Lo Mejor del Festival de Venecia 2019

Autor: Joan Sala Fuente: Filmin

Lo Mejor del Festival de Venecia 2019

Cerramos nuestra cobertura de la 76 edición de la Mostra destacando aquellos títulos que mas nos han sorprendido. El León de Oro otorgado a "Joker" de manos de Lucrecia Martel ha protagonizado una nueva edición en la que, a pesar de haberse estrenado títulos capitales de primeros nombres que más allá de mantenerse a la altura de las expectativas, las han incluso superado (de Todd Philips a Hirokazu Kore-eda pasando por Pietro MarcelloJames GrayRoman PolanskiPablo Larrain Roy Andersson) su Sección Oficial no ha brillado precisamente por descubrirnos nuevos nombres, mas bien, todo lo contrario. Los títulos aparentemente emergentes han desembocado en raudas decepciones. Si ha sido el caso, sin embargo, de una sección Orizzonti que nos ha descubierto algunos de los títulos mas relevantes y reivindicables de esta nueva edición del Festival de Venecia. Y algunos de ellos, con marcado acento español. Marchando. 

1. MARTIN EDEN de Pietro Marcello

Mejor Actor

"Martin Eden" es la obra de un orfebre, una propuesta visualmente recia y esplendorosa, marcadamente nietzscheana y viscontiana en la que, tanto desde su fondo como de su forma, se empapa del aura de "Lazzaro Feliz".Asumido el quimérico reto de adaptar una de las grandes obras de la literatura clásica como lo es la novela homónima de todo un Jack London, Pietro Marcello formula una libre inspiración que, muy a pesar de llevarla a su personalísimo terreno, es capaz de mantenerse fiel a su esencia literaria en todo momento. En efecto, "Martin Eden" no sucede en San Francisco, lo hace, como no podía ser de otra forma si nos atenemos a su previa obra, en su originaria Nápoles. Sin embargo, el viaje interior de su intrépido e idealista protagonista sigue siendo el mismo: la búsqueda de la belleza a través del enriquecimiento del intelecto y el conocimiento. Historia de amor imposible, reflexión política, fábula histórica, lucha de clases. Todo ello tiene cabida en la obra mas ambiciosa y sobresaliente que nos ha ofrecido esta 76 edición de la Mostra. Y lo hace poniéndose al servicio de una hermosa re-escritura que, desde la tradición, nos lleva directamente a la contemporaneidad, a la conexión con nuestra deshumanizada actualidad, y que supone asimismo una provocativa reivindicación en pos de la renovación de los cánones morales. Palabras mayores.


2. EMA
de Pablo Larrain

Sección Oficial

Un explosivo cóctel entre el mundo de la adopción, la danza contemporánea, la danza urbana e incluso el reggaeton, cuya potente propuesta visual puede directamente llevarte al universo visual de Rosalía. Así es como de buenas a primeras se nos presenta "Ema", una propuesta del todo polifacética, profundamente física y artística, que más allá de mostrarnos la lacerante crisis moral que sufre la sociedad chilena de hoy a través del intento fallido de sus personajes de ser padres, en lo que principalmente se centra es en cuestionar el modelo tradicional familiar a través del trayecto existencial de la propia Ema. Y lo hace a golpe de fuego y gasolina, meditando a su vez sobre las nuevas formas de vivir las relaciones sentimentales, ya sean las relaciones abiertas, el poliamor o en definitiva, las relaciones que no responden a la heteronormatividad. De hecho, si hay una a destacar entre sus múltiples virtudes, esa es la capacidad que el director de "El Club" demuestra atesorar para saber entender la brecha generacional post-millenial, también para saber reivindicar la feminidad subvirtiendo los tópicos que hoy en día parecen atentar contra ella. Es el caso del reaggeton, un género musical que a pesar de ser tachado de machista, resulta el motor de vida, el principal escudo a través del cual fortalecen su existencia y feminidad Ema y sus amigas. De hecho, la que configuran es una suerte de tribu urbana que trasciende la marginalidad a la que parecen estar abocadas creando un universo propio cuyo oxígeno es el baile, a través de una vitalidad proyectada mediante el lenguaje corpóreo, mediante una vida en coreografía que ante todo significa libertad y unión. Luces, elipsis e inolvidables números musicales hacen de esta portentosa obra construida sobre postales de una Valparaíso que parece existir en un mundo aparte, una de las experiencias mas memorables que viviremos en esta 76 edición de la Mostra.


