Las bandas sonoras que más nos cautivaron este 2013

Fuente: filmin

Las bandas sonoras que más nos cautivaron este 2013

"La emoción resultante de una obra de arte tan solo adquiere valor cuando no emerge por chantaje sentimental". Son las sabias palabras de Jean Cocteau que en su momento rescatamos para celebrar el cumpleaños del compositor Krzysztof Penderecki (el músico polaco responsable de la obra devastadoramente afectiva "Threnody to the Victims of Hiroshima"), quien supo mantenerse a salvo de los excesos sentimentales y empalagosos que hoy día tanto asolan nuestros oídos en pantalla grande. No es el caso, sin embargo, de los temazos que componen las 12 maravillosas bandas sonoras que destacamos a continuación.

Del hipnótico contraste sonoro que acapara "La Gran Belleza", a la atronadora banda sonora de "Gravity", pasando por el registro más siniestro posible de los Tindersticks al servicio de Claire Denis, la arrebatadora melodía que M83 ha compuesto para "fantasmas y amantes", el rompedor dubstep de Skrillex, el aura de Cliff Martínez, el prodigio atmosférico que articula el oído de Shane Carruth, la conmovedora maestría de un neoclásico como Max Richter, la escena folk del Greenwich Village pre-Bob Dylan que transita lo nuevo de los Coen, o el Forever Young de Robin Wright Penn. Todos ellos resuenan entre las bandas sonoras que más nos han emocionado este 2013.

1. LA GRAN BELLEZA - LELE MARCHITELLI

Paolo Sorrentino coge "La Dolce Vita" por los cuernos para actualizarla con la decadente jet-set de esa Roma, bella Roma de hoy, como esperpéntico telón de fondo. "La Gran Belleza" es un opulento y grandilocuente artefacto que no contento con rendir el mejor homenaje posible al carnavalesco mundo felliniano, articula una hiperrealista reflexión sobre el sentido de la bella vita a través del estrambótico artificio que tanto caracteriza el estrafalario mausoleo de personajes que lo transitan. De humor cínicamente negro, empapado de un afilado existencialismo, la nueva y formalmente excepcional película de Sorrentino, encuentra aquello cuyos crepusculares protagonistas anhelan: una pura y colosal gran belleza que le ha llevado a conquistar los Premios del Cine Europeo.

Entre sus inabarcables virtudes destaca una banda sonora de potencia abrumadora rebosante de contrastes. Si la excepcional e igualmente emocionante "Las consecuencias del amor" destacaba por la música de Lali Puna que combinaba a la perfección el pop y su personal política con un trabajo en el que se mezclaban melodía, la voz de Valery y las repeticiones rítmicas, casi hipnóticas, que iban descubriendo su complejidad, en "La Gran Belleza" chocan temas divinamente gregorianos como I Lie de David Lang The Lamb de John Taverner o sinfonías de Adagio y Lento, con el aura contemporánea en que se suspenden los tonos y las melodías de la electrónica de Gui Boratto, la pachanga de Bob Sinclair y Raffaella Carrá, o los temas estrella de Kroonos Quartet y Decoder Ring (por no hablar de "mueve la colita"). El oído de Sorrentino escucha de todo y para todos, con mucho gusto y aún más criterio.

 

2. BASTARDOS - TINDERSTICKS

Es una de las directoras más grandes con vida en el planeta. El suyo es un cine tan físico y contundente como sensual y cautivador. Un cine rodado a flor de piel, con profunda sabiduría, amplio conocimiento pero también con tacto y sensibilidad. Un cine siempre acompañado por la cautivadora música de Tindersticks, cuyas melodías lluviosas y nocturnas casan a la perfección con el tono y las estructuras de sus films, más cercanos al jazz que a la narrativa convencional. "Nenette y Boni", "Vendredi Soir", "Trouble Every Day", "35 Rhums" o este año  "Bastardos", nos lo demuestran. Títulos de visionado obligatorio para todo buen amante del cine

Su último film, "Bastardos", se inspira en el cine negro de Kurosawa de los 60, se tiñe de polar francés, y nos sumerge en un malsano descenso a los infiernos depravadamente magnético. De narración fracturada, hermética, y envuelta en un siniestro poderío sensorial en el que Tindersticks vuelve a sonar, y de que manera, dejando en manos del espectador la truculenta construcción de una trama brutalmente siniestra y extremadamente áspera, que ocasionalmente se empapa de turbio hipnotismo lynchiano y que nunca pierde de vista el "Hardcore" de Paul Schrader.

