Tras publicar nuestros tops y brindaros 15 momentazos que marcarán el Festival de Cannes 2014, cerramos nuestra cobertura con un post recopilatorio que reúne y reordena a nuestra particular manera, todos aquellos títulos que por diversas razones, creemos que darán juego a lo largo de este 2014. Al lío.

NUESTRAS 2 GRANDES FAVORITAS DE TODO EL FESTIVAL

THE TRIBE de Myroslav Slaboshpitskiy (Mejor Film - Semana de la Crítica)

Con 3 premios en el saco (entre ellos el de Mejor Película), el ucraniano Myroslav Slaboshpytskiy triunfa por todo lo alto y de forma absolutamente merecida, en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes 2014. "The Tribe" es tan única en su especie que se presenta como la primera ficción en la historia del cine interpretada en su totalidad por sordomudos, hablado de principio a fin en el lenguaje de señas, sin subtítulos ni música de acompañamiento alguna y sutentado en un portentoso empleo del plano secuencia. Y aunque lo parezca, no hablamos precisamente de un documental social, más bien de una salvaje y sobrecogedora high school movie en el que todo tipo de crimen y empleo de la violencia sacuden sin miramiento alguno. Si no es obra maestra, cerca anda. Su irrebatible puesta en escena, su insondable intelecto, su penetrante rigor psicológico y enriquecedora lección social, hacen de este inevitablemente provocativo y extremadamente agresivo thriller, una de las grandes sorpresas que nos ha deparado esta nueva edición del Festival de Cannes y probablemente, que el año nos ofrecerá. Solo le ha faltado competir en Sección Oficial. La Palma de Oro podría ser suya. Y todo a base de gestos (ostias) y señas. Menuda es. Única y brutal.

MOMMY de Xavier Dolan (Premio del Jurado Ex-aequo - Sección Oficial)

Sustentado en su magnético histrionismo y un apresador desgarro, en un montaje extremadamernte ágil y un registro agresivamente verborréico, Xavier Dolan ejecuta una obra única y original, formalmente tan descarada e innovadora como emocionalmente arrolladora. Con su imagen estampada en un ratio de 1:1 y sorpendiendo a momentos (más bien momentazos) concretos y señalados con un espectro de 2.39:1, la arriesgada y magnífica película del director quebequense armoniza de forma única los sentimientos de intensidad, pasión y sinceridad, logrando empaparnos así de la represión existencial a la que se ve sometido su desequilibrado trío protagonista. Tan exaltada como seductora, transgresora y maravillosa, a lo largo de las dos horas y media que dura tan embriagador kamikaze audiovisual, suenan voces que van desde Dido a Lana del Rey pasando por Andrea Bocelli, Oasis, Sarah McLachlan o incluso Celine Dion. Al fin llegó su anhelada consagración.

Estreno en España: Avalon

UNA MERECIDA PALMA DE ORO 

WINTER SLEEP de Nuri Bilge Ceylan (Palma de Oro)

Nuri Bilge Ceylan al fin levanta su merecida Palma de Oro con una película tan poderosa como profunda y conmovedora. "Winter Sleep" cala hondo desde su agudeza filosófica, abrazando el cine de Bergman para deleitarnos con una obra mayúscula. Con su película más verborréica y trascendente, Nuri Bilge Ceylan presenta credenciales para llevarse esa Palma de Oro que ya debería haber ganado hace años. La moralidad, el idealismo, el orgullo, el sentido de culpa, las grietas de las relaciones sentimentales o incluso la naturaleza del mal y como enfrentarnos a él, son algunos de los temas sobre los que reflexiona y filosofa "Winter Sleep". Y lo hace desde esa frontalidad, esa amargura y ese desgarro emocional que directamente evoca el cine de Bergman. Como era de esperar, lo nuevo de Ceylan se cuece a fuego lento pero acaba por maravillar con un desenlace emocionalmente antológico e incorpóreamente épico. Y todo ello sustentado en un trabajo de fotografía de interiores descomunal, en el que la luz natural sustituye al foco artificial para enmarcar cada uno de sus apabullantes planos con un cautivador sentido de lo bello, pero también de lo agrio. "Winter Sleep" es cine poderosamente poético, es cine profundamente espiritual, y es ante todo cine que conmociona tanto como arrolla. Colosal.

Estreno en España: Golem

UNA OBRA MAYÚSCULA QUE MERECÍA PREMIO MAYOR

LEVIATHAN de Andrey Zviagintsev (Mejor Guión - Sección Oficial)

Dejando de lado la vida urbana en la que se sumergía su última y excelente película, abrazando nuevamente de lleno un paraje hermosamente remoto de Rusia, "Leviathan" satiriza a la rumana, con apresadora e implacable aura, el expoliado somentimiento hacia el poder al que se ve abocado el pueblo llano de sus compatriotas. Partiendo de la alegoría social, pero también del microcosmos familiar, Zvyagintsev crea una metáfora tan inteligente y lúcida, como imaginativa y cautivadora. Y lo hace a través de ese monstruo marino popularmente conocido,  pero también de esa bestia humana universalmente señalada como Poder. Haciendo un potentísimo uso de la elipsis, asombrando con un inesperada e hilarante comicidad en algunas de sus más destacadas secuencias, su implacable trama se desarrolla a través de una construcción modélica, la de una sentencia de desahucio que puede desmebocar en sentencia de muerte, una sentencia que atañe tanto al aura bíblica como al espectro político. Ya se sabe, la pescadilla que se muerde la cola...con semejante panorama pues, que viva el vodka. A lingotazo limpio, así es como se enfrentan sus protagonistas al corrompido drama que les asola. No en vano, son los rostros enmarcados de Putin, Gorbachov, Yeltsin, Lenin o Brézhnev, lo que utilizan como diana de disparo durante un hilarante picnic bañado en alcohol. El desahogo, ya se sabe. Sus espectaculares localizaciones, su maravillosa fotografía y arrebatadores encuadres, nos son más que pequeños (grandes) detalles que dotan de valor cualitativo aquello que verdaderamente importa: su inteligente, concienciado y arrebatador mensaje. Como era de esperar, "Leviathan" entra, y de cabeza, en el nuestro olimpo de las favoritas. Grandiosa.

