Lo Mejor del Festival de Sitges 2016

Autor: Joan Sala y Elodie Mellado Fuente: Filmin

Lo Mejor del Festival de Sitges 2016

Imagínense que haría Michel Gondry con una Victorinox, como serían las "Showgirls" del nuevo milenio, en que acabaría el cruce más enajenado posible entre "Solo en casa" y "Scream", entre "CSI" y "The Witch" o entre Alejandro Jodorowski y Alain Guiraudie. También lo que sería un "Babadook" persa o "La Isla Mínima" iraní, la película que tendríamos si Mario Bava dirigiese "Gertrud", si Hirokazu Kore-eda dirigiera una película de zombies, si John Carpenter realizara "Giro al Infierno", si Kiyoshi Kurosawa rodara su "Cumbre Escarlata" o si Michelangelo Antonioni y Shirley Jackson colaboraran en un Torture Porn. O por qué no, la respuesta definitiva que el cine europeo podría llegar a brindar al superheróico universo de Marvel y DC Comics propulsado por "Operación Triunfo" y "Gran Hermano". Todo ello y mucho más, es lo que nos ha ofrecido esta explosiva y ecléctica 49 edición del Festival de Sitges.

1. SWISS ARMY MAN

Mejor Película, Mejor Actor y Mención Especial Jurado Joven

En pocas palabras:

Michel Gondry con una Victorinox.

En unas cuántas:

"Swiss Army Man" es una obra intrínsecamente inclasificable que bien merece la etiqueta de culto instantáneo. Una comedia tan desatada como ocurrente que es capaz de ensamblar el humor más irreverente y políticamente incorrecto con una ternura, una sensibilidad y una inteligencia emocional, descomunal. Bien podría ser señalada como una comedia romántica además de fantástica y ante todo melancólica, también como una entrañable buddy movie o por supuesto, como una película de aventuras con náufragos de por medio. Sin embargo, ninguna de estas etiquetas harían verdadera justicia a la marciana propuesta con la que Daniel Scheinert y Daniel Kwan nos obsequian. A ritmo de la envolvente banda sonora compuesta por los miembros de Manchester Orchestra, Andy Hull y Robert McDowell (y que directamente suena a a Animal Collective), "Swiss Army Man" no solo hace de lo absurdo lo exquisito, sino que lo ilógico de sus situaciones, de sus acciones, lo revierte en sensaciones extrañamente emocionantes y lo hace con un carácter extremadamente escatológico que sin embargo, es capaz de llevarlo al terreno de lo bizarramente poético. La suya, una fórmula tan inventiva como arriesgada que lejos de agotar, engancha cada vez más según avanza su metraje. Y por supuesto, su mensaje, que aunque parezca lo contrario también lo tiene: el mundo opaco en el que actualmente vivimos no está hecho para los outcasts. Lo que bien merecen es el paraíso que la singularmente celestial "Swiss Army Man" les construye. Señalándola como simple fenómeno nos quedaríamos cortos. Y nos solo por disfrutar del mejor papel jamás brindado por Daniel Radcliffe en la piel de un cadáver flatulento. Única en su especie.




2. A DRAGON ARRIVES!

Mejor Película Noves Visions Plus

En pocas palabras:

"La Isla Mínima" iraní.

En unas cuántas:

"A Dragon Arrives!" es un inclasificable pastiche de géneros en el que tiene cabida el cine policíaco, la comedia absurda, el falso documental, el cine dentro del cine o por supuesto, el drama social. Es el ambicioso magma sobre el que gravita este arrebatador deleite visual de portentoso diseño de producción (insólito por supuesto, tratándose de Irán) que destaca por el empleo de una paleta de colores vivos y saturados, de una textura granulada que directamente nos evoca el celuloide, de unas localizaciones que se sienten ante todo singulares y desconcertantes, una estética en la que reina el excentricismo pop así como una penetrante banda sonora de de un registro marcadamente imponente. Todo ello al servicio de su enrevesado y críptico relato. Hablamos de una historia de intriga detectivesca sutilmente grotesca que, ante todo, nos habla de la imposibilidad de descubrir la certeza y, por supuesto, de la belleza que emerge durante esta fracasada búsqueda. El empleo de múltiples narradores, de ambiguos flashbacks, fantasiosas dramatizaciones de eventos pasados o el uso de documentos perdidos son las tenebrosas herramientas que el director Mani Haghighi emplea para esconder la realidad y propulsar su experimental narrativa hacia la ruptura absoluta de la evidencia. Y lo hace partiendo de un relato de tintes sobrenaturales, que admite todo tipo de saltos temporales y se ve sacudida por giros tan abruptos como sorprendentes. Genuinos y eclécticos mimbres que hacen de "A Dragon Arrives!" un kamikaze audiovisual tan contundente como sublime a nivel formal, así como misteriosamente expansivo y absolutamente magnético a nivel argumental. De esas obras insólitas que normalmente brillan por su ausencia en el circuito festivales (y no digamos ya comercial). Un tesoro extrañamente hermoso que visto lo visto, bien hubiera merecido en Berlín el Oso de Oro, donde fue presentada a concurso.




3. EL EXTRAÑO (THE WAILING)

Mejor Fotografía y Mejor Película Asiática

En pocas palabras:

La película más terrorífica, enfermiza, y desbocada de Na-Hong-jin.

En unas cuántas:

Dentro de lo que supone la reconocible e inconfundible obra de Na Hong-jin, "The Wailing" presenta la novedad de incurrir en el género fantástico y demoníaco a través de la historia de un detective de policía que investiga una serie de asesinatos que podrían estar perpetrados por una latente demoníaca fuerza desconocida y en los que podría verse inmersa su hija. Hablamos de una muestra de género ejemplar a la hora de trabajar el in crescendo, una película de terror devastador que atesora dos de las secuencias más memorables y definitivamente poderosas de cuantas disfrutamos en la pasada edición del Festival de Cannes (y probablemente de Sitges). Picos de grandeza que encumbran este híbrido de subgéneros (demoníaco, zombie, incluso con toques vampíricos) construido sobre un abrumador empleo del suspense y un magistral uso de los tiempos. Y es que el que nos ocupa es un thriller tan enfermizo como intenso que ante todo nos habla de las diferentes caras que puede adquirir el mal como tal, cuyos abruptos giros atentan directamente contra la buena fe del espectador. Si la calificáramos como despiadada nos quedaríamos cortos. Para quedarse sin respiro, y en el mejor de los sentidos.




4. OPERACIÓN AVALANCHA

Sección Oficial

En pocas palabras:

El complemento perfecto a "C.S.A" que bien merece el mismo éxito que en su día tuvo "El proyecto de la Bruja de Blair".

