Lo Mejor del Festival de Venecia 2016

Autor: Joan Sala Fuente: Filmin

Lo Mejor del Festival de Venecia 2016

Con la 72 edición de la Mostra recién finiquitada, destacamos aquellos 25 títulos que por diferentes razones más nos han sorprendido. Hablamos de un año que ha tenido en el ingrediente universal y cósmico uno de sus principales leit motivs. De Malick a Villeneuve pasando por la experimental "Spira Mirabilis" o incluso Amat Escalante y Andrew Domink. Así es, películas que reflexionan sobre la sociedad mexicana o hasta Nick Cave han tenido como inesperada característica principal una idiosincrasia que abraza la dimensión galáctica. Hasta el infinito y más allá, sí, pero empezando por la época que marca "Une Vie", favorita de la crítica, olvidada por el jurado oficial que ha presidido Sam Mendes y que es para nosotros, sin duda alguna, la mejor película que este 2016 ha pisado el Lido. A ellas.

1. UNE VIE

PREMIO FIPRESCI

En pocas palabras:

Un ejercicio de estilo tremendamente distintivo que directamente nos lleva a las "Cumbres Borrascosas" de Andrea Arnold.

En unas cuantas:

La de Stéphane Brize es una obra prácticamente maestra, película de época ejemplarmente singular, rodada en formato 4:3 o mejor dicho, en 1:37 para ser exactos, en la que no hay planos generales, tampoco encuadres en la que aparezcan más de 4 personajes ni mucho menos, grandes alardes escénicos que reflejen la opulencia de un gran presupuesto. Más bien, todo lo contrario. Lo que "Une Vie" representa es una trascendente inmersión en la vida íntima de su protagonista enmarcada en una época hostilmente sacudida por la opresión social y el disforme poder de la religión. Una obra extraordinaria de tratamiento absolutamente naturalista que tiene en la cámara, en la forma de incrustarse y retratar a su personaje principal, una de sus grandes virtudes, aquella que principalmente le dota de la abrumadora profundidad emocional por la que sublimemente se distingue. Pero su grandeza no solo yace en su estimulante propuesta formal, también en la arriesgada concepción de una narrativa que, ante todo, brilla por su soberbio empleo de las elipsis. Un recurso narrativo tan sugestivo y excitante de concebir, como extremadamente complejo de plasmar, que sin embargo, el realizador galo logra llevarlo a su máxima expresión dotándole de una inmejorable funcionalidad: la de evitar, más bien obviar, el efectismo dramático que bien podría atañer a los inesperados giros y golpes de efecto que presenta su elaborado y cuidado guión. Obra definitivamente mayor. Sorpresón.



2. VOYAGE OF TIME

SECCIÓN OFICIAL

En pocas palabras:


"El árbol de la vida" + National Geographic + "2001: odisea en el espacio". También podríamos presentarla como la otra cara de la moneda de "Safari".

En unas cuantas:

Una excelso deleite visual de belleza cósmica y amor incondicional, que directamente sumerge a los espectadores en la historia del universo y la vida a partir del milagro de la creación."Voyage of Time" sorprende por arraigarse firmemente a la Tierra y no tanto al universo como de Malick podríamos esperar. Por dejar de lado la creencia religiosa para abrazar de lleno la divinidad del panteísmo y devolver así a su padre y autor a sus orígenes paganos, aquellos que tienen como principal Dios una madre naturaleza a la que constantemente convoca y hace referencia a través de un discurso poético tremendamente evocador, de un halo esclarecedoramente filosófico, metafísico y ante todo, espiritual. Un discurso que reivindica la armonía con la que el ser humano debería relacionarse con su entorno natural, una sublimación de una comunión que prácticamente reclama la unión del todo (y con ello me refiero a toda forma de existencia) como parte de una misma sustancia, un mismo magma de vida. Para echarse a llorar, sí, pero ante todo para reflexionar y dejarse llevar (o más bien dejarse retornar) a la pureza y preciosidad de un 'más allá' que jamás podremos volver a recuperar, y mucho menos abrazar.



3. ONE MORE TIME WITH FEELING

FUERA DE COMPETICIÓN

En pocas palabras:

El gran documental musical del año.

En unas cuantas:

Resulta especialmente destacable que lo nuevo de Andrew Dominik comience con Nick Cave reflexionando sobre su evolución musical partiendo del novedoso carácter no narrativo de su nuevo disco, Skeleton Tree. Hecho que el propio direcotr de "Mátalos Suavemente" se aplica a la hora de concebir "One more time with feeling", un majestuoso documental rodado en blanco y negro que presenta un apabullante empleo del 3D para retratar, no solo el proceso creativo de su nuevo álbum, ni tampoco para ceñirse exclusivamente al retrato artístico e íntimo de Cave. Lo que "One more time with Feeling" presenta es un epítome de todo esto que ante todo reflexiona acerca de su propia existencia y su relación con el universo. Sí, con el largo y ancho del universo. Y lo hace a raíz de la traumática pérdida de uno de sus hijos, a quien de principio a fin va dedicado el disco, dejando espacio además para erigirse en un imprevisible ejercicio de metacine que cavila acerca de las diferentes técnicas empleadas para deleitarnos con este innovador documental musical. Un excelso y expansivo making of de un poderío emocional absolutamente embriagador y una factura formal insólitamente espectacular en el que incluso hay espacio para que el propio Cave se cuestione su propia participación en el film. Hasta el infinito y más allá.



4. FRANTZ

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN

En pocas palabras:


Lo que se presentaba como un posible cruce entre "Tom a la Ferme" y "Loreak" acaba por resultar la película más clásica, elegante, sutil y contenida de François Ozon hasta la fecha. "Frantz" supone su personalísimo homenaje a Stefan Zweig.

