13 consejos de Jonas Mekas para convertirte en cineasta experimental

Autor: Lucas Álvarez Fuente: Artspace

13 consejos de Jonas Mekas para convertirte en cineasta experimental

Puede que estés deseando coger una cámara y comenzar a filmar lo que te rodea, y no te atrevas a dar el primer paso. Seguramente sientas que el cine es tu vocación pero no sabes por dónde empezar: te dejamos 13 consejos del nonagenario Jonas Mekas, cuya larga experiencia como cineasta experimental y particular visión del cine alejado de los cánones te guiarán por un camino distinto al de cualquier manual básico de "cómo rodar tu primera película" o "cómo escribir tu primer guión". Tomen nota.

1. "Hoy en día se puede hacer cine con cualquier cosa, desde las cámaras de cine, hasta ordenadores, cámaras de vídeo, móviles, o incluso con las Google Glasses. Esto significa que prácticamente cualquiera puede hacer películas, como si se tratase de escribir, bailar o cantar."

La cámara de cine. Presente, pasado y futuro. Desde los hermanos Lumiere a las Google glasses pasando por Edison, Griffith, Melies, Chaplin, Buster Keaton, Robin Hood, Las zapatillas rojas, Hitchcock, Lawrence de Arabia, Ben-Hur, Minority Report, Kubrick, Regreso al futuro, Lynch, George Lucas, Fincher, Malick, Michael Mann, James Cameron, la cámara Red One, El Hobbit, Her, el smartphone o Gravity. Es la fascinante evolución de la cámara de cine, un viaje a través de su innovación que es también el emocionante homenaje que el editor Bob Joyce dedica al gremio del operador de cámara en este vídeo con el que complementamos a continuación. Hasta el infinito y más allá (y con un vídeo de cine).




2.
"Si sientes que necesitas hacer cine, me gustaría compartir contigo estos consejos que puede que te ayuden a embarcarte en el trepidante viaje que es tu vida."

3. "El cine, como la literatura, la pintura o cualquier otro arte, puede contemplarse o analizarse como un gran árbol con muchas ramas. Algunas son grandes otras pequeñas y algunas muy pequeñas. Lo que es importante es no olvidar que grandes o pequeñas todas tienen su función y juntas hacen crecer el árbol. Por tanto tenemos una gran rama sobre narrativa o sobre el arte de contar historias, la cual se ramifica en otras ramas más pequeñas como son el western, el cine negro, el musical, la comedia, el slapstick, etc; así como muchas ramas derivan en variedades de la "vida real": el periodismo, el cinèma vérité, documentales televisivos, reportajes, incluso docudramas. También hay diferentes tipos de cine autobiográfico (el cual practico ), y la rama conocida como "home movies" y la rama del cine ensayístico (practicado, dicen, por Chris Marker, Marcel Hanoun y Peter Greenaway).


Y entonces ahí encontramos una pequeña agrupación de ramitas que son el cine no narrativo, lo que podemos llamar las formas "poéticas" del cine (por ejemplo, las películas líricas de Marie Menken, Stan Brakhage´s Songs (1964-1969), o las películas de Bruce Baillie); y ramas que pueden compararse a cartas y postales forman la mayor parte de la salida en espacios como Youtube, Facebook y sitios personales."


4. "Considero que las dos mejores formas de empezar el camino/tu trayectoria son: uno, trabaja con otro cineasta cuyo trabajo admires, y aprende el arte del modo que lo hacían los antiguos artistas Renacentistas, o dos, consigue una cámara, cualquiera, y comienza a grabar a diario. Solamente filmando vas a descubrir el tipo de cine o películas que realmente quieres hacer, por tanto, que rama del árbol del cine estás te está arrastrando."

"Tren de sombras"
de José Luis Guerín es una rendija por la que podemos asomarnos y contemplar como funciona la poética del cine en su rincón más profundo y virgen. Compuesta por filmaciones estivales registradas por un cineasta amateur.


