Es el momento de "Verano 1993", fenómeno actual de nuestro cine con el que la realizadora catalana Carla Simón apunta directamente al Oscar. Hablamos de un relato sobrecogedor, parcialmente basado en sus propias experiencias de la niñez que ha cautivado a la crítica por su capacidad para capturar la infancia con una innegable sensibilidad y sin grandes alardes dramáticos. En otras palabras, un film que desnuda las emociones, reivindica el poder de la observación y con el que Simón se consolida como una realizadora dotada de una mirada de sensibilidad cercana a la que Carlos Saura pudiera demostrar con su desgarradora "Mi prima Angélica", Víctor Erice con su excelsa "El espíritu de la colmena" o incluso Pedro Almodóvar con "La mala educación".

Una muestra mas del buen hacer de los narradores que dan forma al cine español y que llevan a la realizadora catalana a entrar por méritos propios en el olimpo de los grandes debuts de nuestro cine, que incluye nombres reconocidos y películas que merecen ser eternamente recordadas. En Filmin podéis disfrutar de una selección de grandes óperas primas de insignes realizadores españoles que dan habida cuenta del talento de nuestro país, y es que aunque la indolencia política reine hacia el cine español y lo considere una causa perdida, como diría el personaje del gran James Stewart en "Caballero sin espada": “las causas perdidas son las únicas por las que merece la pena luchar”.

EL REY TUERTO

Lidia y Sandra deciden retomar contacto tras un tiempo y organizan una cena con sus respectivas parejas. David es un policía antidisturbios e Ignasi un documentalista que pierde un ojo durante una manifestación. La cena se desarrolla entre los cuatro, intercambiando opiniones y visiones y todo ello aderezado con los discursos de un político desde la televisión. Marc Crehuet lleva a la gran pantalla la obra de teatro que él mismo escribiría con su equipo artístico habitual. El resultado es una producción modesta, con un fuerte componente de crítica social y una narración que recorre los temas más sensibles de la actualidad española con una visión abierta y evitando moralinas. El componente escenográfico y teatral por lo tanto, impregna el discurso cinematográfico de Crehuet y dicha pátina se deja ver hasta en el guion, donde predominan los silencios, las réplicas ágiles y un ritmo frenético que se trasluce en diálogos ágiles, mordaces y que reflejan hábilmente la clase media española. Heredera de Polanski y su tradición de adaptaciones teatrales - "La venus de las pieles", "Un dios salvaje"-, "El rey tuerto" elabora una acerada visión de la España actual esquivando maniqueísmos e introduciendo de manera acertada el metalenguaje con el espectador.


LAS AMIGAS DE ÁGATA

"Las amigas de Ágata" es un proyecto audiovisual comunitario realziado por graduadas del Grado en Comunicación de la Universidad Pompeu i Fabrá de Barcelona y que contó con el respaldo en forma de revisión de cineastas como Iñaki Lacuesta. Las cuatro jóvenes realizadoras se proponen ahondar en la naturaleza de la amistad, centrando su atención en un grupo de amigas de veinte años y en Ágata más concretamente, quien empieza a experimentar cambios en la forma de percibir su relación con sus amigas desde la infancia. Como estudiante de primer curso en la universidad, Ágata comienza a abrirse a nuevas certezas vitales y a un entorno en constante cambio y renovación, que como a la mayoría de jóvenes le supondrá un reto. Si dicen que madurar es aprender a despedirse, la joven protagonista se percatará de que la amistad, como todo, es un concepto fluctuante, y que sus perspectivas vitales quizá deban tomar otra dirección. "Las amigas de Ágata" es un film sencillo, honesto, que pretende reflejar un momento muy concreto de nuestra juventud y lo hace capturando los pequeños instantes, los gestos imperceptibles en forma de silencios o las actitudes que se expresan en los detalles más ínfimos. Un triunfo del cine pequeño y comunitario.


