10 lecciones elementales para estudiantes de cine

Autor: Filmin Fuente: Filmin

10 lecciones elementales para estudiantes de cine

¿Hasta qué punto el proceso creativo de hacer cine es a la vez minuciosamente deliberado y azarosamente experimental? desde su concepción hasta su culminación, cada proyecto ofrece desafíos únicos que obligan a recurrir a la paciencia y la inspiración, a la prueba y al error, al talento y a la fortaleza. Ya seáis estudiantes de cine, aspirantes a directores, guionistas y demás profesionales del audiovisual necesitados de orientación en este proceso o simplemente deseéis experimentar el cine en un nivel más significativo, aquí va un vídeo con 10 lecciones básicas y en consecuencia,10 ejemplos fundamentales, al que podréis recurrir a lo largo de vuestra carrera profesional. Empieza el curso.



1. COMENZAR SIEMPRE CON FUERZA:
UN PERRO ANDALUZ

La Lección:

La primera imagen de la película debería sugerir el tema central de la película y encauzarla hacia el lugar que se dirige. Sin embargo, no solo está encaminada a sugerir la historia que se va a desarrollar, puede también revelar los antecedentes.

El Ejemplo:

El deseo siempre ha ido vinculado a la mirada. Y el cine también. Eso lo sabía muy bien Luis Buñuel cuando filmó el corte de una navaja sobre un ojo en plano detalle. La suya es la secuencia inicial más icónica de la historia del cine por excelencia. Joya de culto surrealista, todo un clásico del cine de arte y ensayo, una obra única que surge fruto de la poderosa imaginación de dos jóvenes mentes -Buñuel tenía 29 años y Dalí 25- poseedoras de un talento tan singular como genial. Pionera.




2. 1 PÁGINA DE GUIÓN EQUIVALE A 1 MINUTO: EL HOMBRE QUE SABÍA DEMASIADO

La Lección:

Un guión suele tener entre 90 y 120 páginas, lo que equivaldría a la duración habitual de una película, entre 90' y dos horas. Las comedias, las películas de terror, de animación y las destinadas a toda la familia son, dentro de esta horquilla, las más cortas, debido a la menor capacidad de atención sostenida del público al que se dirigen y a la dificultad de encadenar sustos, escalofríos y risas desatadas sin descanso durante dos horas. Los dramas centrados en personajes tienden a convertirse en películas más largas puesto que la revelación de los antecedentes, la exploración de la psicología y los matices del desarrollo de los personajes requieren una exposición más sutil y escalonada.

El Ejemplo:

Es la regla de oro por la que hoy día se rigen los guiones de los grandes estudios de Hollywood. Su precursor: Alfred Hitchcock, la película que lo encumbra: "El hombre que sabía demasiado". Pocos cineasta como él han generado tanta literatura, cosechado tantos admiradores, suscitado sentimientos tan encontrados entre partidarios y detractores. El de aquel entonces, un Hitchcock primigenio que aún se buscaba a si mismo pero que ya dejaba atisbar todos los elementos que más tarde le convertirían en un grande. No en vano, "El hombre que sabía demasiado" puede ostentar el título de ser su primer éxito internacional. La leyenda había comenzado. Tras quince años de carrera en su Gran Bretaña natal, Hitchcock ya era un valor solvente que desembarcó en Hollywood para quedarse.




3. OBJETOS DE DESEO TANGIBLES: EL OLIVO

La Lección:

Los objetos del protagonista pueden ser inicialmente abstractos, pero deben hacerse cada vez más concretos a medida que avanza la historia. Haz los objetivos visuales tangibles y activos: probar la propia inocencia, vencer al villano, resolver un misterio, adquirir un objeto o conocimiento, producir un acontecimiento, lograr un premio. Y luego está el MacGuffin, un memorable recurso de guión que simplemente funciona como pretexto argumental para dotar de un objetivo a los personajes, un elemento fundamental para que la historia avance. La particularidad de esta argucia, popularizada por Hitchcock, es que el objetivo en sí no tiene ningún interés ni ejerce ningún efecto real en la historia ni en el espectador, sólo sirve a los personajes para precipitarlos al conflicto.

El Ejemplo:

"El Olivo" es una historia conmovedora con mensaje ecologista profundo, sobre un árbol milenario que se erige en su incontestable protagonista, aquel que da cuerpo y le dota de contundente poderío simbólico y metafórico. "El Olivo" como reflexión sobre las raíces de la familia, la transmisión intergeneracional y el choque entre los bienes materiales y los sentimentales, entre otros muchos temas das. Un solo elemento sobre el que emerge una discurso, una reflexión, absolutamente profunda y multidireccional.




4. EL CONCEPTO EN UNA SOLA FRASE: CORRE LOLA, CORRE

La Lección:

Vender una idea de cine o televisión es difícil, pero es mucho más fácil cuando su premisa se puede articular en una sola frase.
Por ejemplo: "Lola tiene 20 minutos para reunir 100.000 marcos o asesinarán a su novio".

