, en referencia a Marilyn Monroe, exclamó: “Gracias a Dios que se ha acabado el rodaje. ¡Casi me provoca un ataque al corazón!”. Al día siguiente, el actor sufrió una trombosis coronaria y murió diez días después, a los 59 años. Un año y medio más tarde, fallecía Marilyn. “Vidas rebeldes” fue la última película para ambos.

82. PASAJE A LA INDIA

Sir David Lean se las tuvo con prácticamente todo el equipo técnico y artístico en uno de los rodajes más conflictivos que se recuerdan en Hollywood. Con Alec Guiness no volvió a dirigirse la palabra después de que el director eliminara varias de sus escenas del montaje final, entre ellas una en la que ejecutaba una compleja danza hindú que había estado semanas aprendiendo. Acusó a Judy Davis de estar asustada respecto a su propia sexualidad, y esta replicó que Lean no sabía dirigir y no entendía a las mujeres. La relación con los distintos departamentos fue tan tensa que el productor John Brabourne tuvo que personarse en el rodaje para pedirle al equipo de cámara que al menos le diesen los buenos días a Lean cada mañana.

83. EL TREN DEL INFIERNO

El icónico Danny Trejo debutó en el cine con esta película, y la historia de cómo llegó al film tiene miga. Trejo visitó un día el rodaje porque era el consejero de Narcóticos Anónimos de un miembro del equipo de producción. El guionista del film, Edward Bunker, le reconoció porque ambos habían sido compañeros en la cárcel estatal de San Quintín, y recomendó que se le contratara como entrenador de boxeo del actor Eric Roberts. El director Andrey Konchalovsky quedó tan sorprendido con la brutalidad de su aspecto físico que decidió ofrecerle un pequeño papel en la película.

84. OLEANNA

La voz que escuchamos en la canción de los créditos finales es la de la esposa de David Mamet, Rebecca Pidgeon. Ella fue quien interpretó, en el montaje teatral en el que se basa la película, al personaje de Carol, compartiendo escenario con William H. Macy, que sí retoma su papel en la película. Además, Pidgeon aparece acreditada como compositora de la banda sonora del film.

85. LAS MIL Y UNA NOCHES

Las dos anteriores películas de la “Trilogía de la vida” de Pasolini habían tenido serios problemas con la censura italiana, y “Las mil y una noches” parecía que iba a correr una suerte similar. Sin embargo, y a pesar de ser denunciada desde su primera proyección, el fiscal adjunto de Milán consideró que la película no debía ser en este caso judicializada al considerarla “una buena obra cinematográfica”. Se dice que a Pasolini no le agradó demasiado este giro inesperado, pues creía que esta resolución restaba mordiente y capacidad de provocación a su obra.

86. LOS CUENTOS DE CANTERBURY

La película ganó el Oso de Oro del Festival de Berlín con un montaje de 137 minutos que nunca más volvió a verse. Tras su paso por la Berlinale, Pasolini modificó el orden de los episodios, eliminó uno al completo y recortó el metraje del resto, entre otros cambios. El metraje final de la versión que se distribuyó comercialmente fue 30 minutos inferior al de la película vencedora en Berlín.

87. EL DECAMERÓN

Junto a sus actores habituales Franco Citti y Ninetto Davoli (que además fue su amante durante muchos años), Pasolini quiso reclutar para la película, que requería de un reparto muy amplio, a varios de sus amigos. Logró convencer al pintor neorrealista Giuseppe Zigaina para que diese vida a un piadoso confesor. Tras la muerte de Pasolini, Zigaina se convirtió en uno de los más prolíficos estudiosos de su obra, llegando a publicar una decena de libros dedicados al director, que también aparece en la película interpretando a un alumno del pintor Giotto.

88. EL PERRO DE BASKERVILLE

El perro que aparece en la película se llamaba Coronel y era de armas tomar. En la escena en la que tenía que atacar al personaje de Christopher Lee, el can se mostraba dócil y no obedecía órdenes, así que decidieron empujarle para que entrara en acción. Cuando Lee bajó la guardia, el perro se abalanzó sobre él y le mordió el brazo. Sabían de su imprevisibilidad, pues anteriormente ya había mordido a una camarera, por lo que en el rodaje había un segundo perro, propiedad de la célebre adiestradora de perros para el cine Barbara Woodhouse. Su coste por día de rodaje era cinco veces mayor que el de Coronel, y finalmente no apareció en ninguna escena.

