Un viaje de "Ida" y vuelta a través de la Escuela Polaca

Autor: Jose Ángel Escribano Fuente: Filmin

Un viaje de "Ida" y vuelta a través de la Escuela Polaca

Desde los años 90 hasta el año 2013, un cuasi desconocido director polaco-británico llamado Pawel Pawlikowski había realizado un buen puñado de películas, algunas de ellas premiadas internacionalmente, pero su reconocimiento se limitaba a pequeños círculos. En 2013 todo esto cambió y su nombre se legitimó en todo el mundo. En ese año Pawlikowski vuelve a abrazar sus raíces polacas, alejándose del carácter occidental que marcaba su cine y estrena “Ida”, el último gran tesoro del cine polaco. Arrasó allá por donde pasó, recibiendo premios por todo el mundo y culminando su carrera con el Oscar a Mejor Película de Habla No Inglesa.

Sin embargo el cine polaco no empieza aquí, desde el final de la Segunda Guerra Mundial y con la fundación de la Escuela Nacional de Cine de Lodz surgieron toda una serie de cineastas polacos dispares entre sí y con una serie de inquietudes propias, pero todos vinculados a esta escuela. A día de hoy figuran como nombres claves de la cinematografía mundial, hablamos de los Roman Polanski, Andrej Wajda, Krzysztof Kieslowski, Krzysztof Zanussi, Wojciech Has o Jerzy Kawalerowicz entre otros. Por ello, desde Filmin hemos decidido hacer una recopilación de nuestro catálogo de los ilustrísimos alumnos aventajados de la Escuela Polaca.


KRZYSTOFZ KIESLOWSKI: DE LOS DIEZ MANDAMIENTOS A LA BANDERA FRANCESA

EL DECÁLOGO: NO AMARÁS & NO MATARÁS

Elogiada a ultranza por figuras como Roger Ebert o Stanley Kubrick, para muchos "Dekalog" fue la obra cumbre y más pura de Kieslowski antes de adentrarse en producciones extranjeras (que darían lugar irónicamente a sus otras obras igual de celebradas). Partiendo como un telefilm de 10 capítulos de 50 minutos, Kieslowski decidió adaptar los 10 mandamientos de las tablas de Moisés a la Polonia del momento. Muy lejos de ser un alegato de la religión, el polaco realiza una adaptación libre de cada una de las premisas que en ningún momento se mencionan, sin embargo, ahonda en los posibles significados de cada mandamiento a través del ser humano y sus cuestiones ético-morales, poniéndolos en contradicción o reinterpretándolos hacia la Polonia de la época. Sus dos capítulos más aclamados, el decálogo 5 y el decálogo 6, fueron trasladados a la gran pantalla por el mismo Kieslowski llevándolos a los 80 minutos de duración y contando con el mismo reparto. Alabados por la crítica internacional y premiados en Cannes y San Sebastián sirvieron para dar al realizador polaco renombre internacional. 

"No matarás" supone un profundo y duro alegato en contra de la pena de muerte vigente en la Polonia de los 80 en el que las historias de tres personajes se cruzan: un joven en su deambular por una Varsovia industrial, fea y gris (magistral la filmación de este tránsito fantasmagórico por la ciudad mediante la experimentación con filtros y colores sepias y verdosos que ilustran la agonía existencial del protagonista) asesina brutalmente a un taxista, y un joven abogado recién licenciado trata de defenderle oponiéndose a la pena de muerte. La película explora profundamente cual es el concepto de justicia y de las leyes humanas, y cómo lo lo que se enmascara de ésta no es más que un castigo o venganza que no responde a las virtudes del término: el asesinato se repite y se perpetúa, el primero puede responder a cualquier motivación, el segundo siempre es una farsa ejecutada por el Estado y disfraza de justicia; la primera muerte parece asquearnos, ante la segunda nos mostramos totalmente amorales pues pensamos que lo merece.

