D'A Film Festival: Nuestras 15 favoritas
El mejor cine de autor vuelve a Barcelona. Tras inaugurar ayer con la excepcional "Lady Macbeth" que hoy llega a nuestras salas, y como ya manda la tradición, el D'A Film Festival impregna la primavera barcelonesa del cine más personal, estimulante y arriesgado. Una cita ineludible para todo cinéfilo a la que desde Filmin brindamos nuestra sentida antesala: disfruta del Canal que dedicamos los principales protagonistas y fenómenos históricos del festival, y disfruta también de nuestras 15 niñas bonitas que este año nos presenta el festival de cine referente de la ciudad condal. A por ellas.
DESDE HOLLYWOOD CON FIRMA
20TH CENTURY WOMEN
Uno de nuestros directores indies predilectos, Mike Mills, nos cuenta una historia de desbordante sensibilidad femenina sobre tres mujeres que exploran el amor y la libertad en la California de los años 70. Una historia sobre feminismo contada desde una perspectiva masculina donde el director no esconde lo mucho que le falta saber sobre las mujeres, pero que en vez de batallar contra ello, decide sentarse y reflexionar sobre lo mucho que ellas tienen que contar. Y lo hace mientras aún saboreamos el buen sabor de boca que nos dejó con su anterior y maravillosa "Beginners". Ellas son Annette Bening, Elle Fanning y Greta Gerwig. Musas.
FREE FIRE
San Sebastián tuvo el honor, previo paso por Toronto, de estrenar una de nuestras películas más esperadas del pasado año. El director de "Turistas" adaptaba El Rascacielos de J.G Ballard de la mano de Tom Hiddleston, Sienna Miller, Jeremy Irons, James Purefoy y Elisabeth Moss en "High-Rise", una de las propuestas más demenciales e igualmente absorbentes de cuantas pudimos disfrutar en el circuito festivalero del pasado año. Una de nuestras 'niñas bonitas' a la que este 2017 Ben Wheatley da continuidad con su primera incursión en Hollywood. "Free Fire" se presenta como un noir poblado de gangsters y traficantes, una heist movie de lo más demencial rodada a tiempo real y enmarcada en el Boston de los años de la mano de Brie Larson, Armie Hammer, Cillian Murphy y Jack Reynor. Todos a cubierto.
A CORAZÓN ABIERTO
PORTO
Imagínense los ecos de "Olvídate de mí", "Antes del amanecer", "Blue Valentine", "La desaparición de Eleanor Rigby" o "Stockholm" pasados por el filtro de Jim Jarmusch y Philippe Garrel. Pues eso. "Porto" es una película romántica de un irresistible poderío evocador. Una obra eminentemente intima, melancólica y apasionada, destinada a capturar ese efímero momento en que se despierta el sentimiento del amor. Es decir, el enamoramiento en su forma más visceral y desatada. Difícil misión la suya, que sin embargo, Gabe Klinger logra retener y plasmar a partir de un texto embriagador, una construcción narrativa fracturada que combina los puntos de vista de la pareja protagonista y un exquisito tratamiento formal en el que tienen cabida múltiples formatos y texturas. Un cúmulo de virtudes que elevan "Porto" a una obra profundamente sensible y creativa, que levita sobre reflexiones tan hermosamente poéticas como expansivas. El acto de amar como algo que pasa, no que se hace, el sentimiento de pérdida como aquello que no se puede perder y en definitiva, la experiencia del enamoramiento como un momento de vida que abraza una dimensión que supera nuestra existencia en la realidad y que difícilmente podamos volver a alcanzar.
JULIA IST
Un Erasmus en Berlín, un novio que se queda en Barcelona y toda una experiencia de vida por descubrir. Ágata se desvincula de sus amigas para pasarse al otro lado de la cámara y asombrar a propios y extraños con una ópera prima sorprendentemente madura, rodada con un naturalismo digno de un cineasta curtido, envuelta de un agridulce existencialismo que desprende realismo por todos su poros. El cine catalán ya tiene su propia Mia Hansen-Love con nombre de Elena Martín y nosotros, un nuevo fenómeno a la vista. Sus dos galardones logrados en Málaga lo atestiguan.
ESTIU 1993
Lo que entonces advertimos, hoy lo confirmamos: Los Goya 2018 ya empezaron. "Estiu 1993", la excepcional ópera prima de Carla Simón, que está basada en los recuerdos de su propia infancia, se ha convertido por derecho propio en uno de los grandes fenómenos de la temporada. Su memorable protagonista es una niña que debe aprender a encajar en nuevo mundo tras la muerte de su madre, lo que nos lleva a una película con un trasfondo profundamente traumático que sin embargo, se expresa de forma sugestivamente luminosa. La suya es una historia mínima presentada desde una descomunal ambición narrativa, que principalmente destaca por un guión cuya construcción se siente tremendamente sutil y compleja, que dosifica de forma tan estimulante como precisa la información que brinda al espectador, desembocando así en una experiencia de visionado rebosante de estimulantes aristas e inesperadamente interactiva.