Estreno en España: Golem

LO ÚNICO Y AUTÉNTICO: 3 MIRADAS DE INSOBORNABLE PRODIGIO

TURIST de Ruben Östlund (Premio del Jurado - Un Certain Regard)

Ruben Östlund da un fascinante giro en su particular e imprescindible filmografía, tanto a nivel temático como formal, para seguir manteniendo misma distinción y mismo talante transgresor, por el que se destaca su imprescindible y esmerada obra. En este caso, su objetivo parte de lo social pero incide en el espectro íntimo, penetrando en la relación en pareja, precisamente en las grietas que abren brecha en la estabilidad y seguridad que proporciona el afecto y sentimiento mutuo. Una estación de esquí, allá donde las familias de clase media-alta encuentran el tiempo y espacio necesario para huir de la rutina y el estrés por el que se ven diariamente acuciados, es donde paradójicamente se abre la caja de Pandora. La culpable, una espectacular avalancha que provoca una crisis de grandes dimensiones que amenaza con lo irreversible. Plasmada sobre un estilo visual tan sobrio y contundente como riguroso y complejo, a nivel formal "Turist" no incide tanto en el plano secuencia (marca de la casa en el cine de Östlund) como en la minuciosa composición de todos y cada uno de sus asombrosos planos. Podría presentarse como una locuaz y desbordada comedia sobre el papel del hombre en la familia moderna, también como un desternillante drama sobre la volatilidad del supuesto confort sobre el que yace la vida en opulencia. Una dualidad que elevan "Turist" y su incontestable talante a un prodigio técnico que argumentalmente también es inteligente y enmarañado, descaradamente reflexivo, y es ante todo, un explosivo divertimento.

Estreno en España: Golem

JAUJA de Lisandro Alonso (Premio FIPRESCI - Un Certain Regard)

El radical cineasta argentino da un paso de gigante en su filmografía de la mano de un infalible Viggo Mortensen, y a través de un dispositivo formal que realmente se erije en amo y señor de tan excepcional película. Rodada en 4:3, en formato diapositiva, como si de cine mudo se tratara, "Jauja" se plasma bajo una prodigiosa factura digital en la que el empleo de un color exquisitamente definido y elegantemente saturado la lleva directamente al mundo de lo mágico. No en vano, es el habitual director de fotografía de Aki Kaurismäki quien está tras el objetivo. Virtudes que, unidas a la inconfundible reflexión sobre el espacio y tiempo fílmicos que campa a lo largo y ancho de la imprescindible obra de Alonso, provocan de estemos ante una mirada tan irresistible como narcótica, embriagadora, y definitivamente abrumadora. "Jauja" se presenta con un primer acto atípico y novedoso para pertenecer a un film de Lisandro Alonso, en el que la palabra se impone al juego del movimiento, el tiempo y el espacio, en una evocación directa a "Centauros del Desierto". Sin embargo, no tarda en adentrarse en un segundo acto que directamente nos embarca, ahora si, en un alucinante trayecto marca de la casa, una hipnótica y estelar deriva que se revela tan hermosa como delirante, atisbando un trasfondo existencial que se antoja mucho más frágil y delicado que visceral o primitivo. Y es precisamente en este sentido, donde la filmografía de Lisandro Alonso da su definitivo giro. Aquel que lleva a su director al olimpo del cine autorial, de lo milagrosamente experimental y extraordinariamente arriesgado. Sensaciones plasmadas en la secuencia más majestuosa en la obra del director de "La Libertad". Viggo Mortensen durmiendo bajo las estrellas. Y nosotros soñando con ellas. Ciclópeos sueños.

AMOUR FOU de Jessica Hausner

Si algo nos ha constatado Jessica Hausner con su nueva película, es que estamos ante un voz indiscutiblemente auténtica y genuina. No cabe duda que la mirada de esta emergente directora pertenece a la escuela austríaca, a aquella que tiene a Michael Haneke o Ulrich Seidl entre sus más destacados maestros y referentes. Sin embargo, hablando de romanticismo, de amor, suicidio y por descontado, la tierra en la que nace su germen, nadie podría esperar encontrarse con una curiosa e inclasificable comedia de época. Una mirada sublime y transgresora que se embarca de lleno en el desenfreno del amor, tanto como atenta contra él. Y es que, inspirada por la vida y muerte de la fatídica pareja formada por el poeta Heinrich von Kleist y Henriette Vogel, "Amour Fou" aplica de forma fascinante la lógica del amor a la muerte. Partiendo de una puesta en escena frontal, desnuda y natural, prácticamente teatral, sus actores, más bien modelos, apenas atisban movimiento en cada uno de sus apabullantes planos. Una quietud que se ve compenetrada por la oración y la retórica, por unos decorados retro-pop con los que plasma una época anquilosada, o una postura libérrima y dehinibida ante el tema tan trágico y traumático que trata. Lo nuevo de Jessica Hausner evita con atino todo posible atisbo de ser condescendiente con sus personajes. Está claro que provocar la congoja en el espectador no es su camino. El suyo nos lleva a una comedia de época que se sale de los parámetros habituales, una obra irresistible encumbrada por sus fascinantes contrastes. El genio y distinción de "Amor Fou" no tiene parangón. Nunca mejor dicho, para morirse de risa.