En unas cuántas:

Con su ópera prima "The Dirties", Matt Johnson triunfó por todo lo alto en Slamdance 2013 antes de desembarcar en el Festival de Sitges de aquel mismo año, donde compitió en Nuevas Visiones. Y lo hizo partiendo de un tratamiento tan único como particular del falso documental, del tono jocoso, de la sucesión de gags cómicos y de una paródica autoconsciencia con la que logró plasmar uno de los discursos más necesarios jamás vistos y escuchados en la gran pantalla acerca del drama que asola al bullyng adolescente y sus irreversibles consecuencias. Pues bien, mediante "Operación Avalanche" Johnson vuelve a incurrir en el registro delmockumentary, también en la comedia más inspirada y negra, para irrumpir en este caso en la NASA (además de la CIA) y centrarse en la etapa de la guerra fría, precisamente en la carrera espacial que llevó a Estados Unidos y la Unión Soviética a luchar por ser el primero en pisar la luna. Y es precisamente con su segunda película que el realizador norteamericano ha dado un definitivo golpe encima de la mesa. El entusiasmo con el que "Operación Avalanche" comienza, así como la paranoia y el miedo que le procede, marca el curso de una nación entera.A camino entre el thriller político más implacable y el humor más afilado y punzante, la nueva película de Matt Johnson nos muestra las teorías conspiratorias llevadas a sus máximas consecuencias por los megalómanos estamentos que rigen una nación entera. Es decir, y para que no hagamos una idea, en "Operación Avalanche" hay lugar para brindar un guiño directo, y no falto de sorna, a Stanley Kubrick y su "2001: odisea en el espacio" haciendo indirecta referencia a esa mítica teoría que sobrevuela la posibilidad de que fuera el responsable de dirigir y falsear el alunizaje de Neil Armstrong en la luna. Pero también lo hay para las persecuciones trepidantes, la intriga malrollera o incluso los asesinatos más inesperados. Si a ello añadimos un tratamiento formal exuberantemente vintage que emula con todo lujo de detalles la imagen granulada del Super 16 que marcó el cine durante los años 60, ya tenemos un nuevo tesoro descubierto. Merecía premio.




5. THE LOVE WITCH

Sección Oficial

En pocas palabras:

Bien podríamos presentarla como un cruce entre "The Duke of Burgundy" y "Under the Skin" o si lo prefieren, como si Mario Bava rodara "Gertrud".

En unas cuántas:

Dos son las distintivas virtudes por las que "The Love Witch" significa para nosotros una de las propuestas más singulares y definitivamente memorables de cuantas disfrutaremos en esta nueva edición de del Festival de Sitges. Por un lado, y por descontado, el sublime ejercicio de estilo retro que de ella emerge. Un deleite visual rodado en 35 mm que mediante su exquisito tratamiento de imagen, no solo homenajea los thrillers en Technicolor de los sesenta, sino que para su puesta en escena y cuidado trabajo de vestuario que por cierto, es la propia Anna Biller quien de forma artesanal durante años lo ha confeccionado, directamente se inspira en el musical "Vuelve a mi lado" de Vincent Minelli o incluso "Escalofrío en la noche" de Clint Eastwood. Sugerentes referentes para un ejercicio de perfeccionismo formal que se siente tan evocador como nostálgico y que se erige además, en el complemento perfecto para la particularísima reflexión argumental con la que "The Love Witch" nos hechiza. Y este no es otro que el desenfadado carácter subversivo con el que esta sofisticada obra de orfebrería es capaz de reflexionar acerca de lo que supone el sentimiento de amor femenino. En este sentido, las que Anna Biller construye son escenas que expresan las fantasías amorosas de la mujer en el mundo real proyectadas en la gran pantalla, creando situaciones que contraponen el esoterismo y la complejidad con el que el género femenino siente el amor, frente al simplista carácter hedonista masculino. Deliciosa.




6. SAFE NEIGHBORHOOD

Sección Oficial

En pocas palabras:


"Solo en Casa" + "Scream".

En unas cuánta

La segunda película de Chris Peckover tras darse a conocer con la impactante "Undocumented" en 2010 ha presentado todas las credenciales necesarias para erigirse en uno de los principales hypes de esta nueva edición de Sitges. Una comedia de terror NO al uso que, partiendo de la base de "Solo en Casa", evocando en todo momento el "Scream" de Wes Craven (y ambas con guiño directo incluido), hilvana una crítica tan punzante como cínica e insolente hacia, no solo la familia modelo americana, sino mas bien la vida en familia en el barrio modelo americano. Zonas residenciales donde los adornos navideños lucen como no lo hacen en ningún lado, allá donde la nieve abundante y los villancicos cantados puerta a puerta son su santo y seña, allá donde los hogares ni tan siquiera disponen de alarma por la supuesta seguridad y el evidente confort que los protege. En definitiva, allá donde el peligro real y la verdadera mala influencia solo puede engendrarse de puertas hacia dentro y no hacia fuera, aunque los padres y madres de familia no sean capaces ni tan siquiera de imaginarlo. Y es aquí precisamente donde emerge el punto neurálgico sobre el que se construye el descarado y desvergonzado discurso de "Safe Neighborhood", una película donde la realidad contamina la idealización del conservadurismo y los convencionalismos, y lo hace subvirtiendo con ocurrencia y una sorprendente capacidad de sorpresa el carácter de las más reconocibles home invasions que distinguen uno de los subgéneros del terror más reconocibles y populares. Lo dicho, This is America con retorcida mala baba y sin salir de casa. Navidades como la suya, pocas, por no decir ninguna. Y encima entre carcajadas varias. Lo tiene todo.




7. LA AUTOPSIA DE JANE DOE

Premio Especial del Jurado

En pocas palabras:

"CSI" + "La Bruja" (sin salir de la morgue).

En unas cuántas:

ejos de la experimentación genérica con la que Andre Øvredal concebió su reveladora ópera prima a modo de falso documental, para su segunda película el director noruego se adentra en la tradición del género rey como ficción, y lo hace articulando en este caso una exquisita pieza de cámara que bascula sobre elementos mínimos y un espacio único: una morgue detalladamente escenificada y excepcionalmente fotografiada, un padre y un hijo genialmente interpretados por unos Emile Hirsch y Brian Cox que rebosan flow y un cadáver que no tarda en erigirse como el verdadero protagonista de la función, resultan materia más que suficiente para que la certera cámara del responsable de "Trollhunter" y la eficacia con la que plasma el conocimiento que demuestra tener de todos los recursos del género de horror (tanto a nivel dirección como de guión) hagan de "La autopsia de Jane Doe" una muestra de género que se siente tan genuina en su concepción como metódica en su plasmación. Lo que empieza como un capítulo de "CSI", como lo que parece la sugestiva investigación de un crimen sin resolver a través de la precisa anatomía y disección de la correspondiente víctima, no tarda en abrazar la dimensión sobrenatural. Y es precisamente sobre este punto de inflexión que uno se imagina como hubiera sido la película si se hubiera regido por la senda del thriller criminal y no hubiera abrazado el registro fantástico como en este caso lo hace. Lo mismo da, más que nada porque "La autopsia de Jane Doe" también triunfa a todos los niveles como muestra de terror. Tan elegante a nivel formal como despiadada y retorcida en su desarrollo argumental, y no tan lejos del merecido éxito que merecidamente ha tenido entre los fans del género "No Respires" (ambas son piezas de cámara ubicadas en una única localización que atesoran un manejo tan preciso como prácticamente perfecto de los tiempos, incluso de los golpes de efecto) la segunda película de Andre Øvredal está llamada ocupar su merecido lugar entre las películas de terror más audaces del actual año.




8. THE NEON DEMON

Premio de la Crítica José Luis Guarner

En pocas palabras:


Cliff Martínez, quien repite en la banda sonora, la define como una película de terror teen que funciona como un cruce entre "La matanza de Texas" y "El valle de las muñecas". Nosotros añadimos que representa las "Showgirls" del nuevo milenio.

