Lo Mejor del Festival de Venecia 2017

Autor: Joan Sala Fuente: Filmin

Lo Mejor del Festival de Venecia 2017

Con la 74 edición de la Mostra recién finiquitada, destacamos aquellos 30 títulos que por diferentes razones más nos han sorprendido. Aquí encontramos claras candidatas al Oscar (es el caso de la "La Forma del Agua" ganadora del León de Oro, también el de "Tres anuncios a las afueras de Ebbing, Missouri"), aquellas que deberían serlo pero por diferentes motivos, ya no lo son tanto (como es el caso de "mother!""Downsizing" o "Suburbicon"), obras maestras como "Zama" de Lucrecia Martel o "EX-Libris" de Frederick Weisman que bien merecían premio gordo en el palmarés final (por más que "Zama" ni tan iquiera optara a él) y por supuesto, un buen puñado de obras capitales y descubrimientos que seguro, marcarán el circuito festivalero otoñal (de S. Craig Zahler a Damien Manivel pasando por Samuel Maoz, Andrew Haigh, Abdellatif Kechiche, Xavier Legrand, Ruth Mader, Andrea Pallaoro, Savi Gabizon, Alireza Khatami, Sofia DjamaVerena Pavel y Lucien Castaing Taylor). A ellos.

1. ZAMA

Sección Oficial Fuera Competición

¿De qué va?

“Zama” sigue la historia de Don Diego de Zama, un funcionario de la Corona Española que espera un permiso de traslado a Buenos Aires desde la ciudad de Asunción en el siglo XVII. Desesperado por la interminable espera, decide emprender la misión de atrapar a un peligroso bandido con el fin de recuperar el prestigio de su nombre y hacer méritos frente a la Corona.

¿Qué ofrece?

De buenas a primeras, "Zama" diría que juega la exclusiva liga de "The Assassin" y "Jauja" o incluso "Qué difícil es ser un Dios". Tres miradas antiépicas que se encuentran en su afán por elevar el cine a una nueva dimensión, por embarcar al espectador un trayecto de abrumador potencial sensorial y estético, marcado asimismo por un carácter intrínsecamente existencial. Todas ellas anteponen sin miramiento alguno la propuesta formal al núcleo narrativo, la disposición estética al desarrollo del argumento, haciendo sentir así al espectador que literalmente sea parte del plano, que de forma incorpórea levite y se suspenda sobre él. Y en el particular caso de la nueva película de Lucrecia Martel, que el delirio causado por la interminable espera en la que esta inmerso su protagonista sea también el nuestro. Con toques de un humor inspiradamente esquinado, con un aura surrealista que directamente abraza el universo kafkiano, beckettiano y hasta buñueliano, asistimos al involuntario confinamiento de un funcionario inmerso de lleno en la decadencia colonialista de un imperio a merced de la más absurda burocracia. Pasaba entonces y sigue pasando ahora. Hablamos de hora y media de esquizofrenia donde la cámara permanece en todo momento incrustada a sus personajes hasta que de forma acertadamente abrupta, encuentra la puerta de salida (la nuestra, que no la de su protagonista) hacia un alucinado y selvático tercer acto enmarcado por un apoteósico trabajo fotográfico. Una merecida catársis final que presenta ecos de Herzog y hasta de "Z. La ciudad Perdida" de James Gray. Y ahí lo dejo, toca experimentarlo. Lo dicho, obra magna.O

2. MOTHER!

Sección Oficial a Competición

¿De qué va?

Una pareja recibe en su domicilio a unos invitados inesperados, que alteran su tranquila existencia y ponen a prueba su relación.

¿Qué ofrece?

La película más personal y autorreferencial de Darren Aronofsky hasta la fecha. De lo que "mother!" principalmente nos habla de forma loablemente transparente y sincera, es de su propia egolatría artística y de como ella afecta a su vida sentimental. Algo que el director de "La Fuente de la Vida" bien demuestra tener presente y lo que es más difícil aún, también reconocerlo. Tanto en su caso (su tormentosa relación con Rachel Weisz parece estar muy presente) como bien podría ser en el de muchos. Y es que si hay un principal motor por el que se han llegado a ver sacudidas muchas parejas es por la confrontación entre la vida íntima y profesional, por el conflicto que surge entre priorizar la realización laboral (artística en este caso) a la sentimental y familiar. Cuestión de prioridades. Y sí, muchas veces cuesta aceptar que realmente el trabajo es lo primero cuando no debería serlo, lo que provoca la apertura de una herida abierta que en la mayoría de los casos resulta difícil de cicatrizar. Menos aún con la llegada de un hijo como muchas de las veces se intenta suturar. Y es entonces cuando sin quererlo, de forma tan involuntaria pero también inerte, se da paso a la subyugación hacia tu ser más querido, tanto a nivel afectivo como sobre todo psicológico. La creación artística unida a la biológica. O mejor dicho, destruida una por la otra. Una crisis personal y conyugal a la que Aronofsky da forma a través de una parábola que también alcanza el espectro universal, una suerte de metáfora demoledora que partiendo de la intimidad también hilvana una llamada de urgencia sobre la destrucción a la que parece estar abocada la madre tierra. Y lo hace en forma de película de terror, de una muestra de explotation y de home invasion en su versión más violentamente visceral e implacablemente feroz. Un tour de force directorial que tiene en su atronador trabajo de sonido, el movimiento de cámara y la coreografía de masas, sus principales puntas de lanza. "mother!" está llamada a ser una de las películas más explosivas y controvertidas de la temporada. La división de opiniones que desde la pasión e indignación más desatada ha causado en Venecia, dan buena muestra de ello. El debate queda abierto.

3. EX-LIBRIS: THE PUBLIC LIBRARY OF NEW YORK

Premio FIPRESCI Sección Oficial a Competición

¿De qué va?

Una inmersión al interior de la Biblioteca Pública de Nueva York.

¿Qué ofrece?

"Ex- Libris: The Public Library of New York" es una mirada ejemplar que respira vitalidad. Un homenaje a la biblioteca pública de Nueva York sí, pero ante todo una precisa disección que sumerge al público en uno de los organismos que más sabiduría atesora en el mundo entero. Una inmersión que, como el magistral cine de Wiseman ya nos tiene habituados, se lleva a cabo haciéndonos partícipes de la reuniones entre sus directivos y trabajadores, pero también convirtiéndonos en público directo de las múltiples y edificantes actividades que se promueven desde la biblioteca. Sin incidir su cámara en ningún momento en el devenir de la acción, lo que la nueva película de Wiseman examina ante todo es cómo esta legendaria institución sostiene, protege y fomenta su tradicional idiosincrasia literaria al tiempo que se adapta a la revolución digital desde una vertiente multidireccional y multidisciplinar. Una era de cambio tecnológico que también provoca que la transformación suceda a nivel social y, por ende, institucional. Toca evolucionar. Si hasta finales de la década de los 90 las bibliotecas funcionaron como esa suerte de Google físico, como meros centros de consulta, investigación, estudio y lectura, hoy día, en pleno siglo XXI, no queda otra que ir más allá. Ya se sabe, reinventarse o morir. ¿Y cómo subsistir? Básicamente, desde la pro-actividad. Y es que, como quien dice, o más bien como "Ex-Libris" nos viene a demostrar, no hay mal que por bien no venga. Toca elevar el carácter exclusivamente informativo al formativo. Hete aquí la clave del éxito, tener claro y bien interiorizado que hoy día las bibliotecas pueden fomentar el conocimiento e inspirar el aprendizaje en multitud de maneras. Es decir, más allá de hacerlo desde la vertiente exclusivamente literaria, promoverlo a través de conferencias, cursos, conciertos, performances o, por supuesto, talleres educacionales encaminados a incentivar la integración social y a fortalecer las comunidades. Y es entonces cuando uno se da cuenta que, en definitiva, la clave del éxito de este difícil (que no imposible) cometido, es la necesidad que las bibliotecas tienen de hacer suya la función que actualmente tienen los Centros Cívicos como actores sociales. Que su misión principal bien debería expandirse a educar, cuidar y desarrollar la comunidad a través de transmitir la sapienza en todos sus registros y vertientes partiendo de la idiosincrasia colectiva y organizacional. Dicho de otra forma, provocar que la cultura sea popular dándole la máxima accesibilidad a todos aquellos que por motivos económicos o educacionales, más dificultades tienen para llegar a ella. Cómo afrontar el paso del papel al digital, cómo lidiar y promover el equilibrio entre las subvenciones públicas o privadas o cómo implantar una política administrativa que se adecue a este ideal, son algunos de los otros temas principales y absolutamente interesantes que expone y desarrolla este sobresaliente documental. Obra épica, constructiva y modélica a todos los niveles de la cual debemos tomar ejemplo. Apliquémonos la lección.