El Ejemplo:

Es el simple punto del partido sobre el que arranca el memorable debut en el cine de Tom Tykwer. Uno de los directores de "El Atlas de las Nubes", responsable de "El Perfume", sorprendía en la década de los 90 con esta icónica cult-movie que pone en imágenes la teoría del caos y que bien puede considerarse la primera película interactiva del cine alemán. "Corre Lola, corre" es un frenético y alucinante cómic animado que explora las diversas posibilidades de un mismo hecho. Un alcance tan expansivo como complejo cuyo concepto sin embargo, se construye y desarrolla sobre una sola frase.





5. CONVERTIR LO VISUAL EN PSICOLÓGICO: CIUDADANO KANE

La Lección:

Los recursos para ello son varios. Un personaje enfocado que se encamina hacia una multitud borrosa puede sugerirnos un futuro incierto. Un personaje que camina desde un fondo borroso a un primer término perfectamente enfocado es posible que tenga "enfocados" sus valores o prioridades También el contrapicado, cuando se mira desde abajo, sirve para enardecer y hacer poderoso el personaje al que mira y en cambio el picado transmite indefensión e insignificancia

El Ejemplo:

Niño prodigio convertido en enfant terrible, transformado en director maldito que pasó sus últimos años intentando finalizar proyectos extremadamente ambiciosos ("The other side of the wind" a la cabeza), interpretando personajes de Shakespeare allí donde podía y ganándose algo de dinero en anuncios de publicidad. Una vida de armas tomar que ante todo, pivota sobre su extraordinario debut en el cine, para muchos, el más relevante de la historia del séptimo arte. Considerada como una de las obras maestras de la historia, "Ciudadano Kane" fue particularmente alabada por su innovación en la música, la fotografía, la estructura narrativa y sobre todo, por dinamitar la concepción de la secuencia dramática para sumergirse de lleno en la profundidad psicológica de su arrebatadora propuesta visual, donde no solo el elemento Rosebud juega un papel clave y elemental. Objetos son deseos, ideas son emblemas. Hasta el infinito y más allá.




6. LA REGLA DE LOS TERCIOS: TODO SOBRE MI MADRE

La Lección:

La regla de los tercios es una forma de composición para ordenar objetos dentro de la imagen. Esta regla divide una imagen en nueve partes iguales, utilizando dos líneas imaginarias paralelas y equiespaciadas de forma horizontal y dos más de las mismas características de forma vertical, y recomienda utilizar los puntos de intersección de estas líneas para distribuir los objetos de la escena. Y es que centrar directamente en el encuadre un objeto o a un actor tiende a crear una imagen estática que normalmente no tiene interés ni desafía a la mirada. Pero si dividimos el encuadre en tercios en las dos direcciones, se obtiene una rejilla báscia que sirve de guía aproximada para un emplazamiento eficaz.

El Ejemplo:

La regla de los tercios se usa con frecuencia en todo tipo de escenas como retratos, paisajes o bodegones. Y si no, pregúntenselo a Pedro Almodóvar o vean "Todo sobre mi madre".




7. LA IMPORTANCIA DE LA ILUMINACIÓN: YOU AND THE NIGHT

La Lección:

Un sistema logrado de iluminación (incluye la luz principal, luz de relleno y contraluz) realza el decorado, refuerza el punto de vista del personaje, aviva el conflicto y añade interés visual. Las elecciones de iluminación a las que habitualmente se enfrentan los cineastas incluyen escoger luz cálida versus luz fría, luz artificial (por ejemplo, luces fluorescentes para transmitir el carácter impersonal de las instituciones) versus luz natural (para dar una impresión documental, por ejemplo), elegir entre privilegiar la iluminación frontal, lateral, cenital o el contraluz así como su grado de intensidad, o decidir sobre las sombras o su mayor o menor difusión.

Autodefinido como un nuevo Pedro Almodóvar, Yann González ha irrumpido con fuerza mediante su descarada ópera prima "You and the Night". La suya, una personalísima y arrojada mirada que se articula a camino entre el estilo moderno demodé de Xavier Dolan y la estética kitsch del propio Almodóvar. Sexualmente provocadora e irreverentemente erótica, estamos ante un debut de amanerado lirismo que se siente peculiarmente poético, estéticamente único, que bien podría tener al director de "Los amores imaginarios" firmando sus "Mil y una noches" tras la cámara, o bien podríamos imaginarlo como un "Club de los 5" remixado por Jean Cocteau, Paul Morrissey, Dario Argento y Peter Greenaway. Una mirada fantasmagórica tan descarada como seductora, que se abstrae suspendida en una sobrecogedora melancolía, pero también envuelta en un sensual existencialismo. Fantasía única y conmovedora para un film apabullantemente original y hermosamente blasfemo que levita al compás de M83. Un debut que ante todo es un instantáneo de culto y que se presenta iluminado como ninguno. Luces, y acción.