EL CAMINO MAS LARGO PARA LLEGAR A CASA

Joel se levanta de su cama y se dispone a ir al baño, donde encuentra al perro de su antigua mujer Elvis, visiblemente deshidratado y enfermo, debido probablemente a las condiciones de insalubridad de casa y a la actitud afectada de Joel. El joven decide salir para que atiendan al perro, dejándose las llaves en casa y emprendiendo un viaje en el cual deberá enfrentarse a algunos de sus demonios actuales. El film dirigido por Sergi Pérez, dirigido en dieciséis días, es una historia contenida, de emociones ocultas y un lirismo propio del cine independiente que se ve respaldado por la gran actuación de Borja Espinosa. La película del realizador catalán se equipara a las Bildungromans, novelas de desarrollo de personajes, en las que el viaje o el desplazamiento geográfico sirve como pretexto para que el protagonista emprenda un viaje iniciático que le enfrente a sus temores. Así, Joel, en su búsqueda por intentar salvar a Elvis, emprenderá un viaje catártico en el que deberá afrontar sus miedos y su incapacidad de volver a encauzar su vida pese a sus reticencias. La película de Pérez es una experiencia transida por el dolor y por un guion que insinúa más de lo que responde, que explora los vacíos de un personaje roto sin necesidad de definirlos. Una experiencia diferente.


TODOS LOS CAMINOS DE DIOS

Este film dirigido por la directora Gemma Farraté constituye un drama religioso de eminente carácter intimista. "Todos los caminos de Dios" retrata los tres últimos días de vida de Judas tras traicionar a Cristo. La obra de Farraté traslada la historia bíblica al período contemporáneo, dislocando el tiempo de la adaptación e introduciendo nuevos elementos. La cinta sigue a un Judas profundamente arrepentido y afectado que conoce a un joven con el cual pronto entablará una profunda amistad y que le guiará en su camino de arrepentimiento y redención. La realizadora catalana se aproxima a la figura de Judas con un marcado carácter ensayístico, revistiendo a la imagen de un formato en 4:3 que oprime al personaje, encerrándolo en su culpa y reforzando así el carácter introspectivo de la obra. Al igual que Pasolini en su excelsa "El Evangelio según San Mateo", Farraté supedita el uso del lenguaje cinematográfico a sus intenciones expresivas, reforzando los primeros planos que encierran al personaje y aislándolo frecuentemente de su entorno para dibujar en su rostro el mapa de la culpa y de la ética en pleno conflicto. Un film atípico, cargado de significados, con un acentuado simbolismo que se manifiesta en un poderoso imaginario visual y que evoca constantemente múltiples lecturas. Una original historia paralela.


10.000 KM

Carlos Marques-Marcet debutó con una personal historia de amor a distancia que llevó a alzarse con el Goya a Mejor Director Revelación y arrasó en los Premios Gaudí con el galardón a Mejor Película, Director, Guion, Actor y Actriz. Alex y Sergio son una pareja de amantes que discuten la posibilidad de tener un hijo justo en el momento en el que a Alex le ofrecen un trabajo en Los Ángeles. Desde ese momento la pareja intentará mantener viva aquello que llaman la llama del amor a través de los vastos dominios de Internet y de las videollamadas. A partir de esta historia aparentemente sencilla, el director reflexiona sobre el cambio de las dinámicas de las relaciones interpersonales propiciado por las nuevas vías de comunicación online, pero dejando hueco para una inusitada y hermética historia de amor que se cincela en los silencios y miradas de la pareja a través de las cámaras de sus ordenadores. La era digital irrumpe en la vida de los protagonistas y les obliga a redefinir sus visiones sobre conceptos como la intimidad o la idea de proximidad, causando un abanico de emociones en los personajes que se mueve entre la falta de comprensión y la idea de incomunicación y la sensación reconfortante de saber que el otro está conectado a 10.000 kilómetros de distancia. Marques-Marcet compone así una historia de amor atípica, que disloca la coordenada de espacio común típica en el género y desafía el convencionalismo romántico a través de unas actuaciones sinceras y una sensibilidad que trasciende los cientos de píxeles de las pantallas de ambos protagonistas.


