Si en nuestro anterior post reivindicamos remakes que si merecen la pena y defendemos "Cegados por el Sol" como una propuesta original y cualitativa con verdadera razón de ser, en este caso reivindicamos películas emblemáticas que inspiraron otras versiones y empezando, claro está, por "La Piscina". Ellos también fueron remakes.

SCARFACE, EL TERROR DEL HAMPA (1932)

Star Wars, Bob Marley, el Che Guevara...y Tony Montana. Eterno icono de la cultura pop, el rostro de Al Pacino y el nombre Tony Montana poblan las paredes, camisetas o tazas de desayuno a lo largo y ancho del planeta. Escrita por Oliver Stone, dirigida por Brian de Palma y protagonizada por el protagonista de "El Padrino", estamos ante uno de los remakes con mayor resonancia en la historia del séptimo arte. Este "Scarface" de Howard Hawks, obra clave del cine negro cuya inusitada violencia y puesta en escena marcaría todo el género negro en las siguientes décadas, inspiraba uno de los títulos más polémicos y salvajes que jamás nos ha dado el cine de mafia. Probablemente una de las películas más repetidamente vistas por su inabarcable legión de fans cuyo verdadero origen es desconocido por la gran mayoría de ellos.




LOS SIETE SAMURÁIS (1954)

En diciembre de 1971, a los sesenta y un años de edad y con una carrera digna de ser enmarcada, Akira Kurosawa decide suicidarse. Visto así, con la perspectiva de los años, convendríamos todos que al director de "Rashomon" (1950), de "Trono de sangre" (1957) o de "Barbarroja" (1965) no debería toserle nadie, pero la realidad es muy diferente: Kurosawaha sido (y se siente) cuestionado. A estas alturas ya a nadie le sorprende, pero en 1954 que un cineasta japonés pudiera ejercer algún tipo de influencia sobre las modas y los estilemas del cine norteamericano tenía su aquél. "Los siete samuráis" conoce de entrada un remake en clave de western: "Los siete magníficos" (1960), y Kurosawa, halagado, regala una katana a su director, John Sturges. No será la única adaptación de un texto del cineasta japonés, pero sí es una de las más influyentes. Su tratamiento de las escenas de acción y su uso de la cámara lenta son copiados y jaleados hasta la saciedad por Hollywood. Sam Peckinpah afirma que sin la multicámara y el trabajo con las lentes de "Los siete samuráis" su banda de perdedores de"Grupo salvaje" (1969) no hubiera podido existir. George Lucas, Martin Scorsese y Steven Spielberg son incondicionales del cine de Kurosawa y de esta película en particular. Hasta Pixar utiliza la premisa del grupo de valientes que debe defender un poblado para escribir"Bichos" (2002). Uno tras otro, todos aquellos cineastas que se acercan la filmografía de Akira Kurosawa caen bajo el influjo de uno de los directores más potentes de la cinematografía mundial. Un coloso que, veinte años más tarde, se sentirá un fracasado, intentará acabar con todo, pero volverá justo a tiempo de producir más obras maestras que lo coloquen en el pedestal que le corresponde.




EL QUINTETO DE LA MUERTE (1955)

"Ladykillers", traducida en España como "El quinteto de la muerte", es posiblemente una de las películas sobre robos más divertidas que jamás se hayan rodado. Tanto es así que ni más ni menos que los hermanos Coen le dedicaron un remake, fallido, todo hay que decirlo, de la mano de Tom Hanks. No fue el caso, sin embargo, de la versión original de Alex Mackendrick. ¿Cómo no iba a ser un triunfo una película que cuenta con el gran Peter Sellers, Sir Alec Guiness, Cecil Parker y Herbert Lom entre su reparto? Estos genios del humor inglés más clásico reparten risas a diestro y siniestro con su particular clase y porte. Mención especial para la inolvidable Katie Johnson, la sexta en discordia.