PROBABLEMENTE LA PELÍCULA MÁS NECESARIA DEL AÑO

DEUX JOURS, UNE NUIT de Jean-Pierre y Luc Dardenne

No hay, ni probablmente habrá, una película más necesaria de estrenar, de ser popularmente vista y comentada en nuestra cartelera. Lo que "Deux jours, une nuit" contiene es un discurso tan ejemplar y constructivo, como necesario de propagar, ser interiorizado y aplicado por todos y cada uno de nosotros, tanto para aquel que da órdenes, como para quien se atiene a ellas. Partiendo de la más absoluta honestidad y transparencia, dejando de lado todo posible recurso estético, todo posible atisbo de intromisión ajena o de inícuo artificio, los hermanos Dardenne dedican una laudable carta de amor a la clase obrera, al idealismo cooperativo y en definitiva, al acto solidario. Y lo han hecho en el momento de "sálvese quien pueda" en el que nos encontramos, presentando la atractiva novedad de incrustar por primera vez su cámara en una figura popularmente conocida. Quizás está era la idea. El presentar un gancho para alcanzar la merecida universalidad en cartelera de la que incomprensiblemente nunca disfrutaron. Y encima lo han logrado tirando de una estrella y sin condicionarse en nigún momento a ella. Más bien todo lo contrario. Seguro, es algo que nuestra querida Marion Cotillard también ha debido tener en cuenta. La ocasión bien lo merece. Y no precisamente por llevarse un premio (que se lo debería haber llevado). Ojalá su título en España fuera "8 apellidos belgas".

Estreno en España: Wanda

TRES DIFERENTES FORMAS DE VENERAR EL BIOPIC

MR. TURNER de Mike Leigh (Mejor Actor - Sección Oficial)

El biopic que Mike Leigh dedica a uno de los pintores referentes del S.XIX es solemne pero hermoso. De clase depurada, con una puesta en escena sofisticada y detallada, el valor de "Mr. Turner" no reside tanto en lo que cuenta, si no en como lo cuenta, como lo construye y principalmente, como lo dibuja. Sustentado en una composición de planos puntualmente pictórica (como si muchos de sus fascinantes secuencias evocaran cuadros del mítico pintor) y partiendo de una composición formal antológica, de aquellas que nunca mejor dicho, no solo recrean, sino marcan una época, el maestro británico ha concebido una obra grandiosa, no solo a nivel artístico, también arquitectónico y humano. Propulsado por un devorador de la escena como lo es Timothy Spall y retratando uno de los grandes artistas de la historia, "Mr. Turner" es digna de exponerse un una galería de arte. De museo vamos, y sin olvidar que hablamos de cine, más bien del cine Mike Leigh. Su nueva y asombrosa película se me antoja tan monumental como íntima y afectuosa. Y es que, pese a la distancia con la que retrata a su hermético y gruñón protagonista, finalmente abre la lata y sugiere, no sin sarcasmo, el corazoncito que también guarda tan carismático e intratable artista. Marca de la casa, ya se sabe.

SAINT LAURENT de Bertrand Bonello

Sustentándose en un innegable poderío de lo estético y un prodigioso manejo de esos recursos audiovisuales que lo hacen distintivo (el descomunal empleo de la pantalla partida vuelve a lucir como otro elemento insondable de su cine, en este caso haciende referencia directa a los cuadros de Piet Mondrian), construyendo momentos musicales de insobornable carisma, Bonello nos sumerge en esa libre y desbordada década de los 70' para retratar con ese arrojo y esa capacidad de seducción que tanto, y tan bien le caracteriza. No en vano, recorremos los años dorados de uno de los modistas más aclamados del mundo. Rodado con mucho nervio e imponente vértigo, lo nuevo del director de "Le pornographer" no llega a transgredir como la mayoría de su obra, pero tampoco ello significa que estemos ante un biopic al uso. Algo que constata su irresistible y épico tercer acto. No cabe duda, la pasarela en la que se expone y luce el "Saint Laurent" de Bertrand Bonello es de alta costura.

FOXCATCHER de Bennett Miller (Mejor Director - Sección Oficial)

Basada en hechos reales, lo que "Foxcatcher" nos cuenta en la superficie es el retrato del multimillonario John Du Pont, un personaje preso de su propio y defenestrado mundo. El suyo es un corazón patriota degradado y envilecido. Un manipulador manipulado que cree poder tener todo aquello que anhela al alcance de su mano, como es el caso de formar y dirigir el equipo nacional de Lucha Libre en las Olimpiadas de Seúl. O quizá no, quizás lo que desea es sentirse poderoso manejando y controlando como si de un titiritero se tratara, un equipo de marionetas que le lleve a ser un triunfal protagonista en su amado país. El problema es que estamos ante una mente tan poderosamente mezquina y depravada como aislada y egocéntrica. Al fin y al cabo, mismos defectos y estigmas son los que podríamos atribuir al país que pertenece y cuyos valores propaga. Es entonces cuando uno se da cuenta que el biopic no es tan solo sobre su figura, también una disección brutal sobre los retrógrados valores de la tierra que este peculiar personaje habita. Pues bien, con tan sugerente punto de partida, Bennet Miller plasma una película que se antoja tan comercialmente potente como autorialmente identificativa. Evitando con sobriedad y atino todo posible golpe de efecto, construyendo una atmósfera tan envolvente como lángida, melancólica e inevitablemente maliciosa, "Foxcatcher" es ante todo un elogio de la contención cinematográfica. Una película nada condescendiente ni autocompasiva, sofisticadamente rodada y descomunalmente interpretada. Brillará en los Oscar, empezando por las asombrosas interpretaciones de su trío protagonista. No lo duden.

