Lo Mejor del Festival de San Sebastián 2018

Autor: Joan Sala Fuente: Filmin

Lo Mejor del Festival de San Sebastián 2018

La 66ª edición del Festival de San Sebastián será recordada por el elevado nivel de su sección oficial, repleta de títulos más que interesantes que exploran las posibilidades de géneros que no siempre suelen encontrar cabida en un festival, como la comedia o la ciencia-ficción. El buen nivel del cine español a competición quedó rubricado por la Concha de Oro para "Entre dos aguas", la segunda para el director Isaki Lacuesta. Pero más allá de los premios, el certamen donostiarra nos regaló once días de muy buen cine, de los que nos quedamos con estas 20 películas.

1. ENTRE DOS AGUAS

Concha de Oro

"Entre dos aguas" es la genuina historia de un reencuentro, es el retrato de un marginal universo (como es el caso de una isla de San Fernando en la cual se bifurcan desempleo, inmigración ilegal y narcotráfico), es también un grito de urgencia que directamente pone en evidencia nuestras políticas de reinserción pero ante todo, es la captura del inexorable del paso del tiempo. Isaki Lacuesta nos presenta la que es su mejor película desde "Los Pasos Dobles", una obra que respira autenticidad y carisma por cada uno de sus poros, que está rodada con pulso firme y ensamblada con pasmosa agilidad. Un híbrido contundente y puro entre ficción y documental no falto de un chistoso sentido del humor que directamente penetra en el corazón de sus personajes, así como en el del espectador.

2. ROJO

Mejor Director, Mejor Actor, Mejor Fotografía

En su tercera película, Benjamín Naishtat ("Historia del miedo") rememora los meses previos al golpe militar de Videla en Argentina. "Rojo" es un thriller estremecedor en el que la epidemia fascista se huele de lejos mientras la gente común se revela como parte de un país podrido. La serpiente, a punto de romper el cascarón. Una película algo extravagante, en la que el terror parece estar maquillándose antes de salir a escena. Recuerda mucho a "Tony Manero", aquella película de Pablo Larraín en la que Alfredo Castro interpretaba a un asesino en serie disfrazado de John Travolta en "Fiebre del sábado noche". La presencia de Castro en "Rojo" no es una coincidencia, y de hecho nos recuerda que Chile y Argentina vivieron realidades paralelas en la década de los 70. Como Larraín, Neishtat toma prestados algunos recursos del cine de género para construir una cinta de terror político que, si bien decae en algun momento, produce mucha envidia por estas tierras. ¿Cuando alguien volverá a hacer el cine que practicaba Carlos Saura en los 70? Hoy parece más necesario que nunca.

3. QUIÉN TE CANTARÁ

Premio Feroz de la crítica española a la Mejor Película

La ausencia en el palmarés oficial del festival ha sido sin duda una de las grandes sorpresas del cierre de esta edición. La tercera película de Carlos Vermut reunió un amplísimo y entusiasta consenso entre la crítica desplazada a San Sebastián, que quedó encandilada por este drama en el que una estrella del pop amnésica recurre a una de sus imitadoras en Youtube para recordar cómo era ella, cómo se movía en el escenario y qué la convirtió en ídolo de masas. Un film de vidas sustraídas y vampirizadas sustentado sobre la interpretación de cuatro intérpretes mayúsculas: Najwa Nimri, Natalia De Molina, Carme Elías y una Eva Llorach que se ha doctorado en Donosti como uno de los mayores talentos de nuestro país. Con un apartado musical excelso (banda sonora de Alberto Iglesias, temas originales interpretados por Amaral y la propia Najwa Nimri), y ecos de Bergman y Almodóvar, el director de "Magical Girl" firma su trabajo más maduro y reposado hasta la fecha sin renunciar a algunas de sus señas de indentidad: el gusto por la cultura pop, las historias de vidas cruzadas o la construcción de secuencias de alta tensión, como la (inolvidable) que protagonizan Llorach y De Molina a ritmo de techno.

4. IN FABRIC

Sección Oficial

La amplitud de miras en la programación de la Sección Oficial del festival estuvo ilustrada por, la presencia de entre otras, "In fabric", el nuevo largometraje del que es, con permiso de Bean Wheatley, el cineasta británico más estimulante del momento: Peter Strickland ("Berberian Sound Studio"). Una comedia absurda con los ingredientes del cine de terror de serie B, o una película de terror pasada por el filtro del humor británico más chiflado, "In fabric" nos presenta al asesino en serie más demencial e inesperado del cine reciente: un vestido de color rojo. Bajo su piel de marcianada excéntrica, Strickland esconde una contundente crítica a la sociedad de consumo de cuyo engranaje todos formamos parte. La secta satànica de la talla 36, la verbigracia verborreica del lenguaje comercial o el poder hipnótico de la publicidad forman parte de este extraño cuento de terror que adopta los colores y sonidos de un giallo y nos tuerce la sonrisa como solo las comedias más inteligentes pueden hacer.

