Como bien sugerimos en la primera entrega de este imperdible especial, en filmin presentamos un ilustre abanico de primeras películas no tan conocidas, aunque de autores sobradamente reconocidos. Empezando por Jean Renoir en 1929 y  acabando por Xavier Dolan en 2008, imagínense lo que cabe entre medio a lo largo de prácticamente 80 años de cine. Es nuestro particular culto a las óperas primas de grandes directores. ¿Alguna por ver? Probablemente, más de las que debieran.

26. DAVID LYNCH: CABEZA BORRADORA (ERASERHEAD) (1977)

David Lynch llamó “Eraserhead” a su historia de Philadelphia, y su obra más espiritual. La mayoría de la crítica coincide en que es su película más personal, teniendo en cuenta los cinco años de producción que gastó con ella. Eventos de su vida personal –un matrimonio, el cumpleaño de su hija, y sus experiencias en Philadelphia- también coinciden con los temas de la historia. Lynch destapó los secretos de la película en una entrevista de 1985:

“Compré una casa en Philadelphia con 12 habitaciones y 3 plantas, por solo 3.500 $, porque nadie quería vivir allí. Fue increíble. Estaba en la frontera entre un barrio de blancos muy pobre, y un barrio de negros muy pobre, y el conflicto entre las dos razas era constante. En tres ocasiones nuestra casa fue allanada, un niño murió disparado muy cerca de nuestra casa. Tú realmente podías sentir el miedo en el ambiente. Había visto muchas cosas en Philadelphia, gente loca, mucha violencia, y este sentimiento dejó huellas profundas dentro de mí. Y cuándo salió de dentro de mí, se convirtió en “Eraserhead”. Esta es la razón de llamarle mi historia en Philadelphia. Está enteramente inspirada en Philadelphia y en mis experiencias en la ciudad.’’

27. JIM JARMUSCH: PERMANENT VACATION (1980)

Alabado tanto por el público como por la crítica, Jim Jarmusch se ha convertido en uno de los máximos exponentes del cine underground contemporáneo. Su estilo personal ha marcado gran parte de la historia del cine actual, que emula asiduamente su afán por contar pequeñas microhistorias dentro de grandes historias. Sus primeras obras cinematográficas presentan un nexo en común; el retrato ácido y emotivo de la figura del perdedor al margen de la sociedad, usando siempre como telón de fondo una estética decadente y experimental. Y como no podía ser de otra forma, su debut es una demostración de cómo el talento adecuado puede superar el contar con pocos medios. Personajes que no se encuentran a sí mismos, ambientes fuera de todo pronóstico y situaciones que, de puro imposibles, parecen las más reales conforman la existencia de esta turista vital que se siente como si viviera en unas vacaciones permanentes.

28. PEDRO ALMODÓVAR: PEPI, LUCI, BOM Y OTRAS CHICAS DEL MONTÓN (1980)

La ópera prima de Pedro Almodóvar, después de sus irreverentes cortos en súper 8, sigue siendo, veinticinco años después, un soplo de aire fresco, por su desparpajo y su libertad, dentro del panorama español. Con la presencia de Carmen Maura, Alaska y otros protagonistas del underground madrileño de aquella época, como Fanny McNamara, Cecilia Roth, Ricardo Franco o Ceesepe, esta película recoge el espíritu de una etapa clave en nuestra historia reciente por la eclosión de libertades y de actitudes vanguardistas que en ella tuvieron lugar. Por su gamberrismo, su osadía y su extraordinario y poco común sentido del humor, este film se ha convertido, con el paso de los años, en una auténtica película de culto en todo el mundo.

29. NEIL JORDAN: DANNY BOY (ANGEL) (1982)

Pasó directamente de las aulas de la universidad a asisitr a John Boorman sobre varias cuestiones técnicas el guión durante el rodaje de "Excalibur", haciendo así su primera incursión al mundo del cine, como jamás se lo hubiera imaginado. Fue el paso previo a su primer largometraje como director. Los trágicos acontecimientos que siguen a la actuación de una banda musical en un pueblo irlandés se convierten en el punto de partida de "Danny Boy", un inquietante thriller con matanza, venganza, IRA y mucho blues por medio. Al saxofón, Stephen Rea.