MUCHACHAS DE UNIFORME (1958)

"Muchachas de uniforme" (1931) está considerada la primera película de temática lésbica de la historia del cine. Basada en la novela Das Mädchen Manuela (La Muchacha Manuela) de Christa Winsloe, dirigida por Leontine Sagan e interpretada por un reparto enteramente femenino encabezado por Hertha Thiele como Manuela y Dorothea Wieck como la profesora Von Bernburg, esta sorprendente película para su época cosechó un gran éxito en todos aquellos países en los que logró ser estrenada. La eterna fantasía de alumno-maestro y las jerarquías de poder que sorprende por lo arriesgado de su temática en una Alemania que estaba a punto de pasarse totalmente al nacionalsocialismo. Tuvo un remake en 1958, que en España no duraron en titular como "Corrupción en el Internado", toda una declaración de intenciones. Y para aquellos que se hayan quedado con más ganas de cine lésbico en las aulas, "Loving Annabelle", película de absoluta referencia en el género.




LA CUADRILLA DE LOS 11 (1960)

En ocasiones, existe numerosas películas que la batuta del protagonismo es dirigida por varios actores y queda muy difusa la línea entre quiénes son los interprétes principales y quiénes los secundarios; en La cuadrilla de los 11, casi se llega a la docena-como bien indica el título. Y es que en este caso, el elenco actoral está formado por el Rat Pack de los sesenta, es decir, Frank Sinatra, Sammy Davis Jr y Dean Martin. Cada miembro del clan es más carismático que el anterior. La película que inspiró a "Ocean's Eleven" reune a un grupo de ex-combatientes de la Segunda Guerra Mundial que deciden apagar Las Vegas para conseguir atracar cinco grandes casinos de forma simultánea. Cine clásico de calidad y altura.



EL SALARIO DEL MIEDO (1953)

Cuando pensamos en suspense y thriller, la silueta del maestro se nos aparece y hace que no podamos pensar en otras películas. Pero el cine francés consiguió dar a luz una pieza que está a la par, o supera por momentos, a las grandes de Hitchcock. Calificada como una de las películas más admiradas e imitadas de la historia del cine, “El salario del miedo” es una historia sobre la miseria y la crueldad humana que nos llevan a una época donde la supervivencia era lo único que importaba, y daba igual si acababas conduciendo un camión con nitroglicerina para conseguirlo. En este sentido, la obra de Henri-Georges Clouzot fue una gran influencia para todo un Sam Peckinpah, pro ejemplo, y se encargó de homenajearla en dos de sus películas: “Grupo salvaje” y “Perros de Paja”. Sin embargo, el responsable de dedicarle un remake fue todo un William Friedkin. Ni más ni menos que el director de "El exorcista" fue quien le dedicó su particular homenaje con "Carga Maldita", un clásico de culto cuyo montaje final lamentablemente fue recortado por dar una imagen puramente dictadora del capitalismo a través de una compañía de petroleo. There will be blood, sí. Y de hecho la hubo. Ganadora de la Palma de Oro y el Oso de Plata en Berlín, “El salario del miedo” sería una de las últimas grandes películas del cine clásico francés, antes de que la Nouvelle Vague irrumpiera en escena y pusiera patas arriba el concepto del cine. Aún así, la película de Clouzot siempre ha sido una adelantada a su tiempo.



LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS (1956)

En el año 1956, durante la caza comunista, Don Siegel filma "La invasión de los ladrones de cuerpos", un maravilloso clásico de la ciencia-ficción, sobria y emocionante historia cortada a los patrones del más puro cine negro, una cinta redonda y llena de calidad, un lujo en blanco y negro .En ella, los habitantes de un pequeño pueblo se estremecen ante la suplantación de cuerpos por parte de seres extraños. Este hecho se extrapola a lo que vivía Estados Unidos en dicha época, en la que el senador McCarthy se empeñó en acusar de comunistas, y por tanto anti-americanos, a muchos personajes relacionados con el mundo de la cultura. Dicho acontecimiento supuso una neurosis colectiva, tal y como hoy día recientemente llegó a ocurrir, por ejemplo, con el virus del Ébola. Los medios de comunicación nos recuerdan día tras día la existencia de esta enfermedad mortal y el riesgo a ser contagiado. Nadie está fuera de peligro. Ni ayer, ni hoy, ni mucho menos mañana. Tanto es así que en 1978, exactamente 22 años después y de la mano de Donald Sutherland, Philip Kaufman le dedicaría un extraordinario remake con la memorable, ya mítica, "La invasión de los ultracuerpos". En este caso sí, tal para cual.




