Las 50 mejores películas dirigidas por mujeres
Jane Campion, Claire Denis, Andrea Arnold, Maren Ade o la eterna Agnès Varda. Ellas son algunos de los muchos nombres que BBC ha reunido en una ambiciosa lista donde se dan cita las 100 películas dirigidas por mujeres más relevantes de la historia del séptimo arte según un grupo de críticas culturales de todo el mundo. Desde Filmin, hemos querido sumarnos a la propuesta completando su lista con algunas de sus grandes ausencias: como el cine de Mia Hansen Love, el "Estiu 1993" de nuestra Carla Simón o nombres como Naomi Kawase, una de las pocas cineastas japonesas que ejercen en la actualidad. Todos los titulos de esta lista los podréis disfrutar en nuestra colección.
1. EL PIANO
Michael Haneke, Nanni Moretti, Shoei Imamura, Ken Loach, Akira Kurosawa...Todos ellos se encuentran amparados bajo un mismo sello. El galardón cinematográfico más prestigioso del globo, la Palma de Oro del Festival de Cannes. Corría el año 1993 cuando una forastera llamada Jane Campion se llevó a casa el trofeo exhibiendo las dotes de un formidable drama romántico protagonizado por Harvey Keitel y Holly Hunter. Lamentablemente, Campion ha sido la única mujer en toda la historia en obtenerlo, hecho que pone en duda el sangrante juicio del certamen francés. Su inmortalidad no ha perdido ni un ápice de actualidad gracias, entre muchos otros valores a destacar, a la monumental partitura compuesta por Michael Nyman.
Este film de Agnès Varda supuso una cima inalcanzable dentro de su amplia carrera en la ficción y fue, de algún modo, la obra fundacional que encerraría parte de sus preocupaciones como cineasta. Varda anotó una tesis profundamente epidérmica sobre la vida y emociones de su protagonista para revertir la idiosincrasia femenina en el cine moderno, ejemplarmente distanciada de la acomplejada idea de feminidad que esgrafiaban sus “compañeros de trabajo”.
Kahtryn Bigelow, una de las cineastas más robustas y vibrantes de la historia del cine (autora de clásicos modernos del cine de acción como “Le Llaman Bodhi" o “Días Extraños”) nos obligaba a viajar en primera línea de fuego de la guerra de Iraq brindándonos esta inquietante experiencia realista sobre el día a día de un grupo de artificieros del ejército estadounidense. La cinta le disputó (y arrebató) el trono magno de Hollywood al “King of the world” (además de exmarido) James Cameron, quien ese año se presentaba imbatible con la infinitamente más constreñida en lo substancial, “Avatar”.
4. TONI ERDMANN
La alemana Maren Ade, que ya había conquistado al insobornable panorama cinéfilo europeo afincado en la adoración de un cine de la crueldad con la hermosa “Entre Nosotros”, deslumbró a la crítica del Festival de Cannes (donde obtuvo el premio FIPRESCI) con esta conmovedora carta de amor a su protagonista a la par que la elaboración de un discurso férreo en contra de la actual dictadura de la felicidad que impera en el mundo contemporáneo.
5. FISH TANK
Andrea Arnold atesoró su segundo (2 de 3) premio del jurado en Cannes con esta tajante película filmada con el pulso heredero del mejor Ken Loach. Tras apoderarse de la academia con el oscarizado cortometraje “Wasp” y debutar con “Red Road”, Arnold se consagró a nivel mundial con una película que ayudó a descubrirnos los monstruosos talentos de Michael Fassbender y al encopetado director de fotografía Robbie Ryan (“La Favorita”, “Marriage Story”, “Yo, Daniel Blake”).
6. LA CIÉNAGA
Resulta arduamente indiscutible que Lucrecia Martel se haya convertido en la cineasta más completa del siglo XXI. Su filmografía aglutina algunas de las entradas más brillantes de esta lista y es que su monumental debut, “La Ciénaga”, era todo un "must" para la lista de la BBC. Corría el año 2001 cuando la cineasta argentina sacudió el mundo entero con esta seductora amalgama de texturas visuales que conjugan todas ellas en un atmosférico tratamiento sonoro que pone en tela de juicio la lucha de clases por encima de todo.
7. ORLANDO
Adaptación de la hegemónica novela de Virginia Woolf premiada en el Festival de Sitges. Una mirada quinta esencialmente feminista a cargo de Sally Potter, directora de recientes éxitos como “The Party”, encabezada por una Tilda Swinton en ciernes.
