“No creo que tenga nada que decir”, empieza James Gray en la Masterclass que dió en la última edición del Festival de Cine de Marrakech, aunque es sólo el inicio para una entretenida y entusiasta disquisición de 110 minutos, en la que trató todo lo referente hacia sus películas, pero también hacia “Toro Salvaje” (y solo por poner un ejemplo).

Los consejos del director de la violenta “La otra cara del crimen”, del drama romántico “Two lovers” o la monumental "El sueño de Ellis", disertan, entre otros temas, sobre el grado de implicación personal que un director pone, o debería poner en la realización de su obra, a la par que reflexionan sobre cómo tomarse las reacciones adversas del público a tu propia película. Desde Indiewire nos brindan los extractos más suculentos del discurso resumidos en 7 lecciones de cine por James Gray.



1. Hazlo personal, y sé sincero

Ponte a tí mismo en la película. No te escondas. Toma lo que es interesante, lo que es incómodo y molesto para ti, y revelalo a en tus películas. Porque sólo hay uno como tú. Lo más personal que te puedas poner, lo más específico, lo más universal. Y lo más bellas que tus películas puedan ser. La idea de decir al mundo que mis emociones importan implica que las emociones de todo el mundo importan.

Las películas que crecí apreciando, y el arte que me gusta no son generalmente el tipo de obras posmodernas irónicas. Lo que dura en una obra es aquél tema con el que los artistas estan totalmente en comunión.En esto no hay distancia ni ironía.

No creo que esto se aplique a Quentin Tarantino, porque creo que él tiene un verdadero afecto por los géneros que está explorando. Pero sin duda para muchos de sus imitadores y para otros cineastas, siento que es un acto de arrogancia y narcisismo el pensar que estamos en una era totalmente nueva. No hay casi ninguna experiencia en la vida donde se pueda ver algo que nunca se haya hecho antes.

Siento que lo contrario debería ser explorado. ¿Qué nos hace como a todos los demás? ¿Cuál es el vínculo común? Creo que es la lucha por expresar emociones, por reconciliarnos con nuestro lado más violento. Estas son las cosas que son más universales. Las relaciones con nuestros padres y nuestros hermanos y nuestros hijos e hijas son elementales. Y vi esto como el tema que me permitiría hacer una película que iba a durar 20, 30, 50 años. Eso es desagradable en cierto modo. No estoy diciendo que las películas que he hecho lo hagan, sino que esto es lo que he tratado de hacer. Que se podría ver una película y no tendría fecha. Que se podría ver dentro de 30 años y, Dios no lo quiera, se podría mejorar.





2. No te preocupes por lo que la gente piense de la película, y trata de disfrutar del proceso

He aprendido que no se puede predecir qué le va a pasar a una película. No se puede saber si a la gente le va a encantar, si la van a odiar. Es un acto de ego si estás esperando que todo el mundo adore la película y te diga lo grande que eres. La única cosa que puedes hacer es encontrar el placer en el hacer, en el rodaje de la película. No creo que mis padres me dijeran lo suficiente que el mundo en realidad no se preocupa de mí. Creo que es importante decir a los niños que el mundo en realidad no se preocupa por ellos. Tienes que luchar para ser escuchado.

3. No persigas el dinero – sé tú mismo y deja que tu público te encuentre

El tiempo de los sueldos suculentos para directores, excepto para Christopher Nolan, ya casi ha acabado. Los modelos financieros en el negocio han llegado a ser muy diferente. La única manera de hacer dinero como director actualmente es hacer una película cuyo único propósito es hacer un montón de dinero. Me encantaría que mis películas me dieran un montón de dinero, y puedo decir que "La otra cara del crimen" es la única que ha perdido dinero.

La pregunta entonces es cuánto. El problema con la industria del cine en los EE.UU. ahora es que si puedo hacer una película por 8 millones de dólares que puede sacar 10 millones en ganancias, dicen "adiós". Porque lo que quieren es gastar 200 millones para ganar un billón. Ahora, yo no puedo competir en un mundo en el que tengo que hacer 800 millones. Así que la única cosa en que me puedo concentrar es en hacer películas lo más personales que puedo y espero que conecten con el público.