30. LARS VON TRIER: EL ELEMENTO DEL CRIMEN (1984)

Von Trier se crío en un ambiente de cinefilos. A los 11 años ya manejaba su primera cámara, una Super 8 con la que filmaba a sus amigos en producciones caseras y que le llevó a entrar en la escuela de cine de Copenhague en la década de 1980. Como anécdota señalsr que Von Trier agregó “von” a su nombre cuando el profesor Gert Fredholm lo sorprendió junto con otros colegas de curso, en la sala de montaje, por la noche, y les recordó que era hora de cerrar; los alumnos respondieron increpándole hasta sacarle de sus casillas. A los insultos, el profesor respondió diciendo; "sois peores que los niñatos de Sealand", con lo que se refería a los hijos de los burgueses de Copenhague. Y justo después les incitó a poner un "von" delante de sus apellidos, para que así todo el mundo los reconociera. Sus compañeros no le hicieron caso, pero a Lars el tener algo en común con los directores Erich von Stroheim y Josef von Sternberg le atraía. Y de hecho, lo tiene. Había nacido una estrella, polémica, pero estrella. "El Elemento del Crimen" significa el primer largometraje oficial Lars Von Trier rodado en 1984, aunque anteriormente había realizado un mediometraje como proyecto final en la Escuela de Cine de Conpenhague. Al contrario que ocurre en sus películas Dogma 95, la puesta en escena está minuciosamente cuidada. La elección y composición de planos llega a rozar la belleza de las pinturas expresionistas más complejas. Logró llamar la atención en el Festival de Cine de Cannes, donde recibió un premio por Logro Técnico.

31. LEOS CARAX: CHICO CONOCE CHICA (1984)

El debut cinematográfico del enfant terrible Leos Carax sigue resultando igual de impactante a día de hoy que allá por principios de los ochenta, cuando se estrenó. Carta de presentación ecléctica y potentísima, la película se va construyendo entre diálogos con más poesía que prosa, una estética en blanco y negro que recuerda tanto al expresionismo como al mejor Godard y un homenaje constante al género tradicional de la historia romántica. Un verdadero tesoro para los amantes del cine francés de autor, el primer regalo de uno de los cineastas más importantes de la contemporaneidad.

32. GUS VAN SANT: MALA NOCHE (1985)

Desde muy pequeño, Van Sant se interesó por la pintura y también por el cine, ya que rodaba cortos autobiográficos en Súper 8 cuando todavía iba a la escuela. Al parecer, dudaba entre ser cineasta o pintor, y se decantó inicialmente por los lienzos, cuando decidió matricularse en 1970 en la Escuela de Diseño de Rhode Island, donde tuvo como compañero de clase al músico escocés David Byrne, fundador de Talking Heads. Sin embargo, al final cambió de parecer, y decidió que lo suyo era la pantalla grande, tras recibir un curso de introducción impartido por directores de vanguardia, como Jonas Mekas y Andy Warhol. El primer largo de Gus Van Sant está rodado en blanco y negro con una cámara de 16 mm y un presupuesto de apenas 25.000 dólares. "Mala noche" nos presenta un treintañero gay enamorado de un joven inmigrante ilegal mexicano, heterosexual y que no habla inglés, con el que se acuesta a cambio de dinero.

33. AGUSTÍ VILLARONGA: TRAS EL CRISTAL (1987)

Los males de la II Guerra Mundial como jamás nos los contarón. En 1987, con menos de 30 millones de pesetas, Villaronga reunió a un equipo reducido para rodar su ópera prima, "Tras el cristal", un hito del cine español, una personalísima muestra de cine de terror que destacó por la originalidad de su propuesta, siendo considerado uno de los debuts más turbios e impactantes de nuestra historia tras ser premiado en numerosos festivales internacionales (seleccionada para el Festival de Berlín, Premio de la Crítica de Mallorca, Premio Ondas y Gran Premio del Festival de Cinema de Barcelona). Desde entonces, sus películas siempre se han esperado y visto como piezas de arte de un mundo visual propio e inquietante, cuyo posible único referente podríamos encontrarlo en el primigenio Croneneberg. Para echarse a temblar, vamos.