89. LA VIDA PRIVADA DE SHERLOCK HOLMES

Se construyó una réplica a (supuesto) tamaño real del monstruo del Lago Ness para las escenas en las que debía verse a la criatura. Sin embargo, en uno de los ensayos el bicho se hundió y no pudo ser rescatado. Tal y como recuerda Geneviève Page en su biografía sobre Wilder, el director, a pesar de ser también productor del film, no pareció enfadarse por este percance: “Estaba mucho más preocupado por cómo se sentía el operario que hundió a Nessie. Se acercó a él y empezó a consolarle”. La réplica fue finalmente hallado en abril de 2016 en el fondo del lago durante el rastreo de un robot submarino.

90. EL GUATEQUE

Uno de los especialistas de la película, Dick Crockett, estuvo a punto de morir durante el rodaje. El productor del film Ken Wales lo empujó a la piscina llena de espuma que aparece en la última y larga secuencia del film para gastarle una broma. El problema es que la espuma que había en ese momento en la piscina estaba diseñada para ser utilizada por los bomberos, y es de un tipo que absorbe el oxígeno y se utiliza para apagar incendios. Wales no podía respirar ni dentro ni fuera del agua, y tuvo que ser rescatado por un par de actores.

91. LA PANTERA ROSA

Blake Edwards pensó que a los títulos de crédito iniciales de la película les sentaría bien contar con algún tipo de personaje animado. De entre más de 100 bocetos, eligió el de la Pantera Rosa que “personificaba” a la famosa joya que da título a la película. Su aceptación y popularidad tras el lanzamiento de la película fue tan grande que un año después un corto protagonizado por la simpática pantera creada por el animador Friz Freleng ganó el Oscar al Mejor Cortometraje de Animación.

92. EL NUEVO CASO DEL INSPECTOR CLOUSEAU

A una semana de iniciarse el rodaje, Peter Sellers desapareció del mapa. Cuando regresó contó que se había ido de vacaciones, despertando la furia de Blake Edwards. Una furia que Sellers supo aplacar explicándole que había conocido a una persona muy divertida, el gerente francés de un hotel que tenía un acento muy peculiar. Imitando su manera de hablar, Sellers creó en ese momento la inconfundible dicción del inspector Clouseau que convertiría al personaje en un icono eterno del cine. Suponemos que Edwards dio entonces por buena la escapadita de su actor.

93. EL REGRESO DE LA PANTERA ROSA

La actriz Catherine Schell, que en la película interpreta a Lady Claudine Litton, simplemente era incapaz de no reír a carcajada limpia cada vez que compartía escena con Peter Sellers. Tanto es así, que finalmente Blake Edwards declinó darle más indicaciones sobre cómo debía reaccionar su personaje en cada momento. Por ello, las risas de Schell en la película no estaban escritas en ningún guion y son 100 por cien genuinas.

94. LA PANTERA ROSA ATACA DE NUEVO

La actriz Lesley-Anne Down fue elegida “por error” para interpretar a Olga en la película. Tras el abandono de Maud Adams, que era la Olga seleccionada en primer lugar, Blake Edwards sugirió que le gustaría hacerle una prueba de casting a la actriz de la serie “Arriba y abajo” Nicola Pagett. Por algún extraño motivo, la intérprete a la que se le hizo la prueba fue Down, que trabajaba en la misma serie. Julie Andrews, esposa de Edwards, ya le comentó a su marido que aquella mujer no se parecía en nada a la que interpretaba a Elizabeth Bellamy en “Arriba y abajo”, pero Edwards no le prestó mucha atención y le dijo que eso se debía a que la iluminación y el maquillaje de la serie le ofrecía un aspecto distinto. Tan distinto que Edwards no descubrió que había contratado a una actriz diferente a la que pretendía hasta bien comenzado el rodaje.