En unas cuántas:

Curiosa la paradoja, "The Neon Demon" encuentra su coherencia formal y narrativa desde la extrema superficialidad y artificiosidad sobre la que levita. Y es que el visionado de la nueva película de Nicolas Winding-Refn no es fácil de digerir pese a la impactante impronta esteta que nos brinda. Hablamos de un subvertido cuento de hadas que tiene como meta destapar la decadencia, los miedos y miserias que rodean un despiadado mundo de la moda que se rige por la ley del perro come perro. Un universo cruel y deshumanizado que utiliza la belleza de los cuerpos como meros objetos para su propio regocijo y beneficio. Seres vivos convertidos en maniquíes sin vida que tan solo encuentran estímulo en la competitividad, la codicia, los celos y la envidia. Estímulos plasmados con una agresividad desmedida, con los excesos de un empleo de la violencia en la que incluso tienen cabida el canibalismo y la necrofilia. En definitiva, una futilidad extrema que no podría ser mejor retratada de otra manera. Cuestión de fidelidad, coherencia pero también de innovación, personalidad y riesgo formal. Principios por los que "The Neon Demon" presenta un esteticismo tan vacuo y aversivo como opaco y destilado. Un planteamiento engañosamente vulgar en sintonía con el vacío personal y existencial que atañe a sus protagonistas, con la banalidad extrema sobre la que se rige su alienado universo. Es por ello que tras su explosivo comienzo, la nueva película de Winding-Refn se suspende en un aura más bien contemplativa, en conversaciones insustanciales, en escenas más bien desnudas y crudas que no tienen profundidad alguna, que no presentan cuerpo ni tampoco alma. Tal y como es el mundo hipercromático que habitan. En este sentido, ha sido comparada con el cine de David Lynch y en concreto, "Mulholland Drive", una referencia que creo desacertada, más que nada porque el carácter onírico (más bien pesadillesco) que "The Neon Demon" presenta no traspasa su atmósfera mientras que su interpretación resulta intencionadamente obvia. Todo lo contrario a lo que sucede en el cine de Lynch, abierto siempre a múltiples interpretaciones e innumerables capas. Y no, "The Neon Demon" no será santo de devoción, aunque si se ha ganado, y de calle, nuestro más absoluto reconocimiento. Reconocimiento como la obra de un artista radical que trata de llevar el cine un paso más allá, un esteta de la imagen cuyo inconfundible sello formal resulta incomparable respecto a ningún otro. Alguien que demuestra seguir su propio camino lejos de verse sometido a las convenciones comerciales. Ojalá así siga.




9. GRAVE (CRUDO)

MELIES D'ARGENT MEJOR PELÍCULA EUROPEA, PREMIO CITIZEN KANE MEJOR DIRECTOR NOVEL Y MEJOR PELÍCULA JURADO JOVEN

En pocas palabras:

El "Somos lo que hay" que rodaría David Cronenberg.

En unas cuántas:

Fue una de las grandes sensaciones del pasado Festival de Cannes, donde compitió en la Semana de la Crítica, y tal y como era de esperar, también lo ha sido en Sitges alzándose con tres premios principales en este caso. Protagonizada por una joven vegetariana estricta como toda su familia que entra en la escuela de veterinaria donde estudia su hermana y que comienza a experimentar síntomas de lo más extraños después de comer carne cruda en una prueba de iniciación, "Grave (Crudo)" posee todas las virtudes que en su momento encumbraron títulos icónicos del nuevo french horror como es el caso de "Alta Tensión" y "Al Interior". Sobre todo, en lo que a su empaque formal y contundente visceralidad se refiere. El feroz debut en el largometraje de Julia Ducournau es una película mutante, que muta y se transfigura de forma paralela a la metamorfosis que va sufriendo su angelical pero también voraz protagonista principal (tanto a nivel corporal como moral) y que tiene el descaro de tratar el canibalismo como una liberación, como un factor clave que saca su protagonista del determinismo de la escuela y de las novatadas a la vez que del vegatarianismo por el que se rige su esfera familiar. A partir de aquí, cada uno es libre de sacar sus propias conclusiones. Una película tan sutil y delicada como definitivamente punk y macarra que, por derecho propio, se ha ganado el título que la encumbra como Mejor Película de Terror Europea del año. Razones para ello, le sobran.




10. UNDER THE SHADOW

Mejor Película Noves Visions One

En pocas palabras:

El Babadook persa.

En unas cuántas:

Dos años atrás, concretamente en su 47 edición, el Festival de Sitges nos brindó la oportunidad de descubrir "The Babadook", una obra magna del género rey que presentaba la inapelable virtud de revelarse en una poderosa monster movie, también en una película de posesiones ejemplar y multidireccional, y ante todo en una penetrante y vigorosa pieza de terror psicológico. Un portentoso y creativo refrito de subgéneros cuya base argumental, que no contexto político ni mucho menos social, directamente podríamos atribuir a "Under the Shadow" salvando las distancias, claro está. Es decir, presentando una base de guión y un arco de personajes similar, la contundente y penetrante ópera prima de Babak Anvari presenta asimismo una puesta en escena claustrofóbica y una trama desasosegante que esta mucho más centrada en alimentar la atmósfera opresiva de la que se envuelve que sacudirnos con inesperados efectismos, aunque también los tiene. Hasta aquí, todo igual. Sin embargo es desde su contenido de denuncia político-social que principalmente se distingue respecto a la película de Jennifer Kent, tal y como anteriormente ya he sugerido, La revolución islámica que en 1979 azotó las fronteras de Irán sumiendo al país persa en un régimen opresor liderado por el ayatolá Khomeini supuso el primer paso hacia la nueva Irán que se ha conformado hasta día de hoy. Hablamos de una Irán hermética que ha fantaseado con la bomba atómica mientras era asfixiada por las multas internacionales lideradas por Estados Unidos. De un estado de dictadura que ha supuesto un control estricto de toda expresión cultural generada para evitar mensajes contrarios al régimen que pudieran despertar las conciencias ciudadanas y auspiciar revoluciones indeseadas. Como una de sus 'víctimas' bien podría resultar la mamá protagonista (a quien le impiden ejercer la medicina debido a su participación en la revolución del 79) así como uno de estos 'mensajes' bien podríamos señalar "Under the Shadow", una alegoría socio-política que, de forma tan ideológicamente inteligente como técnicamente impecable, utiliza el género del terror para plasmar una crítica implacable hacia los mecanismos opresores del país al que se debe. Tan sutil y delicada como sobrecogedora y descarada, estamos, en efecto, y al menos en lo que al cine fantástico se refiere, ante una de las grandes sorpresas de la temporada.




11. HELL OR HIGH WATER

Sección Oficial Órbita

En pocas palabras:


La versión 'meta' de "Malas Tierras" + "En un lugar sin ley" (entre hermanos en este caso).