"No amarás" como adaptación libre del "no cometerás adulterio" parte de un joven voyeur obsesionado con una vecina mayor que él de la cual está enamorado y a la que espía mediante un telescopio en su vida privada y sexual. Dejando a un lado la experimentación formal de la anterior, Kieslowski vuelve a un estilo mucho más sobrio, pero no por ello menos poético, para explorar las posibilidades del amor idealizado y su confrontación con la realidad. Con ecos de "La ventana indiscreta" temas como la soledad, el sexo o la pasión aparecen en una obra profundamente dramática, con un guion redondo (cuyo final difiere al del telefilm) y con una partitura que ilustra los momentos más álgidos a la perfección. Asistimos a la progresión de un personaje que se enamora de una desconocida de la que no sabe nada y a la que finalmente conoce. La confrontación de lo que uno idealiza con el sentimiento real resulta trágica, la mujer de la que se enamora ha de ser una mujer distinta de la que en realidad es, son dos personajes diferentes, puesto que el amor idealizado siempre se crea como una proyección del sujeto en base a lo que él desearía. A pesar de esto, Kieslowski es capaz de ofrecer una mirada libre de juicio en el tira y afloja de el espía y el espiado (en su intercambio de papeles), cada uno procede de un mundo diferente, y cada uno es infeliz por unos motivos, pero ambos encuentran su punto de conexión en un bloque gris de edificios soviéticos de la Varsovia de los 80.


LA DOBLE VIDA DE VERÓNICA

Veroniqué y Weronika son dos jóvenes de la misma edad e idéntico físico, e incluso de aficiones comunes, una vive en Francia y otra en Polonia, ninguna de las dos sabe de la otra pero ambas pueden sentirse. Filme que sirve a Kieslowski de tránsito hasta su etapa francesa y que pone de manifiesto la descomunal poética de un director que ya había impresionado al mundo entero con su versión de los 10 mandamientos. Protagonizada por Irene Jacob (quien volvería con "Rojo"), Kieslowski se sirve de filtros en el uso del color para crear una estética y atmósfera ensoñadora que tiñe el relato. La poética del director aquí alcanza cuotas altísimas (que se mantendrán en su Trilogía del color) haciendo evidencia del sorprendente lirismo y sensibilidad de un hombre que, tras un decálogo donde predominaban los hombres, se adentra a explorar el universo femenino. A caballo entre la realidad y la fantasía, el realizador nos sumerge en un delicioso trance y lo filma con la sutileza de un susurro acompañándose de reflejos y superficies traslúcidas por los que se cuela la luz, pura poesía visual. Una obra superior que responde por sí sola, y que además sirve como anticipo a lo que está por venir.


TRES COLORES: AZULBLANCO & ROJO

Libertad, igualdad y fraternidad; azul, blanco y rojo. Las tres premisas de la revolución francesa, los tres colores de la bandera. Al igual que había hecho con su decálogo en 1988, tres años después Kieslowski se lanza a un proyecto en el que toma el lema oficial de Francia para adaptar cada uno de los conceptos que lo componen y aportar su visión personal y ambigua sobre unos valores tan abstractos. El resultado es una de las mejores trilogías que ha dado el cine contemporáneo, tres obras independientes pero que encajan entre sí mediante pequeñas piezas y que componen un firme y lírico corpus sobre los conflictos del ser humano que le sirvieron a Kieslowski para despedirse del cinematógrafo. 

"Azul" trata sobre el dolor que causa la pérdida y la posibilidad de ser libre cuando vivimos atados a un recuerdo. Protagonizada por una descomunal, bellísima y llena de matices Juliette Binoche, su personaje, Julie, pierde a su marido y su hija en un accidente de tráfico, tras esto intentará deshacerse de su pasado y comenzar una vida nueva. Su marido, compositor al igual que ella, dejó inacabada una sinfonía entorno a la conmemoración de la unificación europea y Julie tendrá que hacerle frente, puesto que encarna todo de lo que se esta tratando desprender. Más allá de las libertades sociales, el filme de Kieslowski pone en evidencia la capacidad de las personas para llevar una vida autónoma, y los vínculos establecidos con otros, la complejidad de la libertad emocional dentro de la vida moderna en un entorno social. Y lo hace apoyándose en el color azul y en una fotografía riquísima que arma un poema visual lleno de matices y pequeños silencios. Acompañado de una banda sonora en perfecta asonancia con las imágenes "Azul" conlleva una de las obras más bellas que se han filmado en los años 90 en el cine europeo.