En unas cuantas:

Si en su anterior "Una Nueva Amiga" uno de los cineastas más iconoclastas y transgresores del momento como es François Ozon sorprendía a propios y extraños por abrazar de lleno la esencia cómica del cine clásico (concretamente la desatada screwball comedy que en su día ya encumbraran "Con Faldas y a lo loco", "Víctor o Victoria" o incluso "Tootsie") con "Frantz" parece ir un paso más allá si cabe, volviendo apuntar nuevamente al clasicismo, aunque en este caso desde un sofisticado, sensible y delicado registro melodramático que ante todo resulta académico. Y sí, académico. Es decir, "Frantz" sorprenderá a todo fan del cine de Ozon básicamente porque no sorprende como de él se espera, y es precisamente aquí donde yace su principal sorpresa. Estamos ante el Ozon más emotivo y contenido, lo cual no significa que el director de "En la casa" evite establecer ese juego directo con el público que tanto le distingue como realizador. La diferencia yace en que su nueva y deliciosa película conscientemente juega a dinamitar las expectativas de todos aquellos que estamos familiarizados con el particularísimo estilo provocativo de su cine. Una constante interpelación al espectador que resulta tan magnética como estimulante. Mención aparte merece el exquisito y refinado registro estético que "Frantz" presenta, pasando del pulcro empleo del blanco y negro al sorprendente empleo el color de la manera más inesperadamente rompedora posible. Y ahí lo dejo. Sublime.



5. LA LA LAND

MEJOR ACTRIZ

En pocas palabras:

Un canto al Oscar

En unas cuantas:

En "La La Land" colidan los dos mundos que principalmente distinguen la obra de Damien Chazelle: el amor por el cine que representa Mia (Emma Stone), así como la pasional melomanía por el jazz que desprende Sebastian (Ryan Gosling). Dos almas en pena, cada una en busca de su gran sueño americano: ella, ser una estrella de Hollywood, él, del jazz. Y entre medio, una mágica historia de amor marcada por la melancolía tanto como por el humor, por el constante homenaje al cine clásico que distingue la época dorada de Hollywood (y que se atisba desde la cortinilla Cinemascope que luce a su comienzo) tanto como por la constante puesta al día que Chazelle brinda a uno de sus grandes géneros por excelencia: el musical. Y es que "La La Land" podríamos definirlo como un musical contemporáneo que en el fondo, no lo es tanto. Me explico. La nueva joya del director de "Whiplash" empieza pisando fuerte, ofreciéndonos una de las escenas de apertura más explosivas y rimbombantes de cuantas seguro, disfrutaremos a lo largo del año. Una escena musical extraordinaria rodada en un majestuoso plano secuencia que tal y como sucediera en claros referentes como son "Brigadoon" o "Cantando bajo la lluvia" mismamente, tiene en la cámara su principal protagonista. Así comienza un primer acto encabezado por unos desternillantes números musicales que sin embargo, desaparecen en un segundo acto que todo hay que decirlo, a la hora de profundizar en la historia de amor que viven Sebastian y Mia se desinfla un tanto. Y no es hasta su conclusión que el 'tarareo' volverá adueñarse de la puesta en escena. Un hecho insólito en lo que al musical clásico de Hollywood se refiere, donde el canto y el baile siempre han estado presentes a lo largo y ancho de su metraje. Es por ello que incido en destacar que pese a la soberbia interpretación de Stone, pese a la admirable aportación de Gosling, pese a sus memorables números musicales, la verdadera estrella de la hermosa y estilizada "La La Land" no es otro que su director. Con tan solo 31 años de edad el joven Damien Chazelle va camino de convertirse, si no lo es ya, en el hombre más buscado por los grandes estudios. Y es que hablamos de alguien que ante todo, imprime a su melómana obra cinematográfica su inconfundible sello de autor. Y no olvidemos que esto es Hollywood, amigos. A bailar.



6. JACKIE

MEJOR GUIÓN

En pocas palabras:

Un biopic político ejemplarmente existencial.

En unas cuantas:

En efecto, "Jackie" se presenta desde su superficie como un biopic político que se construye desde un momento clave en la vida de su personaje central. Y por supuesto que lo es, aunque en este caso su carácter es ante todo marcadamente existencial. O mejor dicho, existencialmente subversivo. El hecho de contar desde los ojos de la primera dama los días posteriores al asesinato de su marido no es más que un vehículo para profundizar en lo que a Pablo Larrain verdaderamente le interesa: la crisis existencial que provoca la muerte de su marido en la que fuera primera dama, en cómo se manifiesta la alienación, hasta entonces soterrada, a la que su propia persona y personalidad ha sido sometida como personaje público. Una primera dama que desde el momento que pasa a ser la mujer del presidente de Estados Unidos renuncia a su propia identidad como Jacqueline para reconocerse como Miss Kennedy. Y claro, es por ello que el título del filme no podía ser otro que "Jackie", y es por ello también que de entre todos los momentos profundamente íntimos que la película transita (y que incluyen conversaciones con sus hijos o con su cuñado Bobby Kennedy) los más trascendentales son aquellos que comparte con el cura interpretado por John Hurt. Es donde precisamente se reflexiona acerca de su existencialidad como la persona que dejó de ser. En otras palabras, desde donde se penetra al corazón y alma de "Jackie", y a la que llega a través de una majestuosa propuesta formal que no solo es capaz de ficcionalizar y reinterpretar las (supuestas) imágenes de archivo con absoluto poderío evocador, sino que también trabaja sus estilizados flashbacks con un cuidadísimo tratamiento del encuadre y la textura de imagen. Tendrá su merecido protagonismo en los próximos Oscar. No lo duden.



7. LA REGIÓN SALVAJE

MEJOR DIRECTOR (EX-AEQUO)

En pocas palabras:

El "Post Tenebras Lux" de Amat Escalante.