34. TERENCE DAVIES: VOCES DISTANTES (1988)

Siete largometrajes realizados entre 1984 y 2014, el primero de ellos compuesto por tres cortometrajes previos, dan una idea de la minuciosidad y la dedicación con que Terence Davies elabora cada una de sus obras. Los encuadres, los movimientos de cámara, las muy escogidas y significativas músicas y el inusual trabajo con los actores protagonizan su narrativa, revisando la memoria de la sociedad desde las emociones personales y rescatando la historia desde un punto de vista opuesto a los grandes acontecimientos oficiales, con un discurso tan lírico como contundente. El paso del tiempo, la religión, la homosexualidad y las relaciones familiares son también algunos de los temas habituales en su cine. Pues bien, con música de Ella Fitzgerald, George Gerswhin y Jessye Norman, Terence Davies debutaba en el largometraje. A partir de las canciones interpretadas por la familia protagonista en los momentos más dolorosos y, por supuestos, los más alegres, el realizador de Liverpool recreó en la pantalla sus recuerdos de infancia con un poder evocador que lo situó entre los grandes maestros ya consagrados.

35. ALFONSO CUARÓN: SOLO CON TU PAREJA (1991)

Se le consideraba uno de los cineastas mexicanos más prometedores de su generación, junto a otros como Guillermo del Toro o Alejandro González Iñárritu, quienes también han conseguido trascendencia internacional en los últimos años. Hoy ya es un hecho, los 8 Oscars logrados por "Gravity" (incuyendo el de Mejor Director) hacen de Alfonso Cuarón uno de los grandes nombres de Hollywood. La senda del éxito ha culminado en otra galaxia, pero comenzaba 12 años atrás con los pies en tierra. "Sólo con tu pareja" (ver online) es una comedia hilarante en al que Daniel Giménez Cacho da vida a un publicista mujeriego que se ve enredado en una situación aparatosa al tener que atender a dos mujeres a la vez. Su debut en la gran pantalla resultó todo un éxito, hasta el punto de llamar la atención de productores de Hollywood que lo invitaron a trabajar en Estados Unidos. Y es entonces cuando "La Princesita" le llevó a "Harry Potter", a "Hijos de los hombres", y a tocar el cielo (más bien el espacio) con su último y ultraoscarizado film.

36. JUANMA BAJO ULLOA: ALAS DE MARIPOSA (1991)

La película de culto de nuestro cine reciente, "Alas de Mariposa" se presenta como una sutil pieza que permanece intacta al paso del tiempo y que se reivindica a si misma como una de las mejores películas de principios de los 90. Juanma Bajo Ulloa debutaba tras las cámaras con una ópera prima que sorprendió a propios y extraños, un película que le costó nada más y nada menos que una hipoteca. Al final pudo rentabilizarla y con los ingresos que generó, se lanzó a por su segundo largo, que no fue otro que "Airbag". Pero antes fue un claustrofóbico cuento de terror cotidiano dominado por la mirada –triste, prístina, perturbadora– de la niña-actriz Laura Vaquero en el que fue su único trabajo en el cine. Drama familiar viciado, de silencios perturbadores y explosiones encerradas, Bajo Ulloa creó un malsano retrato del amor, que todo lo puede pero también lo pudre. Ganadora indiscutible de la Concha de Oro a Mejor Película en el Festival de San Sebastián, "Alas de Mariposa" también fue ganadora de 3 Goyas, entre ellos Mejor Director Novel y Guión Original.