"Blanco" es la más atípica de las tres, y también de las cintas más inusuales de la trilogía de Kieslowski en forma de comedia negra, o comedia triste como sugiere su autor (o anti-comedia según Roger Ebert), mientras la dirige también se encarga de montar la anterior y de escribir la siguiente: el vínculo de las tres películas es indisoluble. Entre París y Polonia se construye la historia de Karol un peluquero que ama profundamente a su mujer Dominique (Julie Delpy) pero que es abandonado debido a su impotencia. Karol tratará de rehacer su vida regresando a su Polonia natal dentro de una maleta, pero también tratará de vengarse de su mujer. La igualdad entendida aquí por mantener una relación de tú a tú para poder amar, en igualdad de condiciones. Cuando un miembro de la pareja impera sobre el otro el amor se vuelve irrealizable y aparece la humillación y la frustración. Una autoral interpretación de la igualdad por parte del polaco en la que, con un cuidado guion, nos deja ante una agridulce obra repleta de momentos tan tristes como cómicos. 

"Rojo" es la última entrega de la trilogía y probablemente su cumbre, aquella meta donde toda la sutileza y el lirismo que definen la obra de Kieslowski se intensifican y alcanzan su punto final, la madurez estilística e intelectual de un hombre que deja el cine y que se sirve de su última obra para cerrar también la trilogía (¡Y de qué manera lo hace!). Con Irene Jacob y el veterano Jean-Louis Trintignant como pareja principal aquí nos encontramos con la fraternidad como eje en torno al que oscila la historia: Valentine, una joven modelo atropella a un perro accidentalmente, tras curarlo y llevarlo con su dueño se encuentra con un juez jubilado que tiene como vicio escuchar las conversaciones telefónicas de sus vecinos, la chica siente lástima y asco por la conducta de Joseph, el juez, sin embargo acaba iniciando una relación amistosa con él. Personas aparentemente inconexas entre sí que forman vínculos y cruzan sus caminos para bien o para mal (porque la cinta abarca mucho más que Valentine y Joseph), en "Rojo" tras la libertad y la igualdad llegamos al último escalón: la fraternidad, donde las dos premisas anteriores son capaces de confluir a modo de tesis, antítesis y síntesis, y esto se hace por medio de un maravilloso gag-detalle que incluye Kieslowski en su trilogía: no pierdan el ojo a una anciana y un contenedor de reciclaje de vidrio. En definitiva: una obra mayor para una trilogía mayor, no se la pierdan.


ANDREJ WAJDA: CRONISTA DE UN PAÍS

KANAL: LA PATRULLA DE LA MUERTE

Estrenada en 1957, segunda película de Wajda y a su vez la segunda entrega de la Trilogía de la Guerra, que iniciaría dos años antes con "Generación". Premiada ex aequo con "El séptimo Sello" en Cannes, supone una obra mucho más madura que su debut, donde corrige fallos primerizos y comienza a definir una mirada propia. "Kanal" posee un claro carácter antibélico al igual que el resto de la trilogía (de "Cenizas y Diamantes" hablaremos más adelante) y se centra en el relato de los últimos días del Alzamiento de Varsovia en 1994. Un grupo de soldados de la Resistencia polaca asediados por las tropas alemanas se ven forzados a tratar de escapar a través de los laberínticos canales de la ciudad, con todo lo que ello supone. Nada más comenzar la película ya somos conscientes del resultado fatalista, asistimos a un paseo por las ruinas de la ciudad devastada en su totalidad hasta que un narrador nos presenta al pelotón y nos informa: "estos son los protagonistas de la tragedia, observarles bien, son sus últimas horas de vida". Porque todos sabemos a estas alturas que la Historia es el mayor spoiler, y si algo pretendía aquí el realizador polaco era mostrar la miseria humana y las miserias de la guerra (o del genocidio) en su mayor crudeza y realismo. Hombres sumergidos en un laberinto de temores, oscuridad y gases nocivos que se desorientan, se separan, y enloquecen, todos en busca de la luz, de una salida fuera de ese descenso a los infiernos que es la guerra y que tiene su máxima expresión en los túneles. Desesperazandora y totalmente trágica, somos testigos de como los hombres recorren su propio sendero de confusión y miedo a través de estrechos caminos lleno de bifurcaciones donde el aire es denso, los cadáveres flotan en el agua, y la capacidad de orientación no existe. Wajda crea una película claustrofóbica y oscurísima, marcada por una atmósfera opresiva en la que sólo existen dos opciones (y ni siquiera eso): huir o morir.