Estreno en España: Vértigo

COSA DE PERROS (Y HUMANOS SIN ALMA)

ADIEU AU LANGUAGE de Jean-Luc Godard (Premio del Jurado Ex-aequo - Sección Oficial)

En su penetrante y desatada "Adieu to Language", el emblemático director francés nos brinda su radical visión y rupturista reflexión sobre el empobrecimiento de la comunicación en el alienado mundo en el que hoy día (sobre)vivimos. Aquí donde Youtube, Facebook y Twitter son las novelas más leídas, donde la conversación cara a cara parece haber pasado a una mejor vida, tras verse abocada a un inevitable espectro marginal por tan escacharrante y degenerada existencia humana. Lo filosófico y profundo se volatiliza mientras lo frívolo, efervescente y etéreo campa a sus anchas. La deshumanización es un hecho, Godard nos prevé de ello, no sin falta de absoluto genio, jocosa ironía y constante vacileo. Que su nueva película sea concebida en 3D es un claro indicio de ello. Como era de esperar, el maestro francés emplea la tridimensionalidad para demostrar la injerencia, mutación y manipulación que causa su empleo, y no precisamente para promulgar lo espectacular. Es por ello que su aplicación en "Adieu au Lenguage" epata y retuerce, aunque igualmente divierte y sorprende. Y es que, parece mentira que el director más transgresor, iconoclasta y punky del momento rebase ya los 80 años, y sumando. Detalles geniales como evocar la figura de Mary Shelley y su "Frankenstein" para transmitir la monstruosidad que adquiere nuestra existencia, recursos irreverentes como responder con escatología (pedos y caca para ser más exactos) cuando se reflexiona sobre la igualdad o, ante todo, presentar como amo y señor de la película aquel único ser vivo en el universo que se procupa más por quien tiene a su lado que de si mismo: el perro. Él es el espejo en que deberíamos mirarnos. La sabiduria, el descaro, la reflexión, la innovación y la ironía ejercen nuevamente como insobornable idiosincrasia de la incisiva mirada del incombustible emblema de la nouvelle vague. Fenómeno.

WHITE GOD de Kornél Mundruczó (Mejor Film - Un Certain Regard)

Presentada por su propio director como un melodrama político, "White God" es también un cuento visionario y decididamente orwelliano sobre una especie (supuestamente) superior y sus congéneres caídos en desgracia. Una (no tan) distópica alegoría social sobre la que Kornél Mundruczó se sustenta para sacudirnos  con un portentoso ejercicio de cámara y dejarnos sin respiro, a través de tan intenso y acongojante viaje cinemático. Rodada con pulso firme, montada con pasmosa agilidad y articulada a base de imponentes encuadres, la gran sensación de Un Certain Regard, que bien podríamos llamar "El planeta de los canes", tiene el descaro de sacudirnos con un discurso que bien podría significar la arrolladora y devastadora secuela del "Adieu au Language" de Jean-Luc Godard. Es tal la crueldad aliena de tan monstruosa raza humana que somos capaz de convertir en implacables 'bestias' de presa al ser vivo más fiel y noble del universo entero. El mejor amigo del hombre, aquel que no es de raza, es traicionado, vapuleado y clama venganza. Apestados según su pedigree, tal y como pasa entre los seres humanos. Nosotros nos lo hemos buscado, la culpa es del amo. "White God" muerde tanto como asombra con una maravillosa lección de cine (y humanidad). Una película rebosante de arrojo y riesgo, de discurso abierto y complejo, que se antoja imprescindible de experimentar. Tan trepidante como demoledora, la cuestión es atreverse a enfrentarnos a ella.

Estreno en España: Golem

THE ROVER de David Michôd

La road movie, el neowestern o la ciencia ficción post-apocalíptica, son los principales campos en los que incurre "The Rover". Su penetrante atmósfera, su imprevisible contundencia, su imponente fotografía, o el desgarro sufrido por la ruptura de los lazos familiares, los principales parentescos que guarda con su inolvidable antecesora. El director de "Animal Kingdom" imprime los códigos del western a un futuro árido y funesto (digno de "Mad Max") que sufre en su carnes los devastadores efectos de la crisis (colapso, así le llaman en Australia), dibujando así un desesperanzador paisaje en el que no queda un solo resquicio de humanidad. Y es en medio de este intratable mundo donde encontramos un antihéroe asolado y trastornado. Alguien a quien le marcan los signos de una tragedia que se sugiere mucho más de lo que se muestra. Alguien para quien la vida ya no guarda valor ni sentido. Alguien que sacude y dispara sin concesión alguna, a la caza y captura de aquello único que quiere y aprecia. "The Rover" es cine tan brutal, violento, asfixiante y desbocado, como existencial, reflexivo y definitivamente bordado. David Michôd se consagra con una demoledora parábola social. De esas que no dan respiro.