8. AIRE PARA LA MIRADA: METRÓPOLIS


La Lección:

La forma tradicional de encuadrar busca crear un equilibrio, colocando a actores y objetos cómodamente dentro del encuadre y prestando atención a los espacios que los rodean. Un encuadre no tradicional puede emplearse por razones artísticas (por ejemplo, para crear un estilo descuidado, documental), pero, en general, habría que evitar que el público fuera más consciente de la cámara que de la acción. Por ejemplo el encuadre tradicional también se preocupa del aire para la mirada dejando más espacio delante de un actor que detrás. Se necesita aún más aire para encuadrar a personas en movimiento y evitar de este modo la impresión de que se van a escapar por el borde del encuadre. La regla de la mirada generalmente se combina con la regla de los tercios, anteriormente mencionada, lo cual otorga una muy atractiva composición con gran fuerza visual que concentra la atención del espectador. En caso contrario, el efecto es una sensación de impacto y anti-estética que pueden incomodar y marcar distancia en el espectador.

El Ejemplo:

Su inmejorable ejemplo lo tenemos en "Metrópolis", otro título clave la historia del séptimo arte que costó cinco millones de marcos de la época (lo que puede suponer unos 200 millones de euros en los años 20, saquen cuentas), para la que fueron necesarios más de 37.000 extras y para la que se necesitaron dos años antes de ser completada. Fue un desastre, mayúsculo, sin paliativos. La productora UFA se fue al garete y tuvo que sudar para remontar el vuelo. Y estamos hablando de una empresa que podía competir con las grandes majors de Hollywood. Eso sí, la popularidad de "Metrópolis" llegó hasta Jerry Siegel y Joe Shuster, que cuando crearon a "Superman" decidieron que su ciudad de residencia tuviera el mismo nombre. Entre las infinitas virtudes, rasgos esenciales que en ella lucen, encontramos la ejemplar aplicación de la regla del aire en la mirada, una de las máximas por la que durante la época del cine mudo el expresionismo alemán alcanzó su propia cumbre.




9. DAR ALGO QUE HACER A LOS ACTORES: MOMMY

La Lección:

Un director debería dar siempre una actividad al actor en cada escena (planchar, pintarse las uñas o arreglar el carburador) incluso aunque no esté en el guión. Debe ser algo específico, que informe sobre el personaje, que complete o contraste el diálgo y que revele el subtexto.

El Ejemplo:

El futuro le pertenece. Actor, director, guionista, diseñador de vestuario, montador, icono de generaciones venideras y enfant terrible a jornada completa, Xavier Dolan es, pese a quien pese, un joven prodigio. Tiene 26 años, 6 películas, 52 premios internacionales y a medio camino, su obra maestra, la obra que le debía a su madre, la que celebramos todos los demás. Con su imagen estampada en un ratio de 1:1 y sorpendiendo a momentos (más bien momentazos) concretos y señalados con un espectro de 2.39:1, la arriesgada y magnífica "Mommy" armoniza de forma única los sentimientos de intensidad, pasión y sinceridad, logrando empaparnos así de la represión existencial a la que se ve sometido su desequilibrado trío protagonista. Una constante sensación de histriónica inconsistencia e inestabilidad que sin embargo, adquiere paz y sosiego, así como emana un embriagador poderío emocional en momentos tan supuestamente cotidianos como puede resultar cocinar. Da a tus actores algo que hacer y sin darse cuenta, ellos mismos te lo agradecerán. Ya sea a ritmo de Andrea Bocelli o Celine Dion.




10. EL ESPACIO PUEDE SER UN PERSONAJE MÁS: EL ABRAZO DE LA SERPIENTE

La Lección:

"Ciertos entornos y lugares hablan con su propia voz. Hay lugares húmedos que atraen irresistiblemente el crimen. Ciertos jardines sombríos piden a gritos un asesinato, ciertas mansiones ruinosas piden fantasmas, ciertas costas, naufragios". Robert Louis Stevenson.

El Ejemplo:

Un deslumbrante cruce entre el espíritu herzogiano de "Aguirre" o "Fitzcarraldo" con el nuevo cine filipino que ejemplifica la "Independencia" de Raya Martin y que presenta además ecos de "Apocalypse Now". Es como de buenas a primeras podríamos definir "El Abrazo de la Serpiente". Rodada en un recio blanco y negro, el colombiano Ciro Guerra ensambla un delirio onírico y febril poblado por tribus amazónicas que han tenido el cuidado y conocimiento de todo lo referente a las plantas, aquellas con las que están compuestos los sueños. Dejando de un lado la mirada documental, adentrándose en el mundo esotérico, ancestral y absolutamente espiritual, "El abrazo de la serpiente" arremete contra los colonizadores y caucheros desde el rigor histórico, la elocuencia discursiva y un hermoso tono poético. Desde una vertiente tan formalmente portentosa como incorpóreamente abrumadora que tiene en la madre naturaleza su protagonista principal. En definitiva, un selvático tour de force que explota como ninguna el principio de que "el espacio puede ser un personaje más".




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