CENIZAS Y DIAMANTES

Última parte y cumbre de la Trilogía de la Guerra, estrenada un año después de "Kanal" y premiada en el Festival de Venecia. Tras una extensa filmografía, todavía a día de hoy supone uno de los mejores títulos de Wajda. Protagonizada (al igual que "Generación") por Zbigniew Cybulski, conocido como el "James Dean polaco" la historia se resumen en una premisa tan sencilla como matar a un hombre o no hacerlo. Tras la rendición nazi, en una Polonia tomada por los comunistas un joven perteneciente a un grupo de la Resistencia nacionalista recibe el encargo de matar a un líder socialista, para ello se ha infiltrado en una fiesta organizada en el hotel donde se aloja, y donde el joven se enamorará de una camarera. A Wajda le bastan las 24 horas de un día, desde que sale sol hasta que vuelve a salir, para exponer los conflictos morales de un joven que según avanzan las horas tiene menos clara su misión, el idealismo cede ante formas de extremismo y nihilismo, el reflejo de una Polonia derruida y fragmentada en dos partes es evidente, las alegorías mediante símbolos en la película son contantes, y el trabajo de fotografía que remite enormemente al expresionismo alemán resulta soberbio ilustrando una atmósfera trágica y asfixiante. El resultado será trágico en cualquiera de sus formas, aunque la guerra haya cesado las heridas siguen abiertas, y aquí tampoco hay esperanza para nadie.


KATYN

Con casi 50 títulos a su espalda Wajda, fiel a su labor de cronista del siglo XX comprometido con la historia e identidad de Polonia como país, estuvo haciendo cine hasta su fallecimiento en octubre de 2016 y "Katyn" fue uno de sus últimos grandes títulos estrenado en 2007. Como tantas de sus obras Wajda se centra en llevar al celuloide episodios concretos de la historia, aquí elije uno de los sucesos más negros y desconocidos de la historia polaca: la matanza de Katyn. Tras la invasión soviético-alemana de Polonia en 1939 por las tropas de Hitler y Stalin, casi 22.000 polacos fueron asesinados en masa y enterrados en fosas comunes, la cinta recrea recrea el genocidio cometido acompañando a estos hombres en sus últimas horas. Una de esas cintas que sirven para generar memoria histórica y dar cabida a unos hechos enterrados por la historia.


ROMAN POLANSKI: LA CLAUSTROFOBIA

EL CUCHILLO EN EL AGUA

"El cuchillo en el agua" es el debut de un todavía joven y desconocido Polanski, lo cual no impidió que le valiera una nominación al Oscar a Mejor Película de Habla No Inglesa y el premio FIPRESCI en el Festival de Venecia, además de abrirle las puertas del mercado británico para la realización de sus posteriores obras. El filme supone una declaración de intenciones de la temática y el estilo que obsesionará a Polanski a lo largo de su carrera, la fijación por los espacios claustrofóbicos y cerrados y las pulsiones sexuales y violentas que se encierran en el alma de las personas. Con un escaso presupuesto, Polanski se sirve únicamente de tres personajes y un barco para crear una historia sobre la erótica del poder y el ego entorno a la rivalidad primitiva de dos hombres que tratan de conquistar a una mujer: un matrimonio recoge a un joven autopista desconocido y finalmente lo invitan a dar un paseo en barco con ellos. Los tres se ven envueltos en un drama psicológico en el no tenemos apenas datos de los protagonistas, sin embargo mediante sus acciones y su comportamiento su oscura naturaleza y su carácter se va relevando conforme aumenta también la tensión entre ellos. El cuchillo, como símbolo fálico, acompaña a los dos hombres (de generaciones distintas) que pelean por él como cetro de poder y lo que comienza como un juego infantil se va turbando en una atmósfera cada vez más lasciva.