4. Quiere a tus actores

Soy muy malo dirigiendo actores. Recuerdo una vez que estaba trabajando con Ellen Burstyn, que es una gran actriz, la reina del método, y me dijo "no tienes ni idea de cómo hablar con actores. Habla con Paul Mazursky, él sabe cómo hacerlo". Dos años más tarde, estoy en un restaurante y veo a Paul Mazursky, así que me acerco a él y le digo que Ellen Burstyn dice que él sabe cómo hablar con actores. Y él dice: "No, sólo le dejé hacer lo que tenía que hacer y dije ‘corten, perfecto’”. Y pensé que la manera de hablar con los actores es decirles lo buenos que son. Si quieres a tus actores, ellos te quieren. Y si les dejas estar solos en escena, muchas veces eso es suficiente.

Ahora, si el actor da problemas, entonces tienes que utilizar algún tipo de sentido común para abordar la situación. Pero yo he tenido la suerte de trabajar con grandes actores, y casi nunca he encontrado una situación en la que el actor está en apuros, donde el actor no puede encontrar su personaje. En caso de que eso ocurra, trato de acercarme al actor de la misma manera que me acerco a la escritura, lo que significa que tienes que sentirlo, tienes que vivir la experiencia que estás escribiendo, o se notará la superficialidad. Lo que siempre trato de hacer es encontrar para ellos una especie de situación que puedan comprender y aplicar a la situación en la película. Encontrar algo que el actor pueda relacionar directamente con una especie de equivalente.

5. La iluminación es emoción

La iluminación afecta a cómo nos sentimos en un grado enorme. En "Toro Salvaje", cuando Jake LaMotta está en la cárcel y empieza a perforar la pared, es un momento increíble. En oscuridad casi por completo. Si se iluminara la escena con mucha más luz, es muy posible que las reacciones emocionales fueran muy diferentes. Todo el gran cine para mí siempre ha trabajado desde la forma y el contenido casados por completo. Las historias que importan son aquellas en las que el subtexto da el significado. Y el subtexto debe dictar cómo se aborda la estrategia visual en cada escena. Cómo el actor está iluminado determina desde la reacción emocional del público al desempeño del intérprete.



6. No te preocupes por los premios (aunque te preocuparás por los premios)

Me siento mal cuando no gano un premio. Pero me sienta peor que me importe que no haya ganado el premio. Es muy estúpido. Es una mala tendencia de la gente. La idea de crear "el mejor" es enfermiza. No soporto los Oscar. Mi mujer lo mira y me pregunta por qué no me gusta, y yo le digo: "¿Cómo es que no te gusta mirar en las ventanas de una fiesta increíble a la cual no estás invitado?". La idea es bastante nauseabunda, pero si quieres dar premios, está bien.

Tienen cinco nominados. Porque no es suficiente que uno deba ganar - es más importante que uno pueda ganar y los otros fracasar. Les encantan los perdedores. ¿Por qué creamos esto para nosotros mismos? Es totalmente enfermizo porque empiezo a preocuparme por ello. Voy a Cannes y la gente dice [en acento francés] "Por lo tanto, ¿será este año el año que ganes la Palma de Oro?" ¿Y cómo se supone que debo responder a eso? "Sí, este es el año que voy a ganar la Palma de Oro". Entonces adivinad qué, no gané nada.

7. El futuro luce tanto oscuro como brillante para los cineastas estadounidenses, dependiendo de los tipos de películas que quieras hacer

Personalmente, veo las cosas muy negras. Creo que la economía es desastrosa. Con toda esta idea de tener que hacer un billón de dólares para alcanzar el precio de stock correcto, es casi imposible contar una historia personal con este tipo de participaciones financieras. Es como una camisa de fuerza. Así que tengo una sensación sombría de largo plazo sobre lo que me gusta. Películas personales, películas oscuras. Pero eso no significa que el medio esté muerto. Significa que el medio está pasando por una transición en la que se transforma en algo totalmente distinto. Y creo que va a ser una especie de combinación entre cine y parque de atracciones. Las películas se dirigen hacia algo más sensitivo. Menos sobre lo verbal y más sobre lo visual. El público en estos días tiene una alfabetización visual increíble. Está tan por delante de mí visualmente que es ridículo. Pero mi opinión es que narrativamente tal vez están en un lugar más primitivo de lo estaban hace treinta años. Cómo ven y procesan historias. Buenos tipos y malas compras - los necesitamos más que nunca. Para los espectadores del mañana que adopten ese tipo de cine sensorial, el futuro es muy brillante. Para las personas que disfruten de otro tipo de cine, un cine más intimista, creo que el cine estadounidense se encuentra en una situación muy difícil.