Debra Granik (“Leave no Trace”) irrumpió en el hermético panorama Hollywoodiense con esta obra graduada con honores en Sundance, revelando por el camino a Jennifer Lawrence, actriz de arrolladora presencia que conforma uno de los rostros más visibles del star-system actual. La intérprete, que por entonces solo tenia 20 años, cosechó su primera nominación al Oscar.
9. TENEMOS QUE HABLAR DE KEVIN
Es inevitable que nos acechen insondables escalofríos al rememorar el incómodo experimento que nos proponía Lynne Ramsay (“Ratcatcher”) a través del minucioso estudio de una escabrosa relación madre-hijo. La fastuosa interpretación de Ezra Miller solo es comparable a la de una Tilda Swinton en estado de gracia. Una atrocidad maravillosa, un espectáculo extasiadamente perturbado.
10. EL AUTOESTOPISTA
Ida Lupino es una de las cineastas fundacionales que, junto a figuras parejas como Lina Wertmüller, inspiró a una ingente cuantía de mujeres a ponerse detrás de las cámaras y contar sus historias concernientes. Recuperamos esta película realizada para televisión, algo inusual para la época, altamente estilizada que puso patas arriba y ensalzó el por entonces “cochambroso” género.
11. STORIES WE TELL
La actriz Sarah Polley indaga en el legado visual y sonoro de su familia para cimentar la construcción narrativa de este impresionante documental. Una oda poética al relato y al arte de narrar mediante la transmisión generacional.
12. SELMA
Encumbrada como una de las voces predilectas de un nuevo cine afroamericano (en el que nos podríamos atrever incluir a cineastas como Barry Jenkins), Ava DuVernay saltó a la fama con este docudrama que narra las peripecias de un joven Martin Luther King interpretado por David Oyelowo. Su sensacional crescendo comercial la llevó a ser uno de los principales contendientes de los premios Oscar.
13. ZAMA
Para medios especializados, la mejor película de 2017. En su último film (tras el traspié que supuso “El Eternauta”), Lucrecia Martel relata un emocionante y cimbreante conflicto interior correspondiente a un tiempo pasmado, el de la eterna espera. Daniel Giménez Cacho interpreta elocuentemente a Don Diego de Zama, un oficial de la corona española que espera ansioso en ser transferido para reunirse con su familia.
14. LOS ESPIGADORES Y LA ESPIGADORA Y "DOS AÑOS DESPUÉS"
Armada con su diminuta cámara de Mini-Dv, Madame Varda firma la película más brillante de su carrera (y uno de los cine-diario más elocuentes jamás filmados). Una suerte de viaje intrépido conformado por pequeños retazos de vida que ella misma va recolectando.
Este ardiente film de 1974 fue prohibido en nuestro país durante décadas. La cinta, fundamental para comprender las libérrimas formas del Nuevo Cine Italiano, puso en primera fila la figura de Liliana Cavani a la vez que desenterró la descomunal clarividencia de una desconocida Charlotte Rampling.
16. EN REALIDAD, NUNCA ESTUVISTE AQUÍ
Joaquin Phoenix se embolsó el premio al Mejor actor en el Festival de Cannes en esta flamante revisión de un Travis Bickle en horas bajas. En este contenido “noir” destacamos también la alucinante banda sonora de Johnny Greenwood (compositor de Paul Thomas Anderson y miembro de Radiohead), cuyo desparpajo sonoro se encuentra aquí en la cúspide de su carrera .
17. WENDY AND LUCY
Kelly Reichardt persistía en su incansable registro de la verdad sin preetextos con este poderoso retrato sobre una mujer luchadora. La laureada dirección de Reichardt, la soberbia interpretación de Michelle Williams y los evocadores acordes de Will Oldham (Bonnie Prince Billy) componen una partitura formal tan franca como incisiva.
Carta de presentación de la cineasta más popular de los últimos años, descendente directa de Francis Ford Coppola. En su provocadora carta de presentación, la italoamericana reescribía los preceptos establecidos sobre el cuerpo femenino que Peter Weir expuso de un modo arrebatadoramente radiante en “Picnic en Hanging Rock” para trazar su propia inspección de la representación del mismo. La cineasta prosiguió en dicho retrato con las seductoras “María Antonieta” y “La Seducción”, ambas protagonizadas por Kirsten Dunst.