LAS DERIVAS MÁS RADICALES DEL CINE NARRATIVO
MALGRÉ LA NUIT
La esperada nueva película de Philippe Grandrieux es, para todo aquel que opine que el cine no es únicamente construir planos y contar historias, una película imperdible. Definido como "un filme lyncheano acerca de la pérdida y los celos", la visceral y primitiva "Malgré la nuit" es ante todo una historia de amor y obsesión anclada en la pornografía extrema tanto como en la música embaucadora y por supuesto, en un París onírico o más bien, pesadillesco. El cine como experiencia, nunca mejor dicho.
EUROPA
La "Europa" que Miguel Ángel Pérez nos muestra es una Europa con claros ecos de uno de nuestros directores predilectos (Philippe Grandrieux) así como directamente también nos lleva a una película a la que profesamos amor eterno ("L'Age Atomique"). Su absorbente ópera prima es, a la forma de las películas del transgresor director francés, un claro referente para entender las derivas más radicales del cine narrativo de nuestros días. Y en este sentido, "Europa" es también una obra de intensidad difícilmente comparable. Un debut verdaderamente resonante capaz de dibujar la distópica Europa de hoy desde una genuina cualidad abstracta. Pero a la forma de el debut de Héléna Klotz, esta "Europa" también podemos señalarla como un inmejorable vehículo para hacer palpables las frustraciones y la melancolía que tanto caracterizan la juventud europea de hoy día. En ambas se impregna de una atmosférica violencia (mucho más latente que dinamitada) así como de una extraña sensación de erotismo (mucho más sugerido que explícito), además de conversaciones y monólogos llenos de turbadora poesía que directamente, atrapan. Rodada en seis idiomas (francés, ruso, inglés, griego, ucraniano y español), articulada a través de dos siglos -2018 y 1999- mediante secuencias repetidas y variaciones (en una suerte de estructura que convoca a los loops de música techno para celebrar la entrada al nuevo milenio), partiendo de un corte eminentemente experimental y trabajando el concepto de fuera de campo en su sentido más amplio, esta "Europa" es una experiencia audiovisual en toda regla.
KEKSZÁKÁLLÚ
La vulnerabilidad y crisis existencial que atañe a los jóvenes de 18 años cuando deben decir un futuro el cual ni tan siquiera son capaces ni imaginar es el punto de partido de "Kékszákallú", un particularísimo WTF rebosante de situaciones desconcertantes que serpentea sin prisa pero sin pausa por su singular y minimalista universo. El de una inclasificable comedia desbocadamente lúcida que dinamita la narración clásica como tal, en la cual ni tan siquiera tenemos claro quien es su protagonista o si de hecho, lo tendrá. Secuencias sin aparente correlación que sin embargo se encadenan para dotar finalmente de un significado clarividente a la obra: el de un inclasificable coming of age que se sale de la norma a todos los niveles.
O ORNITÓLOGO
Como si de un cruce entre Alain Guiraudie y Alejandro Jodorowsky se tratara, "O Ornitólogo" supone un viaje sin límites en la mente de un ornitólogo con anhelos de espiritualidad, misticismo y erotismo. Un viaje iniciático hacia la búsqueda de uno mismo iluminado por una surrealista mística pasoliniana que nos lleva de lo pagano a lo divino. La nueva película de Rodrigues bien podríamos calificarla como un objeto fílmico no identificado. Una obra inclasificablemente mágica que abraza de lleno la leyenda, el carácter fabulesco, y que probablemente suponga lo mejor que Rodrigues a rodado desde "O Phantasma". La guinda la pone la trangresora aparición ante cámara del propio director. Y ahí lo dejo. Pajaritos y a volar. El cine desde otra dimensión.
EL CINE QUE INCENDIA
NOCTURAMA
Tres son las claves por las que principalmente encumbramos "Nocturama" como la película más esperada de esta nueva edición del Festival de San Sebastián: a) la dirige uno de nuestros directores franceses predilectos Bertrand Bonello, b) adapta a uno de nuestros escritores-bocazas preferidos, Bret Easton Ellis y c) viene con la etiqueta de ser la película que Cannes no se atrevió a proyectar. Si a ello añadimos que lo que nos encontramos es una suerte de "Elephant" trasladado a la Europa de hoy, ya tenemos el menú completo. "Nocturama" nos confirma lo que ya esperábamos de ella: es y será nuestra gran favorita.