En unas cuantas:

"La Región Salvaje" viene sacudida por la visita de un monstruoso ser de otro planeta, sí, pero ante todo nos llega marcada por el retrato de un país en pleno proceso de autodestrucción, también por la fragilidad y vulnerabilidad del sexo libre y el verdadero sentimiento del amor. Por un no lugar donde a pesar de tener los valores familiares profundamente arraigados, la hipocresía, la homofobia, la misoginia y el machismo imperan con absoluta libertad de discriminación. Y lo que Escalante se pregunta no es otra cosa que donde se podría llegar si una criatura extraterrestre se postulara como una posible solución. Un ser terrorífico que, sin embargo, se convierte en la única vía posible para lograr esa libertad, ese placer o esa posibilidad de deshinibición personal y espiritual que resulta tan básica y fundamental para vivir en paz y libertad. Para alcanzar, en resumidas cuentas, una felicidad de la que según parece, carece el México de hoy. Que quede claro que "La Región Salvaje" se desmarca claramente de su antecesora "Heli" en lo que al ejercicio de cámara se refiere, siendo en este caso conscientemente más descuidado el trabajo del movimiento tanto como del encuadre. Tampoco los actores brillan de forma especial y los estallidos de violencia explícita apenas hacen acto de presencia. La crudeza de la frontalidad da paso en este caso al carácter turbador y atmosférico. Y es que lo que a Escalante ante todo le interesa es profundizar en esta extraña combinación de realismo y terror a partir de la propia intuición e interpretación del espectador. En definitiva, diferentes caminos para llegar a una misma meta que sin embargo, repite mismo éxito. Tal cual.



8. TARDE PARA LA IRA

MEJOR ACTRIZ ORIZZONTI

En pocas palabras:

El Nicolas Winding-Refn de "Pusher" + el Jacques Audiard de "Un Profeta". 20 años después, "Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto" tiene al fin descendiente.

En unas cuantas:

Puede ser un gran año para el cine de género español. A la espera que Alberto Rodríguez y Rodrigo Sorogoyen luzcan galones en el próximo Festival de San Sebastián con "El hombre de las mil caras" y "Que Dios nos Perdone" respectivamente, Raúl Arévalo se postula como uno de los grandes valores en alza del actual cine español con la intensa y contundente "Tarde para la Ira". El suyo es un thriller de venganza castizo y cañí a todos los niveles, tremendamente áspero y violento en el devenir de su acción, que emana una autenticidad absoluta en su personalísima descripción de la España negra construida a partir de la vida quinqui de barrio, así como del árido y desolado paisaje rural español. Es el inmejorable entorno sobre el que se envuelve esta poderosa muestra de cine noir que no admite concesión alguna al espectador. Un apabullante ejercicio de cámara que directamente nos lleva a la visceralidad con la que rueda Jacques Audiard (o incluso el Michael R. Roskam de "Bullhead"), cuyas abruptas sacudidas de violencia tienen en el Nicolas Winding-Refn de "Pusher" como inconfundible referente y cuya rigurosa construcción de guión tiene la virtud de presentar con absoluto acierto unos giros tan rotundos como definitivamente reveladores y sorprendentes. Es una de las grandes sorpresas que nuestro cine nos deparará a lo largo de este 2016. Dadlo por seguro.



9. SAFARI

FUERA DE COMPETICIÓN

En pocas palabras:

La otra cara de la moneda de "Animal Love" + "Paraíso: amor"

En unas cuantas:

No es una película fácil de ver (especialmente para quienes profesamos un amor incondicional por todo tipo de vida animal), pero si de la que tenemos mucho que aprender (sobre todo para aquellas personas que no les profesan ninguna sensibilidad especial). Y es que "Safari" es, ante todo, una película sobre la naturaleza humana, tal y como inmejorablemente nos la presenta su sinopsis oficial. Si 20 años atrás Ulrich Seidl levantaba ampollas con "Animal Love", un film sobre la atención obsesiva de que los austríacos profesan por las mascotas, animales de compañía convertidos por sus propios dueños en interlocutores, amigos y objetos de moda que acaban teniendo la función de proyectar los deseos humanos, con "Safari" nos transporta a África, concretamente a Namibia, para ahondar nuevamente en la proyección del deseo humano, pero enfocada esta vez hacia la vida salvaje de quienes deberían ser nuestros congéneres y no capturas con las que saciar los sádicos anhelos para disfrute de el ocio y propio regocijo de sus cazadores. Personajes deleznables que ni siquiera son conscientes de su vileza y menos aún, de su carencia de sensibilidad e ignorancia abismal. Hablamos de los animales sí, pero también de la relación interracial humana, para que nos entendamos, de la relación entre blancos y negros. Y es que no es por capricho ni casualidad que en "Safari" no solo seguimos a personas, familias, padres e hijos adolescentes que tienen en la matanza de animales salvajes uno de sus grandes placeres y principales razones de existencia. También se nos expone como los blancos se dedican a disparar y matar mientras los negros se encargan de desollar y descuartizar las presas (empezando por gnus y desembocando incluso en jirafas). Y es cuando directamente volvemos a los tiempos del colonialismo. En efecto, para echarse a temblar. La de "Safari" es una exposición tan frontal, cruda y dolorosa como necesaria y reveladora, que tal y como de Seidl podríamos esperar, tiene la capacidad de poner en evidencia a sus propios personajes desde la mera exposición, marcando una distancia que sin embargo, no evita que esta vez, y es aquí donde yace la gran novedad, se posicione a través del montaje y la escenificación de sus inconfundibles Seidl tableaux. Esta vez tocaba.



10. THE WOMAN WHO LEFT

LEÓN DE ORO MEJOR PELÍCULA

En pocas palabras:

Un León de Oro para la posteridad.