Así es como la maravillosa directora francesa eleva al cubo la maliciosa perversidad de "Trouble Every Day" hasta cotas insospechadas, acercándose por momentos (más bien momentazos) a "Carretera Perdida" o incluso, erigiéndose en un reverso sutil y sensorial de un degenerado "A Serbian Film". Gran culpa de ello la tiene la versión más ocura posible deTindersticks por su capacidad para adaptarse al medio y sintonizar a la perfección con la mirada de la directora. En su labor de banda sonora el resultado es impoluto, un trabajo de guante blanco, fiel a la búsqueda de espacios interiores de la siniestra historia que plantea la cineasta francesa. No cabe duda. La dilatada colaboración entre Claire Denis y Tindersticks significa uno de los trabajos más complejos y consistente del cine contemporáneo. "Bastardos" es una nueva e inapelable prueba de ello, y su banda sonora, de escucha obligatoria.

 

3. UPSTREAM COLOR - SHANE CARRUTH

Rodó una película con lo que Lady Gaga gasta en maquillaje en un fin de semana, con ella ganó el Festival de Sundance y consiguió estrenarla en medio mundo (y en ese medio mundo incluimos España). Sin embargo, siete años tuvimos que esperar para que el director de "Primer", Shane Carruth, anunciara con escasa fanfarria y mucho misterio, lo que todo amante de la ciencia ficción llevaba un tiempo esperando: tenía un nuevo proyecto.Y este no es otro que "Upstream Color", una sublime historia de amor entre un hombre y una mujer que se atraen enredados en el ciclo de vida de un organismo sin edad, en el que la identidad se convierte en una ilusión en su lisérgica lucha por reunir los fragmentos sueltos de vidas destrozadas.

Un brillante propuesta que se palpa y te empapa, que se siente y te conmueve, que te sumerge y te sorprende. Extremadamente enigmática, extraordinariamente críptica, estamos ante una de esas insobornables muestras del más absoluto genio cuyo único destino no es otro que dejarte con cara de póquer. No importa, la disfruta tanto alguien que no la entiende como aquel que cree entenderla, porque al fin y al cabo, todos la sienten. Sentido, sensibilidad, senosorialidad y lo dicho, un genio sublime capaz de hacerse cargo de una banda sonora exquisitamente atmosférica cuyos sensaciones nos llegan a flor de piel, precisamente, igual que lo hacen las imágenes que acompaña. No hay duda, la espera ha merecido sobradamente la pena.

 

4. A PROPÓSITO DE LLEWYN DAVIS - T-BONE BURNETT

Lo que se presentaba como un film atípicamente coeniano se acaba por revelar como una hilarante amborsía intrínsicamente coeniana. Llewyn Davis es el genuino Sugar Man de la nueva genialidad de los Coen. Los hermanos más vanaglorados del cine actual recuperan gran parte de las principales e hilarantes virtudes de "Barton Fink", así como el carácter extremadamente cínico de "Un Tipo Serio" o la escacharrante ironía de "Quemar después de leer", para trasladarnos las tronchantes visicitudes de un loser que trata de abrirse camino en la escena folk del Greenwich Village pre-Bob Dylan, dando un tumbo tras otro, como si de una pelota de pinball se tratara.

Así suena esta exquisita delicia coeniana, cuyo inconfundible humor negro y corrosiva sorna, resultan los inmejorables compañeros de viaje para sus genuinos personajes, maravillosas canciones y su cuidada y elaboradísima fotografía. Lángidamente tierna, maravillosamente personal y tremendamente divertida, "Inside Llewyn Davis" es la nueva cima de una imprescindible filmografía que ya es antología. Una cima que, precisamente, suena de esta guisa.

Tras colaborar en "O Brother" y "Ladykillers", los Coen vuelven a unir fuerzas con T-Bone Burnett para producir una variada selección de 14 temas folk que componen su cautivadora banda sonora, 4 de los cuales, son canciones exclusivamente creadas para la película. Entre los artistas suenan, como no, Dave van Rock, además de un tema inédito de Bob Dylan. Para que os hagáis una idea, así suena el cautivador folk de los Coen, empezando por un tema que probablemente acabe nominado al Oscar. Please Mr. Kennedy...

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5. EL CONGRESO - MAX RICHTER

Fue una de las grandes sorpresas que nos deparó el Sonar 2013, el contar para su concierto de clausura con Max Richter, compositor y pianista británico de origen alemán acostumbrado a los retos. El último de ellos ha sido recomponer de nuevo la popular obra de Antonio Vivaldi “Las Cuatro Estaciones”, en complicidad con el sello alemán Deutsche Grammophon: una revisión muy personal que permite al que lo escucha reconocer la popular pieza original y a la vez disfrutarla de una manera totalmente nueva y sorprendente, transportándonos a un territorio sonoro desconocido. Justamente igual que lo hizo, con registro muy diferente, en la arrebatadora banda sonora de "Vals con Bashir", como lo ha vuelto hacer con la melancólica e igualmente hipnótica melodía que constantemente envuelve "El Congreso".