3. ABOUT ENDLESSNESS
de Roy Andersson

Mejor Director

Roy Andersson sigue en su línea, creando nuevamente una obra gran guiñolesca que es pura orfebrería, suerte de yuxtaposición lánguida y poética construida a través de unos inconfundibles tableaux vivants minuciosamente orquestados que presentan un extraordinario trabajo de la profundidad de campo, que capturan momentos concretos de vida y que, asimismo, inciden en una peculiar reflexión existencial que nos lleva a la más tétrica realidad desde la más imprevisible ironía y desde un destilado humor deadpan. En este sentido, la excepcional "About Endlessness" responde nuevamente a su singularísimo lenguaje cinemático, incidiendo en este caso en la infinidad de signos provocados por nuestra mera existencia, los signos que nos hacen sentir eternamente humanos, conformando y haciendo crecer así un personalísimo corpus fílmico en el que todas y cada una de sus películas parecen conformar una sola obra. De hecho, esta bien podría suponer su guinda. Allá donde la oda se traduce en lamento, donde el desencanto adulto choca de bruces con la vitalidad juvenil (no es casualidad que todos los personajes adultos permanezcan desolados y decrépitamente maquillados mientras los jóvenes emanan brío, vigor y alegría) donde la depresión y el hastío adquieren un inclasificable sentido cómico, donde los momentos intrascendentes reclaman la misma importancia que los acontecimientos históricos (como es el caso del hundimiento del búnker de Hitler o el vuelo de dos amantes sobre una Colonia bombardeada) o donde la misma realidad es sinónimo de abstracción. Es la lucha por nuestra existencia o, más bien, el entrañable retrato de nuestra vulnerabilidad al someternos a ella. We will survive.


4. JOKER
de Todd Philipps

León de Oro Mejor Película

Uno diría que la presidenta del jurado de esta 76 edición de la Mostra ha llevado el reparto de premios al terreno personal. Así podría ser si nos atenemos a  que tras dar el portazo a Marvel rechazando la posibilidad de dirigir "Black Widow", Lucrecia Martel ha sorprendido a propios y extraños otorgando todo un León de Oro al supervillano "Joker", es decir, a una de las figuras mas emblemáticas de Dc Comics. Todd Philipps utiliza la figura de Joker para gestar un demoledor y evocador homenaje al cine del nuevo Hollywood de los 70, concretamente a "Taxi Driver", "El Rey de la Comedia" o "Network" mismamente. Palabras mayores para un hit de culto instantáneo que subvierte todas aquellas señas de identidad por las que hoy día distinguimos el cine de superhéroes y que ante todo profundiza en la lucha de clases, en el retrato de una sociedad totalmente corrompida que somete a los mas desfavorecidos y protege a la clase mas privilegiada. El Oscar aguarda a la espera.


5. EL OFICIAL Y EL ESPÍA
de Roman Polanski

Gran Premio del Jurado y Premio FIPRESCI

Perseguido nuevamente por el caso de la violación a una menor de 13 años por el que ya fue juzgado en 1977, Roman Polanski parece decir basta y dar un golpe encima de la mesa. Lo hace en forma de película que hace suya el affaire Alfred Dreyfus, un caso que se convirtió en símbolo moderno y universal de la iniquidad en nombre de la razón de Estado. Y es que hablamos de la historia real de un soldado judío y francés falsamente acusado de espionaje que fue perseguido durante años. En efecto, no será por paralelismos. De lo que "El oficial y el espía" ante todo nos habla es de la búsqueda de la verdad o más bien, de la imposibilidad de que ésta se imponga y conlleve la inocencia de un hombre injustamente condenado. De hecho, a lo largo de todo el caso, la verdad es constantemente saboteada por los corruptos mecanismos de un estado para los cuales, su condición de judío, es lo que realmente parece haberle sentenciado. Tan lejos, tan cerca, de la controvertida figura de un cineasta que a lo largo de su vida ha sufrido en sus pieles el antisemitismo y que en Hollywood fue siempre señalado por la industria como "un enano lascivo y judío" (Peter Biskind, Moteros tranquilos, toros salvajes). Es decir, la acusación sustentada por su condición. Es bajo este provocativo metadiscurso (depende de cada uno considerarlo, o no, legítimo,) que el director de "La Venus de las Pieles" ensambla una recreación histórica tan académica y rigurosa como definitivamente accesible y amena. 