LA PISCINA (1969)

Uno de los films más taquilleros de la carrera de Alain Delon, auténtico fenómeno comercial a finales de los años 60 cuyo guión firmó el guionista preferido de Luis Buñuel, Jean-Claude Carrière. En España sin embargo, su estreno causó ante todo escándalo debido a su argumento, demasiado atrevido para aquellos tiempos. De hecho en España se estrenó una versión recortada por la censura, que era absolutamente incomprensible. Por suerte podemos disfrutar de la versión completa en Filmin y de su explosivo e innovador remake a cargo de Luca Guadagnino en cines.




LA HUELLA (1972)

Joseph L. Mankiewicz es otro de los nombres clave del cine de Hollywood. Vivió la época de los estudios en todo su esplendor, así como el fin. Su cine siempre fue alabado tanto por crítica y público recayendo la fuerza de sus películas en el poder de los guiones. Además de ser de calidad, tenían una vocación comercial con las que poder llegar a todos los públicos. Con “Eva al Desnudo” llegaría su mayor éxito con 6 de los 14 Oscars que recibirían el total de sus películas. Su retiro fue prematuro, pero pocos directores pueden presumir que su última película se erigiera una de las grandes joyas del cine. Pese a tener 4 nominaciones de los Oscars, pasó desapercibida en el año de “El Padrino”, sin embargo, el talento de la película se demuestra en la admiración que sigue despertando hoy. Una cinta austera, teatral, con dos personajes, escasa de vestuario y donde todo se centra en un perfecto guión y unas actuaciones que van más allá de un calificativo como perfecto. Mankiewicz demuestra que con poco es posible una obra maestra, tan solo -¿solo?- con el talento fue capaz de superar las superproducciones millonarias repletas de efectos especiales. Imaginamos que después de dirigir “La Huella” Mankiewicz pensó que todo lo que pudiese venir, no haría más que manchar su glorioso final. Lamentablemente, y como era de esperar, Kenneth Branagh no logró estar a la altura con el fiel (casi tanto como olvidable) remake que le dedicó en el año 2008, muy a pesar de contar nuevamente con Michael Caine y en este nuevo caso, con Jude Law.




LA ÚLTIMA CASA A LA IZQUIERDA (1972)

El debut cinematográfico del maestro del horror Wes Craven es una de esas joyas sangrientas del pasado que aún a día de hoy resuenan con tanta violencia y terror que su visionado sigue siendo profundamente incómodo. La película que le daría la vuelta al terror norteamericano, mostrando escenas tan gráficas y realistas que nada volvería a ser lo mismo. David Hess se convertiría en un actor de culto gracias a su interpretación de un violador psicópata, no exento, eso sí, de numerosos toques de humor: irreverente, salvaje, sangrienta y extrañamente irónica, "La Última Casa a la Izquierda" es un clásico del terror que nunca está de más revisar. Algo que David Iliadis debió tener muy claro a la hora de dedicarle un aceptable y fidedigno remake de mismo título en 2009.