LA HERIDA

"La herida" es Marian Álvarez. Una actriz entregada a su personaje y que compone un desgarrador relato sobre la soledad y la incomunicación en nuestros días. El diirector Fernando Franco se aproxima al trastorno límite de la personalidad con un guión que propone un estudio del personaje principal magistral, retratando a través de Ana las dificultades e imposibilidades que los afectados por este síndrome padecen de manera diaria. El personaje de Marian Álvarez goza de tanta satisfacción laboral como insatisfacción personal, y fuera de su trabajo se comporta de manera errática, incapaz de descifrar la realidad que le rodea. Además de un duro retrato de esta patología, "La herida" no se contenta con la mera descripción del trastorno, sino que hurga aún más en la herida, ahondando en las causas y factores que pueden contribuir en ella. Las modernas estructuras sociales, el ambiente familiar o la incomprensión son plasmadas de manera casi naturalista, reflejando el dolor que ahoga y asfixia a la protagonista. Si "Fuego fatuo" de Louis Malle es uno de los más brillantes y trágicos testamentos sobre la incomprensión y el suicidio, "La herida" sigue su estela para acercar al espectador una historia de vida tan desasosegante como necesaria.


ANIMALS

El fin de la infancia y la pérdida de la inocencia parecen marcar el film dirigido por Marçal Forés. Paul es un adolescente que esconde un pequeño secreto, su osito de peluche Deerhof está vivo y hasta es capaz de pensar y hablar en inglés. La llegada de un nuevo compañero de clase y una muerte trastornan el equilibrio de la vida de Paul. A partir de ese momento, el film de Forés se caracteriza por desplegar un rico imaginario visual plagado de referencias al mundo de los sueños, con claros tintes surrealistas y un pródigo uso de los efectos visuales. La combinación de realidad y ficción y la relación de Paul con Deerhof guían al espectador a través de los sueños, pesadillas, miedos y anhelos del joven adolescente. Una atmósfera en ocasiones tétrica, unido a ciertos acontecimientos que llevarán al joven a plantearse la importancia de dar el paso a la vida adulta constituyen algunos de los hallazgos más sorprendentes de esta curiosa cinta.


CARMINA O REVIENTA

Pocos habrá que no conozcan ya la faceta de director de Paco León y que no hayan reído hasta la carcajada con el ¿personaje? interpretrado por su madre, Carmina Barrios, una mujer andaluza cuyo duende y gracejo parecen traspasar la pantalla. Los diversos robos sufridos en su tienda son el desencadenante de una historia en la que Carmina intentará recuperar el dinero sin la ayuda de la aseguradora. Pero eso es casi lo que menos cuenta para Paco León, que ve en la figura de Carmina un personaje de la España más castiza a través del cual radiografiar la sociedad española con hilarantes monólogos y punzantes reflexiones en cuya cotidianidad y cercanía radica el éxito de esta comedia. Lejos del paroxismo y la parodia ramplona propia de otras producciones, León centra de manera acertada su cámara en el día a día, dando voz a aquellos que en pocas palabras y pequeños grandes gestos expresan lo cómico y absurdo de nuestro país.


DE TU VENTANA A LA MÍA

La corta filmografía de Paula Ortiz ha demostrado que se trata de una directora de raza, dotada de una sensibilidad y sentido del lirismo capaz de componer historias tan dolorosamente bellas como emotivas. "La novia" le ha servido para consolidar ese talento innato para capturar la fragilidad humana y el fugaz frenesí de las emociones que comparte con el genio lorquiano del cual adapta su obra. Antes de eso llegó "De tu ventana a la mía", amargo testamento de la opresión patriarcal sufrida por tres mujeres entres épocas distintas: los años 20, 40 y 70. Una historia de una lucidez formal intachable y donde la realizadora emprende un estudio sobre el amor en todas sus facetas. El amor que se vive y se disfruta en cada bocanada de aire, el amor fugaz que se escapa y pierde en el laberinto de la memoria y el amor prohibido, tan deseado como inalcanzable. Violeta, Inés y Luisa son mujeres de tiempos distintos pero cuya condición femenina les lleva a enfrentarse a una realidad que erradica cualquier atisbo de igualdad o felicidad. Son mujeres que ante todo aman, incapaces de odiar pese a las circunstancias que le rodean. Alrededor de ellas, una dirección artística cautivadora y un sentido de la cinematografía que hacen de Paula Ortiz una narradora eminentemente lírica, cuya fuerza expresiva se condensa en escenas tan bellas como emotivas. Una historia de amor y tiempos difíciles cuyos ecos remiten a Virginia Woolf.