37. QUENTIN TARANTINO: RESERVOIR DOGS (1992)

En 1992 un desconocido Quentin Tarantino dejaba sin aliento a crítica y público con su salvaje y estilizado debut tras las cámaras. "Reservoir Dogs" se convertía en un clásico al instante, causando una conmoción en el universo cinematográfico gracias a su desbocada narrativa, a sus elegantes y violentas escenas, y a una excelente banda sonora repleta de viejos éxitos de la década de los 70. Violencia extrema y humor corrosivo para una de las puestas en largo más contundentes del cine contemporáneo (y quizá de toda su historia) que ponía sobre la mesa todas y cada una de las cartas de un cineasta que, en dos décadas, ha pasado del culto al clásico, del indie al blockbuster, pero siempre manteniéndose fiel a si mismo.

38. ÁLEX DE LA IGLESIA: ACCIÓN MUTANTE (1993)

Entre grandes corporaciones, mutantes y colonias espaciales tenemos canciones de Massiel y vascos de los de boina a rosca al mando de cargueros espaciales que transportan palitos de merluza. Uno de los grandes referentes de nuestro cine, Alex de la Iglesia se daba a conocer a España y al mundo entero con una comedia cyberpunk tan extrema, atolondrada y desmesurada en su irreverente tono, como prodigiosa y elaborada en su compleja forma. Una auténtica obra de culto.

39. KEVIN SMITH: CLERKS (1994)

Kevin Smith se convirtió en un adalid del indie norteamericano con un solo título: "Clerks" (1994). Durante años compartió con Quentin Tarantino el título de director más imitado en las escuelas de cine, donde legiones de estudiantes olvidaban que el secreto de la película no consiste solamente en su bajo coste o su catálogo de majaderos, sino en una narración que supura honestidad por todos los costados, que muestra una voz propia capaz de alimentar el relato con un conjunto de referentes y de vivencias personales inalienable. "Clerks" resultó un culto instantáneo. Era fresca, entretenida y barata. También, eso lo supimos más tarde, inauguraba un universo propio anclado en los polígonos comerciales de Nueva Jersey y poblado por veinteañeros y treintañeros en constante crisis social, vital e incluso sexual.

40. DANNY BOYLE: TUMBA ABIERTA (1994)

Un sacerdote le salvó de seguir los inescrutables caminos del señor después de ser durante ocho años monaguillo. Desde entonces, su vida se centró en el teatro, y tras un breve paso por televisión, saltó a la gran pantalla gracias a una producción de Channel 4. "Tumba abierta” fue uno de los grandes éxitos comerciales en1995 en el Reino Unido además de ganar el premio BAFTA a Mejor Película. Se trata de uno de los thrillers de tintes cómicos más insolentes y agresivos que se recuerdan.

41. DARREN ARONOFSKY: PI (FE EN EL CAOS) (1998)

Uno de esos extraños ejemplares de personas curiosas que tratan de vivir más allá de la normalidad. Imberbe, con una mochila y repleto de juventud se lanzó con 16 años por Kenia, Alaska y Europa para satisfacer sus inquietudes por la naturaleza. Es allí donde se re-descubriría para decidirse a estudiar antropología y cine. De hecho, su debut fue una especie de crowdfunding, ya que consiguió el dinero a través de donaciones de amigos y familiares de 100 $, prometiend0 que si conseguía ser rentable les devolvería 150 $, y que si perdía dinero, al menos aparecerían en los créditos. Los contribuyentes seguro que no se arrepintieron:"Pi"  tuvo un presupuesto de 60.000 $, sus derechos fueron vendidos por 1 millon de dólares y acabó poor recaudar en cines más de 3 millones. Además, consiguió ganar el premio a Mejor Director en Sundance, y Mejor Guión en los Independent Spirit Awards. ¿Su logro? la decodificación experimental del sistema numérico que rige el caos del mercado bursátil. Y todo a través de las mates, muchas (y locas) matemáticas. 

42. CHRISTOPHER NOLAN: FOLLOWING (1998)

Hijo de padre inglés y de madre estadounidense, Nolan nació en Londres, donde empezó a realizar películas a la edad de siete años usando la cámara Súper 8 de su padre y sus juguetes como personajes. Estudió literatura inglesa en la University College de Londres, mientras utilizaba su tiempo libre para rodar un buen puñado de cortometrajes en una escuela de cine. Caldo de cultivo que culminó en la historia de un joven escritor con problemas de inspiración se dedica a espiar a la gente para buscar historias siguiéndolos por la calle. Así se gesta el debut en el guión y en la dirección de Christopher Nolan. Un film de gran talento rodado en blanco y negro y en 16 mm, durante los fines de semana y con un presupuesto de 6.000 dólares. Un auténtico acierto para una obra de culto de largo alcance.