EL HOMBRE DE MIMBRE (1973)

Es un hito del cine de culto, pero ante todo, una peli de terror verdaderamente única, una extrañeza cuya autenticidad no admite influencia o referencia alguna. Un título clave que sin embargo, no tiene (ni tendrá) herederos evidentes, ni tan siquiera su propio remake. Precisamente hablamos de una de las grandes películas de culto del cine británico protagonizada por el genial Christopher Lee y escrita por el autor de "La Huella", Anthony Shaffer. Basada en la novela "Ritual", escrita por David Pinner, "El Hombre de Mimbre" es una de las mejores adaptaciones de una grandiosa novela jamás llevadas a la gran pantalla, una mirada extraña, provocadora, penetrante, en definitiva, inolvidable. Tanto es así que si eres de barra de bar, podrás experimentar la escena tabernera más bizarra, excéntrica e hilarante, jamás vista en la gran pantalla. Y por descontado que, si aún tienes pesadillas con Nicolas Cage, probablemente desaparezcan tras disfrutar de la versión original. No se nos ocurre mejor antídoto posible para olvidar el desastroso remake dirigido poir Neil LaBute y protagonizado por el histriónico actor. Lejos, lejos.




SEMÁFORO ROJO (1974)

Definitivamente una de las películas más pesimistas de Mario Bava, "Semáforo rojo" nos demuestra lo lejos que estaba dispuesto a llegar el maestro italiano desde el momento que incurre en un relato mucho más realista y expresionista. Protagonizada por tres desesperados delincuentes que llevan a cabo un precipitado robo matando a varias personas y huyen tomando como rehén una inocente transeúnte, hay quien dice que es el film que inspiró "Reservoir Dogs" aunque uno diría que está más cercana a "Abierto hasta el amanecer". Pues bien, el filme de culto de Mario Bava se ha convertido en una cinta de acción y músculo con un brillante Lambert Wilson en manos de Éric Hannezo. Hablamos de la recién estrenada "Perros Rabiosos".



PIRAÑA (1978)

Unas pirañas son accidentalmente liberadas en un río frecuentado por turistas que están en plena temporada de verano. Con este punto de partida y con unos resultados muy por encima de sus modestas pretensionesJoe Dante fue artífice de una de las respuestas más destacables que en su día tuvo la incontestable "Tiburón". Producida por Roger Corman, que confió en un director y un guionista por entonces desconocidos, su principal baza estriba en el distanciador sentido del humor con que se aborda el repertorio de atrocidades que componen su trama. Este humor subterráneo se combina con un sutil juego de referencias cinéfilas con las que se homenajean a los clásicos del género, especialmente los de serie B. Pues bien, tres décadas después un emblema del terror contemporáneo como lo es Alexandre Aja era la inmejorable elección para brindarle una desbordante y descerebrada puesta al día que merece todos nuestros respetos.




CARRIE (1976)

Hay películas que cambian una vida. Pueden revelar a un joven talento, consagrar a un nombre en alza, resucitar la carrera de un veterano o, sencillamente, provocar un matrimonio (sí, hemos dicho provocar). Hay otras que lo hacen todo a la vez, y más. Carrie (1976) es la revancha de los nerds por antonomasia antes de que llevar gafas de pasta, el pelo imposible, la ropa de tu abuelo y la mochila abarrotada de cómics fueran síntomas de ser un tío cool. Vale que la pobre Carrie tiene sus propios problemas, pero seamos francos: ¿quién, ante las hordas de abusones que pueblan cualquier instituto, no ha soñado con tener poderes para ajustar cuentas? La mítica "Carrie" de Stephen King (y Brian De Palma) volvió recientemente a la gran pantalla de la mano de Kimberly Pierce ("Boy's Don't Cry") y con la participación estelar de Julianne Moore. Detalles, alicientes, que ejercen de secundarios de lujo para una infame función que fue dominada por una chica hiperactiva que con tan solo 12 años de edad fue vista -y olvidada- en media docena de series de televisión y en docena y media de largometrajes de ficción antes de atisbarse como uno de los mayores valores en alza de Hollywood con éxitos como "500 días juntos" o "Kick ass", confirmándose en indiscutible superstar con los "Hugo" o "Déjame entrar". Ella es Chloë Moretz, y ella es también, la nueva y fallida Sissy Spacek. Y es que, como bien afirma el propio De Palma, "disfruto de sobremanera viendo como todos cometen los errores que yo evité en toda nueva versión de Carrie que plantean". Pues eso, más claro, agua.