4. MEKTOUB, MY LOVE: CANTO I

Sección Oficial a Competición

¿De qué va? 

Una inmersión al interior de la Biblioteca Pública de Nueva York. 

¿Qué ofrece?

Lo nuevo de Abdellatif Kechiche empieza como una película de Bigas Luna y acaba como una de Eric Rohmer. Así, tal cual. "Mektoub My love: Canto I" levantará seguro, indignación y críticas feroces desde gran parte de la crítica. Muchos no tardarán en señalarla, o más bien estigmatizarla, como una película sin sustancia argumental que pone a la mujer como mero objeto de disfrute a ojos del hombre. Una suerte de "Bámbola" de nuestros días (que en una de sus principales y más aletargadas secuencias puede incluso evocar a "El Bar Coyote") cuyo principal cometido no es otro que calentar al personal masculino mostrando el pavoneo de chicas hermosas y esbeltas a base de twerkings. Nunca más lejos de la realidad. A pesar del exhibicionismo femenino que la cámara de Kechiche parece centrarse en enmarcar, resulta del todo básico y clave como se contrapone la mirada de su protagonista con la de la cámara, la fascinación por el sexo romántico de Amin (no por casualidad, se nos presenta como un chico con una gran sensibilidad cultural y artística) frente al hedonismo del que Kechiche lo envuelve (sus amigos no se rigen por otra motivación que no sea el libre albedrío) y que sin embargo, continuamente evita caer en sus redes. El atracción carnal que en todo momento está omnipresente choca con su anhelo por disfrutar de la divinidad del sexo desde el verdadero sentimiento del amor. Es decir, aunque todo parezca apuntar a ello, Amin no cae ante la provocación. No por que no quiera, sino porque básicamente no lo siente. Y es precisamente por está principal razón que está del todo justificado el enfoque supuestamente exhibicionista con el que Kechiche rueda esta primera entrega. Al fin y al cabo, en este primer canto no se trata de otra cosa que no sea conocer su contexto y entender las motivaciones por las que su protagonista principal se mueve. Seguro estoy que el segundo y tercer canto tendrá un tono y tratamiento bien diferente. Y no, la película en ningún momento presenta un desarrollo de trama ni tampoco de personajes. Pero es que tampoco debería. Es una inmersión vital y sensual en un microcosmos que formalmente hablando, lleva impreso el ADN de Abdellatif Kechiche. Su nueva película vuelve a sumergirnos, al igual que lo hace a lo largo de su breve pero imprescindible obra, en la intimidad de sus protagonistas, capturando fragmentos de vida, articulándose con pasmosa fluidez y absorbente naturalismo sobre sus gestos y cuerpos a través de largas secuencias envueltas por diálogos interminables y por descontado, deleitándonos con sus características y tradicionales ingestas de spaghettis. Aquí no hay lugar a planos generales, la cámara permanece en todo momento incrustada a sus personajes. Como bien mandan sus cánones. Y es que bien podríamos comenzar afirmando que lo que nos ha cocido este primigenio canto no es más que la obertura, el preámbulo (siempre tan necesario) para lo que se nos viene encima. O es lo que yo al menos atisbo. Una historia de amor profundamente sincera, sensible y enternecedora. Empezamos bien.

5. LEAN ON PETE

Premio Marcello Mastroianni Mejor Actor Revelación

¿De qué va?

"Lean on Pete" adopta la perspectiva de Charlie Thompson, un chico de 15 años que es abandonado a su suerte por su padre soltero. Charlie se embarca en un peligroso viaje en busca de su tía desaparecida y un nuevo hogar acompañado únicamente por un caballo de carreras robado y avejentado.

¿Qué ofrece?

"Una Historia Verdadera" en versión coming of age. "Lean on Pete" viene a confirmarnos que el de Andrew Haigh es un cine de sentido y sensibilidad, una mirada que demuestra tener un tacto y una delicadeza que difícilmente podemos equiparar a otros directores a la hora de trabajar sus personajes. Quizás se deba en gran parte a que en cada una de sus películas nos ha demostrado ser un extraordinario director de actores. Fue el caso de "Weekend", también de "45 años" (donde su pareja protagonista se hizo con el Oso de Plata a Mejor Actor y Mejor Actriz en la Berlinale 2015) así como ahora es el caso de "Lean on Pete". Y es que si por algo destaca la exquisita nueva película de Andrew Haigh, más allá de la hermoso y atmosférico trabajo de fotografía sobre el que viene enmarcada, que también, es por su capacidad para huir del tópico, de lo trillado, cuando sobre el papel, presenta todos los boletos para caer en él. El supuesto cliché transformado en algo intrínsecamente auténtico, sutilmente distintivo y absolutamente único. Muy recurrente suena la historia del niño y el caballo embarcados en un viaje iniciático. Pero no, aquí no hay lugar para los ecos de "Seabiscuit" o "War Horse". Como mucho tendría cabida "El Córcel Negro" aunque mucho más cercana a ella es la esencia de "Una Historia Verdadera" y el espíritu dickensiano de Tom Sawyer. También al "Kess" de Ken Loach, las "Wendy y Lucy" de Kelly Reichardt o incluso el "Petit Indi" de Marc Recha me vienen a la mente en lo que a la relación entre protagonista y animal se refiere, mucho más que cualquiera de los títulos anteriormente mencionados.Con todo ello bien podríamos definir "Lean on Pete" como una road movie aventurera que nos habla de la pérdida de la inocencia, del paso a la edad adulta de un niño vulnerable y desamparado que pese al abandono de su madre y a la disfuncionalidad de su padre, no le ha faltado amor y cariño. Es decir, no hay atisbo alguno de maltrato. Un dato que se me antoja clave a la hora de trabajar la relación de amor incondicional que el niño gesta con el caballo. Una relación de apoyo mutuo (no olvidemos que Lean on Pete significa apoyo en Pete) que provoca que el drama que le ha tocado vivir a nuestro joven protagonista se experimente mucho más desde la ternura que desde la crudeza. Destacable resulta también el hecho de como Andrew Haigh confronta el mundo rural con el mundo urbano. Mientras en el mundo rural Charlie Thompson encuentra apoyo y bondad en los personajes que se va cruzando, en el mundo urbano en cambio no encuentra más que personajes azotados por la miseria y decadencia. De la belleza y el gregarismo pasamos a la sordidez y la desidia. Eso sí, sin perder nunca el prisma de una película emocionante y hermosa a todos los niveles. Caballo ganador.

6. JUSQU'A LA GARDE

Leon del Futuro y Mejor Director Sección Oficial a Competición

¿De qué va?

Myriam y Antoine se han divorciado. Para proteger a su hijo pequeño de su violento marido, Myriam pide la custodia, pero la juez decide concederla compartida entre ambos cónyuges. Víctima de un padre celoso, y en el afán de proteger a su madre acosada, Julien hará todo lo que esté en su mano para que no ocurra lo peor.

¿Qué ofrece?

Un monstruo viene a verme. La que Xavier Legrand nos brinda bien podríamos definirla como una estremecedora muestra de thriller familiar, una suerte de drama íntimo que termina por sumergirse en la violencia doméstica construyéndose sobre los códigos del cine de suspense. Es decir, "Jusqu'à la Garde" es cine de género pero es también, y sobre todo, una incisiva demostración de denuncia social enmarcada dentro del más sobrecogedor realismo. Lo que empieza como una suerte de "Kramer contra Kramer", como una película aparentemente destinada a reflexionar sobre los derechos parentales, acaba por transformarse en “El hombre del saco”, en una obra de auténtico terror que evoca incluso títulos totémicos como es el caso de "La noche del cazador" (en cuanto a como un adulto, y padre en este caso, manipula la relación con sus hijos con el mero objetivo de volver a echar sus garras sobre la mujer) o "El Resplandor" (sobre todo en su terrorífico tramo final) para desembocar en la mejor película sobre el maltrato de género que se ha hecho desde “The Police Officer Wife” y más recientemente “Refugiado”. Hablamos de una obra mayor que percibe y siente la violencia de género desde la mirada infantil a su vez que demuestra la sutilidad y audacia necesaria como para obviar todo posible registro explícito y aun y así, ser capaz de trasladar la máxima tensión mediante un preciso empleo de la elipsis y el fuera de campo, así como un imponente uso del encuadre y una estoica dirección de actores. Es ese tipo de cine que apela a la sensibilidad e inteligencia del espectador para adentrarse en él. La lucha por una custodia construida sobre el miedo y entre medio, el León del Futuro ya tiene dueño: “Jusqu’a la Garde”.