ELOGIO DEL METACINE

EN SU VERTIENTE MÁS CÍNICA Y SALVAJE

MAPS TO THE STARS de David Cronenberg (Mejor Actriz - Sección Oficial)

Para que nos entendamos, y a modo de significativo ejemplo, las estrellas que Croneberg referencia y pone en tan inicuo mapa son Carrie Fisher o el director de "Pretty Woman", Garry Marshall, y no precisamente Steven Spielberg o James Cameron. Con tan 'sugerente' carta de presentación, el director de "Cosmópolis" desarrolla una enfermiza e invectiva sátira para mostrarnos la cara más pérfida e infame posible de Hollywood. El extremo sarcasmo que emana "Maps to the Stars" comienza por sustentarse en la mueca y en el chiste, adquiriendo la forma de una pseudocomedia que satiriza la estrellada vida de una bizarra constelación de supuestas estrellas. Es así como penetramos de lleno en un universo artificioso y postergado que sentencia de forma irreversible a todo aquel que irrumpe en él. No hay salida, tampoco escapatoria posible. Es el cínico mensaje que Cronenberg transmite a una industria que se muestra tan endogámica, como incestuosa, demente y degenerada. Sus personajes son tan presos de lo frívolo, como de la ansia de popularidad y la superficialidad del lujo. Son fantasmas, cuerpos de artificio que carecen de espiritualidad y alma, que vagan por un mundo que se antoja tan trivial y volátil como vacuo y defenestrado.

Estreno en España: Vértigo

EN SU VERTIENTE MÁS SUGERENTE Y SOFISTICADA

SILS MARÍA de Olivier Assayas

Bien podría ser presentada como un sofisticado cruce entre "Eva al desnudo" y "Persona" pasado por el seductor filtro cinéfilo de Olivier Assayas. "Sils María"se envuelve de la naturaleza más hermosa, imponente y remota para penetrar en la crisis existencial que atraviesa su pareja protagonista. Una, por enfrentarse a la recta final de su carrera mientras atisba la señal inevitable de que la cuesta abajo es ya un hecho. La otra, por nos saber lidiar con sus sentimientos de amor hacia la estrella a la que se dedica en cuerpo y alma. Dos personas en una, la misma persona en ambas. Un conflicto tan aplicable a la situación personal que unidas atraviesan, como a la obra de teatro para la que se preparan. Dualidad, misterio, mind-blowing. Evocando un apasionante homenaje a la escena del cine clásico, homenajeando directamente las emblemáticas películas de Ingmar Bergman y Joseph L. Mankiewicz, Olivier Assayas vuelve a obsequiarnos con un ejercicio sublime de metacine tan hermético, sutil y aletargado, como frágil, pomposo y estilizado. Tan ambiguo y sugerente, como cautivadoramente hipnótico. La elegancia ante cámara de Juliette Binoche, la clase tras ella de su director, y el valor añadido que aportan la inimaginable mejor versión posible de Kirsten Stewart,o esa gracia única que carcteriza a Chlöe Moretz, acaba por desembocar en un refinado y exquisito delicatessen cinéfilo para ser deleitado y difrutado por los paladares más exigentes.

Estreno en España: Vértice 360

EXOTISMO CON SENTIDO, SENSIBILIDAD, Y DESDE LO GENUINO

LE MERAVIGLIE de Alice Rohrwacher (Gran Premio del Jurado - Sección Oficial)

A caballo (más bien a camello) entre la ensoñación y la realidad, entre la lágrima y la sonrisa, entre la vida rural y el fin de la misma. Con vitalidad y calidez, la italiana Alice Rohrwacher vuelve a sus propios orígenes a través de una inusitada mirada que parte de lo primitivo para abrazar lo imaginativo. Entre sus múltiples virtudes destaca el arrojo creativo y la capacidad sensitiva que la directora demuestra para enfrentarse al relato autobiográfico partiendo desde un halo entrañablemente fabulesco. La suya es una singular historia iniciática que desprende verdadero amor por sus personajes, que transmite sentimiento a corazón abierto, que se siente tan auténtica y natural como estrambótica y desatada, tan visceral como sensible y delicada. La mirada infantil que emana, visualmente desenfrenada, es el hilo conductor por el que desemboca un desbordante imaginario en el que tienen cabida fascinantes y agrestes guiños fellinianos, abrazando el surrealismo que puede emanar un camello plantado en una enlodazada y embadurnada villa de Umbría, o disfrutar de Mónica Belluci en la piel de una imponente e igulamente delirante hada madrina. Una arrojada fusión de realidad y onirismo para un canto del cisne hacia la vida rural, hacia el dulce oficio agrícola que puede suponer ejercer la apicultura en familia. Demasiado lindo para ser posible en el hastiado mundo en que hoy día vivimos. Con semejantes mimbres, como no va a encandilar.