PLAYGROUND
El Michael Haneke de "Funny Games" y el Ruben Östlund de "Play" con ecos del Nuevo Cine Griego. Así podríamos definir de buenas a primeras la que denlo por hecho, erá la película que más ampollas levantará esta nueva edición del D'A. Y es que más allá de plantear una pregunta obvia -¿qué se esconde tras los crímenes cometidos por niños?- "Playground" cuestiona si somos realmente capaces de encontrar una respuesta. Y ahí lo deja. La de Bartosz M. Kowalski es una película sobre el horror de lo cotidiano, que debido a su realismo, a su insistencia en sacarnos de nuestra zona de confort, de enseñarnos y mostrarnos la brutalidad de la violencia entre niños y adolescentes por la que actualmente se rige la vida escolar en la Europa de hoy, está destinada a ser aborrecida por unos, tanto como reivindicada por otros, que es nuestro caso. A por ella.
RESTER VERTICAL
Una prueba más de que Alain Guiraudie sigue su propio e insurrecto camino. Una rareza inclasificable destinada, como no podía ser de otra forma, a desestabilizar al espectador provocando el extrañamiento más súbito e inopinado desde la tajante ruptura de cualquier tipo de posible imposición o 'etiqueta'. Y lo hace envolviéndose, una vez más, del más absoluto naturalismo que emana el paisaje del que "Rester Vertical" se envuelve (tal y como lo hace el resto de su obra) así como las bizarras acciones con las que constantemente sorprenden sus personajes. Maravilloso contraste. Hablamos de personas por decirlo de alguna manera, no al uso, que desde la inexpresividad luchan ante la indiferencia mientras tratan de buscar su lugar en el mundo (de ahí el título, "Permanecer Vertical"). También de situaciones completamente idas de madre que se construyen desde lo supuestamente absurdo, entre las cuales encontramos un coito para la posteridad así como uno de los grandes momentazos por los que seguro, recordaremos este D'A.
EL CINE QUE MÁS DURA
THE WOMAN WHO LEFT
Lav Díaz compone un retrato moral de incalculable valor cinematográfico y ante todo, estoicamente humano, que utiliza como punto de partida una particularísima relectura del cuento de Tolstoy, Dios ve la realidad, pero no la dice cuando quiere, para hilvanar una antológica carta de amor a las clases sociales más bajas, marginales y definitivamente desamparadas. Un León de Oro para la posteridad enmarcado en poderosos claroscuros que, suspendiéndose y profundizando en la dura cotidianidad de su día a día, dignifica y no miserabiliza a unos personajes condenados la pobreza y menesterosidad más grotesca. Una condena supuestamente irreversible de la que sin embargo, los gestos mínimos de una mujer colosal llamada Horacia les expía. Lo dicho, estoica. 4 horazas inmejorablemente invertidas.
CEUX QUI FONT LES RÉVOLUTIONS À MOITIÉ N’ONT FAIT QUE SE CREUSER UN TOMBEAU
Tres años después del fracaso de la “Primavera del arce”, cuatro jóvenes quebequenses deciden montar una célula con estrictas normas de conducta y pensamiento a medida que sus actos de vandalismo se inclinan por una forma de vandalismo que gradualmente los acerca al terrorismo. Pero su revolucionaria lucha está lejos de las aspiraciones de la sociedad actual, y amenaza con estallarles en la cara. Como si Xavier Dolan dirigiese "La Chinoise", la ya considerada por muchos como la mejor película canadiense de la década es una obra portentosa, polifórmica, revolucionaria en la forma tanto como en el fondo. Y con tres horazas de duración ¡Qué viva la revolución!
BITTER MONEY
China es ese país contradictorio y bicéfalo, que bascula siempre entre la modernidad y la tradición, que aunque es gobernada férreamente por el Partido Comunista, vive instalada cómodamente en un sistema de capitalismo desenfrenado. La apertura económica del país durante estos últimos años ha propiciado una devoción absoluta por el dinero. Y nadie ha registrado mejor esa obsesión que Wang Bing (contenido está vez para lo que es él, sin sobrepasar en este caso las dos horas y media de duración) en el que supone el más exhaustivo retrato de la China capitalista, el mejor visionado para entender el presente del gigante asiático. Todo, en su conjunto, nos ofrece una imagen tan desoladora como sórdida de un país que pronto, según aseguran los expertos, se convertirá en la primera potencia mundial.