DIAMOND FLASH

Carlos Vermut es uno de nuestros realizadores más peculiares y personales de los últimos años. El éxito de su segunda cinta, "Magical Girl", que arrasó en San Sebastián y le colocó en primera plana del panorama cinéfilo español, tan solo reafirmó todo lo que había demostrado en su magnífico debut, "Diamond Flash". Obra inclasificable, rara avis a medio camino entre el surrealismo de Lynch y el neonoir, Vermut ofrece una historia desde la perspectiva de cinco mujeres y un extraño personaje, Diamond Flash, que se cruza en su camino. Un caleidoscopio de narraciones e imágenes surrealistas que estiran hasta casi romper la narración y que hipnotiza por su trepidante pulso narrativo y la evocación de lugares tan peculiares como extrañamente familiares. Vástago de Cronenberg o del mejor Leos Carax, Vermut se equipara a otros autores únicos Sion Sono apostando por un film con un guión enrevesado y lleno de referencias transmedia al medio del cómic o la televisión."Diamond Flash" es un laberinto de saltos temporales, plot twists, atisbos de ciencia ficción, onirismo y cartas de dinosaurios para adivinar el futuro. Toda una declaración de intenciones.


BLOG

Un film que aspira a reflejar las inquietudes y vicisitudes de un grupo de amigas de quince años que deciden que quizá es el momento de vivir nuevas experiencias y abrirse al mundo de los adultos. Para tal fin todas ellas se ponen de acuerdo y trazan un plan que les llevará a querer guardar ese secreto. Con esta intrigante premisa inicial comienza su primer largometraje Elena Trapé, una directora que apuesta fuerte por la innovación formal y el naturalismo a la hora de describir de la forma más realista posible a las nuevas generaciones españolas. La realizadora, en su afán por retratar de manera casi documental al joven grupo de amigas, opta por un enfoque donde la observación del espectador suple a la narración convencional. Diversas webcams situadas en las habitaciones de estas jóvenes reflejan su día a día, sus preocupaciones y sobre todo, su forma de interactuar. Este enfoque propio del cine naturalista permite a Frapé capturar la adolescencia en su totalidad, sin intervenir más allá de la fase de montaje y dejando plena libertad a las actrices no profesionales. Así, la honestidad y veracidad definen la base argumental del relato, en el que las jóvenes y sus problemas, aparentemente triviales pero llenos de significado para ellas, toman el protagonismo. "Blog" es un microcosmos costumbrista en el que Frapé deposita la cámara, y es esa uniformidad espacial en la que se desenvuelven las protagonistas la que permite acceder a su intimidad, revistiendo a la película de un valor que va más allá de lo artístico, y que tiene su lugar como documento antropológico.


TRES DÍAS CON LA FAMILIA

La familia Vich i Carbó sería el perfecto objeto de estudio para Luis Buñuel. Una familia conservadora, eminentemente burguesa, y que esconde todos sus problemas bajo una apariencia de calma indolente. Léa regresa a casa para asistir al funeral de su abuelo, y durante esos días de duelo y exequias la alargada sombra del que fuera patriarca de la familia se proyecta en cada uno de los miembros de la familia. Marc Coll, quien ganaría el Goya a Mejor Dirección Novel, desgrana con este interesante punto de partida los engranajes y falsas apariencias de la familia en un auténtico juego de máscaras donde la hipocresía, la falsedad y la inquina irán aflorando poco a poco. Esta crónica silenciosa en forma de drama familiar se narra a través de un complejo estudio de personajes y de un manejo sobrio de la cámara, con un marcado carácter escenográfico, que retrata ese discreto desencanto de la burguesía catalana a través de pequeños gestos y un sinfín de detalles.


LOS CRONOCRÍMENES

Decir que Nacho Vigalondo es uno de los grandes activos del cine español sería redundante. Una mente inquieta dotada de un genio extraño que se traspasa a sus películas, donde lo absurdo y lo imposible convive con la más ácida visión de la condición humana. Su reciente salto a Hollywood con la próxima "Colossal" parece no haber afectado a su capacidad para el absurdo, remitiendo a algunas de sus obras anteriores, entre las que destaca aquel debut que descolocó a todos, "Los cronocrímenes". Un Karra Elejalde inmenso da vida a un individuo común que observa como buen voyeur a una joven y que se ve atacado por un extraño hombre con el rostro cubierto. En su huida, descubre un peculiar laboratorio que le ofrece la posibilidad de viajar en el tiempo. A partir de ahí, una historia donde las líneas temporales se multiplican por momentos, en la que la percepción del espectador se ve alterada de manera continua con los vaivenes de una narración perfectamente hilvanada y en la que se suceden planos temporales distintos que Vigalondo engarza de manera magistral. Entre medias, una evolución del personaje protagonista perfectamente plasmada por Errejalde, situaciones tan cómicas como inesperadas y Vigalondo, sí, en forma de cameo. El director español debuta a lo grande con una obra que combina el absurdo con una narración tensa, dotada de un gran sentido del suspense, y un guión tan enrevesado como perfectamente engrasado, cuya complejidad ineludiblemente remite a la también magnética "Primer", de Shane Carruth.