Ganó el Globo de Oro pero no el Oscar, mucha gente habló de ella pero mucha menos la acabó viendo, "Vals con Bashir" era un documental de animación llamado a hacer historia que, al menos en nuestro país, pasó más desapercibido de lo que sin duda merecía. Su actor, director, productor y guionista, Ari Folman, ha decido repetir la experiencia con un renovado y arrojado patrón formal en busca de resultados superiores. Eso sí, en esta ocasión la memoria histórica ha dado paso a una abrumadora y melancólica distopía socio-meta-cinéfila. No lo duden, la extravagante, agotadora, delirante, errática, pero igualmente fascinante "El Congreso" apunta a una futura mastodóntica obra de culto.

Además de Robin Wright Penn haciendo de Robin Wright Penn, Harvey Keitel, Paul Giamatti y Danny Huston aparecen en escena. Pero ninguno de ellos brilla tanto como lo hace la maravillosa banda sonora de Max Richter, que además, tiene el arrojo de obsequiarnos con la mejor versión posible de Forever Young y encima, interpretada por la propia Penn.

 

6. LORE - MAX RICHTER

Y precisamente Max Richter vuelve a sonar y encandilar en "Lore". Una de las propuestas más estéticas y atmosféricas del año que tiene la capacidad de aunar la suspensión existencial que marca la obra de Terrence Malick con la perversa belleza que emana el cine de Lars von Trier, para contarnos la historia de un grupo de niños, hijos de oficiales de la SS, que se proponen atravesar el devastado país para reunirse con su abuela a 900 km al norte. Max Richter se convierte en el inmejorable compañero de viaje con una caleidoscópica banda sonora que resulta tan excitante como melancólica e inquietante. Sois todo oídos.

 

7. SPRING BREAKERS - SKRILLEX & CLIFF MARTÍNEZ

Lo advertimos a nuestro paso por Venecia. El particular "Scarface" de Harmony Korine llega envuelto en voluptuosos cuerpos inmersos en un desenfrenado baño de drogas, alcohol y una desbocada estética de videoclip teñida en luces de neón que tiene el descaro de poner a James Franco al piano interpretando el Everyday de Britney Spears. ¿Más? por ejemplo, su rompedora banda sonora a cargo de Skrillex y Cliff Martinez (sí, el mismo responsable de poner música a "Drive")

Así es, olvídense del trash que tanto y tan bien a marcado la obra de Korine para dar la bienvenida a un cuidadísimo y vigoroso dispositivo formal cuyo hipnótico montaje se sustenta en una rompedora banda sonora en el que el inconfundible toque de Cliff Martínez y el neón que envuelve toda la película puede, incluso, empaparnos en algún momento con la atmósfera de "Drive", hasta que el agresivo y fracturado dubstep de Skrillex recupera todo el protagonismo, dotándole así de una vida propia que acerca "Spring Breakers" de forma estimulante al voraz mundo del videoclip. Ahora sí, que empiece la fiesta.

 

8. SOLO DIOS PERDONA - CLIFF MARTÍNEZ

Y precisamente hablando de Drive y de Cliff Martínez...."Igual que en Drive rápidamente me vino a la cabeza el sonido electro-popero de Kraftwerk y me llevó a filmarla como si de un tema suyo se tratara, para "Only God Forgives" empecé por escuchar gran variedad de Thai country y western".  El propio Nicolas Winding Refn es quien nos la presenta como "una continuación del lenguaje visual y las emociones fuertes experimentadas en Drive con un toque de Valhalla Rising".

Una sugerente declaración de intenciones confirmada por su controvertido estreno en el pasado Festival de Cannes. En nuestro caso, lo nuevo de Winding-Refn vuelve a seducirnos a través de su feroz y visceral ultraviolencia, pero también por esa rotunda e insobornable fusión de luces y sonidos que cimentan la penetrante atmósfera que envuelve su prodigiosa e inconfundible impronta esteta.

Pues bien, para tan exótico (o más bien tenebroso) descenso a los infiernos, Nicolas Winding Refn vuelve a confiar en el oído de un Cliff Martínez, que cuenta esta vez con la colaboración especial del electronic-house de Gregory Tripi, del polifacético y prolífico Mac Quayle, e incluso, algún inciso de los propios actores Vithaya Pansringarm y Ratha Phongam. Gracias a Pitchfork hoy llega a nuestros oídos su banda sonora, y de forma íntegra.