La película previa de Jane Campion antes de proyectar su luz al mundo con “El Piano” es un acercamiento biográfico a la escritora Janet Frame, figura que Campion emplea para ejercitar un gesto reflexivo en torno a la creación artística y la particularidad de la narradora.
20. BRIGHT STAR
Y es que, enlazando con el comentario anterior, en la última película de Campion, “Bright Star”, la neozelandesa navega hasta las Islas Británicas para poner en escena el notorio y emocionante romance del poeta John Keats con su vecina, Fanny Brawne.
21. LA MUJER RUBIA
Como ya vaticinamos, las películas de Lucrecia Martel ocuparían las entradas más interesantes de esta lista. Este turbador thriller firmado por la reconocible mano de la directora argentina, compitió en la Sección Oficial del Festival de Cannes.
22. INDIA SONG
Tras poner patas arriba la modernidad cinematográfica redactando el texto de uno de los clásicos más trascendentales y rupturistas de la historia ("Hiroshima Mon Amour") y rubricar relatos fundamentales para comprender el deje existencialista del siglo XX, Marguerite Duras se atrevió a dar el paso detrás de las cámaras aludiendo una sugerente narración sobre las desventuras amorosas de una ciudadana burguesa interpretada por Delphine Seyrig (mito vigente gracias al reciente documental “Delphine y Carole”, que vindica y visibiliza su incansable lucha feminista), también protagonista de el imponente manifiesto fílmico feminista que fue "Jeanne dielman 23 quai du commerce 1080 bruxelles", de Chantal Akerman.
23. EUROPA, EUROPA
La veterana directora polaca Agnieszka Holland, sobradamente conocida por el papel desempeñado como realizadora en Hollywood y ser artífice de series tan míticas como “The Wire”. Holland aterrizaba en el panorama mundial en 1990 con esta colosal epopeya sobre un judio que termina combatiendo en filas nazis. El asombroso relato fue nominado al Oscar a Mejor Guion y supuso un antes y un después en la extensa carrera de Holland.
24. EN CUERPO Y ALMA
Fue en el Festival de Berlín de 2017 cuando se reconoció de forma tardía, la ensombrecida eminencia de Ildikó Enyedi, la cineasta húngara de extensa trayectoria de corto alcance. Le fue otorgado el Oso de Oro a un film que abogaba por una “love story” tan marciana como embriagadora.
La cineasta francesa del momento (por la descomunal “Retrato de una Mujer en Llamas”), Céline Sciamma, reconfiguraba en Girlhood la mirada hacia “lo femenino” desde un prisma puramente sensorial a pie de calle. Un estilo que desde “Tomboy” ha pasado a ser sello marca de la casa.
Una de las grandes triunfadoras históricas de la sección Orizzonti del Festival de Venecia. El canto a la libertad que Haifaa Al Mansour efectuó con esta tierna y demoledora narración sobre la privación de las libertades individuales a las mujeres completamente normalizadas e institucionalizadas de su país de origen la puso en el mapa como una de las cineastas más a tener en cuenta. Mansour presentó recientemente ya en Sección Oficial “La Candidata Perfecta”, donde repiquetea en ese alegato urgente y absolutamente necesario del empoderamiento de la mujer Saudita.
La que tampoco podía faltar en la lista es la pantagruélica figura de Claire Denis, autora de de algunas de las películas más interesantes de finales del siglo XX y de lo que llevamos del siglo XXI (“High Life”, “Trouble Every Day”, “Beau Travail”...). Denis también ha supuesto una influencia clave para la formación de nuevas cineastas como Carla Simón debido a la innovadora puesta en escena que gira entorno al estudio cinemático y enigmático del cuerpo humano. En "Una Mujer en África", Denis vuelve al continente en el que se crió (escenario de películas de la cineasta como “Chocolat” o la misma “Beau Travail”) de la mano de una Isabelle Huppert que simboliza la figura caduca del colono blanco.
28. RED ROAD
El debut en la dirección de Andrea Arnold recibió el premio del jurado del Festival de Cannes. A raíz de la invención de unos personajes diseñados por Anders Tomas Jensen (escritor de “Anticristo” y director del oscarizado “Election Night”), Red Road supone un estudio en clave femenino acentuado por la sublevación en contra de la sociedad de la hipervigilancia.
29. SOMEWHERE
Sofia Coppola se alzó con el León de Oro del Festival de Venecia con este sensorial “coming of age” que escarba y remodela las relaciones paternofiliales. La película recupera al postergado Stephen Dorff (“Blade”) y se erige sobre la virginal candidez de Elle Fanning ("Super 8").