En unas cuántas:

Es cierto que "Hell or High Water" parece transitar lugares comunes de las heist movies texanas a las que estamos habituados (desde "Malas Tierras" a "En un lugar sin Ley") y de hecho, lo hace. Pero desde un tratamiento autoconsciente y un descaro apabullante (que en plena persecución que el sheriff interpretado por Jeff Bridges pida a su compañero que, literalmente, ponga "música de persecución" en el coche habla por si solo), también desde un trabajo de fotografía extraordinario y una poderosa construcción de personajes. El de David Mackenzie es un contundente western de persecuciones carismáticamente crepuscular que se construye sobre un elaborado carácter atmosférico y que sabe envolverse del árido paisaje que transita. Una propuesta que le lejos de conformarse con el trepidante entretenimiento que ofrece, presenta además un incipiente carácter de denuncia económica frente a los bancos y a las grandes corporaciones. Fue, sin duda, de lo mejorcito visto en Un Certain Regard del pasado Festival de Cannes, así como una de las películas de más empaque y carácter, y por lo tanto más apasionantes, que disfrutamos en el presente Sitges. No lo duden. Carretera, y manta.




12. THE EYES OF MY MOTHER

Noves Visions One

En pocas palabras:


Sería algo así como si el mítico cuadro American Gothic de Grant Wood cobrará vida para adentrarse en el marco del terror. O si lo prefieren, como si Michelangelo Antonioni y Shirley Jackson colaboraran en un Torture Porn.

En unas cuántas:

Su debutante director Nicolas Pesce es el último 'fichaje' de Borderline Films, en otras palabras, el colectivo de cineastas que forman Sean Durkin, Antonio Campos y Josh Mond. Ateniéndonos a "Martha Marcy May Marlene" tanto como a "Afterschool", "Simon Killer" o más recientemente, "James White", no podíamos esperarnos otra cosa que no fuera un transgresor y febril fenómeno indie. Y es que, si hay un denominador común por el que podríamos llegar a destacar esta 49 edición del Festival de Sitges, es la sorprendente cantidad de reveladoras óperas primas y en consecuente, de nuevos nombres a seguir, con los que el certamen fantástico nos está obsequiando: es el caso del iraní Babak Anvri y su imponente "Under the Shadow", también el del mexicano Emiliano Rocha y su alegórica "Tenemos la Carne", Christophe Deroo y carpenteriana "Sam Was Here" o el de la polaca Agnieszka Smoczynska con la lúdica "The Lure". Títulos punteros todos ellos que sin duda, están llamados a ocupar un lugar privilegiado en nuestro Top del festival, así como es el caso del debut que nos ocupa. Y es que no fue por casualidad ni mucho menos por capricho, que de forma previa la presentamos como nuestra película más esperada del festival tras ser descubierta y reivindicada en el pasado Festival de Sundance. "The Eyes of my Mother" es una película de terror rebosante de estimulantes contrastes. Una obra enmarcada en arrebatadores claroscuros, impregnada de un aire gótico y un aura pesadillesca que sin embargo, está concebida con una sensibilidad, una delicadeza y una elegancia fuera de lo común. Virtudes remarcables que adquieren una dimensión aún mayor si nos atenemos que asimismo hablamos de una cinta tan perversa como malsana en el devenir de la acción. Es decir, una mirada sutil pero ante todo macabra que transgrede, subvierte y definitivamente dinamita el concepto de la familia y su arraigo con una reflexión autodestructiva y extremadamente enfermiza. Un debut mayor que entra de cabeza a nuestro Top.




13. O ORNITÓLOGO

Seven Chances

En pocas palabras:

Alain Guiraudie + Alejandro Jodorwoski.

En unas cuántas:

Después de una larga colaboración con el director de arte, Joao Rui Guerra, que culminó en el soberbio híbrido documental entre realismo social y cine noir que es "The Last Time I Saw Macao" (Premio Especial del Jurado en Locarno 2012), Joao Pedro Rdorigues ha seguido trabajando junto a él para una nueva ficción. Como si de un cruce entre Alain Guiraudie yAlejandro Jodorowski se tratara, "O Ornitólogo" supone un viaje sin límites en la mente de un ornitólogo con anhelos de espiritualidad, misticismo y erotismo. Un viaje iniciático hacia la búsqueda de uno mismo iluminado por una surrealista mística pasoliniana que nos lleva de lo pagano a lo divino. La nueva película de Rodrigues bien podríamos calificarla como un objeto fílmico no identificado. Una obra inclasificablemente mágica que abraza de lleno la leyenda, el carácter fabulesco, y que probablemente suponga lo mejor que Rodrigues a rodado desde "O Phantasma". La guinda la pone la trangresora aparición ante cámara del propio director. Y ahí lo dejo. Pajaritos y a volar. El cine desde otra dimensión.




14. CREEPY

Sección Oficial

En pocas palabras:


El "Borgman" de Kiyoshi Kurosawa.

En unas cuántas:

Kiyoshi Kurosawa vuelve a su virtual tierra prometida, que no es otra que el cine de género, allá donde nos ha brindado sus mejores trabajos (como es el caso de "Loft", "Séance" o "Pulse"), aunque lo hace con ciertas reticencias. O mejor dicho, alejándose de ellos tanto como se acerca. Mas que anda porque de lo que "Creepy" nos habla, como si de un "Borgman" japonés se tratara, es de la alienación al que el ser humano está abocado en la posmodernidad por la que se rige la actual sociedad contemporánea, alejándose en este caso de la modernidad a la que sus anteriores películas señalaban. Es una nueva era, y en este sentido "Creepy" marca la frontera con la historia de un ex-detective llamado Takakura, quien recibe la petición de un antiguo colega para examinar el caso de una familia desaparecida ocurrido seis años atrás. Decir creepy, es quedarse corto. La nueva película de Kiyoshi Kurosawa es tremendamente sinuosa y malrollera pero ante todo, inteligente. No matarás al vecino...o mejor dicho, mátalo.




15. TRAIN TO BUSAN

Mejor Director y Mejores Efectos Especiales

En pocas palabras:

La película de zombies que rodaría Hirokazu Kore-eda.

En unas cuántas:

Corea del Sur es para la mayoría de nosotros un país a descubrir cuyo consolidado cine sin embargo, ya se ha convertido en una garantía de calidad inmediata a la hora de acercarnos a su cultura e idiosincrasia. Su guerra de secesión con Corea del Norte, el papel de la religión, la mafia, su servicio de inteligencia, la justicia y la venganza, los asesinos en serie o incluso el western, son algunas de las temáticas estrella con las que hemos podido llegar a indagar mediante la gran pantalla en los estigmas políticos y sociales que subyacen en un país tan remoto y lejano como lo es para nosotros Corea del Sur. Pues bien, en el caso de "Train to Busan" es la temática zombie su novedoso vehículo principal, aquel que nos lleva a profundizar en la lucha de clases, el descarnado capitalismo, la ausencia de empatía y solidaridad o el más absoluto egoísmo humano por el que actualmente se ve sacudido el hiper desarrollado país asiático. Todo ello comprimido y condensado en un blockbuster de impecable factura formal, de ritmo frenético, que resulta tan ágil como entretenido y que además de escenas de acción memorablemente plasmadas, presenta una sorprendente capacidad para incurrir en el registro melodrámatico a través del contexto íntimo por el que se rige la relación padre-hija sobre la que en todo momento "Train to Busan" levita. Es decir, desde la perspectiva más social y expansiva pasamos al espectro más familiar e intimo propulsado por el subgénero estrella que atañe al genero rey: los zombies. Múltiples capas que la nueva película de Yeon Sang-ho atraviesa y recorre, demostrando asimismo una sorprendente capacidad a la hora de sacar máximo partido al espacio reducido en el que se mueve. Con el permiso de "Snowpiercer", jamás transitamos en el cine vías y vagones de tan excelso recorrido. Pasajeros al tren de una superproducción, y en el mejor de los sentidos.