LAS COLINAS TIENEN OJOS (1977)

Y precisamente fue Alexandre Aja también el encargado de brindarnos uno de los remakes de terror más emblemáticos de los últimos tiempos. Los snobs eran reacios y los puristas se horrorizaban ante esta nueva -y extremadamente desagradable- versión de un clásico de horror que resulta tremendamente buena en lo que se propone: simple y llanamente, que te sientas fatal. Incluso cuando reinventa, Aja inventa. Basada en hechos reales, el estreno de la originaria "Las Colinas Tienen Ojos" supuso un hito en el cine de terror así como la consagración Wes Craven en el género del slasher. La película relata el calvario de una típica familia de clase media norteamericana, los Carter, que, camino de California, sufren una avería en mitad del desierto, en una zona fresca y dispuestos a aterrorizar a los inocentes viajeros. Es sin duda alguna, otro de los títulos más destacables y carismáticos, por su personalidad y autenticidad, que podemos atribuir a Wes Craven. Un peliculón de culto que nada tiene que envidiar a "La Matanza de Texas" sin ir más lejos.




CARRETERA AL INFIERNO (1986)

Inolvidable cult movie de los 80. Antes de que Rutger Hauer empuñara la recortada como el vagabundo Hobo, lo hizo como el sanguinario autoestopista John Ryder, y a la caza de C. Thomas Howell. Robert Harmon dirigió una carismática muestra de suspense, típica de los años 80-90, en cuya simplicidad radicaba su efectividad. algo que lamentablemente, Dave Meyers no lograría en su nueva versión de 2007, muy a pesar de contar con Sean Bean en plan psicokiller o con Eric Red, quien precisamente también escribió la versión original, en el guión.




FUNNY GAMES (1997)

Ahora es el cuerpo de dos estrellas (Naomi Watts y Tim Roth) los que resultan maltratados. Con sus gestos y sus lágrimas, es el cuerpo de Hollywood el que es agraviado y manipulado por las estrategias brechtianas de un cineasta que está ofreciendo espectáculo y crítica del espectáculo envuelto. Es la clara demostración de que una película rodada en Estados Unidos llega a más público que una independiente hablada en alemán. El mensaje pretende ser el mismo, el director, mismamente Michael Haneke. Es el receptor el que cambia en su dimensión. ¿Qué no la quieres ver? Pues te la sirvo como te gusta para que la veas. en nuestro catálogo desde luego, en su versión originaria.




NUEVE REINAS (2000)

Es la película que nos descubrió a Ricardo Darín. Eso sí, con trampa y con cartón. Un divino timo que también es una obra maestra. Con un lanzamiento limitado, Warner estrenaba allá por el 2004 "Criminal", remake protagonizado Diego Luna y John C. Reilly que fue recibida con críticas aceptables muy a pesar de que los más observadores si señalaron su falta de imaginación, por copiar casi íntegramente la exitosa cinta de Fabián Bielinsky. Fueron, por cierto, Gregory Jacobs y Steven Soderbergh quienes adaptaron el texto original del argentino Bielinsky.



INTERVIEW (2003)

Es el film holandés más importante de la pasada década, sobre el que precisamente se basó el thriller homónimo de Steve Buscemi, cuyo director, el controvertido Theo van Gogh, liberal radical y ateo anticlerical declarado, murió asesinado a los 47 años, concretamente en 2004, a manos de Mohammed Bouyeri, un islamista holandés de origen marroquí. "Interview" es Un particularísimo ejercicio de metacine transformado en un profundo psicodrama que levita sobre la tarea que le asignan a un periodista en horas bajas de entrevistar a la estrella holandesa Katja Schuurman que por cierto, se interpreta a sí misma. Un encargo aparentemente superficial que sin embargo hacen los afloran los secretos más oscuros de ambos.