A partir de aquí, nos desmarcamos de la lista británica y os proponemos 20 películas dirigidas por mujeres de profunda revelancia que podéis encontrar en nuestra plataforma.
30. YENTL
Barbra Streisand llegó a la cumbre de su carrera "Yentl", la primera película de la historia en ser dirigida, escrita, producida e interpretada por una mujer. Entre sus otros muchos logros, también se convirtió en la primera cineasta en ganar el Globo de Oro a la Mejor Dirección, y Spielberg se deshizo en elogios calificándola como "el mejor debut de la historia del cine tras Ciudadano Kane".
31. NO HOME MOVIE
Hemos hablado sin descanso de grandes cineastas fundamentales para comprender la cinematografía contemporánea, pero no echabáis a alguien en falta? Una cineasta fundacional, autora de títulos indispensables para la memoria de todo cinéfilo que se precie. Chantal Akerman. En No Home Movie, la autora belga nos invita a pasar el umbral de su propia casa conformando un evidente dispositivo intimista diseñado para escudriñar un digno homenaje a su madre en una película que enaltece la olvidada figura de la mujer en la 2a Guerra Mundial.
32. MUSTANG
En su aclamada opera prima, Denis Gamze Ergüven ponia de manifiesto el angosto filo por el que pasan las libertades de las mujeres jóvenes en Turquía, una nación enraízada en un anquilosado tradicionalismo. El inusual éxito del film (la película compitió por el Oscar a la mejor película extranjera) lanzó a su directora al estrellato, llegando a dirigir episodios de la notoria “The Handmaid’s Tale”.
Antes de interferir en el lagrimal del mundo entero con “Lazzaro Feliz”, Alice Rohrwacher se embolsaba el Premio del jurado del Festival de Cannes con este afectivo relato cargado de brochazos de realismo mágico. Una cinta que remite directamente al Fellini de “La Strada” y al Pasolini “Pajaritos y Pajarracos”.
34. LA TETA ASUSTADA
En 2009 ,tras ganar el Oso de Oro en el Festival de Berlín, una cineasta peruana llamada Claudia Llosa competía por primera vez por el Oscar con la amenazadora fábula que propone “La Teta Asustada”. Un crudísimo cuento de terror con desvíos al cine fantástico. Unos tintes fantásticos articulados de forma directa para vehicular el cine con la memoria histórica, poniendo en boga la presente y dolorosa llaga que sufren las mujeres peruanas, víctimas eternas del terorrismo.
Este debut en clave “coming of age” de Dominga Sotomayor obtuvo el reconocimiento a la mejor dirección en el pasado Festival de Locarno. La chilena se zambulle en la memoria de su protagonista y la enfrenta al pasado chileno, cuando se empezaban a atisbar vientos de cambio que harían flaquear a la dictadura de Augusto Pinochet.
Película bandera del afianzado movimiento del nuevo cine argentino. La triunfadora del Leopardo de Oro de 2011 establece una contingente mirada cotidiana y voluntariosamente costumbrista hacia un grupo de mujeres de distintas generaciones. Milagros Mumentahler dibuja unas actitudes pertenecientes a cuerpos que pueblan la pantalla, unos cuerpos que, en última instancia, son filmados como receptáculos de silencios incómodos.
37. LOVING VINCENT
Una de las contadas apariciones del formato de animación en esta lista la obtiene esta espectacular oda al pintor holandés. Pintada a mano y maqueada a partir de técnicas rotoscópicas, "Loving Vincent" es una arriesgada e innovadora apuesta formal que pretende equipararse en un plano mimético con la obra de Van Gogh.
38. PERSÉPOLIS
Marjane Satrapi adaptaba, junto al director de animación Vincent Paronnaud, su obra maestra del cómic contemporáneo del mismo nombre. Satrapi se ubica a sí misma como eje central de la acción en esta cronología un tanto sesgada (como es obvio en un relato tan personal) de los vaivenes socio políticos del Irán del siglo XX. Una cinta animada llena de coraje que le disputó el Oscar a la arrolladora “Ratatouille”
39. LOURDES
Muy en boga por el inminente estreno de su última y aclamada película, “Little Joe”, la cineasta austriaca Jessica Hausner zarandeaba el corazón del mundo entero con este embrujado relato en el que una persona discapacitada de cintura para abajo consigue tenerse en pie tras un viaje iniciático al mítico monasterio de Lourdes. La película cautivó a la crítica del Festival de Venecia (FIPRESCI) y al Festival de Sevilla, donde obtuvo el Giraldillo de Oro a la mejor película.