TIMBUKTÚ de Abderrahame Sissako (Premio del Jurado Ecuménico - Sección Oficial)

Sustentada en sus mútliples picos de grandeza, Sissako tiene la valentía de articular la denuncia partiendo de un laudable conocimiento del medio y gran fortaleza estética, atisbando una capacidad única de plasmar el realismo partiendo de una sobrecogedora poesía, pero también un humor sorprendentemente esquinado que coquetea con lo delirante y absurdo. No en vano su ironía, arriesgada e inteligente, evoca la comedia deadpan escandinava o incluso la corrosiva "Four Lions". Estimulante contraste el suyo, plasmado de forma puntual en un partido de fútbol que unos niños disputan sin balón (uno de los momentazos de Cannes 2014), un islamista que fuma a escondidas y que es incapaz de hablar correctamente el árabe, o una apabullante panorámica de un estanque (no dorado) que incluso recuerda a "El Desconocido del Lago". Son tan solo tres significativos retazos, tres inolvidables momentazos que vislumbran su poderío. Y es que, el neorrealismo italiano o la nouvelle vague (principalmente Truffaut y sus "400 golpes") son otras de las ilustres referencias que Sissako tiene presentes. Lo que "Timbuktú" retrata (o más bien poetiza) es una bella flor que marchita. Un pueblo pobre de dinero, pero rico en 'color' y alegría que es sumido en la ruina. Es su alma y corazón, aquello que el fundamentalismo ideológico le arrebata y que "Timbuktú" plasma sin atisbo de condescendencia ni efectismo alguno. Su principal arma es la opulencia artística, y en el mejor de los sentidos. Aquella que conciencia tanto como epata. Difícil misión la suya, que para mi sorpresa y alegría resulta cumplida.

Estreno en España: Golem

STILL THE WATER de Naomi Kawase

El nuevo y hermoso film de Naomi Kawase nos sumerge en las aguas (y la vida) de Amami, una isla subtropical japonesa donde las tradiciones sobre la naturaleza permanecen eternas. Es precisamente en tan exótico paraje donde nuestra entrañable pareja de jóvenes protagonistas descubren y experimentan los ciclos entrelazados de la vida, el amor y la muerte. "Still the Water" vuelve a bascular sobre aquellas elementos que dotan de una identidad propia la espiritual mirada de Naomi Kawase, pero si por algo destaca precisamente, es por situarse también en sus antípodas, para transmitirnos sin embargo, misma percepción y mismas sensaciones. Si en los últimos años su obra se había centrado en la concepción de la vida (fue el caso del documental "Genpin", a concurso en el Festival de San Sebastián 2010), en su nuevo y conmovedor film nos lleva de forma tan cautivadora como ceremoniosa a la inevitabilidad de la muerte. Y lo hace a través de una historia frágil, sensible y delicada, de aura tan mística y sosegada, como espiritual y apasionada. La muerte como el inevitable punto de inflexión de nuestro ciclo de vida, como un destino ineludible que también merece su debida celebración, aunque sea partiendo de la pena y el dolor. Pero que nadie se equivoque, "Still the Water" no se limita a recorrer el fatídico trayecto final de nuestro día a día vital. También incide en el el germen de todo ello, el descubrimiento e identificación del amor y nuestra relación con la naturaleza se erigen en armoniosos elementos sobre los que pivota la calida y arrebatadora poesía en que la que se sumerge y envuelve esta conmovedora y bella película. De cuerpo y alma.

Estreno en España: Eddie Saeta

FEROCES TOURS DE FORCE

WELCOME TO NEW YORK de Abel Ferrara

Abel Ferrara ejecuta con rigor, precisión, y no sin falta de controversia, el escándalo sexual en el que un alto cargo político adicto al sexo y los excesos se ve envuelto. Un proceso que, como no podía ser de otra forma teniendo en cuenta quién tenemos ante cámara, y quien está tras ella, es escenificado con un irresistible sentido de la provocación, una narración metódica, rigurosa pero igualmente transgresora, y una interpretación feroz, visceral y devoradora. Tan fascinante como preocupantemente real, "Welcome to New York" desprende tanto descaro como carisma a la hora de reflejar y denunciar el irremediable sometimiento ante el poder al que nos vemos abocados desde el pueblo llano. Lejos quedan las altas esferas, más lejos aún su anhelada quiebra. Algo que Ferrara y Depardieu nos vuelven a recordar sin miedo a sucumbir ante lo políticamente (in)correcto. La suya es una obra tan maestra como necesearia, por algo está hoy a disponibilidad del mundo entero. Solo falta que retumbe su eco. A por ello.

Estreno en España: filmin

MANGE TES MORTS de Jean-Charles Hue

Ha sido, sin duda, uno de los ejercicios de cámara más imponentes y devoradores que hemos podido disfrutar en Cannes 2014, así como una de las miradas más demoladoras y asombrosas que han impactado en nuestra retina. El suyo es un retrato tan auténtico como visceral y portentoso que mezcla el rodaje de estilo documental con el formato thriller para ofrecernos un feroz tour de force en todas sus vertientes en su carismático retrato de una peculiar comunidad gitana. Con la cámara sin despegarse en ningún momento de todos y cada unos de los personajes que transitan sus asfixiantes y poderosas secuencias, "Mange tes Morts" nos sumerge en los rituales, tradiciones y forma de vida de un microcosmos abocado a la delincuencia para tener su necesitada manutención y permitirse la subsistencia. Tan salvaje y violenta como espiritual y filosófica, tan frontal y directa como reflexiva y compleja, desde luego, merecía algun tipo de reconocimiento. Revelación.