43. ABDELLATIF KECHICHE: POESÍA Y JUVENTUD (2001)

Aunque nació en Túnez, desde los seis años vivió en Niza, donde desde bien joven se interesó por el teatro, así como la puesta en escena. Su llegada al cine no fue en la dirección sino que dio sus primeros pasos como actor interpretando a un gigoló e incluso a un inmigrante argelino que sobrevive en la delincuencia. Pero él quería dirigir, y tras intentar vender sin éxito varios guiones, consigue seducir al productor Jean-François Lepetit para que le apadrine un debut que se plantea como un retrato, simple y vibrante, sobre un indocumentado. “Poesía y Juventud” es la búsqueda de los sueños, a partir de un inmigrante que trata de encontrar a través de la solidaridad, el triunfo. En esta primera película ya se empieza a ver la esencia de su estilo en la que destaca su forma de observar la vida cotidiana a partir de un romance, su amor por los actores y el naturalismo de la interpretación.

44. GEORGE CLOONEY: CONFESIONES DE UNA MENTE PELIGROSA (2002)

Era el actor desconocido mejor pagado de Hollywood pero la serie "ER" cambiaría su futuro. En 2002 ya se había hecho un nombre en el cine con películas como “O Brother”, “Ocean’s Eleven”, "Abierto hasta el Amanecer", "Un día inolvidable", "Un Romance Peligroso" o "Tres Reyes". Pero lo que no sabía nadie era su habilidad para la dirección. Así nace un debut que le llevó a Berlín y otros prestigiosos festivales. Con un guión del genial Charlie Kaufman (“Olvidate de Mí”, “Adaptation” o “Cómo ser John Malkovich”), “Confesiones de una mente peligrosa” es la historia de un empresario con una doble vida, durante el día es productor de televisión y por la noche asesino de la CIA. Sam Rockwell, Julia Roberts, Drew Barrymore, Michael Cera y el propio Clooney, al servicio de una mente peligrosa (y un gran cine).

45. JAIME ROSALES: LAS HORAS DEL DÍA (2003)

Licenciado en Ciencias Empresariales, antes de convertirse en uno de los autores españoles de más éxito y más radicales, estudió en las mejores escuelas. De la popular Escuela de Cine de San Antonio de los Baños (Cuba), a la AFTRSBE de Sidney. Y tras dar la vuelta al mundo persiguiendo el cine, “Las horas del día”. Un debut profundamente realista y violento, que sorprendió al mundo entero antes de erosionar el cine español.  Ganó múltiples premios como el FIRPESCI en todo un Festival de Cannes. En ella se palpa el estilo de un autor a la altura de los más grandes, preocupado por las personas y en las que se nos destripa perfectamente el ser humano. En “Las horas del día” se nos muestra a un propietario de una tienda de ropa con una vida de lo más tediosa, tras la que se esconde un asesino en serie en el mejor papel jamás interpretado pro el gran Alex Brendemühl.

46. ANDREI ZVYAGINTSEV: EL REGRESO (2004)

De actor extra en televisión, a maestro del cine. El debut del director de "Leviatán" tranquilamente podríamos incluirlo entre las 10 mejores películas de la última década. La agreste belleza de los lagos y bosques del norte de Rusia añade una peculiar dimensión, una metáfora implacable, a este revelador drama humano en  el que la vida de dos hermanos se ve sacudida de pronto por la aparición de su padre, que sólo recuerdan por una vieja fotografía de hace 10 años. Un drama emocionalmente sutil, formalmente apabullante, que además de lograr el León de Oro e innumerables reconocimientos a lo largo de su excelso periplo festivalero,  marcó un nuevo amanecer en el cine ruso. La reciente nominación al Oscar de su padre y autor es la mejor prueba de ello.