7. DRIFT

Semana de la Crítica a Competición

¿De qué va?

Dos mujeres pasan un fin de semana en el Mar del Norte. Una de ellas pronto volverá con su familia en Argentina, mientras la otra intentará vivir un paso más cerca del Océano.

¿Qué ofrece?

Dejaros llevar. Es el único y principal consejo que un servidor os puede dar para aseguraros una de las más inmersivas y armónicas experiencias de visionado que este año podáis llegar a disfrutar si tenéis la suerte de acceder a ella en pantalla grande. En el descarado debut de Helena Wittman no hay cabos por atar por más que nada en ella parezca racional. De donde vienen, a donde van, o incluso donde están sus dos protagonistas no responde ante la lógica por la que se rige la relación entre espacio y tiempo. Como quien diría, pelillos a la mar. La consciente deriva narrativa de "DRIFT" está en consonancia con la sensación de desvío y desorientación que transmiten sus protagonistas y sobre todo, con la hipnótica odisea marítima que la película de Wittman nos propone. A camino entre el documental íntimo y la ficción experimental, el que nos ocupa es un viaje de fascinante poderío armónico y sensorial hacia ningún lugar, que lejos de naufragar, acaba por pisar tierra firme. Nunca mejor dicho, "DRIFT" es la forma del mar y la de Helena Wittman, un perfecto ejemplo de nombres en forma que una evento como la Semana de la Crítica tiene la obligación de encumbrar.  

8. LA FORMA DEL AGUA

León de Oro Mejor Película

¿De qué va?

"La forma del Agua" nos transporta a los albores de la Guerra Fría en 1963, donde un laboratorio de alta seguridad del gobierno de los Estados Unidos oculta un experimento que tras ser descubierto por la solitaria y muda Elisa, cambiará para siempre su vida.

¿Qué ofrece?

La película más sensible y delicada de Guillermo del Toro hasta la fecha. "The Shape of Water" es una romántica monster-movie enmarcada en un excepcional diseño de producción. Si en "El Laberinto del Fauno" fue la guerra Civil y los años 40, en "La cumbre escarlata" la época victoriana en clave gótica, en el caso de su nueva película se envuelve del comienzo de los años 60, logrando así un delicioso contraste entre los años "Mad Men" y su inconfundible universo oscuro, que como no podía ser de otra forma, presenta en sus entrañas una incipiente crítica contra la intolerancia y el racismo por el que hoy día se rige Estados Unidos. Es decir, el género fantástico como herramienta para denunciar una realidad. Bajo este atractivo contexto, el realizador mexicano nos brinda una obra deslumbrantemente hermosa, propulsada por un poderío artístico y visual en el que tiene cabida hasta un inolvidable número musical en blanco y negro. Una obra formalista en su versión más cuidada y detallista que resulta un goce para todos los sentidos. Y es que no es casualidad que su título haga referencia a la forma del agua. En primera instancia, por la importancia que ella tiene para el monstruo anfibio que lo protagoniza pero ante todo, por la capacidad que a nivel de realización Del Toro demuestra atesorar para emular el movimiento del agua a través del constante movimiento de cámara sobre el que su nueva película está plasmada. Y es que a tempo de steadicam, la cámara no cesa nunca de bascular. Una coherencia y distinción formal que unida al amor y sensibilidad que sus protagonistas en todo momento emanan (aquí hay claros ecos no solo de "La Criatura del Lago", también de "La Bella y la Bestia") hacen de ella una firme candidata a brillar con luz propia en la próxima gala de los Oscar. Bien por Sitges que aguarda a la espera.

9. CANIBA

Premio Especial del Jurado - Orizzonti

¿De qué va?

Documental que retrata a Issei Sagawa, el  infame y célebre caníbal japonés que confesó haber matado, violado y posteriormente devorado a una estudiante holandesa de la que estaba perdidamente enamorado en París el 11 de junio de 1981, cuando tenía 32 años. Ahora paraplégico tras sufrir un derrame y subsistiendo como malamente puede junto a su hermano en un suburbio a las afueras de Tokio tras haber cumplido condena, el demente criminal francés busca expiación.

¿Qué ofrece?

Lucien Castaing-Taylor y la cineasta Verena Paravel nos nos brindaron su particular homenaje a "Moby Dick" con "Leviathan", documental inspirado por la novela de Herman Melville que se adentraba en el Atlántico para capturar las rutinarias (más bien, monstruosas) tareas de pesca de un gran barco. Sobrecogedora experiencia sensorial merecedora del Premio FIPRESCI y una Mención Especial del Jurado en el Festival de Locarno que nos hacía esperar con las máximas expectativas de "Caniba", la que sin duda ha sido la película más cruda y extrema que hemos experimentado este año en Venecia, también la más honesta y aunque sorprenda, una de las más complejas. Así es, un docu-retrato única y exclusivamente centrado en una (pseudo)entrevista (tan solo hablan los sujetos, nunca escuchamos a los interlocutores) se ha alzado por derecho propio en una de las obras más meritorias de la 74 edición del certamen italiano. Y es que el entrevistado en cuestión no es otro quese abre en canal ante la cámara de Lucien Castaing-Taylor y Verena Pavel, cuyo objetivo se desliza en todo momento por los poros y estrías que poblan su piel y cuerpo. Primerísimos primeros planos al servicio de un autoretrato confesional no apto para estómagos débiles ni mentes sensibles, en el que también hay cabida para imágenes de archivo o meras viñetas de cómic dibujadas a mano que no solo incomodan y agreden, sino que directamente estremecen. Un caso absolutamente expuesto al enfoque sensacionalista y morboso cuya exposición sin embargo, nos llega envuelto de un sobrecogedor poderío cinemático y antropológico. Y es que "Caniba" es también el retrato de los celos más perversos y la rivalidad más degradada posible que surge entre dos hermanos que bien podrían haber sido engendrados por el primigenio Cronenberg. Pero no, esta nueva carne no había forma más acertada posible de retratarla. La existencia y alma humana descarnadamente autofagocitada. Hablamos de la vida real.

10. LA NIT OU J'AI NAIGE

Sección Orizzonti

¿De qué va?

La nieve cubre las montañas de Japón. Como cada noche, un pescador llega al mercado de la ciudad. Despertado por su marcha, su hijo de seis años no puede volver a dormirse. En la casa, donde todo el mundo duerme, el pequeño hace un dibujo que desliza en su cartera. Por la mañana, su silueta somnolienta se aleja del camino a la escuela y se interna en la nieve...

¿Qué ofrece?

La ópera prima del francés Damien Manivel ha sido una de las grandes sensaciones del reciente Atlántida Film Fest. "Le Parc" bien podríamos definirla como un thriller inmóvil que penetra en dominios afines a los de "La noche del cazador" o el cine de Apichatpong Weerasethakul, con claros ecos de Borges y Kafka, Antonioni y también Lynch. Ahí es nada. Referentes de renombre que ponían el listón bien alto a su segunda película, co-dirigida en este caso junto al japonés Kohei Igarashi. Y no, para nada ha defraudado. Desde su aparente sencillez y exquisita naturalidad "La nuit ou j'ai nage" se presenta como un relato nuevamente onírico, protagonizado en este caso por un niño, hijo de un pescador japonés, que se cubre de nieve en la particular odisea en que se embarca durante un día de 'campana' y en el que encima ha trasnochado. Es como si Hayao Miyazaki (el niño protagonista parece directamente salido de cualquiera de sus películas) dirigiera "Todo en un día". Una película que no necesita de grandes conflictos, giros inesperados ni tan siquiera diálogos. Un niño y la nieve. No hay más. Tierna y entrañable como ella sola. Para comértela, vamos. 

11. RYUICHI SAKAMOTO: CODA

Sección Oficial Fuera de Competición

¿De qué va?

Documental sobre la figura del músico Ryuichi Sakamoto.

¿Qué ofrece?

