Curtocircuito 2019: Descubre los mejores cortos internacionales

Autor: Manel Domínguez Fuente: Filmin

Curtocircuito 2019: Descubre los mejores cortos internacionales

Un año más, nuestro festival de cortometrajes favorito, Curtocircuito, nos trae una cuidada selección de cortos en el que se incluyen algunas de las películas que más darán que hablar la próxima temporada (y algunas que ya van resonando desde hace meses que llegan por fin, a nuestro país). Desde las andanzas de Pessoa con el mundo de la publicidad narradas por un Eugène Green en estado de gracia, hasta un tour virtual por la ciudad de NY, pasando por una Palma de Oro y el hermoso plato combinado cocinado por Ion de Sosa y Chema García Ibarra. Todas ellas componen una línea artística clara que reflexiona sobre la creación fílmica en clave política. Os dejamos unos breves comentarios de los títulos más destacados disponiblesen el Canal Curtocircuito de Filmin desde hoy 7 de Octubre hasta el 7 de Noviembre.

-OPERACIÓN JANE WALK, de Leonard Müllner, Robin Klengen (2018)

Ganador del Premio al Mejor Cortometraje, Curtocircuito 2019.

-¿De qué va?

"Operación Jane Walk" está basado en el distópico shooter (videojuego de disparos) multijugador "Tom Clancy's: The Division". La zona de guerra del juego ha sido rediseñada con ayuda de una operación artística: siguiendo las reglas del software del juego, el entorno militar es reutilizado para realizar un tour pacífico por la ciudad. Los paseantes urbanos evitan los combates siempre que es posible y se convierten en turistas pacíficos de un mundo digital, que es una réplica al detalle del centro de Manhattan. Mientras se va paseando por la ciudad postapocalíptica, problemas como la historia de la arquitectura, urbanismo y las intervenciones del desarrollador del juego respecto al tejido urbano son abordados.

-¿Qué ofrece?

Si planteamos una conversación sobre puestas en escenas radicales cuyo mensaje vaya a levantar ampollas, la curiosísima y cabreada Operation Jane Walk, sería todo un “must”. La película tiene lugar en el notorio videojuego online "Tom Clancy’s The Division". En él es representada con un detallismo enfermizo una Nueva York en descomposición, sumida en una depresiva distopía en la que hace ya tiempo que los seres humanos han dejado de convivir en paz. Leonard Müllner y Robin Klengen nos invitan a acompañarlos a violar la gran mecánica por excelencia de este tipo de videojuegos (matar, por supuesto), para realizar un tour pacífico que nos sumerge hasta las entrañas de la capital del mundo moderno. Dicha alteración responde a un gesto eminentemente artístico que trata de instruirnos en distintos modelos arquitectónicos y en como estos han favorecido algunos males de los que aun adolece la ciudad que nunca duerme, como, por ejemplo, los graves procesos de gentrificación que sufrieron muchas familias de raza negra en favor de caprichosos planes urbanistas en los que por supuesto, no figuraban. Dicho “tour” es clausurado por una demoledora cavilación hacia un futuro que bien podría ser el que plantea la apocalíptica aventura gráfica. Ni Mülner ni Klengel tienen miramientos al citar a uno de los culpables que está perpetrando que dicho futuro no ande lejos, Donald Trump.

-LEYENDA DORADA, Chema García Ibarra, Ion de Sosa (2019)

-¿Dé qué va?

Un día de verano en la piscina municipal del pueblo: calor, adolescentes, familias, parejas, chapuzones, cañas y bocadillos en el bar. Una médium adolescente trata de localizar a alguien balanceando un péndulo sobre el mapa de España. En mitad de lo ordinario se cuela lo extraordinario: un chico está a punto de ahogarse y alguien le salva la vida llegando hasta él caminando sobre las aguas de la piscina. El milagro es aceptado con naturalidad por el resto de bañistas y la tarde veraniega continúa como si nada

-¿Qué ofrece?