LA INFLUENCIA

Una madre absolutamente desarraigada e incapaz de seguir adelante con sus hijos. Emocionalmente inestable, sin trabajo, sobrepasada por el peso de la realidad y sin capacidad de reacción. Pero madre al fin y al cabo. Por ello se verá obligada a recurrir a la ayuda de sus hijos en un último esfuerzo por intentar abrirse paso. Pese a algunos tintes fantásticos o de humor absurdo, la ópera prima de Pedro Aguilera es ante todo una bofetada de realidad de las que duelen. Un film sobre el horror de lo cotidiano, sobre una madre que se ve desposeída de su orgullo. La cinta de Aguilera es un drama modesto, rodado en 16 mm y con un pequeño equipo, a penas el director, un operador de cámara, el director de fotografía y un responsable eléctrico y de sonido directo. Pese al tamaño de la producción, el director se las apaña para levantar una película donde el diálogo cede protagonismo a la imagen, que encarcela a los personajes y muestra sus rostros abatidos, sus miradas hacia el vacío. Heredera espiritual de "El séptimo continente", el film de Aguilera se equipara a la desolación expresiva de Haneke.


HOTEL ROOM

Antes de confirmarse como un talento del cine español con la multipremiada y honesta "Truman", Cesc Gay realizó un arriesgado debut con "Hotel Room", una producción grabada íntegramente en Nueva York durante diecisiete días y que reivindica ante todo el poder hipnótico de las historias cotidianas y los personajes que deambulan. La película combina varios relatos de vida de personajes variopintos como Fernando, un mago profesional, Phillip, un metereólogo con pensamientos suicidas o una pareja en su noche de bodas. Gay deconstruye la narración en prólogo, epílogo, interludios y episodios, jugando con la linealidad y fragmentándola mediante recursos como la simultaneidad, la ruptura de la cuarta pared o el desdoblamiento de los personajes, que coexisten al mismo tiempo o incluso se observan a sí mismos en otros lugares.No podía faltar el componente surrealista, que paradójicamente actúa como pegamento de esas historias aparentemente inconexas pero que el realizador barcelonés une de manera tan enrevesada como ocurrente. Un film revestido con una marcada personalidad audiovisual, que se revela en la fotografía en blanco y negro caracterizada por las tomas largas y la composición aséptica, la música con tonos de jazz y un guión con un peculiar sentido del humor macabro. Lo que se dice verdadero cine de autor.


SOLAS

"Permitamos que el tiempo venga a buscarnos en vez de luchar contra él" diría Miguel Delibes, uno de los mejores cronistas sobre el desarraigo y el drama rural y lúcido narrador del deterioro espiritual y crisis identitaria de la Castilla olvidada. El sevillano Benito Zambrano parece recoger ese testigo narrando una aparentemente modesta historia sobre una madre e hija. Una madre cuyo violento y autoritario marido agoniza en un hospital y que tendrá que aclimatarse a la ciudad viniendo del entorno rural, observando de primera mano cómo la ciudad es ese entorno de deshumanización y aniquilación de los lazos rurales, más sinceros y directos. Una hija, María, que subsiste a duras penas como trabajadora de la limpieza y que sufre ese desarraigo y crisis identitaria descrito por Delibes en un entorno opresivo y hacia una madre con la que impera la incomunicación. En definitiva, una obra maestra del cine español que se alzó con el Premio del Público en la Berlinale y que constituye un relato existencialista y desgarrador sobre la pobreza, la soledad y la familia. La visita de la madre a la hija con motivo del ingreso de su marido en el hospital destapará viejas rencillas pero también permitirá al personaje de la madre - magistral María Galiana- conocer a un vecino viudo con el que compartir el peso de su soledad y confesiones de una mujer con demasiado peso en la espalda. Así, María y su madre necesariamente tendrán que convivir con el drama de sus vidas y aprender que quizá el tiempo pasa y proporciona nuevas oportunidades a estas dos mujeres castigadas y olvidadas, desarraigadas, solas.