Estreno en España: Capprici

CATCH ME DADDY de Daniel Wolfe

Ha sido otra de las grandes sensaciones de la Quincena de Realizadores. "Catch me Daddy" es una bárbara e implacable muestra de realismo social birtántico que se construye desde los códigos del thriller. Cine suburbial y 'chandalero' en su versión más agresiva posible, para un relato trágico que se sumerge en los paisajes más siniestros del sentimiento humano. Y lo hace partiendo de sus inapelables interpretaciones, pero también desde el incombustible pulso de su director tras la cámara. Formalmente sustentada en una textura de imagen granulada, tan rota como ajada y definitivamente abrumadora, una intensa persecución nocturna con brutales sacudidas de violencia es el eje central de tan desgarradora y explosiva muestra de cine noir ejemplarmente social. Voraz. Dará que hablar.

CON AURA DE CINE DE CULTO

LOST RIVER de Ryan Gosling

Bordeando el despróposito, lo esperpéntico o incluso el ridículo, Ryan Gosling logra sin embargo, una ópera prima digna de elogiar como tal. Si por algo podemos valorar un debut directorial, independientemente del aplomo de su resultado final, es la valentía, el riesgo, o la seguridad en uno mismo que su propuesta pueda emanar. Valores que precisamente, bien podemos atribuir a la imaginativa y descarada ópera prima del protagonista de "Drive". Si algo queda claro, es su firme apuesta por lo estético para incurrir en lo fabulesco. Apoyándose en el fascinante y arrebatador objetivo del director de fotografía de "Spring Breakers" y "Enter the Void", Benoît Debie, Gosling plasma en apabullantes imágenes un cuento narrado a través de texturas, sonidos, luces, sombras o una omnipresente banda sonora que transita composiciones fotográficas que se revelan tan hermosas como dementes, tan fascinantes como definitivamente rebeldes. Estamos en un (no)lugar en ruinas, allá donde solo nacen malas hierbas y no hay posibilidad de regeneración alguna. Es decir, U-S-A, o lo que es lo mismo, la onírica excusa para que Ryan Gosling evoque las figuras de Harmony Korine o Nicolas Winding-Refn desplegando todo tipo de estimulantes concesiones, un desatado dispositivo formal que bien puede epatar, pero también envolver y empapar. Y es que, al igual que ya hicera Benh Zeitlin con sus "Bestias del Sur Salvaje", su debutante director parte de un cautivador y feroz imaginario para destapar esplendor, poderío y belleza, allá donde solo encontramos mugre, miseria y mierda. El suyo no es un film de escuadra y cartabón, tampoco un debut cualquiera. De lo errático y descerebrado puede acabar surgiendo el genio. "Lost River" nos da atisbos de ello partiendo del más descarado riesgo. Bienvenido sea.

INCOMPRESA de Asia Argento

La hija de Dario Argento es también una de las más carismáticas y transgresoras enfants terribles del cine europeo. Actriz antes que directora, y marcando el camino a seguir de sus sucesoras (como bien pueden ser Juliette Lewis o quien en este caso es también protagonista, Charlotte Gainsbourg) Asia Argento vuelve al ruedo 10 años después de dirigir "El corazón es mentiroso", partiendo de la década de los 80 para contarnos la historia de una niña que busca el cariño y comprensión de sus progenitores. Y sí, la referencia de Harmony Korine se divisa en el horizonte, pero desde su particular e insobornable caligrafía. "Incompresa" parte de un ochentero retrato semi-autobiográfico tan divertido y tierno, como estrmabótico y desbocado. Una mirada tan estéticamente viva, estridente y desatada, como argumentalmente irreverente y gamberra, en el que el rosa fucsia y las múltiples referencias pop campan a sus anchas. Todo ello añadido a una banda sonora compuesta por grandes éxitos de la época y composiciones originales de la propia directora, nos llevan a una de las más deshinibidas y originales comedias que podremos disfrutar a lo largo de este año.

LA MIRADA TEEN EN TIEMPOS DE CRISIS

HERMOSA JUVENTUD de Jaime Rosales (Premio del Jurado Ecuménico - Un Certain Regard)

La nueva y esperada película de Jaime Rosales ha logrado la difícil misión de levantar la ovación de la prensa acreditada en todo un Cannes. Y no es para menos, combinando de forma prodigiosa imágenes rodadas en 16 mm con imágenes de los actores captadas por ellos mismos con sus propios operativos (mini-DV/smartphone/web-cam), el director de "La Soledad" vuelve a innovar y arriesgar cumpliendo con la difícil misión que supone experimentar en lo formal para retratar de forma tan rigurosa y severa como sincera y honesta, una dura realidad. La de una juventud española cuya frase más repetida es "lo jodida está la cosa" y cuyo dedo no señala otro país que no sea Alemania como posible vía de escape a la miseria en la que su vida se ve sumida. La acción que recorre todos y cada uno de los sugestivos planos que componen "Hermosa Juventud", se revela de forma tan natural como aparentemente improvisada. Las voces, con sus titubeos y sus imprecisiones, forman parte, como bien afirma su director (y nosotros constatamos) en una "creación espontánea irrepetible". Y ese es precisamente el gran logro de la compleja mirada que una vez más articula Jaime Rosales. Ser extremadamente minucioso partiendo de lo exigentemente ambicioso.