16. LA REGIÓN SALVAJE

Noves Visions One

En pocas palabras:

El "Post Tenebras Lux" de Amat Escalante.

En unas cuántas:

"La Región Salvaje" viene sacudida por la visita de un monstruoso ser de otro planeta, sí, pero ante todo nos llega marcada por el retrato de un país en pleno proceso de autodestrucción, también por la fragilidad y vulnerabilidad del sexo libre y el verdadero sentimiento del amor. Por un no lugar donde a pesar de tener los valores familiares profundamente arraigados, la hipocresía, la homofobia, la misoginia y el machismo imperan con absoluta libertad de discriminación. Y lo que Escalante se pregunta no es otra cosa que donde se podría llegar si una criatura extraterrestre se postulara como una posible solución. Un ser terrorífico que, sin embargo, se convierte en la única vía posible para lograr esa libertad, ese placer o esa posibilidad de deshinibición personal y espiritual que resulta tan básica y fundamental para vivir en paz y libertad. Para alcanzar, en resumidas cuentas, una felicidad de la que según parece, carece el México de hoy.




17. THE LURE

Mención Especial Jurado Joven

En pocas palabras:


"The Rocky Horror Picture Show" + "Un, dos, tres...Splash"

En unas cuántas:

"The Lure" es una desatada comedia polaca que nos sumerge en el mundo de los bailes de Varsovia de los años ochenta, de música vibrante, luces de neón y brillantes lentejuelas. Todo ello de la mano de dos vampiras sirenas que se unen a los músicos de una banda familiar denominada Figs and Dates y que en el transcurso de la noche se convierten en la sensación de la noche capitalina, sumiéndose en amores y pasiones incipientes por los que se olvidarán por un instante de su verdadera naturaleza. Es decir, un musical polaco insuflado por constantes retazos de humor absurdo en el que tienen cabida, además de sirenas-vampiras, estrambóticos números musicales, un romance platónico entrañable o incluso algún que otro chapuzón gore. Un inofensivo guilty pleasure que sin embargo, presenta un absoluto descaro creativo a nivel formal tanto conceptual. Virtud que adquiere una resonancia mayor si nos atenemos a que estamos ante una ópera prima. "The Lure" divierte, entretiene, sorprende, y lo que es más importante aún promete. Veremos que es lo siguiente con lo que Agnieszka Smoczynska nos obsequia.




18. MELANIE. THE GIRL WITH ALL THE GIFTS

Mejor Actriz

En pocas palabras:


La indiscutible sucesora de "28 días después".

En unas cuántas:

La historia de Melanie es de sobra (re)conocida, su efectiva y contundente forma de plasmarla y narrarla ya no tanto. Colm McCarthy mezcla sin tapujos la búsqueda de amor y familia de una carismática niña a través de un aterrador viaje en el que salvaguarda el destino de los últimos humanos de la Tierra. Una visión completamente única de un género tan apreciado como directamente 'sobado' al que sin embargo, el director irlándés es capaz de aplicar una inteligente vuelta de tuerca que sin duda, atraerá al público adulto más exigente tanto como aquellos que ya conocen la exitosa novela de Mike Carey. Hablamos de una película muy comercial que en efecto, puede llegar a un gran público, pero encima con incontestable personalidad. Una virtud más loable aún si cabe si nos atenemos a que el suyo es un registro tan manido y redundante como lo es el género de ciencia ficción que levita sobre la distopía zombie. Tan lejos, tan cerca de "28 días después", "Melanie. The girl with all the gifts" demuestra atesorar una sorprendente inteligencia discursiva a nivel temático a la hora de reflexionar con reveladora audacia acerca de la moralidad humana. También a nivel dispositivo, con su elegante, detallado y definitivamente espectacular diseño de producción. Es decir, todo bajo control. Hablamos de un título que apunta a capital, que incluso aspira al crédito totémico, en lo que al género zombie se refiere. Veremos si nuestra cartelera comercial, donde llegará el próximo mes de enero, le brinda la justicia que bien merece. Lo tiene todo para ello, empezando por la joven Sennia Nanua, merecedora del premio a Mejor Actriz y a quien bien podríamos señalar como la nueva Quvenzhané Wallis. Que haya sido capaz de dejar en un segundo plano a nombres de primer nivel como Gemma Arterton, Glenn Close, Paddy Considine o la protagonista de "4 meses, 3 semanas, 2 días" Anamaria Marinca, da buena fe de ello.




19. LE SECRET DE LA CHAMBRE NOIRE

En pocas palabras:

"La Cumbre Escarlata" + "Vértigo"

En unas cuántas:


Kiyoshi Kurosawa sale por vez primera de Japón para realizar su primera película europea, concretamente francesa. Un dato relevante en cuanto sistema de producción se refiere que sin embargo, no lo es tanto en lo que a su inconfundible temática atañe, ya que el director de "Pulse" sigue incurriendo, o mejor dicho subvirtiendo, el leit-motiv fantasmagórico por el que inconfundiblemente se distingue su cine. Lo cual no quiere decir que la hipnótica y exquisita "Le Secret de la Chambre Noire" no presente novedades sorprendentes que van más allá de su europeización. Tal y como ya ha hecho en sus anteriores "Journey to the Shore" y "Creepy", el emblemático realizador japonés vuelve a romper las barreras que separan lo fantasmagórico de lo real, aunque en este caso lo hace, y es aquí donde yacen las sorpresas más remarcables, desde un registro eminentemente romántico y melodramático, desde un planteamiento anacrónico que fusiona lo gótico con lo moderno, lo vetusto con lo contemporáneo. Porque su nueva película es ante todo gótica, una obra frágil y delicada que transita los lugares comunes de uno de los subgéneros más ilustres del terror: como si de una particularísima versión de "La Cumbre Escarlata" se tratara, en "Le Secret de la Chambre Noire" hay una mansión que respira, sangra y hasta recuerda, también una enfermiza y sentida historia de amor, así como una sensación funesta que constantemente atenaza. Una obra genuinamente atmosférica y absolutamente magnética que ante todo medita sobre la obsesión y el amor, que no presenta grandes alardes (los golpes de efecto vienen dados muy sutilmente) aunque si estimulantes y sofisticados contrastes (como es el caso de la fascinación que emana por las arcaicas técnicas fotográficas a día de hoy o el empleo de un a banda sonora eminentemente melosa que acompaña el devenir de una acción turbadora). Virtudes apasionantes que llevan a un servidor a caer rendido ante la sublime "Le Secret de la Chambre Noire". Ante todo, clase.