Chema García Ibarra e Ion de Sosa llevan tiempo afincados en un terreno no definido que bien podría entrar de lleno en los vastos terrenos del post-humor o bien podrían formar parte de un tratamiento de género de corte socarrón, autoconsciente y low-cost. En una piscina cualquiera de una comunidad autónoma del sur tiene lugar este fresco que nos muestra una España atemporal que se encuentra en una táctil crisis de identidad. Ibarra y Sosa se sirven de todo un desfile folklórico para hacer de las suyas y subvertir dichos elementos en favor de realizar una sinfonía de lo cotidiano: Un plato combinado, unos niños jugando a la ouija para contactar con Antonio Anglés, unas palmas, un cante, una caña y un pequeño milagro que salva una vida, que no obstante pasa inusitado e imperceptible. Es ahí donde emerge el hallazgo de esta pequeña gran película, la firme e ingenua apuesta por una hermosa y orgánica convivencia de lo fantástico con lo cotidiano como camino para alcanzar una catarsis colectiva cada vez más necesaria.

-CÓMO FERNANDO PESSOA SALVÓ A PORTUGAL, Eugène Green (2019)

-¿De qué va?

Durante los años 20, a petición de uno de sus empleados, el poeta Fernando Pessoa concibe un slogan publicitario para la bebida Coca-Louca, que aterroriza al gobierno autoritario de la época.

-¿Qué ofrece?

Tras rozar la gloria con Les Fils de Joseph, es siempre de agradecer el retorno de un gran cineasta como Eugène Green. Es todavía más gratificante (si cabe) el hecho de que lo haga de la mano de Fernando Pessoa, una figura que despierta fetichismo e interés a raudales. En esta breve entrada de su cada vez más extensa filmografía, el maestro echa mano de una curiosísima, aunque verídica anécdota para realizar una de las comedias del año. En los años veinte, Fernando Pessoa se convierte en el encargado de redactar el slogan publicitario de Coca-Cola, bebida que va a ser inminentemente importada a Portugal por vez primera. Sin embargo, a pesar del gran éxito, ese slogan llama la atención de la censura, que no duda en retirar la bebida de inmediato. Una paradoja filmada en donde se medita sobre el poder de la palabra en su vertiente más política y de largo alcance. La habilidad que posee Green de poner en escena es de un portentoso dominio a la par que desternillante, donde el ejercicio cómico y la idiosincrasia formal pasan por interpelarnos a nosotros, espectadores, empleando a sus personajes como interlocutores (e incluso embajadores) frontales del relato.

-ALL THESE CREATURES, Charles Williams (2018)

-¿De qué va?

Un adolescente intenta desenmarañar sus recuerdos acerca de una infestación misteriosa, el desenlace de su padre y de las pequeñas criaturas que hay en todos nosotros.

-¿Qué ofrece?

Poseedora de la flamante Palma de Oro en el Festival de Cannes 2018, esta afable obra dirigida por Charles Williams nos pone en la piel de un adolescente que rememora la dramática pérdida de un ser querido. A esta mirada Malickiana al luto y la memoria se le atribuye un código estético ciertamente rimbombante que quizás juega en contra de la ansiada búsqueda de la intimidad de este film. De hecho, no se atisba intención alguna de aportar un excesivo rigor en el aparato emocional, o de simplemente hilar vínculos entre los personajes que hagan de este apabullante despliegue visual algo más equilibrado en su dimensión introspectiva. "Todas estas criaturas" ante todo brilla cuando prioriza y esclarece sus ideas de forma sincera. Enternece cuando nos muestra como la figura del adolescente entra en crisis a partir de la ausencia de la figura paterna. 

-RISE, Benjamin de Burca, Barbara Wagner (2019)

-¿De qué va?

En los espacios alternativos de Toronto, un grupo de poetas, raperos, cantantes y músicos negocian su estatus como habitantes de segunda generación, así como de colonos viviendo en un territorio indígena prestado. De naturaleza operística, este documental experimental se fija en el ritmo y la poesía como trabajos creativos que constituyen el diálogo de la mezcla de culturas: la llamada y la respuesta, el recitativo, el cifrad

-¿Qué ofrece?

Deslumbrante, autárquica e incontestable película experimental realizada por los cineastas Benjamin de Burca y Barbara Wagner. Los brasileños se encargan de escribir con la cámara, como si de una ópera se tratara, las distintas asonancias y consonancias que surgen de las bocas y mentes de variopintos personajes que habitan una estación de metro en Toronto. Rise es una enorme oda a la palabra hablada y al poder del verbo como herramienta política, idea clave para comprender tanto la génesis como el presente y futuro de la música hip hop. En última instancia supone una bellísima concatenación de poemas, rimas y canciones que orbitan alrededor del microuniverso que se genera entre esas cuatro paredes que constituyen una estación de metro. Es en esa cascada de palabras donde los personajes que vehiculan la no-narración se cuestionan la identidad territorial y de lo que significa vivir en una “tierra prestada”.