Estreno en España: Wanda

BANDE DE FILLES de Celine Sciamma

La deriva adolescente provocada por la falta de atención familiar y medios económicos es uno de los temas más recurrentes dentro del subgénero que de per sé, hoy en día engloba el cine teen. Tanto en Cannes, como en gran parte del circuito festivalero y la taquilla comercial, podemos encontrarnos con infinidad de ejemplos de ello. De hecho, ya comienzan a ser miradas que destacan mucho más por su redundancia o ausencia de tacto y sutilidad, que por posibles valores añadidos y postivos que estas miradas nos puedan revelar. Sin embargo, y como era de esperar, no es el caso de la “Bande de Filles” de Celine Sciamma. La directora francesa nos confirma que estamos ante un insobornable talento, el de alguien que tiene esa mano para imprimir carisma, vigor y fortaleza estética a un contenido narrativo que cierto es, no nos cuenta nada nuevo. Su pulso tras la cámara, su capacidad para construir momentos de una capacidad emocional apabullante, su destreza para sugerir desde la formalidad la crisis existencial que atraviesa su protagonista, su absoluto control a la hora de modular y conjugar todo tipo de recursos formales (el empleo de la banda sonora, su distintiva composición de esos planos retrato que tanto, y tan bien, caracterizaba Tomboy) y ante todo, el amor que desprende hacia todos y cada uno de sus protagonistas, hacen de "Bande de Filles" una película tan carismática, como emocionante y vital. Los Diamonds de Rihanna dan buena fe de ello en una de las escenas claves de la película y de todo el festival. Panteras negras.

CON SELLO SUNDANCE...Y CON AROMA SITGES

WHIPLASH de Damien Chazzelle

Un explosivo cruce musical entre Woody Allen y Dario Argento fue la gran sensación del Festival de Sundance 2014. Suyos fueron el Gran Premio del Jurado y el Premio del Público. Protagonizada por Miles Teller y JK Simmons, "Whiplash" participa en la Quincena de Realizadores con la historia de un joven batería que intenta convertirse en un gran músico de jazz, y el retrato del brutal adiestramento al que se ve sometido por su instructor. De ella podemos destacar que la nominación al Oscar al Mejoir Actor Secundario la tiene asegurada, que su empleo de los recursos sonoros, tanto como estéticos y narrativos resultan en todo momento prodigiosos, que su clase y elegancia se fusiona con su enfermiza y transgresora esencia de forma demoledora o que se sufre con ella tanto como uno se deleita. "Whiplash" es, sin duda, una de las grandes revelaciones del año.

COLD IN JULY de Jim Mickle

Estamos ante lo nuevo del director de "Stake Land" y "We are what we are", es decir, una promesa hecha realidad. "We are what we are" volvió a demostrar este pasado año que el cine de género, así como un remake, todavía es capaz de manufacturar obras de calado y de largo alcance sin caer en la autocomplacencia. Misma suerte le auguramos a su nueva incursión. "Cold July" llega protagonizada por la estrella de "Dexter" y "A dos metros bajo tierra", Michael C. Hall, quien es ilsutre (y bizarramente) acompañado por Don Johnson y Sam Shepard es esta suerte de  Pulp Fiction texano que también significa un film supremo. Sus demoledores giros, sus múltiples referencias al thriller ochentero, sus inesperados golpes de humor o su constantemente agetreo del tono hasta alcanzar cotas insospechadas de esquizofrenia y desconcierto provoca que estemos ante un divertimento destinado a causar furor en el próximo Festival de Sitges. Ojalá así sea.

IT FOLLOWS de David Robert Mitchell

Un nuevo "American Graffitti" para un nuevo milenio. Es lo que nos brindó David Robert Mitchell en la 2ª edición del Atlántida Film Fest con "El mito de la adolescencia". Esta particular revisión del mito de las fiestas de pijamas que tuvo su premiere en Sundance 2010, previo paso por la Quincena de Realizadores de ese mismo año, encuentra este año continuidad con "It Follows", segunda película de su mismo responsable que en este caso ha compeitod en la Semana de la Crítica. Y lo ha hecho sumergido en una pesadilla adolescente que versa sobre el “sexo, el amor y los horrores imperceptibles que nos persiguen en la adolescencia”. Una hermosa muestra de terror indie maravillosamente rodada que tiene además, el descaro de adaptar los códigos del género rey a su propia obra y semejanza. Tan divertida y genuinaente estilizada como salvajemente imrpedecible, "It Follows" enamora tanto como retuerce.

WHEN ANIMALS DREAM de Jonas Alexander Arnby

Una reveladora ópera prima que se presenta como una muestra de terror protestante con un giro feminino y bien podríamos resumir como un cruce entre "Déjame entrar" y "Carrie". No más lejos de la realidad, protagonizada por una heroína dardenniana que diariamente padece las constantes humillaciones de sus compañeros de trabajo, ésta deberá elegir entre aceptar, o no, su condición de mujer-lobo, entre ejecutar o no, una feroz venganza. Rodada como si de un "Exorcismo de Micaela" o un "Rompiendo las olas" se tratara, el debutante Jonas Alexander Arnby nos obsequia con una muestra de terror social que se antoja tan romántico como perverso, tan existencialmente reflexivo como brutalmente visceral. Tiene lo suyo.

10 TÍTULOS QUE NO HEMOS PODIDO VER PERO QUE NO PERDEREMOS DE VISTA

1. LES COMBATTANTS de Thomas Calley

2. THE KINDERGARTEN TEACHER de Nadav Lapid (SC)

3. LE CONTE DE LA PRINCESSE KAGUYA de Isao Takahata (Q)

4. BIRD PEOPLE de Pascale Ferran (UR)

5. THE SALT OF THE EARTH de Wim Wenders (UR)

6. NATIONAL GALLERY de Frederick Wiseman (Q)

7. REFUGIADO de Diego Lerman (Q)

8. P'TIT QUINQUIN de Bruno Dumont (Q)

9. HOPE de Boris