20. TENEMOS LA CARNE

Sección Oficial

En pocas palabras:

"Borgman" + "Año Bisiesto"

En unas cuántas:

Lo que el incendiario debut del mexicano Emiliano Rocha refleja es una suerte de cruce entre "Borgman", "Año Bisiesto" y "Somos lo que hay" sumergido en los bajos fondos mexicanos. Un debut tan descarado como prometedor que bien podríamos presentar como una suerte de performance cinemática sublimemente escenificada donde se da rienda suelta a los deseos más primarios, pero ante todo retorcidos y alienados, de unos personajes que ya no albergan esperanza alguna de alcanzar un mínimo eco de felicidad. Bajo esta tenebrosa premisa y partiendo desde la esfera íntima, "Tenemos la Carne" logra sin embargo abrazar el más perverso y siniestro nihilismo social con un disposición artística tan magnética como radical que tiene en el incesto, el canibalismo o el sexo explícito, sus principales armas arrojadizas, así como en los Carlos Reygadas, Amat Escalante o Jorge Michel Grau sus inequívocos referentes. Sobre todo, a la hora de articular un provocativo y degradado análisis alegórico de México que en este caso emerge encerrado sobre las cuatro paredes de un edificio en ruinas que acaba por transformarse en una especie de vientre materno (cada uno que saque sus propias conclusiones) donde sus descarriados personajes dan rienda suelta a sus fantasías sexuales y también carnales (en el sentido literal de la palabra). Y lo hacen enmarcados por el más depravado carácter surrealista y onírico, así como propulsados por una enfermiza fascinación inducida por un personaje inclasificable pero sobre todo memorable, que sugiere toda clase de rasgos demoníacos. Controvertidos mimbres que gusten o no, al menos queda claro que dilapidan todo posible atisbo de indiferencia en el espectador, invitándole a profundizar en esta extraña combinación de realismo y terror a partir de su propia intuición e interpretación. Carnaza, en el mejor (o peor) de los sentidos. Según como se mire.




21. TOWER

Noves Visions Plus

En pocas palabras:

La funesta semilla de la que los "Elephant" o "Bowling for Columbine" brotaron.

En unas cuántas:

Con la excepcional "Tower" el director Keith Maitland vuelve a visitar el escenario de un atentado histórico que tuvo lugar hace prácticamente 40 años y que sin embargo, resulta de rabiosa actualidad en un momento en el que lamentablemente este tipo de terribles eventos se deben mucho más a la actualidad que al pasado. Un sugerente punto de partida que adquiere un interés mucho mayor si nos atenemos a su estimulante y novedosa propuesta formal: una mezcla de animación rotoscópica, material de archivo en super 8 y declaraciones en primera persona que abraza una propuesta única a nivel escénico y le imprime un insólito potencial cinemático. La precisa e implacable recreación de los hechos, la conmovedora declaración en primera persona de sus héroes, supervivientes y testigos, el audaz empleo de imágenes de archivo que se fusionan con las imágenes de animación o una reveladora reflexión acerca de lo que supone la valentía o la cobardía en momentos críticos como el que "Tower" reconstruye, son los principales recursos de los que se vale esta singular y compleja mirada, que bien podríamos señalarla como una de las grandes sensaciones de la temporada en lo que a la vertiente documental se refiere. Únicamente el cariz excesivamente melodramático, prácticamente sensacionalista diría yo, con el que trata un tramo final donde profundiza en exceso en los sentimientos personales de sus principales personajes, se erige en su principal, diríamos único, lunar.




22. HARDCORE HENRY

Sección Oficial

En pocas palabras:

Una parodia, una carta de amor y un homenaje al mundo del videojuego. Todo a la vez, mezclado y agitado en un cocktail molotov de locura. "Call of Duty", sí, pero también "Mirror's Edge", "Doom" y mil ejemplos más.

En unas cuántas:

Los videojuegos y el cine son dos medios con tantos elementos que los unen como los diferencian. Ambos son medios cinéticos, capturan el movimiento y lo transmiten al espectador, pero mientras en uno el espectador es pasivo, en el otro es activo, hasta ciertos límites, claro. Por haber nacido primero, tener una larguísima tradición y una penetración social mayor, el cine ha actuado como su hermano mayor: le ayudó a aprender a expresarse, prestándole técnicas para que pudiera armar su narrativa y sorteara sus limitaciones técnicas iniciales. Es por ello que durante muchos años, los videojuegos han estado dominados por la siguiente fórmula: cinemática más parte jugable más cinemática, y así hasta el infinito y más allá. Este préstamo pocas veces ha sido retroactivo, y a pesar de algunas adaptaciones cinematográficas de videojuegos como "Doom" y contados ejemplos, pocas veces el cine ha echado mano de recursos nacidos y establecidos en el mundo virtual. El más utilizado, por lógica, ha sido la vista en primera persona (POV), una técnica que no es exclusiva de los ordenadores y videoconsoloas pero sí donde ha alcanzado su madurez y máximo punto de esplendor. En este sentido, la película de Ilya Naishuller es pura adrenalina, un kamikaze visual y sonoro que te hará jadear al salir del cine. Pero no puede dejar de maravillar por su apabullante uso de la técnica, su consciencia genérica, los efectos especiales y el empleo de una revolucionaria acción. Sí, el argumento es una chorrada digna del mejor Triple A (sí, así está el nivel en el medio), pero los fuegos artificiales que la envuelven bien merecen su media hora de excéntrico y desbocado desenfreno. Un experimento audiovisual que se agradece, que jamás aburre aunque sí aturde, y que apunta a convertirse en toda una película de culto por su diferenciación. Eso sí, no le vemos futuro más allá de "Hardcore Henry" a este tipo de películas. Será muy interesante ver cómo el cine puede adaptar la primera persona más allá de la acción desenfrenada por la que parecen caracterizarse únicamente los videojuegos. Sería algo así como ver un buen gameplay con las mejores partes scriptadas de la historia.




23. LE CHIAMAVANO JEEG ROBOT

Mejor Película Órbita

En pocas palabras:

La respuesta europea a Marvel y DC Comics.

En unas cuántas:

Merecedora de 7 premios Donatello estamos ante la gran revelación del cine italiano durante este año. "Le Chiamavano Jeeg Robot" bien podríamos señalarla como la respuesta europea a Marvel y DC Comics. Una suerte de "Deadpool" inmerso el realismo social en el que se enmarca el cine de mafia italiano contemporáneo (como es el caso de "Gomorra", "Romanzo Criminale" o "Non Essere Cattivo") que presenta ecos de Joker, de "Operación Triunfo" o incluso de "Gran Hermano". La contundente ópera prima de Gabriele Mainetti supone una ráfaga de aire fresco capaz de mezclar géneros y elementos con sorprendente inventiva y un descarado atrevimiento: una fábula urbana tan divertida como melancólica que no da tregua y en la que hay una violencia de dibujos animados, de cómic, pero también se siente mucho el dolor y la pesadumbre existencial característica del cine italiano contemporáneo. Y es que lo que "Le Chiamavano Jeeg Robot" ante todo hace es situar personajes reales en un contexto absurdo cuando a lo que estamos acostumbrados es precisamente lo contrario. Y no son todos buenos o malos, no todo es negro o blanco. Como protagonistas tenemos un antihéroe convertido en superhéroe. Como antagonista en cambio tenemos a Zingaro, un supervillano, antíguo concursante de un "Operación Triunfo" que sin embargo, posee una fragilidad con la que todos podríamos llegar a identificarnos a la hora de reclamar de forma obsesiva presencia y protagonismo, tal y como hoy día pasa en los realitys y las redes sociales. ¿El fenómeno comercial que el cine europeo estaba esperando? Debería serlo.