47. ANDREA ARNOLD: RED ROAD (2006)

Nació cuando su madre tenía 16 años y su padre 17 años, ambos de clase obrera. Se crió en un barrio humilde de Kent y al ser la mayor de cuatro hermanos tuvo que ayudar a su madre a tirar adelante la familia ya que sus padres se separaron muy rápido. Desde pequeña escribía historias oscuras sobre la experiencia humana. Dejó el instituto a los 16 años y se marchó a Londres a probar suerte como actriz. Entró en televisión donde estuvo 10 años y se dedicaba a faenas de guión hasta que se dio cuenta de que podía convertir sus historias en películas sin tener porqué hacer de Ken Loach. Si una ópera prima gana el Premio del Jurado en Cannes, algo tiene. "Red Road" es un penetrante y perturbador drama psicológico e intriga que tiene la violencia de género y su consecuente venganza como demoledor leit-motiv. Un valiente debut que además forma parte del “Advance Party”, un concepto en el que tres realizadores escriben un guión cada uno basado en el mismo grupo de personajes.

48. BRILLANTE MENDOZA: EL MASAJISTA (2005)

Más de 20 películas rodadas en 10 años nos dan buena cuenta de como vive el cine este prolífico y aclamado director. Nacido en San Fernando (Filipinas) desde joven mostró su interés por el arte y se licenció en Arquitectura y Bellas Artes, y en Publicidad y Arte en la Universidad de Santo Tomás. Su debut tras la cámara no llegaría hasta el 2005, exactamente 10 años atrás. Lo bueno se hace esperar, y lo que es más importante aún, se ha de sembrar. Su debut tras la cámara llegaría con una película que trata cuestiones tan diversas como la homosexualidad, el dolor o la vida. Una valiente opera prima que no solo le dio gran repercusión en festivales internacionales, también le asentó como uno de los nombres más emergentes de la cinematografía asiática. Sus posteriores "Serbis" o "Kinatay" dan buena fe de ello.

49. MIA HANSEN LOVE: TODO ESTÁ PERDONADO (2007)

Hija de padres filósofos, su llegada al cine fue con 17 años para interpretar un papel en la película de Olivier Assayas “Finales de agosto, principios de septiembre” y acabar casándose con el a los 20 años. Estudiante de arte dramático en París y crítica de Cahiers du Cinema, su vida nace en la nouvelle vague. Tras varios cortos a sus espaldas, en 2007 llegaría su debut, “Todo está perdonado”. Una historia que repasa la pérdida de identidad de un hombre, así como la búsqueda de la hija once años después, de las razones que llevaron a su padre a acabar en el pozo. Las huellas del pasado a las que se regresan para encontrar el porqué. Una joya que despliega toda la esencia del cine que vendría después. Con grandes dosis de cine sensible y reflexivo en los que el tiempo juega un papel predominante, y la búsqueda de la identidad se muestra tan real que podemos estar sintiendo nuestra propia vida. Una de las grandes esperanzas del cine francés (y mundial) en el futuro. Tacto, frescura, sentido y sensibilidad. Como la vida misma.

Enfant terrible, veinteañero y ya con 3 grandes obras en su haber, contiene una voz tan pronunciada, tan personal y tan específica, que le señala como el hijo bastardo de Wong Kar Wai, Pedro Almodóvar y Gus van Sant, con claras ecos de Jonathan Caoutte, Todd Haynes, Gregg Araki, R.W. Fassbinder, Jean-Luc Godard, François Truffaut o Bernardo Bertolucci. Su imagen de moderno-qué-más-da y el delicioso hipsterismo en que se envuelve su cine es uno de los principales nombre a seguir los próximos años. Y su leyenda comienza con un debut brutalmente autobiográfico, que contiene una voz tan pronunciada, tan personal y tan específica, que señala a su responsable como uno de los principales nombre a seguir los próximos años. Su título habla por si solo. Más aún teniendo en cuenta que su definitiva consagración al fin llegó con toda una "Mommy". Tal cual.

El debut de 50 grandes maestros del cine (parte I)