6. LA VERDAD 
de Hirokazu Kore-eda

Película Inaugural

"La Verdad" supone la novedosa incursión de Hirokazu Kore-eda en terreno francés y de la mano de dos grandes divas del cine europeo como son Juliette Binoche y Catherine Deneuve. Un reto con el que, sin embargo y lejos de venirle grande, ha triunfado de lleno. En su nueva obra emergen las inconfundibles señas de identidad que dan cuerpo al universo de Kore-edano, como es el caso incidir en las reuniones familiares (como ya vimos en "Still Walking") en las relaciones materno y paterno-filiales ("De tal padre, tal hijo") o en las relaciones familiares más allá de los lazos de sangre (la reciente "Un asunto de familia"). Sin embargo, esta vez lo hace desde un espectro profundamente afrancesado, desde una dimensión meta tan romántica como también irónica, desde una cadencia y un ritmo mucho más ágiles al que en su cine estamos habituados, también desde un tono imprevisiblemente cómico en el que sí, hay lugar a la ternura, pero también para el cinismo. Cierto es que, tanto en el empleo de su banda sonora y las transiciones a las que esta acompaña, se perciben claros ecos japoneses, pero también que en lo que a su tratamiento a nivel formal respecta, innova y arriesga, asemejándose en este caso al estilo luminoso con el que Olivier Assayas enmarcó su magistral "Las horas del verano" o al tono disfuncional que Arnaud Desplechin imprimió a su no menos perfecta, "Un cuento de navidad". A ello hay que añadir el elemento clave que supone su sagaz carácter metacinematográfico. Hablamos del inspirado y entrañable homenaje que "La Verdad" rinde a una mítica figura del cine europeo y mundial que, asimismo, da cuerpo y representa la esencia de una de las cinematografías con mayor peso e historia: la francesa. No contento con ello,  más allá de guiños que van desde Hitchcock (con "Psicosis" y "Rebeca" a la cabeza) como "Interstellar", en "La Verdad" hay también lugar para reivindicar el artificio y la ficción como posibles elementos sanadores de dolorosas realidades. Pruebas tan sorprendentes como estimulantes de que Kore-eda no solo arriesga, sino que además triunfa de lleno. En efecto, sigue en plena forma.


7. MADRE
de Rodrigo Sorogoyen

Mejor Actriz Orizzonti

Son muchos los riesgos, así como las sorpresas, que Rodrigo Sorogoyen imprime en la adaptación al largo de su aclamado y ultrapremiado cortometraje. "Madre" retoma la acción 10 años después después de la aterradora llamada recibida por Elena, la cual significó la última vez que pudo escuchar la voz de su desaparecido hijo. Un amplio salto temporal tras el cual, lejos de seguir con el registro del thriller, de centrar su trama en la investigación y resolución de la desaparición de su hijo como cabría esperar, donde la nueva película de Sorogoyen principalmente incurre es en la dimensión melodramática que conlleva superar dicho trauma, de cómo hacer frente a la tragedia, a la pérdida más antinatural posible, sucedida de la forma más siniestra y perversa imaginada. Y en este caso lo hace a través de la enfermiza obsesión, sí, pero ante todo, de la transmisión del amor. De la búsqueda de la luz al final de un túnel que no parece tener final. Un halo de esperanza que en este caso llega desde una relación aparentemente malsana y tóxica en su superficie, pero terapéutica y sanadora en sus entrañas. Arriesgados mimbres dignos del provocativo cine por el que se rige todo un François Ozon y que hacen de "Madre" un imprevisible salto sin red, una obra tan subyugante como luminosa que tiene el descaro de reinventar el complejo de Edipo. Rodada con un pulso muy firme, con un virtuoso empleo del plano secuencia y el gran angular que bien nos puede llevar al cine de Malick, donde un espacio excelso y hermoso como son las vastas playas de las Landas del país vasco-francés son sinónimo de aprisionamiento existencial, "Madre" acaba por revelarse en una propuesta sorprendente y temeraria en el mejor de los sentidos. Una obra que provocará de todo menos indiferencia y donde ante todo priman los contrastes. Tanto es así que en ella la oscuridad significa luz, prohibición, liberación. 