24. IN A VALLEY OF VIOLENCE

Seven Chances

En pocas palabras:

El western que Clint Eastwood y Quentin Tarantino rodarían a cuatro manos

En unas cuántas:

Abanderado del movimiento mumblegore, hijo pródigo del Festival de Sitges y apadrinado deQuentin Tarantino o Eli Roth. Muchos son los títulos que se ha ganado Ti West en los últimos años, y lo ha hecho a base de películas tan transgenéricas y arriesgadas como sus recientes "The Sacrament" o "Los Huéspedes". Títulos que recogen lo mejor de la semilla que empezó a plantarse en películas como "Insidious" o su secuela, ofreciendo un toque distintivamente único y terrorífico. Hablamos de uno de los directores independientes más necesarios para un género que siempre está expuesto a la sobreexplotación de sus propias fórmulas y que ahora vuelve a la acción con un imprevisible western. De la mano de Ethan Hawke, Taissa Farmiga yJohn Travolta, entre otros, "In the Valley of Violence" nos cuenta la historia de un forastero, vagabundo y ex-soldado sin nada que perder que busca vengarse de unos matones que asesinan a su mejor amigo. Es la base sobre la que Ti West hibrida los códigos del western clásico con un carácter eminentemente pulp, llevando así un género tan mitificado y arcáico a su propio y transgresor terreno, donde lo climático lo convierte en anticlimático y viceversa. En "In a valley of Violence" hay ecos de "Sin Perdón", también de "Los odiosos ocho" y "Django Desencadenado", además de unos memorables Ethan Hawke y John Travolta, aunque sea por razones bien diferentes. Tal y como suena




25. I AM NOT A SERIAL KILLER

Mejor Película Panorama

En pocas palabras:

"Dexter" + "Fargo" + "A Dos Metros Bajo Tierra" + "Stranger Things"

En unas cuántas:

La premisa resulta tan estimulante como acaba por serlo la película: cuando el frío pueblo del Midwest americano donde vive se ve acechado por una ola de sangrientas muertes, un adolescente obsesionado con los asesinos en serie que, pese a sus tendencias sociópatas, hace todo lo posible para no convertirse en uno de ellos, decide perseguir al culpable bajo la amenaza de descubrir que él es mucho peor que su enemigo. El director irlandés Billy O'Brien adapta la primera entrega de la serie YA de Dan Wells y con ello nos ofrece el que probablemente suponga el más revelador y profundo estudio psicológico de personajes disfrutado durante esta nueva edición de Sitges. Rodada en 16 mm que lucen sus mejores galas, excelentemente protagonizada por el joven Max Records pero sobre todo por un acaparador Christopher Lloyd (ahí lo dejo) "I am not a Serial Killer" bebe directamente de hitos recientes de la televisión como "Dexter", "Fargo", "A Dos Metros Bajo Tierra" y "Stranger Things" para ofrecernos una muestra de terror que más allá de la serie B en que parecía predestinada a enmarcarse, huele a obra de culto contemporáneo en lo que a cine de misterio y terror se refiere. El pinchazo que sufre en un tercer acto que abruptamente deriva hacia el fantástico es el único defecto que podemos atribuir a esta profunda y compleja muestra de horror crime.




26. SAM WAS HERE

En pocas palabras:

El "Giro al Infierno" que rodaría John Carpenter.

En unas cuántas:

Vivimos en un mundo en el que la ignorancia en masa se ha convertido en un problema de estado, sucede en España y por supuesto también, sacude a los rincones más remotos de Estados Unidos. Cuanta más sobreinformación hay, mayor es el desconocimiento y sobre todo la fobia social que puede llevar a una población a erigirse en un blanco fácil para la manipulación, abriendo la puerta de par en par a la vil posibilidad de sembrar el mundo de mensajes subliminales con los que poder convertir a los humanos en una raza de esclavos. Es el caso de la turbia y malsana ópera prima de Christophe Deroo, donde nuestro protagonista Sam que da pie al título, se convierte en blanco y presa de los habitantes de una remota aldea del desierto de Mojave al ser señalado por un locutor de radio que se hace llamar Eddie como el presunto culpable del abuso y asesinato de una niña desaparecida. Sus simple locución y las pruebas sin fundamento alguno que aporta resultan más que suficiente para que lugareños ataviados con siniestras máscaras vayan a por él armados hasta los dientes.Tanto su feroz crítica social (así como el uso que hace del género del terror para trasladarla) como el contexto alienado y pesadillesco del que se envuelve y sobre todo, la electrónica banda sonora de sello trance que le imprime, nos llevan al cine de ese tótem del género rey que es John Carpenter. De hecho, que el pseudónimo de su compositor musical sea Christine probablemente no responda a una simple casualidad. Un referente tan evidente como complicado de evocar al que sin embargo, sorpresa, la gratificante "Sam was Here" SÍ le hace justicia. Una película tan minimalista como aversiva en su concepción que se disfruta mucho más reflexionando sobre ella que visionándola directamente. Y no lo digo como defecto, sino como un incontestable cumplido.




27. ARE WE NOT CATS

Mención Especial Noves Visions Plus

En pocas palabras:


Imagínense que a David Cronenberg, Xavier Dolan y Joel Potrykus les diera por rodar una romántica teen trash movie a seis manos con ecos de "Solo los amantes sobreviven". Pues eso.

En unas cuántas:

"Are we no cats" comienza pisando fuerte. Con su protagonista perdiendo a su empleo, su novia y su hogar en un mismo día. Lo que le llevará a dar tumbos en busca de algún lugar o algún trabajo donde caerse muerto hasta dar con una joven descarriada como el que profesa un extraño hábito: el de comerse el pelo. Con esta marciana carta de presentación el debutante Xander Robin enarbola un retrato tan cómico e inquietante como definitivamente humano sobre la deriva laboral y en consecuencia, existencial, a la que se ve abocada la juventud americana de hoy. Aquí hay mucho de "Buzzard", también de "Trabajo Basura". Son los particulares referentes que llevan a "Are we not cats" a convertirse en una caleidoscópica y colorida obra de arte propulsada por una ecléctica banda sonora en la que resuenan temas de blues y funky pasando por el jazz de Albert Ayler. Fue la sensación de la Semana de la Crítica en el reciente Festival de Venecia y como no podía ser de otra forma, también lo ha sido en Sitges.




28. ANTIPORNO

Noves Visions Plus

En pocas palabras:

La versión nipona, con lo excesivo que conlleva venir firmada por Sion Sono, de otra película que hemos podido ver en el festival: "Always Shine".