-THE BOOGEYWOMAN, Erica Scoggins (2018)

-¿De qué va?

Bajo las fiebres de su primer periodo, una adolescente tardía se ve atormentada por la leyenda local de su pequeño pueblo, solo para descubrir que "La mujer del saco" es de carne y hueso. La madre que nunca tuvo.

-¿Qué ofrece?

Y de la lengua, al cuerpo. Si Carrie (1976), de Brian De Palma, se movía ágilmente por los espeluznantes pasadizos del género para enfrentar al espectador a lo que significa la adolescencia femenina en pantalla grande. La debutante Erica Scoggins hace lo propio en su cortometraje, donde se sirve de la alteración de una figura popular bien conocida por todos (el boogeyman, hombre del saco) para hablarnos de feminismo y sangre a partes iguales. Es extremadamente gratificante asistir a una cierta tendencia al alza del cine de género afianzado con firmeza por mujeres como Julia Ducornau (Crudo) u Claire Denis (Trouble Every Day, High Life), cuyas cintas, al igual que la que ocupa este breve comentario, suponen sendos estudios sobre la exploración del cuerpo.

-LA JOVENCITA NO DESAPARECE, SE DESCOMPONE, Álvaro Pulpeiro (2019)

-¿De qué va?

En La Guajira, un paraje que parece no haber comenzado ni haber cesado de existir, suspendido en un tiempo que no pasa, elástico y eternamente crepuscular, una Jovencita se extravía. La Jovencita deambula sin voz, solo con música, viento y arena. ¿Qué procura y a dónde se dirige? ¿Quizás escapa de algo que no tiene remedio? La Jovencita no envejece, se descompone.

-¿Qué ofrece?

Magnífica entrada rescatada por Curtocircuito de Filmadrid. El segundo trabajo como director del cineasta gallego Álvaro Pulpeiro vuelve a indagar en los complejos códigos que coexisten en la relación espacio-sujeto tomando como punto de anclaje el viaje de una joven en una Guajira constantemente crepuscular. Armado con un desarmante poderío del lenguaje cinematográfico, Pulpeiro moldea los aspectos formales a su parecer en una obra de abierta radicalidad y salto al vacío. Quebrando a garrotazos cualquier muleta narrativa (e incluso estética) para el espectador, el gallego realiza una obra prosaica que brilla tanto en la composición de sus imágenes como en las ideas que estas encierran. Una obra puramente conceptual que huye de los marcados convencionalismos del montaje e incluso de la fotogenia (Pulpeiro parece encontrar nuevos espacios en la forma de filmar las caras de su protagonista), para abrazar una calculada y enloquecida mutación de rostros, cuerpos, formatos y encuadres.

-MARÉE, Manon Coubia (2019)

-¿De qué va?

De noche. En unas pistas de esquí desiertas, el paseo nocturno de las máquinas pisanieve está a punto de empezar. Antoine, de 25 años, se une a su equipo. En mitad del mundo, empieza el hipnótico ballet de las máquinas que dan forma incansablemente al paisaje. De pronto, la montaña ruge. Detenido en la noche, Antoine inicia un viaje por un lugar que engloba los mitos de una montaña tan temida como veneradas.

-¿Qué ofrece?

Directamente desde Locarno nos llega Marée, de Manon Coubia. Una compleja aproximación al concepto de soledad y de la significancia del humano en un terreno hostil. De marcado corte existencialista, Marée relata la historia de un hombre que es literalmente tragado por el extraño poder místico de una montaña cansada de ser objeto de modificaciones artificiales a manos de los trabajadores de una pista de esquí. Entre las muchas vertientes que adquiere Manon Coubia para construir su discurso, sobresale la poderosa idea formal de profundo carácter romántico en cómo lo esencialmente inmensurable de la naturaleza emerge no solo como ente que digiere al personaje principal, sino como entidad que absorbe a la propia película, al propio lenguaje que la hace avanzar. Cuando dicho momento sucede, la cinta queda sostenida en el tiempo. La naturaleza ha tomado la palabra.