8. AD ASTRA de James Gray

Sección Oficial

Si hay un género que le faltaba por probar al maestro James Gray ese es es el de la ciencia ficción, y a él ha ido a parar con la portentosa "Ad Astra" tras incurrir en el de aventuras con su previa y magistral, "Z. La ciudad perdida". Una obra igualmente apasionante con la que, precisamente, se complementa a la perfección. De lo que ante todo nos habla la novedosa incursión en el género de ciencia ficción en la que nos embarca la nueva y magnífica película de James Gray es sobre la confrontación de un hombre ante el infinito y su posible evolución;  la necesidad que el Hombre tiene hacia la vida en la Tierra para que dicha evolución no acabe por transformarse en alienación. Es decir, "Ad Astra" se embarca en un viaje hasta los confines del universo para realmente demostrar que la humanidad del hombre va directamente relacionada a su apego y conexión hacia nuestro planeta. Para ello vuelve a incurrir, como ya hiciera en su anterior "Z. La ciudad perdida", en la exploración como vía de escape de una realidad de la que su protagonista no se siente parte, también en la relación paterno-filial, en los lazos rotos que un hijo busca rehacer encontrando a su desaparecido padre. Alguien quien, cual Coronel Kurtz, parece haber perdido todo resquicio de empatía hacia todos aquellos valores que realmente nos hacen humanos. Es decir, en un ente que supone un peligro para la preservación de aquello que realmente nos hace seres bondadosos y racionales: el alma, el sentimiento y la emoción. Con todo ello, "Ad Astra" se erige en una obra imponente y poderosa que pese a embarcarnos en una abrumadora odisea astral, antepone la dimensión conceptual a la espectacular, la reflexión a la pirotecnia visual, en la que hay cabida para impactantes guiños a "2001: odisea en el espacio" tanto como a "Solaris" o hasta "Mad Max" y en la que incluso resuenan los Spaces de todo un Nils Frahm. Y es que es precisamente este aspecto el cual parece priorizar el responsable de "Two Lovers" a la hora de ensamblar el minimalismo por el que se rige su sobrio diseño de producción. Es decir, lo que resulta más fascinante en "Ad Astra" no es que sea una puerta que nos abre a una espectacular Galaxia, más bien la que de forma increíblemente realista nos abre hacia el interior del alma humana, manteniéndose así en alerta de las posibles trampas que ofrece el género, no permitiendo sacrificar el tema y la historia en pos del artificio, como ha sucedido en infinidad de ocasiones en lo que respecta a la ciencia ficción. Más aún a día de hoy. Viajar al espacio pero con lo pies en la Tierra. Es es "Ad Astra" en resumidas cuentas.


9. LA MAFIA NON È PIÙ QUELLA DI UNA VOLTA
de Francesco Maresco

Premio Especial del Jurado

Y si antes destacábamos la figura del napolitano Pietro Marcello, responsable de "Martin Eden", como una de las voces mas irreductibles del nuevo cine italiano, a esta particular terna bien podemos añadir la del siciliano Franco Maresco, siendo el suyo aun si cabe, un cine mucho mas incendiarioy controvertido, cuya denuncia siempre viene dada de la forma mas provocativa y menos pensada. Fue el caso de su previa y sorprendente "Belluscone. Una storia siciliana", un extraordinario e imprevisible docudrama sobre las raíces políticas de Berlusconi en el crimen organizado de Sicilia que da paso ahora a una nueva incursión en las entrañas de la Cosa Nostra a través de aquellos que luchan contra ellos, como es el caso de la famosa fotógrafa Letizia Battaglia o un personaje difícilmente clasificable como es Ciccio Mira. La Mafia como un circo, como ese Voldemort que nadie puede ni tan siquiera nombrarlo. La verbena como su caldo de cultivo. Y en medio de todo ello, además del certero objetivo de Battaglia, un Maresco en plena forma, implacable ante todo tipo de cinismo y demostrando una sorprendente capacidad para el empleo gran variedad de recursos formales tan desternillantes como lúcidos. Bienvenidos al bufonesco crimen organizado.¿Quién puede ser siciliano?