Un extraordinario documental sobre su vida, la música y la muerte. El músico japonés, que desde los 80 se ha afianzado como uno de los grandes compositores de bandas sonoras gracias a títulos como "El Último Emperador" o "El Renacido", repasa en primera persona su carrera y su lucha contra un cáncer de faringe, del que a día de hoy no queda rastro. Ganador de un Óscar y uno de los grandes pioneros de la música electrónica experimental, el compositor japonés no solo nos habla de su trabajo, su relación con otros artistas o anécdotas (entre las que destaca la historia de la composición del tema introductorio de "El cielo protector" que tuvo que cambiarlo y crear uno nuevo al momento para que Ennio Morricone no se hiciera con el trabajo tras 'amenaza' de Bernardo Bertolucci), sino que ante todo nos habla de una filosofía de vida, de la profunda y personalísima sensibilidad con la que percibe el mundo y como ello influencia en su trabajo (el cambio climático, el desastre de Fukushima o por supuesto, su amor por el cine están entre sus principales inquietudes). Un documental melómano que ante todo funciona como una apasionante y conmovedora lección de vida. Y a ritmo de coda. Pelos de punta.

12. LIFE GUIDANCE

Jornada de los Autores

¿De qué va?

"Life Guidance" está situada en un futuro cercano, en un mundo donde reina un capitalismo supuestamente perfecto. La sociedad está cimentada por una clase alta, aparentemente feliz y motivada, viviendo en un mundo brillante, amigable y perfectamente eficiente. No es el caso sin embargo de la clase media-baja, quienes son mantenidos aparte en barrios periféricos y ghettos. Para los demás, una agencia subcontratada, Life Guidance, está especializada en convertirles en seres perfectamente optimizados.

¿Qué ofrece?

Algo así como "El Show de Truman" pasado por el filtro de "Canino" y "La Cuestión Humana". Si con tan solo tres películas en su haber, Ruth Mader se ha abierto paso entre lo más granado del cine autorial europeo, ha sido en gran parte por arremeter con objetivo certero a lo más profundamente siniestro que esconde la supuesta opulencia por la que se rige nuestro lustroso continente. Y lo ha hecho a base de crear esbeltas imágenes y poderosos encuadres, que en el caso de la formalmente ultraestilizada "Life Guidance" se elevan a su máxima exponencia. Fue el caso de "Struggle" (en lo que al mundo laboral se refiere), también de "What is Love"(centrándose en este caso en las relaciones sentimentales) y ahora, yendo un paso más allá, el de "Life Guidance", la que supone una sátira cínica y agudamente provocativa sobre el capitalismo contemporáneo y sus agentes, y de como éstos atentan y demuelen los valores sentimentales y familiares. Una película de ciencia ficción y de género futurista que atesora una radical carga política, que nos dibuja un desalentador universo en el que no se atisba posibilidad alguna de sentir una emoción auténtica. Un mundo arquitectónicamente hablando, selectiva y refinadamente diseñado, tan estéticamente preciso y minimalista en su superficie, como profundamente deshumanizado en sus entrañas. Es decir, el capitalismo como distopía en su versión más desalmada. La nueva película de Mader nos hace entender lo que la vida real ya nos hace sentir y nos da buena cuenta del horroroso estado de las relaciones que impone un sistema capitalista que resulta tan estéril e intercambiable como ese propio dinero que lo rige. Dará que hablar. O al menos debería. Una pena que no haya tenido el eco que bien debería otorgarle su merecida participación en Sección Oficial.

13. TRES ANUNCIOS EN LAS AFUERAS DE EBBING, MISSOURI

Mejor Guión Sección Oficial a Competición

¿De qué va?

“Tres anuncios a las afueras de Ebbing, Missouri” nos traslada la historia de una mujer de 50 años que decide iniciar una guerra contra la policía de su pueblo tras ser su hija violada y asesinada y creer que están más interesados en torturar a los afroamericanos que en hacer justicia.

¿Qué ofrece?

Martin McDonagh es un director de cine que nunca ha dado la espalda a sus orígenes teatrales. Su carácter eminentemente dramatúrgico a la hora de construir el guión estaba presente en "Escondidos en Brujas" tanto como en "Siete Psicópatas" y claro, su nueva película no iba a ser la excepción. “Tres anuncios a las afueras de Ebbing, Missouri” es otra apabullante muestra de la capacidad verborréica que el director británico de origen irlandés atesora para construir diálogos tan ágiles y agudos como afiladamente cínicos. Es su marca de la casa, la que en este caso pone al servicio de un relato que hibrida y fusiona con pulso firme la comedia negra, el thriller y el drama costumbrista. Y en el punto de mira, como no, la Ámerica de Trump. Partiendo de un pueblo remoto en lo más profundo de los Estados Unidos, de un atroz crimen no resulto, de la inoperancia que atañe a un cuerpo policial marcado por la ignorancia y el prejuicio, y una protagonista consumida por la frustración y la ira, su nueva película indaga, no tanto en los efectos, como en las posible causas que provocan el auge de violencia y racismo que en los últimos años ha estigmatizado los Estados Unidos. Bajo esta escabrosa premisa, “Tres anuncios a las afueras de Ebbing, Missouri” bien podríamos presentarla como una película made in Hollywood que sin embargo, entretiene tanto como denuncia y sobre todo, hete aquí la gran sorpresa, revela y edifica. Es decir, una muestra ejemplarmente inteligente y genuina de cine mainstream que viene a demostrar que la diversión y las risas también pueden traer consigo el razonamiento y la reflexión. Que la incorrección política puede abrir la puerta al humanismo. Y sí, la que nos dibuja y muestra es una sociedad enferma en busca de una posible cura. Algo tan aparentemente simple como comprender y empatizar con el individuo y ahondar en sus grietas es lo que pueda llevar a una posible regeneración como país y comunidad. El confrontación revertida en conciliación. Y entre medias, hay hasta cabida para un buen empacho de palomitas. Chapó.

14. FOXTROT

Gran Premio del Jurado Sección Oficial a Competición 

¿De qué va? 

"Foxtrot" cuenta la historia de una familia con problemas que se enfrenta a los hechos cuando algo va terriblemente mal en el remoto control militar donde está reclutado su hijo.

¿Qué ofrece?

La nueva película de Samuel Maoz es una de las películas importantes por las que recordaremos la Sección Oficial de esta nueva edición de Venecia. Una obra mayor que a pesar de no ser una película redonda, sí supone el merecido punto y seguido que exigía una excelente ópera prima como la que resultó ser "Lebanon", su sorprendente  predecesora. Si en la primera se nos mostraban 72 horas de la primera Guerra del Líbano vividas desde el interior de un tanque en el que encontrábamos un grupo de soldados inseguros y un prisionero sirio que desearía estar muerto, en "Foxtrot" nos adentramos en un microcosmos similar, formado en este caso por cuatro jóvenes e inexperimentados soldados que cumplen servicio en un remoto puesto de vigilancia cerca de la frontera con Palestina. Con la pequeña gran diferencia que si en la claustrofóbica "Lebanon" nunca llegábamos a salir del tanque en el que el batallón estaba encerrado, en "Foxtrot" en cambio si adquiere un gran protagonismo el espectro familiar de uno de ellos. O mejor dicho, las supurantes consecuencias que sus progenitores padecen por el hecho de que su hijo esté recluido en el ejército. De la guerra del Líbano al conflicto con Palestina. De la brutalidad por la que se regía la primera, a la absurdidad que golpea la segunda. Y ambas compartiendo un mismo punto de mira: Israel. Con sus virtudes y defectos, la imponente y sobrecogedora "Foxtrot" viene a confirmarnos el indiscutible pulso que Samuel Maoz atesora como realizador. Tanto a la hora de rodar, montar y construir planos, como a la hora de gestar y desarrollar el guión. Es una película ambiciosa, estéticamente hablando transgresora e innovadora (aquí hay cabida para movimientos de cámara imposibles, planos secuencia cenitales y hasta números musicales o incluso animaciones) que quizás se desinfla en su tercer acto por caer en el melodrama sensacionalista, dando a lugar a unos golpes de efecto un tanto forzados y rebuscados. Aún y así, fue una de las primeras grandes favoritas a ocupar un lugar privilegiado en el Palmarés final. Y así fue

15. HANNAH

Mejor Actriz Sección oficial a Competición

¿De qué va?

Hannah cuenta la historia de una mujer que se queda sola cuando su marido es arrestado y no sabe enfrentarse a la realidad.

¿Qué ofrece?