[REC] (2007)

La aportación patria que realzó el cine de terror en nuestro país, probablemente la película de terror española más resonante y distintiva del nuevo milenio. El dúo español compuesto por Jaume Balagueró y Paco Plaza consigue fusionar el falso documental con los zombies de una manera sublime, lo que llevó a los productores americanos a copiar la fórmula, y de cabo a rabo, tan solo un año después. Estrenada en 2008, su remake "Quarantine" copia escena por escena, prácticamente palabra por palabra, su orginario referente. Fórmula ganadora.




DÉJAME ENTRAR (2008)

"Creo que las imágenes más aterradoras son aquellas que te formas por ti mismo. ¿Hay alguien detrás de la puerta, o son solo dos zapatos los que están ahí? Muchos cineastas te echan monólogos a la cara; es mucho más interesante sugerir diferentes cosas al público, así pueden verse involucrados. Es muy fácil hacer sentir al público mal. Esta película va más de la reacción que de la acción: de cómo las personas reaccionan a las acciones más que las acciones en si mismas". Son las inmejorables palabras, formuladas por su propio director, Tomas Alfredson, que definen una de las muestras de terror más personales, emocionantes y hermosas rodadas en los últimos tiempos. La película de vampiros que anhelaría rodar todo un Ingmar Bergman y que asimismo dio pie a un poderoso remake americano a cargo de Matt Reeves, tan solo dos años después de su estreno.




13 TZAMETI (2006)

Un tugurio clandestino, un mundo de pesadilla donde los hombres hacen apuestas con la vida de otros hombres. Polanski, Melville, Bresson y la nouvelle vague se dan cita en este perturbador viaje a lo más profundo del miedo que resulta ser un trayecto alucinantemente crudo y abrupto, pero también transgresoramente perverso. Un culto instantáneo a quien su propio director, de la mano de Jason Statahm, Michael Shannon o Mickey Rourke, trató de dar vida en Estados Unidos mediante "13 (Ruleta Rusa) con resultados prácticamente funestos. En este caso más que nunca, mejor quedarse con la original.




EL SECRETO DE SUS OJOS (2009)

Hace apenas tres meses, allá por el mes de junio, se hacía público el primer tráiler oficial del remake yanqui de la película argentina más exitosa de todos los tiempos. Chiwetel Ejiofor, Nicole Kidman y Julia Roberts son son las estrellas de esta nueva versión en inglés que intentará estar a la altura de un film que combina a la perfección el film noir, el drama romántico, el thriller, su acostumbrado humor y hasta el costado histórico, político y social con una estremecedora historia de amor y unos actores superlativos (Ricardo Darín y Soledad Villamil) en una intriga envuelta en un crimen cometido 25 años atrás que sirve como punto de partida a este relato. La reflexión sobre la importancia de la memoria, individual y colectiva, se encuentra en el centro de una narración que vuelve a mostrar el talento del director argentino.



BONUS TRACK: CATFISH

Nadie la esperaba, nadie conocía a sus directores, muchos asientos estaban vacíos pero quienes fueron al primer pase de "Catfish" en Sundance salieron del cine conmocionados. El segundo pase, cine lleno, misma conmoción. Ya no había duda, "Catfish" era el film más importante de cuantos se habían proyectado hasta la fecha en el Park City. Un documental tan revolucionario como lo fueron "Capturing the Friedmans" o "Tarnation" en su día. Ópera prima de Henry Joost y Ariel Schulman, "Catfish" es una historia de amor creada sobre hechos reales...aunque lo que comienza como un documental sobre las nuevas tecnologías con más poso romántico que la filmografía entera de Julia Roberts, pasaba a ser un film de suspense digno de Hitchcock desembocando finalmente en un entrañable drama que logró tocarnos la fibra con gran sensibilidad. Nos dejábamos sorprender. Las relaciones online no volverían a ser lo mismo. Y menos aún, después del engendro de serie que con mismo título y mismos creadores, actualmente retransmiten en MTV.