5. "Del mismo modo que la lectura de otros poetas es la mejor enseñanza para un joven poeta, en el cine la mejor escuela para un cineasta es ver películas, clásicas y modernas, ambas, de todas las ramas del árbol del cine. Y consigue conocer otros a jóvenes con las mismas inquietudes."

Uno de los cineastas más interesantes y menos conocidos de toda la historia de nuestro país es Val del Omar, que consideró el cine como un arte total y que dedicó su vida a la experimentación en su mecánica y poética. Lo que el denominaba la "mecamística", refiriéndose a la fusión de las máquinas con las que filmaba la realidad, retratando y dotando así al instante de una pureza y una eternidad que olvidaban (y olvidan) aplicar otras importantes figuras del séptimo arte. Estas son algunas afirmaciones del artista que explican mejor su pensamiento y obra:

“Yo quería fugarme del negro de los libros. Quería irme hacia la imagen luminosa. Como las mariposas son atraídas por la luz”.

"La técnica no es ajena a la creación poética y debe ser plenamente dominada para que germinen y florezcan las ideas. la técnica es una cristalización que debe ser fiel a la estructura de la sustancia."

"Pretendo comunicar la sensación insólita de estrenar sentidos."


Imágenes de "Tríptico elemental de España", compuesto por tres poemas audiovisuales de José Val del Omar.

6. "¡Lee!, no ignores la historia de tu arte. No malgastes tu tiempo intentando reinventar la rueda. Lee los primeros libros, como Paul Rotha, Lewis Jacob, Hans Richter, Jean Epstein, Dulac, los escritores de Praga, Pudovkin, Arnheim. Recomiendo los antiguos libros sobre cine antes que los modernos porque mantenían el entusiasmo por el arte de las imágenes en movimiento."

Si quieres seguir el consejo de Mekas y conocer la historia de tu arte sin leer (que también deberías) a todos los imprescindibles, el documental de Mark Cousins "The Story of Film", la revisión más completa a la historia del cine de los últimos años, te revelará multitud de corrientes, autores, y películas que desconocías. Otro título que uno puede anotar si quiere saber más es la particular oda al cine de Jean Luc Godard, una monumental, crítica, bella y melancólica visión del arte cinematográfico, "Histoires du cinèma".


7. "Aprende todo sobre los aparatos y las tecnologías que tengan que ver con la realización y presentación de tu arte. Como los músicos o los pintores, los cineastas tienen que tener un conocimiento de que puede hacer el aparato que han cogido para captar imágenes en movimiento, sus capacidades, sus límites, con el fin de exprimirlos al máximo. (Ver Trash Trumpers (2009) de Harmony Korine, una película mal hecha, mal editada, con un horrible trabajo de cámara, todo malo, pero una obra maestra)"

Existen documentales y películas autobiográficas que han recogido estética, vida y obra de algunos de los artistas que han educado nuestros ojos a lo largo del tiempo:

"Mr. Turner": película dirigida por Mike Leigh que narra la vida del pintor inglés J.M.W Turner, interpretado por un gran Timothy Spall.


"Shirley": la protagonista de algunos cuadros de Edward Hopper cobra vida junto a la atmósfera del pintor en esta obra de Gustav Deustch.


"Van Gogh": Maurice Pialat revive la etapa final del pintor postimpresionista en esta película protagonizada por el cantante y actor Jacques Dutronc.