 

9. 12 AÑOS DE ESCLAVITUD - HANS ZIMMER

Que el "Django Encadenado" del director de "Shame" volara directamente a Toronto sin pasar por Venecia fue toda una declaración de intenciones. Está claro que jugaba otra liga, la del Óscar. Ovaciones ininterrumpidas, premio del público y consenso crítico para encumbrarle como gran favorita en la carrera final por la preciada estautilla. Lo confirman sus 7 nominaciones a los Globos de Oro, hoy recién anunciadas, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión. Mejor Actor, Mejor Actor Secundario, Mejor Actriz Secundaria y como no, Mejor Banda Sonora. la suya es una tracklist sugestivamente ecléctica y contundentemente genuina, que incluye temas que van desde Alicia Keys a Gary Clark Jr. pasando por Alabama Shakes, Cody Chesnutt o incluso un solo del cantante de Soundgarden, Chris Cornell, la espectacular banda sonora de "12 años de esclavitud" ha sido minuciosamente seleccionada por un emblema del Rythim & Blues como John Legend y compuesta por un totem del cine como Hans Zimmer. Toda vuestra.

 

10. LES RECONTRES D'APRES MINUIT - M83

Autodefinido como un nuevo Pedro Almodóvar, Yann González competía en la Semana de la Crítica del último Festival de Cannes con su cautivadora ópera prima, "Les Recontres d'apres Minuit", un arrebatador debut que causaba sensación y auténtico fervor entre aquellos que pudieron descubrir en primicia sus múltiples y descaradas virtudes. Podríamos estar ante "Las mil y una noches" firmadas por un nuevo Xavier Dolan pero también ante un melancólico Pedro Almodóvar.

Llega anuestros ojos (y oídos) el prometedor y carismático debut de una personalísima y arrojada mirada que se articula a camino entre el estilo moderno demodé de Xavier Dolan y la estética kitsch de Almodóvar. Sexualmente provocadora e irreverentemente erótica, "Les Recontres d'apres Minuit" se abstrae suspendida en una sobrecogedora tristeza pero también envuelta en una sensual melancolía. Estamos ante un debut peculiarmente poético, estéticamente único y eminentemente teatral, que bien podría tener al director de "Los amores imaginarios" firmando sus mil y una noches tras la cámara. Fantasía única y conmovedora para un film descaradamente original y cautivdoramente existencial. La alucinante banda sonora a cargo de M83, definida por ellos mismos como una partitura dedicada a "fantasmas y amantes" fue otro de los grandes fenómenos que acontecieron en el último Festival de Sitges. Si no lo conoces y te gustan Air o Mogwai, ves rápidamente a Spotify a escuchar sus discos, especialmente su "Saturdays=Youth" (o si lo prefieres, la banda sonora compuesta para "Oblivion"). Su música, a ratos dream pop, a ratos post rock, bebe de esas otras dos bandas que también han trabajado componiendo música para películas, los primeros con "Las vírgenes suicidas", los otros con "Zidane. A 21st Century Portrait". Emoción a flor de piel.

 

11. GRAVITY - STEVEN PRICE

Alfonso Cuarón arriesga con éxito y logra una película con aura de blockbuster, formalmente descomunal y cautivadora, pero con firma indiscutiblemente autorial. "Gravity" es cine comercial intrínsicamente inventivo que pese a su inevitables efectismos y momentos de autocomplaciencia (ingredientes que se antojan básicos para lograr el taquillazo, no olvidemos que ese era su objetivo, al menos el de Warner) logra estamparse en nuestra retina como una experiencia absolutamente epatante, técnicamente impecable, para un intenso survival estratosféricamente único. Cuarón y los Argonautas huelen Oscar. El éxito que le auguramos huele tanto a Ang Lee como a Ben Affleck. Entre sus muchas virtudes, la odisea espacial del director de "Hijos de los Hombres" destaca por la atronadora banda sonora de Steven PriceSound Cloud nos brinda la posibilidad de disfrutarla de forma íntegra. Sois todo oídos. A flotar.

 

12. 10.000 NOCHES EN NINGUNA PARTE - NAJWA NIMRI E IVÁN VALDÉS

Presentada en Sección Oficial del reciente Festival de Sevilla, el regreso al cine de Ramón Salazar con "10.000 Noches en Ninguna Parte" cuenta con una banda sonora compuesta por Najwa Nimri junto a Iván Valdés, que también forma parte del reparto de la misma junto a Andrés Gertrúdix o Lola Dueñas. Estamos ante la historia de un joven de desconcertante ingenuidad que vive tres vidas paralelas en 3 ciudades diferentes: Madrid, París y Berlín. Onirismo y poesía, drama y romance, convergen en una mirada rebosante de arrojo narrativo y arrolladora impronta esteta para una película que escapa de la realidad y abraza lo intangible con embriagadoras fugas existenciales que directamente lo emparentan con el sello Malick, particularmente el de "To the Wonder". Su culminación final con el apasionante tema estrella de The Cinematic Orchestra, To Build a Home, acaba por reventar aforo. La suya es una osadía ante la que queda prohibida la indiferencia. Hasta el infinito y más allá.

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