10. LA RED AVISPA
de Olivier Assayas

Sección Oficial

Una trepidante mezcla de géneros que más allá del thriller de espías, de la acción terrorista o el drama político, incurre también en el registro melodramático e íntimo, en la comedia negra o incluso en el documental. En efecto, "La Red Avispa" se nos presenta como una coproducción de altos vuelos que levita sobre mismo universo que su anterior "Carlos" (2010), suerte de elusivo biopic que, también de la mano de Edgar Ramírez, mezclaba asimismo espionaje y terrorismo para incurrir en la legendaria figura icónica de El Chacal. En el caso de su nueva película sin embargo, decide centrarse en alguien mucho más anónimo pero igualmente real. Hablamos de René González, desertor cubano que huyó a Miami dejando atrás a su amada esposa e hija. Una vez allí, se integró en una red de espionaje cuya misión era infiltrarse en organizaciones anticastristas violentas responsables de ataques terroristas en la isla. Y es a camino entre Miami y La Habana, entre tierra, mar y aire, que Assayas crea un enjambre en el que nada acaba por ser lo que parece. Al igual que ya hiciera en su anterior "Carlos", con su nueva obra Assayas también nos relata las vivencias de un hombre íntegro hasta las últimas consecuencias, que no cesó en su lucha contra el imperialismo, con la pequeña gran diferencia que, en este caso, lo hizo al total servicio de la revolución cubana, debiéndose en cuerpo y alma a la política castrista. Y es quizás en este sentido donde la película adquiere su dimensión más polémica, ya que según por donde se mire, Assayas bien parece tomar partido decantándose, como bien diría Fidel, "por el país más espiado del planeta" (dícese Cuba) y exponiendo "al más espiador del mundo" (obviamente, Estados Unidos)De hecho, el realizador francés se permite la licencia de recuperar este mismo material de archivo en el que el fallecido líder cubano realizó estas míticas declaraciones en una se sus secuencias más imprevisibles. Con todo ello, "La Red Avispa" es un propuesta sorprendentemente híbrida y efectiva, constantemente disfrutable, que a pesar de no dar la espalda en ningún momento al empleo de la pirotecnia y el artificio, es capaz de adquirir asimismo un inusitado grado de realismo hasta tal punto de que su trama es de una verosimilitud tan absorbente que ya no nos importa si lo que estamos viendo pertenece a la imaginación de sus guionistas o a la vida real de los espías y terroristas implicados. Aquí hay lugar para el entretenimiento, también para la denuncia política (o más bien capitalista) y hasta para la reflexión histórica. 


11.
GLORIA MUNDI de Robert Guediguian

Mejor Actriz

Los tiempos cambian, y de qué manera. La evolución económica y social que conlleva la constante innovación tecnológica, ya sea para bien o para mal, es sin duda uno de los principales responsables, no solo de ampliar aun mas si cabe las brechas generacionales, la forma de comunicarnos y relacionarnos, ya sea desde los nuevos dispositivos tecnológicos o las redes social. Sino también en lo referente a nuestra rutina y nuestro universo laboral. En este sentido, resulta  un tanto perverso que lo que hoy día denominamos uberización, término que en un principio acuña las  plataformas de economía colaborativa en las que, gracias a Internet, unas personas ponen a disposición de otras sin necesidad de intermediarios, más allá de conllevar  innovación, flexibilidad y democratización del empleo, también ha provocado su precarización. Es decir, de la colaboración a la explotación. Un debate del todo actual, una guerra abierta, la cual también ha sacudido España en el último año teniendo como punta de lanza el enfrentamiento en el colectivo taxista y los VTC. Y es precisamente si repercusión en la economía real, pero ante todo desde la dimensión humanista y humana (o más bien su dilapidación), la que el director de “La casa junto al mar” lleva a su inconfundible y estoico terreno para regalarnos este conmocionante y desgarrador, pero también tierno y conmovedor cuento moral. En este sentido, la nueva absorbente película de Robert Guediguian no podía tener un título más certero y pertinente. Y es que lo que ante todo nos retrata es el mundo que se encuentra y le espera a ese bebé recién nacido que se llama Gloria. Dicho de otra forma, "Gloria Mundi". Un mundo que lejos de resultar precisamente glorioso, es más bien humanamente ruinoso. Un mundo en el que apenas hay lugar para la integridad, para la profesión del verdadero amor o la preservación de los valores que mas humanos nos hacen. Un mundo en el que directamente queda condenado el individuo más humilde y vulnerable a merced de lo privilegiados. No es el caso, sin embargo, de los familiares. Quizás la última bala que nos queda en recámara para que el capitalismo más voraz no dilapide aquel vínculo que más humanos nos hace: la bondad, empatía y solidariad, Por más que dicha bala sea empleada como medida desesperada y cuyas consecuencias puedan resultar del todo extremas. Aun y así, hay lugar ara la esperanza. 