Está claro que con la  cruda y austera "Hannah" el director italiano Andrea Pallaoro demuestra tener muy presente la gran labor de Chantal Akerman, una de las cineastas feministas que más han hecho por la feminidad en el cine y a la visibilización de la mujer. Y en concreto, su película cumbre "Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles", la que no solo supuso un antes y un después en la cinematografía europea, si no que también fue nombrada la "primera obra maestra de lo femenino en la historia del cine" por todo un New York Times allá por 1976. En ella se retrataba la vida de Jeanne Dielman, una joven viuda con un hijo que seguía su vida con un orden inmutable: mientras el muchacho estaba en la escuela, ella se ocupaba de las tareas domésticas por la mañana y ejercía la prostitución por la tarde. Y durante las más de tres horas de duración que duraba la película, nosotros vivíamos su día a día con ella.En este sentido, respecto a estos mimbres, claros son los paralelismos que encontramos, tanto a nivel el estilístico (muchos de sus planos son claros homenajes) como en cuanto estructura argumental (seguimos el día a día, su rutina y cotidianidad) en la segunda película del emergente realizador italiano, que ha sido presentada a concurso esta nueva edición del Festival de Venecia. Un inesperado referente al que en este caso, cabe añadir otro más recurrente aunque no por ello menos estimulante: el de Michael Haneke. "Hannah" explora el sufrimiento de una mujer atrapada por las decisiones que ha tomado, paralizada por sus inseguridades y dependencias, así como por su propio sentido de la lealtad y la devoción. Una investigación que está enfocada a diseccionar la percepción humana de la alienación y la intimidad, así como alertar sobre la decadencia y desintegración de la familia como organismo e institución, hecho que ya era la base sobre la que se construía su reveladora ópera prima "Medeas". Críptica y elíptica a todos los niveles, "Hannah" dosifica de forma tan sobria como precisa la información que brinda al espectador, destapando con cadencia sobrecogedoramente hipnótica el contexto tan crudo y doloroso sobre el que levita. La verdad nunca se nos muestra aunque desde luego, bien que sacude y golpea. En resumidas cuentas, la que os presentamos es una mujer bajo la influencia de Akerman y Haneke. Queda todo dicho.

16. BRAWL IN CELL BLOCK 99

Proyección de Medianoche

¿De qué va?

Bradley es un ex-boxeador con un matrimonio a punto de romperse que pierde su empleo como mecánico de coches. Debido a esta sensación pesimista, acaba decidiendo que su mejor opción es trabajar para un viejo amigo traficando drogas. Esta decisión mejorará su vida hasta que se ve envuelto en un tiroteo entre la policía y sus aliados; situación que le acaba llevando a la cárcel. Allí sus enemigos le obligarán a cometer actos de violencia y convierten el lugar en un campo de batalla. Programada para ser proyectada a medianoche, "Brawl in Cell Block 99" fue presentada por Alberto Barbera como la película más salvaje y desproporcionadamente violenta que veremos este año en Venecia. Le creímos en su momento y hoy nos reafirmamos en ello. Y es que su antecedente, que no es otro que la explosiva "Bone Tomahawk", bien prometía fiesta.

¿Qué ofrece?

Un clásico instantáneo del cine pulp y la serie B contemporánea que no tan solo destaca por el empleo abrupto de ultraviolencia más extrema. También por significar aquella película que aglutina las hostias más salvajes  que un servidor recuerda desde la impactante "The Raid". Aún y así, aviso para navegantes, si eres de los que te embauca la parafernaria Michael Bay y concibes la ostentosidad del montaje acelerado como principal arma para vivir la violencia desde una experiencia rebosante de excitación y velocidad, "Brawl in Cell Block 99" probablemente no sea tu película,. Ahora, si eres de los que le gustan los enfoques que se cuecen a fuego lento hasta estallar en una catarsis de mamporros a lo bestia, la que nos ocupa está llamada a ser una de las películas por las que seguro, recordarás este año. Y es que no, en "Brawl en Cell Block 99" no tenemos celdas apiladas una sobre la otra, tampoco hay ruidos estruendosos de presos furiosos como a los que nos tienen acostumbradas la mayoría de producciones que a uno le pueden venir a la cabeza cuando hablamos de cine carcelario. Lo que si que tenemos en cambio es un protagonista moralmente ambivalente, una figura emocionalmente trastornada con una fuerte tendencia a la violencia que a pesar de ello, demuestra tener fuertemente arraigados sus principios y valores. Así como un principal motor de vida por el que está dispuesto a reventar el rostro de quien haga falta: su mujer y su futuro bebé. Si hay una virtud a destacar entre las múltiples que "Brawl in Cell Block 99" atesora, esa es que su director demuestra ser muy consciente de sus limitaciones (ante todo a nivel económico) y muy consecuente con ellas en lo que a su ambición se refiere. Un handicap convertido en ventaja gracias a una ejemplar aplicación de economía de recursos. Señal de ello es que la coreografía de movimientos y el trabajo de sonido resulta el principal motor para trasladarnos la violencia. Sangre vemos poca, disparos contados, explosiones ninguna. Sin embargo, pocas películas pueden llegar a ser tan feroces e implacables como "Brawl in Cell Block 99". En definitiva, entre rejas y a lo bestia. Un midnight madness en toda regla.

17. GA'AGUA (LONGING)

Premio del Público Jornada de los Autores

¿De qué va?

Ariel es convocado en un bar por la novia que tenía en sus años universitarios, a quien llevaba 20 años sin ver. Y lo hace para contarle que de su relación nació, 20 años atrás, un niño que Ariel nunca conoció y que nunca podrá reconocer porque acaba de morir en un accidente. Ariel nunca había deseado tener hijos pero, a raíz de esto, se ve teniendo que saldar cuentas con una oportunidad perdida.

¿Qué ofrece?

Lo que sobre el papel parecía tener todos los ingredientes necesarios para un melodrama hebreo, espeso y lacrimógeno, acaba por erigirse en la comedia más particular e inclasificable de cuantas hemos podido disfrutar en el presente Festival de Venecia. "Ga'Agua (Longing)" es una película que descoloca, tan completamente imprevisible en su registro (sin apenas pestañear, del drama más profundo pasamos a la comedia más hilarante) como abrupta en el devenir de la acción (uno nunca se espera lo que acaba por pasar). Una obra rebosante de situaciones extravagantes, a cada cual más surrealista que la anterior si cabe, que ante todo nos habla de la paternidad, o del viaje iniciático que debería llevar a su protagonista a ella. El problema es que su figura como padre está ya muerta y la misión ¿imposible? en la que se embarca no es otra que reavivar este rol desde sus propias cenizas. Rodada con pulso firme (se nota la mano y experiencia del realizador Savi Gabizon, retirado de las pantallas durante 14 años tras el éxito que cosechó con sus tres primeros largometrajes) interpretada con revelador aplomo (Shai Avivi es uno de los actores de comedia más conocidos de Israel) y genuinamente construida sobre el incipiente empleo de un sentido del humor de lo más esquinado, "Ga'Agua (Longing)" acaba por erigirse en una mirada especial, una reflexión aguda sobre como encontrarse cada uno consigo mismo y ser capaz de abrirse al mundo cuando es corroído por la amargura y el egoísmo.

18. LOS VERSOS DEL OLVIDO

Mejor Guión Sección Orizzonti

¿De qué va?

El conserje de una morgue remota (Juan Margallo, de El espíritu de la colmena) halla el cuerpo de una joven probablemente asesinada por la milicia durante la serie de manifestaciones que todavía hoy dura. A raíz de ello, decide hacer todo lo que está en su mano por evitar que acabe en una tumba sin nombre. Con la ayuda de un sepulturero que parece saberlo todo sobre todo el mundo que ha enterrado, una mujer en busca de su hija desaparecida y otros misteriosos personajes con que se topa en su camino, se embarca en un viaje hacia su propio pasado.

¿Qué ofrece?

El iraní Alireza Khatami, quien fuera asistente de dirección de Ashgar Farhadi, ha ensamblado una de esas sorprendentes óperas primas que pone a su debutante director en el mapa. Las memoria histórica confrontada con el realismo mágico. La esencia y espíritu de películas como "Post Mortem", del universo de autores como Patricio Guzmán o Gabriel García Márquez, se da de bruces con la vocación experimental por el que se ha distinguido el cine de Abbas Kiarostami, también por la esencia literaria de Franz Kafka. "Los Versos del Olvido" es más una meditación sobre la vida y la muerte que otro ejemplo más de cine de denuncia sobre las muertes no reconocidas en la época de la dictadura, que también. "Los Versos del Olvido" probablemente suponga la película más formalmente trabajada de cuantas este año se han presentado en Orizzonti, también de las más conceptualmente complejas (su selección para Wavelights en Toronto da buena cuenta de ello). Tan solo el subrayado de su carácter metafórico desinfla un tanto el que supone para un servidor, uno los más gratificantes descubrimientos por los que recordaremos esta 74 edición de la Mostra de Venecia.