95. LA MALDICIÓN DE LA PANTERA ROSA

Es de sobras sabido que, tras la prematura muerte de Peter Sellers, Blake Edwards no fue capaz de reflotar la saga de La Pantera Rosa. Pero la historia podría haber sido (quien sabe) muy distinta. El personaje que retomó el protagonismo del Inspector Clouseau fue el sargento Clifton Sleigh, interpretado por el debutante en el cine Ted Wass, que por aquel entonces gozaba de una gran popularidad gracias a su papel en la serie “Enredo”. Lo curioso del caso es que el papel fue ofrecido antes a Rowan Atkinson, descartado por los productores por no ser, en aquel momento, popular fuera del Reino Unido. Aquel mismo año Atkinson debutó en la serie “La víbora negra”, y años después llegaría “Mr. Bean”, que lo consagraría como uno de los grandes cómicos europeos de todos los tiempos.

96. LA JAULA DE LAS LOCAS

El actor Ugo Tognazzi se negó a hablar en la película en un idioma que no fuese su italiano natal, lo que generó no pocos dolores de cabeza para el director Édouard Molinaro. Tuvo que reescribir todos sus diálogos en francés para que concordaran con el movimiento de labios de Tognazzi hablando en italiano y, lógicamente, después tuvo que contratar a un actor de doblaje francés para doblar sus frases.

97. LA JAULA DE LAS LOCAS 2

La película se estrenó en España con el título de “La jaula de las locas” a secas. Y es que la primera entrega había sido bautizada en nuestro país con un título muy distinto al original: “Vicios pequeños”. Es por eso que, en 1980, el público conocía esta secuela indistintamente como “Vicios pequeños 2” y como “La jaula de las locas”. Uno de aquellos sinsentidos de la distribución de cine en nuestro país en los años 80.

98. EL VIOLINISTA EN EL TEJADO

El título de la película fue inspirado por el cuadro The Deceased, del pintor judío-francés de origen bielorruso Marc Chagall. La obra, también conocida con los títulos de The Death y The Dead Man, representa una escena funeraria y en ella podemos ver a un hombre sobre un tejado tocando el violín. Actualmente está expuesta en el Museo Pompidou de París.

99. EL ÚLTIMO VALS

Apenas 15 minutos antes de que empezara su actuación, Bob Dylan decidió que no quería aparecer en la película de Martin Scorsese. Razonó que no quería participar en un film que iba a competir en taquilla con “Renaldo and Clara”, la película escrita, dirigida y protagonizada por él sobre su gira The Rolling Thunder Revue de 1975. Finalmente accedió a participar en “El último vals” con la condición de que Scorsese filmara solo las dos últimas canciones de su actuación.

100. KOYAANISQATSI

La influencia de “Koyaanisqatsi” en la cultura popular de los últimos 30 años es mayor de lo que podríamos pensar. Por poner algunos ejemplos: el tráiler del videojuego Grand Theft Auto IV (2008) era un claro homenaje al film y además utilizaba uno de los temas de la banda sonora de Philipp Glass, Pruitt Igoe. Zack Snyder utilizó otro de los temas de la película en su adaptación al cine de “Watchmen” (2009); y en el videoclip de la canción Hard to Explain, de The Strokes, aparecen varias secuencias del film.

BONUS TRACK I: CANDYMAN: ADIÓS A LA CARNE

El primer póster promocional, en el que se veía a Candyman acechando a una víctima, generó mucha controversia en Estados Unidos. En aquel momento, el juicio de O.J. Simpson estaba en todas las televisiones, a todas horas, y la imagen de un hombre negro a punto de asesinar a una mujer blanca se consideró innecesaria y de mal gusto, por lo que los productores decidieron sustituir el cartel por otro menos polémico.

BONUS TRACK II: MARAT/SADE

La obra original de Broadway que adapta la película tenía un título muchísimo más largo: “La persecución y asesinato de Jean-Paul Marat interpretada por los internos del hospital psiquiátrico de Charenton bajo la dirección del marqués de Sade”. Su longitud, en comparación con la brevedad de otro clásico del cine como “M”, de Fritz Lang, fue protagonista en 2005 de una viñeta de la célebre y longeva tira cómica “Frank and Ernest”, de Bob Thaves.