12. ATLANTIS
de Valentyn Vasyanovych

Mejor Película Orizzonti

Neorrealismo futurista ucraniano. Así es como de buenas a primeras podríamos definir la propuesta más interesante y potente de cuantas hemos podido descubrir este año en la emergente sección Orizzonti. "Atlantis", que supone además el debut en la dirección del productor de "The Tribe", nos traslada al Este de Ucrania en un futuro cercano. Una Ucrania eminentemente postapocalíptica y devastada por los efectos de una cruenta guerra. Es en esta suerte de lugar en ninguna parte donde seguimos los pasos de Sergey, un ex-soldado que sufre de Síndrome Postraumático y que tiene problemas para adaptarse a su nueva realidad hasta que encuentra una inesperada forma de superar su tristeza uniéndose a un grupo activistas dedicado a exhumar los cadáveres que la guerra ha dejado tras de sí. Es precisamente en este contexto, entre ruinas, óxido, ocre, y esqueletos descompuestos, a camino entre los universos de Loznitsa y Antonioni, que el debutante Valentyn Vasyanovych ensambla con pasmosa precisión su poderoso debut. Y lo hace a través de una imponente serie de planos secuencia, principalmente estáticos, aunque dos de ellos, precisamente dos de los mas memorables, en movimiento, para descubrirnos uno de esos tesoros inesperados que tanto hemos echado a faltar en Sección Oficial.

13. BLANCO EN BLANCO de Théo Court

Mejor Director Orizzonti

Otra de esas obras mayores cuyo lugar debería haber sido la lucha por el León de Oro.  La Tierra del Fuego, el retrato de un matrimonio latifundista, un patrón al que siempre se le menciona pero nunca aparece, un fotógrafo siniestro (no podía ser de otra forma tratándose de Alfredo Castro), un amor prohibido, una obsesión perversa, y sobre todo, en su profundidad de campo, el genocidio del poblado indígena. El de Théo Court es western con ecos de "Centauros del Desierto", es también terror de tintes góticos, drama beckettiano, denuncia histórica y es, ante todo, una de las obras formalmente mas potentes y poderosas de cuantas nos ha descubierto esta nueva edición de la Mostra. Difícilmente hayamos experimentado un trabajo de fotografía mas cuidado y riguroso, tanto a la hora de jugar con la luz natural en los interiores, como a la hora de enmarcar sus excelsos exteriores. La pantalla grande es precisamente lo que hace "Blanco en Blanco" aún más grande si cabe. 