40. LORE
Cate Shortland, la directora que reemplazará a Lucrecia Martel en la próxima película de Marvel Studios, Black Widow (sí, esto es cierto), filmaba en 2012 esta aproximación esteticista y ponente al manido género del drama de época. Una historia que relataba las penurias inmediatas que padecieron las familias alemanas tras la derrota en la 2a Guerra Mundial.
Consideramos un delito flagrante, que diría Depardon, la ausencia total de un nombre como Mia Hansen Love en la lista confeccionada por BBC. Desde Filmin, rendimos tributo a una de las cineastas más interesantes de las últimas dos décadas, autora de portentosos dramas como la cinta que nos ocupa o “El Porvenir”, en la que comparte logros con Isabelle Huppert.
Otra de las ausencias justificadamente condenatorias que se ha cobrado el medio británico es la de la mayúscula Naomi Kawase (“Shara”). Recuperamos una de sus obras más accesibles y dulces, que satisfará a los cinéfilos más acérrimos a la vez que les dejará un agradable sabor de boca.
43. THE ARBOR
Un amargo obituario de la poeta Andrea Dunbar firmado por Clio Barnard, quien en su opera prima matiza y asocia ideas propias del re-enactment fílmico a la memoria personal de la fallecida autora.
44. FROZEN RIVER
Coexiste una especie de estigma anual con 2 o 3 películas de caprichosa elección, cuya existencia se ve marcada por el sello de calidad de Quentin Tarantino, hecho sucedido a propuestas como “Big Bad Wolves” y la reciente “The Wild Goose Lake”. Cintas cuya trayectoria y éxitos se achacan al boca oreja propiciado por el maestro. Aunque resulte indiscutible que la estrategia comercial de "Frozen River" se vio alentada por este comentario, la película de Courtney Hunt se erige por sí misma sin concesiones, apoyándose en una interpretación magnífica de Melissa Leo, que fue nominada al Oscar.
45. COLO
Una mirada cutánea e indispensable a los disgustos más inmediatos de la crisis económica. Una película portuguesa dirigida por Teresa Villaverde que atestigua el corto alcance que tuvieron los rescates económicos hacia sus mayores víctimas.
46. ESTIU 1993
El debut más importante de la historia reciente del cine español. Carla Simón se desnudó ante el mundo haciendo uso de la entrañable y endemoniada Frida. Un poderoso y constreñido retrato de la infancia desacostumbrada mucho más cercano al verismo que al normativo relato propuesto por el inconmensurable número de “coming of age” que atolondran la cartelera.
47. MI VIDA SIN MÍ
Y, siguiendo la estela de gran cine patrio hecho por mujeres, Isabel Coixet presentaba en el Festival de Berlín de 2003 su mejor película hasta la fecha. Un melodrama atractivo basado en el relato corto de Kincaid con un reparto estelar encabezado por Sarah Polley y Mark Ruffalo.
Valerie Donzelli ejecuta este valiente alegato a la vertiente humanista de la tenaz lucha contra el cáncer en un film que supuso una revelación absoluta en el Festival de Cannes 2011. Una apuesta que apela a la felicidad que coexiste entre sus protagonistas ante un obstáculo babilónico.
La jovencísima cineasta Hana Makhmalbaf (la cifra sorprende, 18 años) debutaba en el mundo del cine con el retrato de la pequeña Baktay, una niña afgana que vive arrastrada por un entorno hostil extremadamante obstaculizante.
Admirable cineasta primigenia Lotte Reiniger, quien se la recuerda por traer las sombras al cine, pero que en ultima instancia arrojó luz al papel venidero de las mujeres en el septimo arte.
BONUS TRACK I: LAZOS ARDIENTES
Años antes de tocar el cielo con Matrix, las Wachowski coqueteaban con el neo-noir en este thriller lésbico que hoy en día se ha transformado en una cult-movie al 100%.
BONUS TRACK II: VARDA POR AGNÈS
En su última película (prácticamente póstuma), el estandarte feminista del cine galo echa la vista atrás y revisita su filmografía, equiparándola a sus experiencias vitales (en especial su boyante matrimonio con Jacques Demy, que murió con el fallecimiento del director de “Los Paraguas de Cherburgo”). Un diccionario de los estilemas y grafías de Varda escrito por ella misma.