En unas cuantas:

Lav Díaz compone un retrato moral de incalculable valor cinematográfico y ante todo, estoicamente humano, que utiliza como punto de partida una particularísima relectura del cuento de Tolstoy, Dios ve la realidad, pero no la dice cuando quiere, para hilvanar una antológica carta de amor a las clases sociales más bajas, marginales y definitivamente desamparadas. "The Woman who Left" nos devuelve a un año fúnebre para su país de origen, 1997, aquel en el que Manila fue encumbrada como la ciudad de los secuestros, siendo de largo, la capital asiática que presentaba más cantidad de chantajes y raptos. Es en medio de este deshumanizado 'lío' que Lav Díaz nos presenta a Horacia, una mujer de una descomunal alma caritativa que sin embargo, sufre en sus propias carnes las consecuencias más extremas a la que pueden llevar el empleo de la injusticia y negligencia más cruel y descarnada, la que pueden llevarle a un arbitrario y abusivo cautiverio de treinta años por un crimen que no ha cometido y conllevar asimismo, la desaparición de su hijo. Motivo más que suficiente para alimentar en ella una hastiada sed de venganza contra su ex-amante, es decir, el verdadero culpable de su desolador drama. Así empieza un viaje introspectivo envuelto del paisaje social más esquinado y excluido, un trayecto propulsado por el dolor más supurante así como por el odio más hiriente, que bien podríamos imaginarlo como abyecto. Pero no es así en el caso de Horacia, una mujer que profesa un inabarcable amor por los más desamparados, una superheroína de nuestros días cuyas humanas y conmovedoras acciones en medio del profundo desconsuelo que sufre dignifican a los 'olvidados' y marginados por una sociedad filipina en ruinas. No es casualidad que el nombre de la Madre Teresa de Calcuta salga a escena, tampoco el de Batman. Y es que bien podríamos presentar a Horacia como una mezcla de ambas. Alguien que finalmente obtiene sin buscarla, una merecida recompensa en forma de un acto de gratitud que envuelta de cualquier otro círculo social más privilegiado jamás encontraría. Este es el extenuante, pero ante todo conmovedor y emotivo trayecto en el que nos embarca "The Woman who Left", una obra extraordinaria enmarcada en poderosos claroscuros que, suspendiéndose y profundizando en la dura cotidianidad de su día a día, dignifica y no miserabiliza a unos personajes condenados la pobreza y menesterosidad más grotesca. Una condena supuestamente irreversible de la que sin embargo, los gestos mínimos de una mujer colosal llamada Horacia les expía. Lo dicho, estoica.



11. LIBERAMI

MEJOR PELÍCULA ORIZZONTI

En pocas palabras:


"El Exorcista" en nuestros días

En unas cuantas:

"Liberami" bien podríamos definirla como una comedia delirantemente grotesca, también como un documental extremadamente inquietante o por supuesto, como una película que lejos de reflexionar acerca de la religión, lo hace sobre el caos social, espiritual y existencial que a la misma le atañe. Y es que hablamos de un documental que se envuelve de exorcistas, exorcismos y exorcizados para transportarnos a la más pintoresca Sicila, con todo el excentricismo que ello conlleva. Y en medio de todo ello, una concentración inabarcable de supuestas posesiones que tiene en el Padre Cataldo (cual Padre Merrin fuera) y sus misas masivas de los jueves, su principal antídoto. Hablamos de un retrato que resulta tan hilarante (rebosa secuencias memorables que proporcionan carcajadas inolvidables) como definitivamente escalofriante (y no precisamente por su carácter demoníaco, sino más bien por la distopía que atisba el retrato social actual sobre la que levita). El infierno ¿social? acecha.



12. DAWSON CITY: FROZEN TIME

SECCIÓN ORIZZONTI

En pocas palabras:

Un goce cinéfilo a todos los niveles.

En unas cuantas:

"Dawson City: Frozen Time" compone las piezas de la extraña historia verídica acerca de los más de 500 films mudos que datan de los años 1910 - 1920 y que permanecieron desaparecidos por más de 50 años. Así fue hasta que fueron descubiertos en el subsuelo de una piscina sub-ártica en el Terriotorio de Yukon. Pues bien, el evocador y prodigioso empleo del material de archivo y el acompañamiento musical de la banda sonora original compuesta por Alex Somers ("Capitán Fantastic") son las armas principales de las que su director, Bill Morrison, se vale para ensamblar la cronología de esta singular quimera de oro canadiense. Una obra de portentoso calado cinemático, que presenta una apasionante combinación entre el nostálgico empleo de sus recias imágenes y la capacidad transportadora de una música absolutamente embriagadora. Un goce cinéfilo a todos los niveles.



13. HOME

MEJOR DIRECTORA ORIZZONTI

En pocas palabras:

El Larry Clark de "Ken Park" + el Xavier Dolan de "Yo maté a mi madre"

En unas cuantas:

Supuestamente tan libre como independiente, la que "Home" nos dibuja es una generación perdida que no son más que víctimas a manos del disfuncional mundo adulto del que dependen. Atroces y manipuladores seres acuciados por una incomprensible infelicidad, que abandonan a su propia suerte a unos vástagos que consumen y manipulan tanto como son consumidos y manipulados. Y es que es precisamente en los adultos, y en concreto las madres, sobre quienes Fien Troch incide. Impasibles e inertes, incluso abusadores y desalmados seres cuyos actos se rigen por el más absoluto desapego o la más inconsciente mezquindad. En "Home" hay mucho de Larry Clark, sobre todo de "Ken Park", en como refleja la relación entre hijos y adultos. Aunque también cabe destacar que ha diferencia de lo que sucede a lo largo y ancho de la obra de Clark, la cámara de Fien Troch no salvaguarda ni tampoco protege a los más jóvenes. Más bien, todo lo contrario: ante todo los expone. El incesto entre madres e hijos, los abruptos estadillos de violencia y sobre todo, una insensibilidad generalizada en todos los personajes que no hace más que acrecentarse cuando más necesaria se hace su empatía y afectividad, poblan este retrato necesariamente crudo y despiadado a nivel social, así como hiriente y vejatorio a nivel íntimo y personal. El suyo es un demoledor reflejo de la juventud rica europea que sin embargo, se ve condenada a la más absoluta miseria emocional, que se plantea a través de una mirada valiente y honesta que no deja espacio alguno a la posible condescendencia sobre sus personajes. Una obra abierta al debate que desde la más descarnada frontalidad y sequedad combate el posible regodeo expositivo al que su provocativa carta de presentación podría apuntar. Tremenda.



14. KÉKSZÁKALLÚ

PREMIO FIPRESCI ORIZZONTI

En pocas palabras:


Un objeto fílmico no identificado a camino entre el cine de Martin Reijtman y Matías Piñeiro.