-LA BALA DE SANDOVAL, Jean-Jacques Martinod (2019)

-¿De qué va?

Isidro deambula por el bosque tropical mientras él y su hermano recuerdan las veces que se encontró con la muerte cara a cara.

-¿Qué ofrece?

En la película más cargada de pálpito fílmico de esta lista, el cineasta ecuatoriano Jean-Jacques Martinod cuenta la historia de Isidro Vargas, un hombre que estuvo a punto de perder la vida en dos ocasiones. A partir de un premeditado divorcio entre imagen y sonido, Martinod va tejiendo un fino y frágil relato trufado de desvaríos en el que su pericia le obliga a casar dos ideas aparentemente contradictorias, o al menos muy dispares entre sí, destino y coincidencia. Tomando esta digresión narrativa y formal como punto de partida, Jean-Jacques Martinod se permite reflexionar sobre el aparato cinematográfico como herramienta de verdad. Audaz y abstracta a partes iguales, resulta arrebatador certificar como el azar puede tomar el control dentro de un relato.

-SOBRE EL ARTE DE LA ESCENOGRAFÍA, Jan Ijäs (2019)

-¿De qué va?

Esta película está basada en el tratado de dirección On the Art of Cinema del ex-líder de Corea del Norte, Kim Jong Il, centrándose en particular en el capítulo The Sets Should Reflect the Times, pasajes del cual son leídos en alto por el narrador.

-¿Qué ofrece?

A continuación, esta pequeña gema proveniente del Visions Du Reel que relata, palabra a palabra, el ensayo “Sobre el arte de la escenografía”, firmado por el líder pretérito de Corea del Norte, Kim-Jong Il. Dicho ensayo versa y reflexiona de forma exhaustiva sobre lo que “debe ser” la escenografía (o dirección de arte) en el cine. No es de extrañar la autoría de dicho ensayo viniendo de un ávido cinéfilo como era el propio Kim, antiguo poseedor de una de las filmotecas más monumentales del mundo. Ante tal reto, los cineastas asumen con vehemencia, responsabilidad y astucia la ardua tarea de imaginar y poner en escena el escrito de Kim, hecho que supone un caramelo para cualquier documentalista con ganas de jugar, como es el caso. Yuxtaponiendo imágenes filmadas por ellos mismos en Corea del Norte se nos revela, a fuego lento, como el propio Kim había adoptado las férreas estructuras que había ideado para definir el oficio, al gobierno de su propio país. Un personaje, a la par que narrador, obsesionado con la puesta en escena, que ideó y manufacturó una nación entera bajo esos preceptos. Una obra aterradora y estimulante a partes iguales.

-NEVER NEVER LANDMichael Fleming (2019)

-¿De qué va?

"Never Never Land" trata de la obsesión por la perfección física, por dominar y por querer controlarlo todo. No solo por ser el ser humano perfecto, sino también por crearlo. El azar es reemplazado por la elección.

-¿Qué ofrece? 

 ¿Qué sucede cuando el modelo de cuerpo contemporáneo entra en una crisis irrefrenable? El cineasta Michael Fleming se sirve aquí de la praxis del ensayo fílmico y el found footage para estudiar, a través del uso más puro de la textura fílmica la idea, muy asociada a los fundamentos más cimentados y asumidos del capitalismo salvaje, de la perfección de la anatomía humana. Fleming no teme yuxtaponer amables y aparentemente inofensivos cortes de imágenes publicitarias protagonizadas por cuerpos explosivos al lado de la desmaterialización de “imperfectos” cuerpos en quirófanos de cirugía estética. Esos cuerpos, expectantes por obtener una excelencia programada, excelencia que supone la cima de unos cánones de los que no pueden evitar ser víctimas. Fleming también se jacta de poner un acento final al hablar del que quizá sea el subgénero fílmico actual donde se exalta en mayor medida ese capitalizado y para nada subyacente culto al cuerpo, el cine de superhéroes. Una idea muy potente debido al carácter extremadamente mesiánico de las imágenes con las que trata, imágenes que modula para acabar armando un discurso entorno a la falsa perfección del cuerpo como mesías moribundo de la sociedad contemporánea.




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