8. "MOVIMIENTO: El movimiento en el cine puede ir ahora desde una quietud total ( Empire, Andy Warhol, 1964) a una Blurred Swish ( Back and Forth, Michael Snow´s, 1969), a un millon de impredecibles velocidades y éxtasis (Brakhage´s work, por ejemplo. El vocabulario del cine clásico permitía solo los movimientos suaves de cámara, la estabilidad, la inmovilidad que era llamada una "buena" y "clara" imagen. Pero los directores han liberado el movimiento de la cámara. Ahora pueden ir a cualquier sitio, desde un movimiento claro o de idílica tranquilidad a un movimiento frenético. La gran escala de nuestras emociones puede ser registrada y reflejada- para nosotros mismos, para nadie más. La cámara puede ser tan enfermiza como nuestras mentes. No existen "movimientos normales"o "imágenes normales", no hay imágenes "buenas" o imágenes "malas". No tengo que decirte que lo que estoy diciendo va totalmente en contra de la aceptadas normas estéticas del cine clásico y moderno profesional."

El cine es plural y ha encajado multitud de tipos de lenguaje desde sus inicios. Hemos visto,por ejemplo, la quietud de los largos planos secuencia de Béla Tarr, pasando por el característico montaje frenético de Darren Aranofosky.



9. "ILUMINACIÓN/EXPOSICIÓN: puedes ir de la "adecuada" exposición y luz de la imagen (medida por el fotómetro) a la completa destrucción de lo "adecuado", de un blanco total a un negro puro. Un sinfín de matices están ahora abiertos a nosotros, la poética de las formas, de la sobrexposición y la subexposición."

Jonas Mekas recomienda el visionado de "Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas" de Apichatpong Weerasethakul como explicación visual a su noveno consejo.


10. "Sabemos que no hay nada como el modo que tiene cada uno de ver o mostrar las cosas; que la estabilidad, la nitidez o la claridad (y todos sus antónimos) no son virtudes o propiedades absolutas en sí mismas, que el lenguaje del cine, como cualquier otro lenguaje o sintaxis, es un flujo constante, y nuestras máquinas para capturar imágenes en movimiento y nuestros modos de ver la realidad cambian en un proceso complejo, misterioso e impredecible."

"Paris Je t'aime"
es una de esas películas que sirve para entender la infinidad de visiones que se pueden adquirir respecto al cine. Realizada por cineastas de prestigio de todo el mundo como Gus Van Sant, Oliver Assayas, los Hermanos Coen o Isabel Coixet, la historia se divide en distintos relatos de amor con un nexo en común: París.


11. "Y por favor, no escuchéis a aquellos que os dicen que el cine analógico está muerto y larga vida a las tecnologías digitales, ¡No, no y no!. En Nueva York, Londres, Tokyo o Paris hay mucha, mucha gente joven que todavía cree en lo que llaman cine "analógico": el film, el cine de celuloide, y lo practican. Encontrarás mucha información sobre este tema contactando Re: Voir in Paris: http://re-voir.com/shop/fr/232-materiel "

12.
"Por último: defiende tu formato de imagen y tu cámara como el honor de tu madre y tu padre. Una película en 8 o 16 mm debe siempre mostrarse en este formato, no debe convertirse a otro. Lo mismo pasa con las de 35 mm y todos los otros formatos. Un vídeo digital debe mostrarse como tal, del mismo modo que el sonido de un saxofón no puede trasladarse a un violín. Formatos digitales y analógicos tiene cada uno sus únicas e intransferibles propiedades de técnica, estilo y contenido. Lo que puedes hacer con tu móvil no lo podrás hacer jamás con tu cámara de 35 mm. "

13. "Estoy escribiendo estas notas en Brooklyn, Nueva York, y creo que son totalmente cuerdas, si siguiera merecerían la pena para cualquiera que quisiese hacer películas. Pero las escribo convencido de que en otro lugar, conocido como el Olimpo, lejos de Brooklyn, hay ocho musas que tienen sus propios planes y uno nunca sabe a quién elegirán para adentrarse en ti y volverte loco: porque una vez que entran en ti, no tienes elección. NO necesitarás ninguna guía. Los periodistas te preguntarán: ¿por qué empezaste?, y ¿por qué? y no tendrás respuesta."



Avatar por defecto de un usuario no logueado
Los comentarios despectivos y los spoilers serán moderados. Si tienes cualquier problema escríbenos a contacto@filmin.es