En unas cuantas:

La vulnerabilidad y crisis existencial que atañe a los jóvenes de 18 años cuando deben decir un futuro el cual ni tan siquiera son capaces ni imaginar es el punto de partido de "Kékszákallú", un particularísimo WTF rebosante de situaciones desconcertantes que serpentea sin prisa pero sin pausa por su singular y minimalista universo. El de una inclasificable comedia desbocadamente lúcida que dinamita la narración clásica como tal, en la cual ni tan siquiera tenemos claro quien es su protagonista o si de hecho, lo tendrá. Secuencias sin aparente correlación que sin embargo se encadenan para dotar finalmente de un significado clarividente a la obra: el de un inclasificable coming of age que se sale de la norma a todos los niveles. Destacar que su impronunciable título nos remite en húngaro a "El castillo de Barba Azul", única ópera concebida por Béla Bartók en 1911 que en su momento se presentó libremente inspirada en el cuento de hadas de Charles Perrault. Es le punto de inspiración sobre el que emerge la entrañablemente marciana, pero ante todo ocurrente, ingeniosa y estimulante "Kékszákallú" del argentino Gastón Solnicki, un objeto fílmico no identificado a camino entre el inclasificable tratamiento absurdo por el que destaca el cine de Martin Reijtman y el inconfundible ejercicio de metacine que distingue la obra de Matías Piñeiro.



15. ARRIVAL

SECCIÓN OFICIAL

En pocas palabras:

Imaginen "The Visit" dirigida a cuatro manos por el Terrence Malick de "El Árbol de la Vida" y el Christopher Nolan de "Inception" e "Interstellar". Pues eso.

En unas cuantas:

Denis Villeneuve se postula como el alumno aventajado de Terrence Malick y Christopher Nolan con la ambiciosa y arrebatadora "La Llegada (Arrival)", una muestra ejemplar de visionaria ciencia ficción que a pesar de que su base argumental directamente parezca transportarnos a títulos como "Encuentros en la tercera fase" o "Contact", su emotiva y expansiva idiosincrasia no tarda en desmarcarse de ellos para abrazar de lleno el mercurial imaginario filosófico y existencial que distinguen "El Árbol de la Vida" e "Interstellar". Referentes mayúsculos que a priori parecían inalcanzables y que sin embargo, la nueva película del director de "Enemy" abraza completamente, y lo hace incidiendo ante todo en la importancia universal que el lenguaje tiene como ciencia, como herramienta para poder establecer una comunicación que resulta básica para acometer la armónica convivencia entre los seres humanos (y extraterrestres). Aquella que precisamente a día de hoy brilla por su ausencia. Una reflexión profunda y compleja que sin embargo, el realizador canadiense expone y desarrolla de forma absolutamente detallada, rigurosa y reveladora, convirtiéndose así en uno de los dos principales ejes sobre los que "La Llegada (Arrival)" levita. Porque si hay otro concepto básico por el que lo nuevo de Villeneuve destaca, es por el tratamiento que hace del supuestamente inexorable paso del tiempo o mejor dicho, por la ruptura que sobre su lógica linealidad acomete, estableciendo así un sorprendente juego narrativo que directamente interpela al espectador (y sobre el que no revelaré detalles para no caer en el spoiler). En definitiva, una propuesta tan extraordinaria y cautivadora a nivel humano y emocional como admirablemente rompedora a nivel cinematográfico. Una obra mayor que logra lo que nadie de nosotros podía imaginar: nuestra confianza absoluta en que "Blade Runner" tendrá la secuela que bien merece.



16. PARADISE

MEJOR DIRECTOR (EX-AEQUO)

En pocas palabras:


"La Lista d Schindler" rusa.

En unas cuantas:

Un homenaje espiritualmente profundo y estéticamente exquisito hacia las víctimas rusas de la II Guerra Mundial, que tiene en el poderío del monólogo confesional y el examen de conciencia, en su pulcra propuesta monocromática y un sorprendente, diría insólito, empleo del found footage (que lo plasma a partir de sobreimpresiones respecto a la imagen ficcional) sus principales señas de identidad. Ellos son los distintivos recursos principales de los que el veterano Andrei Konchalovski se vale para expiar mediante este elegante, imprevisible y personalísimo homenaje a víctimas que en su momento fueron señaladas como culpables. Un homenaje tan sentido como luminoso (sí, luminoso) que no solo reivindica el poder del amor como principal arma para vencer el más absoluto mal, sino que también incide en la capacidad del conocimiento para confrontar la retórica del odio. Es por ello que la que "Paradise" presenta bien podríamos señalarla como una propuesta ciertamente radical que parte de una estimulante ficcionalización del documental confesional. Como una mirada tan desconcertante a nivel narrativo como distinguida a nivel formal que sin embargo, paradójicamente abraza la accesibilidad por la que se rigen las grandes producciones más clásicas y populares. Aquellas que precisamente dan pie a los títulos históricamente más reconocidos que tratan la vida en los campos de concentración: desde "La lista de Schindler" a "Sin Destino" pasando por "El Diario de Ana Frank". Hablamos de la que es su virtud de mayor alcance, aunque ni mucho menos la más destacable. Más aún teniendo en cuenta el potencial que "Paradise" demuestra atesorar, no solo para plasmar en ruinas humanas las grandes ilusiones de varias generaciones azotadas por la vileza más atroz, sino para reivindicar desde un carácter artístico tan refinado como arriesgado, una memoria histórica que hoy día se antoja más necesaria que nunca de infundir en las nuevas generaciones. Y es entonces cuando volvemos a las palabras de Karl Jaspers, así como también a "Austerlitz".