REPULSIÓN

Primer título de lo que sería conocida posteriormente como "La trilogía del apartamento", lo que en ya evidenciaba en su ópera prima aquí alcanzaría unas cuotas muchísimo más pronunciadas y siniestras que le servirían para marcharse del Festival de Berlin con un Oso de Plata y el premio FIPRESCI. Con tan sólo dos películas Polanski se estaba consagrando como uno de los directores europeos más prometedores de la época. Una jovencísima Catherine Deneuve interpreta a Carol Ledoux una bella chica con una fobia reprimida hacia los hombres que le hace experimentar sentimientos simultáneos de atracción, pero también de repulsión y temor, lo que se ve potenciado al compartir piso con su hermana la cual mantiene una relación con un hombre casado. Tras la marcha de su hermana de vacaciones, Carol se aísla del exterior progresivamente hasta quedar a merced de las cuatro paredes de la casa cayendo en un estado de terror, locura y angustia. La puesta en escena aquí es asfixiante y la atmósfera enrarecida nos remite al "Eraserhead" de Lynch (realizada 12 años después), las texturas que ya encontrábamos presentes en "El cuchillo en el agua" aquí se acentúan con un blanco y negro duro y contrastado por medio de símbolos como un conejo, unas patatas o una navaja de afeitar. Polanski construye un terrorífico thriller psicológico dentro de un apartamento-cárcel que alcanza sus máximas cuotas de terror cuando la oníria se apodera del relato. 


CUL DE SAC

Premiada con el Oso de Oro en la Berlinale y estrenada sólo un año después de "Repulsión", el polaco-francés recupera el planteamiento inicial de su debut en el que a un pareja se le suma un tercer componente dando lugar a un tira-y-afloja entre tres personajes ubicados en un espacio opresivo. Sin embargo, el tono de la narración aquí se acerca más a la comedia negra y al teatro del absurdo que le servirán a Polanski para satirizar los valores burgueses del matrimonio, propiedad y las convicciones sociales. Dos delincuentes heridos llegan huyendo a un castillo en la la playa, allí viven un débil y pusilánime inglés que vive subyugado a su reciente esposa. Cuando uno de los dos delincuentes muere la historia queda configurada dentro del extraño castillo permitiendo a Polanski liberar un sentido del humor de lo más retorcido y atípico.


KRZYSZTOF ZANUSSI, WOJCIECH HAS, JERZY KAWALEROWICZ: HISTORIA Y ADAPTACIONES

MAXIMILIAN KOLBE

Ambientada en la Segunda Guerra Mundial y centrada en un suceso histórico real, al igual que multitud de obras de Wajda, Zanussi lleva aquí a la pantalla la vida del sacerdote polaco Maximilian Kolbe. Si alguno de ustedes ha tenido la oportunidad de visitar el campo de concentración de Auschwitz-Birkenau seguramente el guía de la visita les haya hablado de su figura y mostrado su celda. En 1941, tras una fuga de prisioneros los nazis eligieron personas al azar para ser ejecutadas a modo de reprimenda, Kolbe no se encontraba entre los desafortunados, sin embargo eligió intercambiarse voluntariamente con uno de ellos que clamaba por su vida y la de su familia. Su acto heroico no pasaría desapercibido y en 1982 Juan Pablo II lo canonizaría como mártir de la Iglesia Católica. La adaptación de Zanussi recrea este acto de amor al prójimo y para ello elije a Christoph Waltz en el papel protagonista de Kolbe, un santo con todas las contradicciones que puede encarnar un ser humano. La película sirve como testigo del suceso y sus consecuencias posteriores, un fragmento de la historia atrapada en el celuloide.