19. FIRST REFORMED

¿De qué va?

Un cura con antepasado militar se hace amigo de una joven e inicia una investigación que desemboca en una iglesia cómplice de corporaciones con pocos escrúpulos.

¿Qué ofrece?

Muchos se preguntaban cómo era posible tener a Paul Schrader en la lucha por el León de Oro ateniéndose a las horas bajas por las que ha atravesado su cine en los últimos años. Pero ya se sabe, mala hierba nunca muere, y la que nos ocupa probablemente suponga la mejor película de su director desde "Afliccion". "First Reformed" es un thriller religioso formalmente austero (rodada en 4:3, compuestos los planos con elementos mínimos y siempre muy calculados y simétricos) argumentalmente muy contenido (en ella yace una amenaza constante que, sin embargo, nunca parece llegar a estallar) y ante todo, constantemente malrollero y pernicioso. Y lo mejor de todo es que sus personajes vuelven a verse azotados por el tormento que propulsa las dementes motivaciones de Travis Bickle. Estados Unidos como una nación irrevocablemente decadente y enferma. Y en medio de todo ello Ethan Hawke en el papel de cura atormentado en una suerte de "Taxi Driver" bressoniano, protagonizando la que bien podríamos señalar como "Diario de un cura rural" en versión pulp. Tan contenido como perturbado, el protagonista de "Antes del Anochecer" nos brinda una de sus más potentes interpretaciones de los últimos años. Y sí, ahora ya podemos atestiguarlo bien alto y claro. Paul Schrader está de vuelta.

20. LES BIENHEREUX

Mejor Actriz Sección Orizzonti

¿De qué va? 

"Les Bienhereux" está ambientada en Argel varios años después de la guerra civil. Amal y Samir han decidido celebrar sus 20 años de matrimonio en un restaurante. Durante el trayecto, los dos evocan sus traumáticos recuerdos: Amal, a través de la pérdida de sus ilusiones, y Samir, por la necesidad de adaptarse a ellas. Mientras tanto, su hijo, Fahim, y dos amigos, Feriel y Réda, deambulan por una Argel cerrada sobre sí misma.

¿Qué ofrece?

El primer largometraje de Sofia Djama, cineasta conocida por el corto "Mollement, un samedi matin" (adaptación de una de sus novelas cortas que fue galardonada en Clermont-Ferrand en 2012 y que ha recorrido el circuito de festivales) representa en términos cinematográficos un estado psicológico, más bien postraumático, causado por la guerra civil que ha devastado un país entero. Tanto a nivel fisiológico como ideológico. Partiendo del retrato íntimo, del espectro sentimental y familiar, "Les Bienhereux" nos muestra como este conflicto bélico ha construido una opinión, ha transformado unas expectativas o incluso influenciado el sentido de prioridades de un pueblo innerte y bloqueado a día de hoy. Ya sean de la generación que sean o el origen que tengan, hayan vivido la guerra en primera persona o no, padres e hijos viven estigmatizado por unas heridas de guerra que nunca llegan a cicatrizar. La frustración y el orgullo causado por el dolor, por la pérdida de una forma de vida y de los seres queridos, colidan con el desconcertante inmovilismo en el que esta sumido Argelia. Tanto desde sus esferas políticas como desde ese pueblo llano que bien debería luchar por combatirlo. Los anhelos de revolución, tan necesarios como dilapidados, son el fiel reflejo de unos sueños rotos que sin grandes alardes a nivel directorial aunque si apoyada en una gran labor interpretativa de Sami Bouajila (Premio a Mejor Actor en Cannes 2006 por "Días de Gloria") y Nadia Kaci (que merecidamente se ha hecho con el reconocimiento a Mejor Actriz) logra dejar su merecido poso. Toca reflexión.

21. THE THIRD MURDER

Sección Oficial a Competición

¿De qué va?

El conocido abogado Shigemori defiende a Misumi, acusado de robo con homicidio, que ya cumplió pena de cárcel por otro asesinato hace treinta años. Las posibilidades de que Shigemori gane el caso son escasas ya que su cliente reconoce ser culpable, aunque esto probablemente signifique la pena de muerte. Pero a medida que desentraña el caso y escucha los testimonios del propio Misumi y de su familia, Shigemori empieza a dudar de la culpabilidad de su cliente.

¿Qué ofrece?

"The Third Murder" bien podemos presentarla como un thriller Kore-edano, con todo lo que este concepto conlleva y sugiere. Por un lado, la incursión en el universo criminal de Kore-eda levita sobre las mismas señas de identidad que distinguen los dramas familiares a los que su inconfundible cine nos tiene acostumbrados. La que su nueva película nos dibuja es una mirada sensible, compasiva y entrañable (por más que en este preciso caso su contexto resulte especialmente malsano e hiriente) hacia los grandes dramas que asolan y sacuden nuestro sentido de la vida desde el contexto familiar, desde la relación entre padres e hijos, como puede ser el caso del abuso, el rechazo o incluso, la muerte. Por el otro, estamos ante una personalísima muestra de cine criminal y judicial que trae consigo retazos a los que nos tiene acostumbrados el nuevo thriller coreano. Tanto en lo que a su complejidad formal se refiere (es el caso de la primera y significativa primera secuencia del asesinato, también el de muchos otros planos que en su disposición y cuidadísima plasmación bien evocan títulos como "I saw the Devil" o "Mother") como en lo que a su enrevesada y ambigua trama atañe. Es tan solo en la ausencia del empleo de la violencia explícita, que por descontado, no es la liga de Kore-eda (sorpresa mayúscula resultaría que así fuera) que se aleja del universo de Corea. De todas formas, si hay una cualidad principal a destacar de su nueva y distintiva película, esa es la reflexión que enarbola acerca de la ausencia de una única verdad. Es decir, estamos ante una obra abierta a multiples interpretaciones y miradas, una película exigente a todos los niveles que en todo momento juega con la perspectiva del espectador. En este sentido, lejos de presentar posibles ecos de thrillers como "Las dos caras de la verdad" como bien podríamos augurar, atesora de forma tan sugestiva como evidente la influencia del efecto "Rashomon". Una referencia de palabras mayores que el director de "Nadie Sabe" hace suya con todo el acierto y personalidad que de él podríamos esperar. Y no, el veredicto no tiene porque ser final.

22. LES GARÇONS SAUVAGES

Semana de la Crítica

¿De qué va?

Al comienzo del siglo XX, en la isla de Reunión, cinco chicos adolescentes, hijos de familias acaudaladas, cometen un crimen y son condenados a servir al Holandés, capitán de un barco que se convertirá en su particularísima cárcel. Tras muchas aventuras, llegan a una isla salvaje y sobrenatural en la que vive la Dra. Séverine. Allí, todo cambia para siempre.

¿Qué ofrece?

De lo errático y descerebrado puede acabar surgiendo el genio. Si por algo podemos valorar un debut directorial, independientemente del aplomo de su resultado final, es la valentía, el riesgo, o la seguridad en uno mismo que su propuesta pueda emanar.Valores que, precisamente, bien podemos atribuir a la radical ópera prima de Bertrand Mandico. Imagínense que Bruce LaBruce dirigiese "El Señor de las Moscas" con ecos de "La Naranja Mecánica" y "You and the night". Pues eso. "Les Garcons Sauvages" es un debut que tiene fuerza y descaro y que lejos de la insustancialidad argumental a la que su potente propuesta estética parece llevar (envuelta de un aura onírica y enmarcada en un granulado blanco y negro, de textura muy reminiscente a la empleada por LaBruce en precisamente "Super 8 1/2"), acaba por hilvanar una denuncia formalmente transgresora pero ante todo, profunda y reveladora, no tanto en pos del feminismo, como de la igualdad de género. Tanto es así que son 5 chicas, actrices no profesionales (Pauline Lorillard, Vimala Pons, Diane Rouxel, Anael Snoek y Mathilde Warnier) las que dan vida a los 5 chicos protagonistas. Toda una declaración de intenciones. Solo por ello, la que nos ocupa es una obra WTF cuya pista merece ser seguida. 

23. INVISIBLE 

Sección Orizzonti

¿De qué va?