17. HEARTSTONE

QUEER LION JORNADA DE LOS AUTORES

En pocas palabras:


La inmejorable antesala a "Sparrows"

En unas cuantas:

Es una historia personal de coming of age, basada en las propias experiencias de su director, Guðmundur Arnar Guðmundsson. como un muchacho que creció en un pueblo como el que nos dibuja la palpitante y sobrecogedora "Heartstone": “Un lugar lleno de contrastes, donde el sol brilla durante mucho tiempo en verano y durante poco tiempo en invierno; un lugar donde los niños llegan a conocer a los animales y, a menudo, descubren lo increíblemente hermosas y a la vez increíblemente crueles que pueden ser la naturaleza y las personas”, señala Gudmundsson. A partir de esta sugerente declaración de intenciones "Heartstone" retrata a los jóvenes de una remota aldea islandesa de una manera veraz, reflejando su crecimiento de una forma tan emotiva y hermosa, como necesariamente hiriente y a ratos incluso, devastadora. La opresión sexual, la homofobia o la disfuncionalidad familiar son los ejes principales que construyen este sensible y delicado relato de abrumador poderío cinematográfico, que se presenta maravillosamente fotografiado y verazmente interpretado. Un debut que atisba un director mayor.



18. BITTER MONEY

MEJOR GUIÓN ORIZZONTI

En pocas palabras:


Trabajo de chinos.

En unas cuantas:

Es para nosotros el Wiseman oriental y por descontado, una de las más importantes figuras del cine documental. Quienes conocéis al maestro chino, sabéis a lo que me refiero, quienes no, ya podéis ir empezando por dedicarle 7 imprescindibles horazas a "West of the Tracks". En el caso de su nuevo documental, Wang Bing reflexiona acerca del monstruoso proceso de capitalización de China, de la importancia que a día de hoy ha adquirido el dinero en el país asiático, cuando a lo largo de su historia, marcada por el comunismo, nunca lo ha hecho. "Bitter Money" sigue a tres jóvenes en el momento que dejan su Yunnan natal para trabajar por primera vez en la ciudad más laboralmente activa de la costa Este de China. Sueños rotos, morales corrompidas y bolsillos vacíos son el leit motiv de la nueva y contundente joya expositiva de Wang Bing, quien en la arrolladora "Bitter Money" abandona el paisaje rural al que sus últimos trabajos nos habían transportado para penetrar en la precariedad laboral que sacude la China de hoy. Nunca mejor dicho, trabajo de chinos.



19. AMERICAN ANARCHIST

FUERA DE COMPETICIÓN

En pocas palabras:


El nuevo documental del responsable de "Buscando a Vivian Maier".

En unas cuantas:

Charlie Siskel, director de "Buscando a Vivian Meier", entrevista William Powell, autor del libro "The anarchist cookbook", que relata ante la cámara las razones que le llevaron a escribir esta controvertida obra cuando tenía 19 años movido por su agitada adolescencia y por la rabia, la frustración e impotencia que sintió durante las cargas policiales que tuvieron lugar contra manifestantes en los Estados Unidos de la década de los setenta. Un libro totémico de la contracultura en su momento y estigmatizado a día de hoy que explica cómo emprender acciones violentas para provocar un cambio en la estructura política y social del país y que con un estilo similar al de un libro de recetas, muestra incluso con esquemas y dibujos cómo fabricar bombas caseras, cómo destruir grandes infraestructuras como vías o puentes, además de ilustrar el modo de elaborar cócteles molotov, pistolas, silenciadores o lanzallamas e incluso cómo fabricar napalm. Pues bien, es ahora, cuando ronda los sesenta años, que Powell recibe a Siske en su hogar de una remota aldea de Francia para conversar acerca de su percepción actual sobre la creación del libro. Lo que en un principio atisba un documental más poblado de imágenes de archivo enfocado a evocar las turbulentas décadas de los 60-70, no tarda en revelarse como una reflexión profunda y desgarradora sobre los efectos devastadores que dicho libro ha tenido en la actualidad. Sobre la razón de ser que en un pasado tuvo su concepción confrontada al terror que ha provocado en el mundo contemporáneo de hoy, ya que sin ir más lejos, ha sido una de las bases de conocimiento para los jóvenes que atentaron en el Instituto Columbine o en el atentado de Colorado, entre muchos otros actos terroristas. Conflicto ético, moral y existencial con el que la cámara de Charlie Siskel sacude a un afligido William Powell. Un documento de abrumadora honestidad y de un poderío revelador descomunal que no expía ni mucho menos señala un posible culpable. Más bien reflexiona acerca de los diferentes contextos y condicionadas consecuencias que le ha tocado vivir. Da mucho que pensar.



20. AUSTERLITZ

FUERA DE COMPETICIÓN

En pocas palabras:

Una de las muestras tangibles de la insondable crueldad humana: la banalización del mal.

En unas cuantas:

Sergei Loznitsa se está convirtiendo por méritos propios en una de las voces más únicas e incontestables del documental europeo. Su insobornable mirada nos ha acompañado durante dos ediciones del Atlántida Film Fest para cuestionarnos el pasado, presente y futuro de la madre Rusia a través de su relación con Ucrania y la propia fragmentación de la Unión Soviética. En esta nueva edición del Festival de Venecia, donde también es todo un veterano, pone su incisiva cámara en el turismo masivo que ha invadido lugares como el campo de extermino de Auschwitz, una de las muestras tangibles de la insondable crueldad humana. Quién nos iba a decir que décadas después este campo de exterminio humano nos demostraría que es capaz de albergar otro tipo de horror: el de la banalización del mal. Muy alejado de la definición que Hannah Arendt nos dio para intentar describir la pasividad con la que muchos funcionarios nazis se sumaron a esa maquinaría terrible, ahora vivimos otro tipo de banalización como la que produce el olvido de nuestra historia o la falta de sensibilidad en una sociedad que está abusando del poder democrático de retratar. Porque el problema no está en cómo nos retratamos, si sonriendo, solemnes o de cualquier otra forma, si no cuando esos monumentos históricos que sirven para recordarnos un pasado que nos empeñamos en olvidar (miren ese auge la ultraderecha en toda Europa), se convierten en una parada más en la ruta turística, arrebatándoles todo su significado para convertirlos en un parque de atracciones donde hacer la foto de turno de para mostrarla a la vuelta de las vacaciones. ¿Por qué va la gente a estos lugares? ¿Qué están buscando?



21. BIG BIG WORLD

En pocas palabras:

Una poderosa muestra de realismo mágico.