EL MANUSCRITO ENCONTRADO EN ZARAGOZA

Cult movie desde el momento de su lanzamiento. Alabada entre otros por Luis Buñuel, Martin Scorsese, F. F Coppola o el músico Jerry García. De hecho, serían estos tres últimos los que pagarían en los años 90 una restauración de la cinta con el fin de recuperarla y reivindicarla. Con una duración de tres horas, el polaco Wojciech Has decide adaptar la novela de Jan Potocki, obra maestra de la literatura fantástica gótica del siglo XIX que recrea la oscura España de principios del siglo XVIII. Potocki estaría trabajando en la novela prácticamente toda su vida y la terminaría poco antes de suicidarse sumido en la locura (obsesionado con la idea de que era un hombre lobo decidió disparare con una bala de plata). El resultado es una de las obras más complejas pero a la vez fascinantes que nos ha dejado la literatura, construida en forma de relato enmarcado, con historias dentro de historias que se ramifican y mezclan (al igual que en "El Decamerón", "Las mil y una noches" o "Los cuentos de Canterbury"), el realizador polaco consigue llevar a la pantalla la historia de Alfonso, un oficial de la Guardia Valona que se dirige camino a Madrid para servir a Felipe V, y para ello tendrá que atravesar Sierra Morena, lugar de ladrones, fantasmas, gitanos, miembros de la Inquisición, espíritus demoníacos y musulmanes. Por el camino encontrará a un cabalista y un matemático que le acompañaran en su viaje poniendo a prueba su cordura, construyendo, más que un viaje físico, un viaje iniciático hacia el conocimiento y el autodescubrimiento. 


FARAÓN

Adaptación de la novela homónima del escritor Boleslaw Prus, uno de los nombres más destacados de la corriente positivista polaca del siglo XIX. Dirigida por Jerzy Kawalerowicz, en plena crisis estructural del imperio egipcio y con la amenaza de invasión asiria rondando, el joven faraón Ramses XIII decide enfrentarse a la casta sacerdotal acumuladora del poder económico, religioso y político para repartir sus riquezas y combatir el empobrecimiento de la población. Con un rigor histórico preciso y una cuidada puesta en escena, “Faraón” consigue una verosimilitud loable incluso al estar basada en la figura de un faraón inventado y pese a algún anacronismo derivado de la adaptación de la novela, de hecho, probablemente sea el acercamiento más fidedigno a la civilización egipcia que ha dado el cine. De hecho, su tema no es otro que el de la lucha por el poder, y más en concreto el enfrentamiento entre el poder político y el religioso, no es casualidad que comience con dos escarabajos (sagrados en el antiguo Egipto) peleando por una bola de estiércol. Una obra épica en todos sus sentidos: grandilocuente en su propuesta, pero a la vez realista y sobria en su tratamiento, y que es capaz trasladar a la época moderna todo el imaginario antiguo y hacerlo vigente.


VUELTA AL 2013: LA GRAN OLVIDADA DEL AÑO

PAPUSZA

Y volvemos hasta la actualidad para recuperar otra película polaca que injustamente sufrió el eclipse del boom "Ida", pero que en nada tiene que envidiarla. Ganadora en la SEMINCI al Premio a Mejor Director para el matrimonio formado por Joanna Kos-Krauze y Krzystof Krauze, "Papusza" lleva a la pantalla y reivindica la vida de la poeta polaca romaní Bronislawa Wajs (conocida como Papusza) en plena mitad del siglo XX con la Segunda Guerra Mundial atravesándolo. Papusza se cría en una familia de nómadas gitanos ambulantes totalmente ajenos a los payos y a la civilización pero vinculados a la naturaleza,las tradiciones, los ritos y la música. Es tras la estancia de un poeta con la comunidad romaní cuando el arte de Papusza se hace evidente, sin embargo desde ese momento esta sensibilidad le marcará durante el resto de su vida al ser rechazada por su comunidad. Presentada como un enorme fresco fotografiado en blanco y negro (que nos remite tanto a la pulcra "La cinta blanca" como al cine de Bela Tarr) "Papusza" realiza una increíble ilustración de la comunidad gitana polaca del siglo XX así como evidencia la figura de una mujer defenestrada por la historia. Repudiada por los suyos, ajena a los otros, el don de Papusza se convierte en su cruz condenándola a la más melancólica existencia e incomprensión, su obra es reconocida (será traducida a multitud de idiomas) y pasará a la historia, sin embargo poco de esto importa cuando te empujan al ostracismo más absoluto. "Una hoja habla, un corazón errante muere mientras un cuervo negro llora su partida".

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