Ely tiene 17 años.Va al colegio por la mañana y trabaja unas horas por la tarde, en una veterinaria.Cuando se entera que está embarazada Ely tiene miedo, esta angustiada, sabe que cualquier decisión que tome no tiene vuelta atrás.

¿Qué ofrece?

Un camionero y su camión, una madre soltera y su bebé de cinco meses. Ambos unidos para recorrer los 1500 kilómetros que separan Asunción de Buenos Aires y construir así una narración con gran rigor, pudor, sensibilidad, y sobre todo, silencio, la entrañable relación que surge entre ambos. Una Cámara de Oro en Cannes, un Premio de la Crítica Joven y un regalo para todos los sentidos fue lo que nos brindó seis años atrás "Las Acacias" de la mano de Pablo Giorgelli. Pues bien, ahora ha sido turno de "Invisible" en la Mostra. O más bien de su protagonista. Ely (y por lo tanto al excepcional trabajo, sublimemente contenido y matizado, de la actriz debutante María Laura Berch) a ella está dedicada, ella lleva todo el peso de la película a sus espaldas, ella es la visible protagonista de todos y cada uno de los planos sobre los que "Invisible" esta construida. Su mundo interior descubierto desde el exterior, una persona invisible para el mundo que la rodea pero profundamente presente para quienes le seguimos desde el otro lado de la barrera. Como espectadores, somos nosotros quienes vivimos como su mundo interior estalla aunque por fuera se empeñe en mantener su rutina como si nada ocurriera. Nunca mejor dicho, pequeña gran obra, también ciertamente bressoniana, que evita cualquier tipo de cliché melodramático

haciendo gala de una sensibilidad envidiable muy a pesar de la austeridad formal de la que se envuelve (no hay banda sonora, el enfoque es cuasi documental, acertadamente naturalista). Con todo ello "Invisible " es un estudio de personaje, de la crisis personal y existencial que padece y del paso forzado a la edad adulta que conlleva. Pero es también un retrato del país que habita, una Argentina en la que el aborto sigue siendo una práctica ilícita. No hay evolución y menos aún posibilidad de progreso. Ni para Argentina ni por su puesto, y menos aún, para Ely. Hagámosla visible.

 24. NO DATE, NO SIGNATURE 

Mejor Actor y Mejor Director Sección Orizzonti

¿De qué va?

El reputado médico forense Dr Nariman tiene un accidente de coche con un motociclista y lesiona a su hijo de 8 años de edad. Se ofrece llevar al niño a una clínica cercana, pero el padre rechaza su ayuda y dinero. A la mañana siguiente, en el hospital donde trabaja, el doctor Nariman descubre que al niño le están realizando una autopsia después de una muerte sospechosa.El Dr. Nariman se enfrenta a un dilema: ¿es responsable de la muerte del niño debido al accidente de coche o es el niño quien murió de intoxicación alimentaria según el diagnóstico de otros médicos?

¿Qué ofrece?

Ha sido otra de las grandes protagonistas en la Sección Orizzonti de este año, buena cuenta de ello nos da su merecedor doble protagonismo en el palmarés final. "No Date, No Signature" ahonda en las estrías de la sociedad iraní desde el espectro íntimo y personal. El sentimiento de culpa y de la responsabilidad hacen mella a través de una suerte de peripecia narrativa que nos llega excepcionalmente orquestada por el realizador iraní Vahid Jalilvand. Estamos ante una suerte de thriller social, que bien podría ser una de las subtramas de "Crash" trasladada al universo de Teherán. Una película ensamblada de forma ágil y con mucho ritmo, que no contenta de presentar un trabajo interpretativo descomunal, se construye sobre un preciso trabajo de edición y se articula con sobriedad a través de un guión rebosante de complejidad en el que el empelo de las elipsis y el fuera de campo son de una importancia clave. Y es que funcionan hasta sus inesperados (podrían parecer forzados) giros. Va para Bingo.  

25. NICO, 1988

Mejor Película Sección Orizzonti 

¿De qué va?

Película dedicada a los últimos años de Christa Päffgen, más conocida artísticamente como Nico. La musa de Andy Warhol y cantante de The Velvet Underground fue una mujer de una belleza legendaria. En la pantalla, la vemos vivir una segunda vida tras la historia que todos conocen, cuando inicia su carrera como solista.

¿Qué ofrece?

Curioso el caso, mientras en el pasado Festival de Cannes, la sección Un Certain Regard se inauguraba con "Barbara", un genial antibiopic dirigido por Mathieu Amalric y dedicado a la cantautora Bárbara, casualidad o no, Orizzonti (la sección de Venecia equiparable a lo que es Un Certain Regard para Cannes) ha seguido sus mismo pasos en lo que a temática y enfoque musical se refiere, inaugurando con "Nico, 1988", otra suerte de biopic dedicado en este caso a Christa Päffgen, la cantante de The Velvet Underground. Con forma de road movie desestructurada, resulta muy interesante como la ganadora de Orizzonti de este año incurre en el formato documental partiendo de la ficción (cuando normalmente suele ser al revés), como trabaja su lúgubre puesta en escena, que está muy cuidada y detallada (en ella encontramos claras señas del cine de R.W. Fassbinder, también del de Chantal Akerman) y resulta magnética en en el momento que emplea material de archivo para retratar la ciudad de Nueva York en los años 70 (como no podía ser de otra forma si éste viene cedido por todo un Jonas Mekas). Sin embargo, la nueva película de Susanna Nicchiarelli pincha a nivel argumental (no funcionan sus subtramas, un tanto forzadas) y también a nivel interpretativo. Trine Drynholm tiene ante sí un reto mayúsculo (más aún si tenemos en cuenta que quien es canta ella misma) y peca de sobreactuación, de excesiva mimetización. Y uno se queda con la sensación de lo que Todd Haynes hubiera sido capaz con este material entre manos. Sentimientos encontrados.

26. TEMPORADA DE CAZA

Premio del Público Semana de la Crítica

¿De qué va? 

Nahuel es un adolescente con una innata conducta violenta. Tras la muerte de su madre, viaja a la Patagonia, en el sur de Argentina, donde se encuentra con su padre biológico, al que no ha visto en más de una década. Ernesto es un respetado guía de caza que vive en las montañas con su segunda esposa y sus hijas. La reunión no resulta fácil, el orgullo y el resentimiento prevalecen tanto en el padre como en el hijo.

¿Qué ofrece?

El de Natalia Garagiola es otro de los debuts más potentes y reveladores que hemos descubierto en la presente edición de la Mostra. Ganadora del Premio del Público en la Semana de la Crítica, "Temporada de Caza" nos habla del que ha sido otro de los temas más recurrentes del festival es decir, del paso abrupto de la adolescencia a la edad adulta, en este caso debido a la muerte de una madre y al reencuentro de su hijo adolescente con su padre tras 10 años de distanciamiento. El caso es que lo hace demostrando una gran personalidad, a través de una obra rodada y enmarcada con fuerza y desgarro, ensamblada sobre un tenso y nervioso trabajo de cámara con el que se nos traslada la furia y visceralidad que azota y por la que se rige un nihilista Nahuel. Es un cine de choque y de crecimiento personal, una película de una imponente fisicidad que a nivel temático no tiene nada nuevo que contar pero sí a nivel formal y conceptual. Rabiosa y encolerizada en su superficie, tremendamente delicada y sensible en su interior, "Temporada de Caza" te hace presa y no te suelta hasta su emocionante tercer acto, en el que no necesita de grandes gestos ni golpes de efecto para dejar a uno conmovido y compuesto.  

27. JIM & ANDY: THE GREAT BEYOND

Sección Oficial Fuera de Competición

¿De qué va?

Una mirada entre bambalinas de la película "Man on the Moon" (1999) de Milos Forman, y de cómo el actor Jim Carrey adoptó completamente y de forma radical la personalidad del cómico Andy Kaufman y su alter ego Tony Clifton. 

¿Qué ofrece?