En unas cuantas:

Descubierto por el Festival de Sitges con su memorable "Kosmos", en su nueva "Big Big World" el turco Reha Erdem parte de una sencilla historia de amor fraternal y negación parental para contraponer la magia de la naturaleza ante la alienación urbana, la pureza del bosque en el que ambos hermanos encuentran cobijo ante la degeneración y perversidad a la que les abocaba la vida en la gran urbe. Una gran ciudad cuyas viles y tentadoras garras sin embargo, nunca dejan de acechar. Como si fueran extraídos de un cuento de hadas, lo nuevo de Erdem envuelve a los dos hermanos protagonistas de un aura fabulesca tan hipnótica y envolvente como constantemente amenazante. Todo ello a partir de un tratamiento de realismo mágico que da pie a una obra formalmente apabullante que apenas admite referentes, destapa así el tarro de las esencias de un realizador que demuestra ser un constructor de imágenes único en su especie.



22. NOCTURNAL ANIMALS

GRAN PREMIO DEL JURADO

En pocas palabras:

En ella vemos retazos de Sorrentino, también de "The Neon Demon", pero lo que ante todo significa "Nocturnal Animals" es un punto y seguido a "Un Hombre Soltero", aunque en este caso más fallido.

En unas cuantas:

Tom Ford lleva a su propio terreno la novela de Austin Wright, manteniéndose fiel en su estructura narrativa, pero no así en la construcción de su principal protagonista. Si en la novela el personaje interpretado por Amy Adams era una ama de casa, de la mano de Ford da un giro de 180 grados y se convierte en una comisaria de arte elitista y multimillonaria. Una mujer infelizmente casada que esta construida como si de 'un hombre soltero' se tratara. Así es, tan lejos, tan cerca, de Colin Firth. El confinamiento existencial del divo que lo tiene todo y a su vez no tiene nada (la casa que habita, la soledad que le atosiga, incluso las gafas que lleva, directamente les conjunta y equipara). Y es a partir de este punto distintivo y diferencial, que Ford trata de plasmar con fidelidad en la gran pantalla la compleja estructura narrativa de la novela, en la que tres historias solapadas una sobre la otra que suceden en tiempos opuestos (presente, pasado y ficción literaria) y localizaciones varias (Los Ángeles, Nueva York y Texas) conforman una misma. O es lo que debería, porque en el caso de "Nocturnal Animals" no logra cohesionarlas con la armonía necesaria. Hándicap elemental que pese a su poderío fotográfico y estético, pese a presentar una secuencia de apertura divinamente estrambótica, lleva lo nuevo Tom Ford al terreno de lo errático y no de lo sublime, como de ella podríamos esperar.



23. HOUNDS OF LOVE

MEJOR ACTRIZ JORNADA DE LOS AUTORES


En pocas palabras:

La película australiana de género más destacable e impactante desde "Snowtown"

En unas cuantas:

"Hounds of Love" nos cuenta como a mediados de los 80 la joven Vicki Maloney es abducida y secuestrada por una pareja trastornada y perversa que se dedica a secuestrar adolescentes y a violarlas en cautiverio hasta matarlas. Un punto de partida un tanto redundante que pronto deja de serlo. Precisamente en el momento que apreciamos que la protagonista no es la joven secuestrada, si no los perpetradores de su cautiverio, revelándose así en un devastador estudio psicológico sobre la codependencia, el control, la violencia doméstica y en definitiva, las relaciones destructivas. Temas que desde su propia naturalidad resultan ante todo universales y cuyo origen y gestación son en este caso el núcleo argumental (y no las perversas acciones que a ello pueden llevar como bien podríamos esperar). Otra virtud que destaca de sobremanera sobre su poderosa puesta en escena es que "Hounds of Love" transita los años 80 y la música que en ella sin embargo suena es de los 60 y 70, aportando así un estimulante contraste, irónico diría yo, entre el optimismo que emanan sus letras y los actos atroces que la acompañan. Tanto "Snowtown" (Justin Kurzel) como "Monster" (Patty Jenkins) son sus evidentes referentes, sobre todo a la hora de transmitir una penetrante sensación de amenaza y disconfort respecto a los personajes que retrata. En definitiva, un thriller psicológico vibrantemente rodado que confronta personajes sacudidos por la conducta humana más brutal y depravada. Como diría la canción, The power of love....o más bien como este puede destrozarnos. Una pena no disfrutarla en Sitges, hablamos de un hype sin concesiones.



24. ARE WE NOT CATS

SEMANA DE LA CRÍTICA - EVENTO ESPECIAL

En pocas palabras:


Como si a David Cronenberg y Xavier Dolan les diera por rodar una romántica teen movie a cuatro manos con ecos de "solo los amantes sobreviven".

En unas cuantas:

"Are we no cats" comienza pisando fuerte. Con su protagonista perdiendo a su empleo, su novia y su hogar en un mismo día. Lo que le llevará a dar tumbos en busca de algún lugar o algún trabajo donde caerse muerto hasta dar con una joven descarriada como el que profesa un extraño hábito: el de comerse el pelo. Con esta marciana carta de presentación el debutante Xander Robin enarbola un retrato tan cómico e inquietante como definitivamente humano sobre la deriva laboral y en consecuencia existencial a la que se ve abocada la juventud americana de hoy. Aquí hay mucho de "Buzzard", también de "Trabajo Basura", aunque bien podríamos imaginarla como si a David Cronenberg y Xavier Dolan les diera por rodar una romántica teen movie a cuatro manos con ecos de "solo los amantes sobreviven". Son los particulares referentes que llevan a "Are we not cats" a convertirse en una caleidoscópica y colorida obra de arte propulsada por una ecléctica banda sonora en la que resuenan temas de blues y funky pasando por el jazz de Albert Ayler. Será uno de los imperdibles tesoros a descubrir de la Sección Nuevos Directores que Sitges nos presenta este año. Avisados estáis.



25. JOURS DE FRANCE

SEMANA DE LA CRÍTICA

En pocas palabras:

Un alumno aventajado de Alain Guiraudie y Paul Vecchiali.