14. ZUMIRIKI
de Oskar Alegria

Sección Orizzonti

“Filmar me da la posibilidad de vivir una segunda vida“. Es una de las frases más significativas, una de las reflexiones mas certeras y lúcidas que mejor vendría a resumir lo que en esencia es “Zumiriki”, un artefacto cinemático único en su especie que ante todo utiliza el cine como vehículo de reconexión con una vida supuestamente ya perdida, con universo que aparentemente desaparece, con un entorno natural despojado de cualquier reducto de civilización. En resumidas cuentas, con la más absoluta e intrínseca libertad, tanto a nivel cinematográfico como existencial. El insobornable cineasta navarro regresa al paraje de Gorriza-Iriberri, en Artazu, en pleno Pirineo Navarro, donde pasó su infancia, para volver a una vida ya pasada. Lo que se encuentra es un lugar que ya no es precisamente como su memoria lo recuerda. Sin embargo, sí conserva su esencia virgen y pura, y es que el cambio que ha experimentado ha venido única y exclusivamente afectado por los propios ciclos de la naturaleza. Es decir, él que “Zumiriki” habita es un pequeño paraíso del todo primitivo y milagrosamente intacto. Es en este remoto y recóndito lugar donde Oskar Alegría se recluye y construye una cabaña ataviado con lo básico para subsistir a lo largo de todo el verano de 2018, desde junio a finales de agosto. Su objetivo no parece ser otro que la espera, una espera que finalmente le devuelva a volver a ser un hombre recolectado a sus raíces, aferrado a los ciclos de vida que dicta la tierra en su estado más natural y salvaje. Una esencia que pese a su carácter marcadamente agreste y primitivo, adquiere una sorprendente dimensión artística en su dispositivo fílmico, tanto a nivel  antropológico como incluso fabulesco y poético y que no por ello, renuncia en ningún momento al tono cómico. El cine como un imprevisible juego críptico e indómito que trasciende y subvierte los condicionantes a los que supuestamente se debe, como es el caso del espacio y el tiempo. Como una experiencia de vida y existencia en el que el arraigo a la memoria familiar, a una lengua y una forma de vida que no cesa en su lucha por no extinguirse, devuelve al ser humano a existir nuevamente en absoluta comunión con quien realmente le ha dado la oportunidad de vivir y existir: la madre naturaleza. Múltiples capas para una propuesta que en efecto, va mucho más allá de lo que supone romper barreras entre ficción y documental. “Zumiriki” es ante todo una experiencia de vida, concretamente de una segunda vida que siempre y para siempre debió de ser la única y primera. Una obra fluida y en constante regeneración que en efecto, nos devuelve al lugar del que vinimos y que nos demuestra que la creación del cine, probablemente el arte más libre, no entiende de límites. 


15. ADULTS IN THE ROOM

Sección Oficial Fuera de Competición

Grecia lleva en llamas desde el inicio de la crisis económica que, sin duda, ha marcado esta década: el país donde se formó gran parte de la civilización contemporánea se ha visto, a este lado de la Historia, golpeado por las fluctuaciones económicas internacionales, desnudo frente a su inefectivo sistema financiero y las estrictas medidas de ajuste europeas, herido en su orgullo nacional, abandonado por los parados y los jóvenes que no encuentran nada en su lugar de origen. Tras un referéndum fallido y con la constante amenaza del corralito, el futuro de Grecia en el Euro lleva más de una década comprometido. La situación política, económica y social del país heleno, inestable y compleja, resuena como una lenta decadencia que hoy en día la sitúa como una de las naciones con más ruinas antiguas del planeta. Fue en 2015 cuando la crisis de su deuda vivió su momento más crítico. Una nación que debía elegir entre aceptar las duras condiciones de un rescate que suponía la miseria social y económica de una nación entera o rebelarse y asumir las extremas consecuencias de quedar fuera de la Unión Europea. Y es precisamente en las duras negociaciones que se celebraron entonces donde Costa-Gavras sumerge su cámara de una forma tan excitante y entretenida como brillante y certera. De hecho, “Adults in the Room” bien podríamos presentarse como una sagaz y realista sátira política rodada entre bambalinas. Una obra ágil y verborréica, incluso a ratos paródica, que ante todo incide en el fracaso de un país arruinado por intentar humanizar una inamovible Troika Europea, la cual nunca dio su brazo a torcer a pesar de los devastadores daños colaterales y la hipocresía hacia sus propios y arraigados valores que conllevaba dicha intransigencia.  Todo en pos de sus intereses económicos, un alma capitalista y egoísta en la cual no había lugar alguno para la solidaridad y la empatía, solo el interés de unos pocos, en este caso, nada más y nada menos que los intereses de los bancos franceses y alemanes, casualmente, dos de los países más poderosos de esta "orgullosa" Unión Europea donde nunca se tuvo en consideración a la nación griega. Partiendo de un material que bien podría resultar denso y farragoso, lo que Costa-Gavras crea es una instructiva, laberíntica y definitivamente frenética ficción que de forma inteligente nos lleva a cuestionarnos la verdadera esencia de la supuesta democracia europea. Si es que aún quedara algo de ella.


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