Un deleite metacinematográfico que rompe la cuarta pared para adentrarnos en el extremo proceso creativo a nivel interpretativo que llevo a cabo Jim Carrey ala hora de meterse en la piel de Andy Kaufman. Imágenes inéditas guardadas a buen recaudo por Universal junto con una larga entrevista al propio Carrey forman este imperdible documento que más allá de su supuesto carácter anecdótico, se erige en una fascinante reflexión sobre la identidad, la fama y ante todo, lo límites de la creatividad. Cuando hizo “Man on the Moon”, Carrey era una gran estrella que devengaba millones de dólares por comedias como “Ace Ventura: "Un detective diferente”, “La máscara” y “Dos tontos muy tontos”. Pero, tal y como revela en el documental, se sentía vacío. Ahora en cambio se pasa gran parte del tiempo pintando, haciendo esculturas y afirma que el Carrey actor no era más que una creación que derivó de una necesidad de aprobación que tuvo desde niño. La respuesta a este cambio de rumbo, a esta nueva vida, podemos encontrarla en este extraordinario documental dirigido por Chris Smith y producido por Vice. Una mirada subversiva a todos los niveles, incluso a ratos eminentemente psicótica, que a camino entre la comedia más imprevisible y esquinada (la gracia no está tanto en la caracterización non-stop que Carrey llevó a cabo, sino en como afectaba y descolocaba a sus compañeros de rodaje, como es el caso de Danny DeVito, Paul Giammatti o por supuesto, Milos Forman) y el drama más sensible e hiriente (para que se hagan una idea, tengan en cuenta que incluso toda la etapa del cáncer terminal que acabó con la vida de Kaufman, Carrey la vivió en todo momento, ante y tras la cámara, como si fuera él mismo quien lo padeciera) desemboca en un personalísimo estudio metacinematográfico de incalculable valor, no solo cinéfilo, sino ante todo humano. Tal y como diría el propio Carrey, "Jim & Andy" no es más que “una versión extrema de como alguien puede llegar alejarse de uno mismo”. Nunca mejor dicho.

28. L'INSULTE

Mejor Actor Sección Oficial a Competición

¿De qué va?

"L’insulte" nos cuenta el día que Toni, cristiano libanés, riega las plantas de su balcón. Un poco de agua se derrama accidentalmente en la cabeza de Yasser, palestino y capataz de una obra. Entonces estalla una pelea. Yasser, furioso, insulta a Toni. Herido en su orgullo, Toni decide llevar el asunto ante la justicia. Comienza así un largo proceso en el que el conflicto tomará una dimensión nacional, enfrentando a palestinos y cristianos libaneses.

¿Qué ofrece?

Orgullo y prejuicio. Estructurada a través de la típica trama de película de juicios (se desata el conflicto, el enfrentamiento, la denuncia, su consecuente juicio y se desemboca en la catarsis que supone el veredicto final), "L'Insulte" incurre desde un punto de vista, políticamente hablando, tremendamente conciliador e indiscutiblemente objetivo, en las heridas abiertas causadas por el enfrentamiento por la guerra del Líbano que actualmente sufren palestinos y cristianos en el país árabe. Lo que empieza como un mero insulto, un rifi-rafe entre dos personas, desemboca en un enfrentamiento religioso que atañe y enfrenta a una nación entera. Una crisis social que lleva el orgullo y la intolerancia como principales punta de lanza y que viene a demostrarnos que la ira nos convierte a todos en iguales, independientemente de nuestra religión o raza. Si hay una principal virtud a destacar de la nueva película de Ziad Douieri es que no señala víctimas ni culpables. Es decir, lejos de tener un discurso de denuncia posicionada, su punto de vista resulta ser reveladoramente conciliador. El problema, una realización tosca y subrayada (tanto en cuanto a encuadres, a montaje, así como a empleo de banda sonora) que sin embargo, uno ve claro que está encaminada a darle accesibilidad a la obra. Una accesibilidad que por otro lado, en este caso queda más que justificada. Tan solo por ello, toca reivindicarla.

29. SUBURBICON

Sección Oficial a Competición

¿De qué va? 

Verano de 1959. La familia Lodge se muda a Suburbicon, una comunidad residencial pacífica e idílica con viviendas asequibles y céspedes impecables... el lugar perfecto para criar una familia. Pero la aparente tranquilidad esconde una realidad perturbadora. El cabeza de familia de los Lodge, Gardner se sumergirá en el lado oscuro del pueblo, lleno de traición, engaños y violencia. Este es un cuento de gente imperfecta que toma muy malas decisiones.

¿Qué ofrece?

Un "Pleasantville" convertido en Charlottesville bajo la influencia de "Fargo" y "Sangre Fácil". George Clooney recupera la buena forma tras el fiasco que supuso "The Monuments Men". Su nueva y desatada película bien podríamos presentarla como un satírico divertimento intrínsecamente coeniano que supone además, una mirada de rabiosa actualidad tras los deplorables sucesos acaecidos en Charlottesville. "Suburbicon" bien funciona como una fábula cómica tremendamente negra. La que dibuja es una América superficialmente perfecta pero ante todo, profundamente pérfida, que no contenta con presentar claros ecos de "Fargo" y "Sangre Fácil", enarbola una llamada de urgencia sobre unos Estados Unidos que desde la llegada de Trump a la Casa Blanca, tiene en el racismo un tema más candente que nunca. El patetismo de sus personajes (marca de la casa coeniana) así como el más incipiente y agudo cinismo de su discurso y por supuesto, su soberbio diseño de producción (además de un abrupto y estilizado empleo de la violencia) hacen de "Suburbicon" la mejor película que George Clooney ha dirigido desde "Buenas noches y buena suerte" hasta la fecha. Hollywood no podía tener mejor representante aquí en Venecia, más aún teniendo en cuenta que vino acompañada de "Downsizing",  "Tres anuncios a las afueras de Ebing, Missouri" y "First Reformed". Ahora sí, This is América.

30. WOODSHOCK

Cinema nel Giardino

¿De qué va? 

"Woodshock" es la exploración hipnótica del aislamiento, la paranoia y el dolor que existe en el particular mundo de Theresa, una joven que entra en una tremenda espiral debido a su fracturado estado emocional y los efectos de una potente droga.

¿Qué ofrece?

La que probablemente sea una de las películas más sensoriales y hermosas de la temporada. Visualmente arrebatadora, lo que la esbelta "Woodshock" nos propone es una experiencia lisérgica en su dimensión más embaucadora y cuidada. Un ejercicio de estilo sublime que partiendo de la carta blanca que supone el consumo de una droga alucinógena da rienda suelta a una obra de arrebatador poderío atmosférico que ante todo nos habla de un estado de luto marcado por el sentimiento de culpa. Es decir, algo tan supuestamente abstracto como plasmar en imágenes un sentimiento, una sensación. No hay más. Esa es su quimérica ambición, la cual las hermanas Mullevy cumplen con creces. No hay sustancia en su fondo pero si embriagación en su dispositivo. Estamos ente una fascinante mirada que se palpa y te empapa, que se siente y te conmueve, que te sumerge y te sorprende y que salvando las distancias, eso sí, con muchas menos capas a nivel narrativo, tiene en el "Upstream Color" de Shane Carruth su principal referente. Este imponente debut es una obra de orfebrería que trabaja la textura de imagen, la luz y el sonido como pocas veces se ha visto. Tanto es así que la superficialidad argumental acaba por resultar del todo intrascendente. Hipnótica a todos los niveles. El cine como experiencia, nunca mejor dicho.

BONUS TRACK: THE DESERTED

Sección Oficial a Competición VR

La realidad virtual en el cine continúa buscando reconocimiento en festival de prestigio como Venecia para consolidarse más allá del experimento cinematográfico o la curiosidad del momento y alguien del talante de Tsai Ming Liang nos ha dado buena cuenta de ello. Ganador del León de Oro en 1994 por "Viva el amor", el realizador thailandés ha vuelto a pasear por el Lido con un nuevo e innovador proyecto titulado "The Deserted" que también puede presumir de ser la primera película china jamás producida en VR. Y es que más allá del carácter de anecdótico experimento cinematográfico que presumía ser, la nueva y gran noticia es que estamos ante otra nueva película de Tsai, o mejor dicho, ante una inmejorable oportunidad de sentirnos parte y vivir desde dentro, en primera persona, una película de Tsai, la cual aglutina todas y cada una de sus principales señas de identidad. En ella, su actor fetiche Lee Kang-Sheng da vida a un hombre solitario que se recupera de una enfermedad en una casa remota de la montaña, donde recibe la visita de su madre y tiene una vecina fantasma. A partir de aquí, todos aquellos adeptos al cine de Tsai sabéis que esperar y sobre todo contemplar, o no. Porque verse uno mismo inmerso en ella es algo que se tiene que vivir experimentar, son sensaciones que difícilmente se pueden explicar. Es sin duda, la experiencia más memorable por la que un servidor recordará esta 74 edición de la Mostra. 


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