En unas cuántas:

Hace unos meses, el estudio de videojuegos Konami decidió hacer un ejercicio de autocensura evitando la publicación en Europa de su última entrega de "Dead or Alive Xtreme", un juego donde el único objetivo es ver como unas jovencitas bien lozanas retozan en la playa mientras el jugador, presuntamente un hombre heterosexual, observa. El motivo que dio la compañía nipona es una evidencia en sí mismo: "No se entendería en Europa", y así evitaron las polémicas que bien acertadamente tildarian al videojuego de machista. Si bien en nuestras tierras tampoco podemos vanagloriarnos en exceso de nuestro feminismo, es cierto que al menos, hemos identificado el problema y hablamos de ello. Algo que parece casi una utopía en el país nipón, donde a pesar de lo que pueda parecer continua siendo profundamente conservador en cuestiones de género o sexualidad. Pero afortunadamente, tenemos a Sion Sono, un transgresor por naturaleza, que carga contra la cosificación del cuerpo de la mujer que se perpetua en anime, videojuegos, manga, pero sobre todo, en aquel género intrínsecamente japonés llamado roman porno; y lo hace desde la estética más depurada y saturada pero sobre todo radical, haciendo un uso inteligentísimo del espacio y de ese metanlingüismo al que tan bien acostumbrados nos tiene. En 78 minutos de puro delirio cinematográfico, nos sumergimos en una pesadilla feminista donde tenemos dardos que directamente atentan contra la male gaze, contra el puritanismo al que es sometido el cuerpo de la mujer o la dualidad de géneros, tal y como vimos ya en "Always Shine". Con un onirisimo extremo que puede deslumbrar tanto como descolocar a partes iguales, transmitamos por la deconstrucción del personaje de Ami Tomite, que empieza como una artista excéntrica en mododominatrix (y aquí también hay crítica para la actual juventud global, que encuentra diversión en el sadismo ajeno) y acaba como una adolescente violada, descompuesta y totalmente demente. Para quien firma, una pequeña gran obra maestra.




29. ALWAYS SHINE

En pocas palabras:

La han definido como un cruce entre "Persona" y "Mujer blanca soltera busca", pero se han olvidado de otros de sus grandes referentes: "Queen of Earth".

En unas cuántas:

Una obra de explosiva audacia que dinamita y expone la perversidad de los roles tradicionales de género y sus consecuencias en las mujeres y la propia sociedad.La segunda película de Sophia Talak es, en su superficie, la historia de dos mujeres cuya relación de amistad está rota, muy en la línea de lo que nos ofreció Alex Ross Perry en "Queen of Earth", pues hasta comparten escenario, pero si miramos con un poco más de atención, uno se da cuenta de que es una crítica demoledora a nuestra preconcepción histórica, y por ende, social de lo que consideramos como masculino y femenino. Durante siglos, las mujeres y los hombres han tenido que encajar dentro de roles de comportamiento que se veían adecuados para su género: el hombre es fuerte, atrevido e ingenioso; la mujer es modesta, callada y sabe escuchar. ¿Qué pasa cuando una mujer intenta llevar la contraria? ¿Cuándo intenta subvertir ese rol y adoptarlo? Pues, que tal y como le pasa a la co-protagonista de esta película, acaba siendo condenada al ostracismo y al descarte de los hombres, que ven en estos comportamientos una actitud amenazante. No queda más que la adopción total y hasta sus últimas consecuencias, volcado en una violencia descarnada que, sin duda, atenta contra la violencia machista. Un alegato profundamente feminista y ferozmente crítico que se cuida de no dejar títere con cabeza: por no salvarse, no se salva ni el mainsplaning. Mujeres, hombres, y viceversa.




30. THE HANDMAIDEN

Premio del Público

En pocas palabras:

Un handmaid de Park Chan-wook

En unas cuántas:

Curioso el dato. Después de debutar en inglés con la irregular "Stoker", Park Chan-wook vuelve a su Corea natal para adaptar en este caso la novela Fingersmith de Sarah Waters, un drama criminal de época ambientado en el Londres victoriano que el director ha trasladado a Japón. Y lo hace tras ser previamente adaptada en una producción de 3 horas de la BBC protagonizada por Elaine Cassidy, Sally Hawkins, Imelda Staunton, Charles Dance y Rupert Evans. Así que, poca broma. En este caso son Ha Jung-woo, Kim Min-hee, Jo Jin-woongy Kim Tae-ri quienes nos llevan a la Corea y Japón de 1930 para contarnos la historia de una heredera, un estafador, y una carterista que entra al servicio de la heredera como criada. "The Handmaiden" es una obra de portentoso diseño de producción que lleva la feminidad (y el feminismo) como bandera, que no solo resulta exuberante en su propuesta formal a la hora de empaparse del aura gótica que le impregna, sino que además establece un estimulante juego directo con el punto de vista del espectador convirtiéndole en cómplice y voyeur de la acción. Y lo hace a camino entre el humor más irónico, el erotismo más pasional y envuelto en una latente sensación de sadismo.





BONUS TRACK I: VOYAGE OF TIME

En pocas palabras:

"El árbol de la vida" + National Geographic + "2001: odisea en el espacio".

En unas cuántas:

Un excelso deleite visual de belleza cósmica y amor incondicional que directamente sumerge al espectador en la historia del universo y la vida a partir del milagro de la creación. "Voyage of Time" sorprende por arraigarse firmemente a la Tierra y no tanto al universo como de Terrence Malick podríamos esperar. Por dejar de lado la creencia religiosa para abrazar de lleno la divinidad del panteísmo y devolver así a su padre y autor a sus orígenes paganos, aquellos que tienen como principal Dios una madre naturaleza a la que constantemente convoca y hace referencia a través de un discurso poético tremendamente evocador, de un halo esclarecedoramente filosófico, metafísico y ante todo, espiritual. Un discurso que reivindica la armonía con la que el ser humano debería relacionarse con su entorno natural, una sublimación de una comunión que prácticamente reclama la unión del todo (y con ello me refiero a toda forma de existencia) como parte de una misma sustancia, un mismo magma de vida. Discurso que Malick enarbola a través de unas imágenes espectaculares que reivindican desde el artificio más apabullante y definitivamente alucinante la belleza primaria de la Tierra. Un complejo y elaborado trabajo de diseño de producción sobre el que, sin embargo, se percibe claramente que es CGI y no imagen real. Recurso muy conscientemente utilizado que tiene como principal hilo conductor la concienciación del espectador sobre una pureza y divinidad natural que jamás podremos volver a recuperar, un paraíso ya perdido cuya memoria no podemos hacer más que salvaguardar. Y es que no por casualidad, la artificiosa hermosura de estas imágenes se confrontan con home movies de imagen cruda y real 'protagonizadas' por rituales integristas, sacrificio de animales o los homeless. Imágenes rasgadas que ante todo nos trasladan la esencia destructora y alienada del ser humano por la que actualmente se rige el mundo de hoy. Para echarse a llorar, sí, pero ante todo para reflexionar y dejarse llevar (o más bien dejarse retornar) a la pureza y preciosidad de un 'más allá' que jamás podremos volver a recuperar, y mucho menos abrazar. Aquí hay para dar y tomar.




BONUS TRACK II: THE GREASY STRANGLER

"Un oasis lúdico de suciedad y depravación", "un ejercicio sobre la escatología juvenil que resulta asombrosamente pura en su insistente y repetitiva determinación por molestar" o "una película que pide a gritos que la odies aunque no merece la energía psíquica que ello conlleva". Son algunos de los cumplidos que "The Greasy Strangler" obtuvo a su paso por Sundance. Hablamos de una película catalogada como el WTF de la temporada desde el propio festival, que tiene en un estrangulador grasiento que impregna al vecindario que acecha de fragancias escatológicas a su singular antagonista. Con semejante carta de presentación, y a pesar del agotamiento que puede producir su desfasada y radical propuesta ¿como no la íbamos a destacar?

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