ACCIÓN MUTANTE

Álex de la Iglesia realizaría su debut irrumpiendo cual elefante en una cacharrería, con un film donde se dan la mano todos los excesos y peculiaridades de su estilo, con todo lo bueno y malo que ello supone. En el año 2012, el grupo terrorista Acción Mutante emprende una campaña contra los guapos y ricos. Integrado por seres deformes y monstruosos, su líder planea el secuestro de la hija de un importante empresaria durante su boda. Grandes rostros del cine español unidos en una historia delirante y extrema que no da descanso al espectador. Ante todo, un film ecléctico que bebe de tantas influencias como le es posible - "Mad Max, el giallo italiano más irreverente y hasta la Hammer- pero que se condensa en una atmósfera propia y un guion excesivo y satírico. no dejando títere con cabeza en su parodia de la situación política y su denuncia de la realidad española. De la Iglesia hace gala de particular visión del cine con un estilo visual marcado y multitud de referencias "frikis", y derrocha personalidad en una película con un sentido del humor único y momentos tan delirantes como brillantes. Al igual que Almodóvar, una ópera prima que derrocha personalidad y estilo, irreverente y caústica. Auténtico desmadre gore y mutante.


ALAS DE MARIPOSA

El nombre de Juanma Bajo Ulloa remite directamente a ese homenaje al exceso y el humor gamberro llamado "Airbag" que causó carcajadas y reacciones airadas de la crítica a partes iguales. Pero antes de ese éxito, el director vasco sorprendería en su debut con "Alas de mariposa", una historia sobre el patriarcado y la opresión femenina en el entorno rural del País Vasco donde una familia espera el nacimiento de un niño varón tras varias generaciones sin uno. El nacimiento de una niña es recibido con indiferencia, y Ami, la joven, no tardará en comprender que el trato frío y desconsiderado de su familia, en especial de su madre, será la norma general. La llegada de un niño a la familia alimentará aún más si cabe la relación amor-odio entre madre e hija, y esta última optará por refugiarse en una de sus pasiones, los insectos, tras un incidente que instaurará un reino de silencio entre ella y su progenitora. De este modo, Bajo Ulloa retrata los avatares de una familia tradicionalista y machista, donde la niña no deseada observará con su mirada triste la actitud indiferente de la madre, el desprecio de su abuelo o la inacción de su padre, incapaz de conciliar el trabajo con el día a día con su familia y cuyos esfuerzos conciliadores quedan en nada. Este relato con tintes del cine gótico le valdría a Bajo Ulloa una Concha de Oro, aunque si por algo muchos recuerdan esta película es por la mirada gélida y azul de la joven Laura Vaquero. Pocas miradas han sido capaces de decir tanto.


PEPI, LUCI, BOM Y OTRAS CHICAS DEL MONTÓN

Pedro Almódovar. "Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón". Su nombre debería bastar y el hecho de poder disfrutar de casi la totalidad de su filmografía en Filmin debería ser el único aliciente para ver este debut de nuestro director más internacional y laureado. Se puede decir más, por ejemplo que esta obra debut ya anticipaba todas las grandes señas de identidad del genio manchego: un sentido del humor irreverente, una atmósfera almodovariana donde lo castizo y lo absurdo se dan la mano, un magnífico estudio de personajes, la vindicación de un espíritu libre y aperturista y el destape de los lados más ocultos de la condición humana. Bom, una rockera, Pepi, una nueva moderna y Luci, una ama de casa, comparten vecindario y contrastan sus respectivas personalidades. La violación de Pepi trastoca la dinámica del edifico y de sus relaciones. Pura Movida Madrileña donde las drogas, la homosexualidad o el erotismo iban levantando los estigmas de una sociedad anquilosada durante demasiados años. El costumbrismo del manchego se entremezcla con una historia irreverente, satírica y con una personalidad indudable. Las dos Españas se muestran sin ambages de ningún tipo, pero lejos de quedarse en la simple crítica, Almódovar tiende puentes y elabora un discurso vitalista a favor del desenfreno y el aperturismo. Un clásico.