En unas cuantas:

Escrita por el propio director debutante, Jérôme Reybaud, la provocativa historia de "Jours de France" gira alrededor de un hombre que decide dejar todo atrás para cruzar Francia vagando a través de su paisaje y teniendo encuentros fortuitos (tanto sexuales como de otro tipo) con desconocidos a lo largo de cuatro días y cuatro noches. A medida que el protagonista pierde el rumbo, la persona que está enamorada de él intenta encontrarlo a través de Grindr, una aplicación móvil de citas por teléfono que acaba por erigirse en el veraz testimonio de la posibilidad de reactivar y revitalizar una relación sentimental abriendo un necesitado espacio entre ambos. Una conclusión eminentemente romántica a la que sin embargo, se llega desde los encuentros desapegados y abruptos, así como desde el empleo del humor más inexpresivo y absurdo. "Jours de France" tiene en el tratamiento de "El desconocido del Lago" su claro referente (por más que su contenido sea mucho menos explícito), también en el inconfundible cine de Paul Vecchiali y el cine antinaturalista que distingue la post nouvelle vague. Únicamente su excesivo metraje, que alcanza las dos horas y media, así como la excesiva indulgencia con la que trata escenas concretas, impide que el debut de Jérôme Reybaud pudiera obtener un eco mucho más resonante. Bien lo merece.




BONUS TRACK I: THE BAD BATCH

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO

En pocas palabras:

Un punto y seguido a "Una chica vuelve sola a casa esta noche". Eso sí, cambiando Irán por Estados Unidos, así como el vampirismo por el canibalismo.

En unas cuantas:

Si algo ha demostrado Ana Lily Amirpour con su segunda película es su marcado sello de autor, tanto a nivel estilístico y formal como sobre todo discursivo. Tal y como ya hiciera con su sorprendente debut, "Una chica vuelve sola a casa esta noche", "The Bad Batch" vuelve a estar comandada por una particularísima heroína que apenas media palabra y que tiene en elskate y su feminidad su principal seña de identidad. También incurre en una concreta y precisa crítica social partiendo del género fantástico, en este caso de un asalvajado y distópico cuento de hadas enfocado asimismo a Estados Unidos en vez de a Irán. Y digo concreto y preciso porque la suya es una crítica dirigida a reivindicar o, mejor dicho, a señalar, las causas culpables que llevan a los bajos fondos de la sociedad a vivir en el crimen y la marginalidad, teniendo como principal abanderada en este caso la deshumanizada política de inmigración que actualmente lleva a cabo Estados Unidos y que promete ser mucho más dura si cierto individuo de pelo naranja y cuestionable bronceado accede al poder en las próximas elecciones de noviembre. Una política vil y desalmada cuyas demoledoras consecuencias sufre una clase baja autofagotizada por la canibalización. O lo que es lo mismo, por el instinto de supervivencia más extremo, aquel que revierte todo posible rastro de racionalidad, cultura o intelectualidad, en el más descarnado sadismo (y es que no es casualidad que el personaje caníbal protagonizado por el ciclado Jason Momoa sea un inmigrante cubano que demuestra atesorar una gran sensibilidad como pintor).Dicho esto, cabe señalar que "The Bad Batch" vuelve a destacar por su distintiva, ya inconfundible, factura formal, por el genuino empleo de su ecléctica banda sonora, así como por una puesta en escena tan estilizada como definitivamente transgresora y macarra. Sin embargo, resulta una comedida decepción que a diferencia de su antecesora, lo nuevo de Ana Lily Amirpour se sienta un tanto fallida y desaprovechada desde su montaje y narración, no siendo capaz de plasmar con el esperado acierto que de ella se esperaba las estimulantes y ambiciosas credenciales que su genial ópera prima atisbaba. Sobre todo en el complejo empleo de la inacción. Para que nos entendamos, en la excesiva dilatación sobre la que se suspenden ciertas secuencias que aportan más bien poco a la evolución de sus personajes o desarrollo del guión. Lo cual no significa que no estemos ante una propuesta tan simpática y disfrutable como legítima y singular, que nos lleva a mantener las mismas grandes expectativas con las que esperábamos "The Bad Batch" hacia la que será su tercera película. Veremos donde nos lleva.




BONUS TRACK II: BRIMSTONE

SECCIÓN OFICIAL

En pocas palabras:

Salvando las distancias: "La Noche del Cazador" + "Valor de Ley" (la de los Coen) + "Sin Perdón"

En unas cuantas:

Un western de venganza moderno y europeo, pero ante todo oscuro y tenebroso, que emula el mítico formato americano, no sin pasarlo por el tamiz calvinista, religioso y feminista. Es decir, señas de identidad típicamente holandesas al servicio de una propuesta tan imprevisible y enigmática en su estructura narrativa, como cruda y violenta en las acciones que marcan su base y esencia. Estructurada en cuatro partes, construida a partir de flashbacks (la acción va hacia detrás y no hacia delante) Martin Koolhoven hace suyo un género machista por excelencia y lo convierte en territorio de mujeres. Cierto es que "Brimstone" se presenta como una propuesta errática y caótica a prácticamente todos los niveles, pero es precisamente en el descaro y riesgo de su arriesgadísima propuesta, donde reside su principal encanto y en cierta medida, su grandeza. Hablamos de una pieza de género de dos horas y media de duración que sin embargo, en todo momento engancha y entretiene. Una obra tan personal como estimable que no solo se ve sacudida por inesperados y abruptos estallidos de violencia, si no que más bien reflexiona sobre como su empleo afecta a quienes la sufren, que en este caso son básicamente las mujeres. Difícilmente la veamos luciendo galones en el palmarés final de esta nueva edición de la Mostra, claro está. Lo que sí podría resultar es una invitada excepcional para el próximo Festival de Sitges. Lo tiene todo para ello: un aura de terror gótico de la que nunca se desprende, un villano memorable con un Guy Pearce estelar y sadismo a raudales.


Avatar por defecto de un usuario no logueado
Los comentarios despectivos y los spoilers serán moderados. Si tienes cualquier problema escríbenos a contacto@filmin.es