5. BLIND SPOT

Mejor Actriz

De lo que "Blind Spot" ante todo nos habla es de la incapacidad que en el seno de muchas familias modernas y de clase acomodada hay para identificar y reconocer los graves problemas personales que pueden estar padeciendo sus hijos adolescentes. La facilidad que hay para ir con el piloto automático del "todo va bien" sin realmente detenerse a profundizar y analizar si verdaderamente así es. Una advertencia de urgencia que la nueva realizadora danesa articula a través de un suceso abrupto y totalmente inesperado. Lo que da pie a un estado de shock en el que cada uno de sus actos se rigen por la impulsividad y la confusión. Como reaccionamos ante un hecho traumático, como nos regimos a la hora de afrontar un golpe dramático, lo recordamos en la mayoría de las veces desde una perspectiva difusa y enmarañada. Es por ello probablemente que Tuva Novotny decide capturar este momento, esta situación de visceral acción, desde la condensación del tiempo real que conlleva hacerlo en una única toma . Un plano secuencia de 102 minutos de duración ensamblado desde una contundente sobriedad formal con la que evita el empleo de gratuitas y superfluas florituras técnicas. Un tour de force interpretativo y directorial que tiene además, la muy reivindicable virtud de obviar los elementos melodramáticos y dejar todo el espacio necesario al espectador para completar ese ángulo muerto al que hace referencia su título original.

6. JESUS

Mejor Película Nuevos Realizadores

Una entrañable miniatura japonesa de apenas 70 minutos de duración se ha llevado con todo merecimiento el premio gordo de la sección Nuevos Directores de la presente edición del Festival de San Sebastián. El que la japonesa "Jesus" nos presenta es un relato maravillosamente LOL, un inclasificable coming of age que se sale de toda norma al hablarnos de lo que supone experimentar el duelo en la infancia. Desde su aparente sencillez y exquisito tratamiento formal, "Jesus" se presenta como un relato que sorprende desde una imprevisible fuga que finalmente uno comprueba que está ejecutada con toda la lógica y hasta sus máximas consecuencias. El conflicto, el dolor y por lo tanto, el profundo enojo que todo creyente puede tener con el propio Dios al que le entrega toda su fe en el momento que le toca vivir la muerte de un ser querido de forma antinatural, es el principal eje sobre el que bascula este afectuoso relato coming of age. Es algo así como si Hayao Miyazaki (el niño protagonista parece directamente salido de cualquiera de sus películas) dirigiera "Yuki y Nina" envuelto de frondosa nieve. Conmovedora y tierna a más no poder, "Jesus" es una película tan original como arriesgada en su vertiente artística como en su concepción temática. Una mirada única en su especie. 

7. HIGH LIFE

Premio Fipresci de la crítica internacional

Sensual y perturbadora a partes iguales, “High Life” es un fascinante festín de sexo depravado y fluidos desatados donde la cámara apenas se despega de los rostros y cuerpos a los que permanece incrustada. Una obra implacable que emana un magnetismo tan inmersivo como aversivo para finalmente llevar un género tan libre como lo es el de la ciencia ficción a su terreno más transgresor, el de la abstracción. Y es que por haber, no hay ni campo gravitatorio en la azarosa galaxia a la que Claire Denis nos lanza. Un universo marcadamente apocalíptico donde la imposibilidad para la procreación choca de bruces con la alienación de los cuerpos que conforman esta expedición y, en consecuencia, con su camino hacia ese agujero negro que simboliza el adiós a una condición: la humana. Directos al hoyo. 

8. THE THIRD WIFE

Premio TVE Otra Mirada

Una obra tan deliciosa y hermosa en su esencia y forma como definitivamente trágica y perturbadora en su fondo y contexto. Alumbrada por "La Linterna Roja" de Zhang Yimou, aromatizada por "El olor de la papaya verde" de Tran Ang Hung, la que “The Third Wife” nos cuenta es ante todo una historia de supervivencia, la historia de un coming of age dramáticamente precoz subyugado por las ancestrales tradiciones vietnamitas. Y lo hace sumergiéndonos en un oprimido universo femenino que sin embargo, se conforma sobre un entorno aparentemente idílico. “The Third Wife” parte de la transmisión del amor como un elemento de rebelión y en consecuencia, como un factor clave para sobrevivir a un estado de supurante represión, para apuntar con objetivo certero al despotismo machista que históricamente atañe al costumbrismo vietnamita. Tanto en su pasado, como uno intuye, en su presente.

9. UN HOMBRE FIEL

Mejor Guión (Ex-Aequo)

Puede que tenga que ver con su singular aspecto físico, por el que muchos le definen como "no muy guapo pero sí muy atractivo". Puede que sea por ser el hijo de Philippe Garrel, por haber protagonizado algunos de los títulos más relevantes del cine de autor francés de los últimos años o por parecer la versión contemporánea del Antoine Doinel de Truffaut. El caso es que Louis Garrel tiene la categoría de estrella del más alto firmamento en el Festival de San Sebastián. La expectación que levanta entre los cazaselfies y los periodistas justifica por si sola su presencia el el certamen. Pero es que además, Garrel Jr. dirige películas, y la última le ha quedado redonda. Acogiéndose a la línea ligera y miniaturista del cine de su padre en los últimos tiempos, Garrel nos ofrece con "Un hombre fiel" una nueva reflexión sobre las relaciones de pareja en estos tiempos en los que el amor parece no estar de moda. Con su actual esposa, Laetitia Casta, junto a él al frente del reparto, y una formidable Lily-Rose Depp dándoles la réplica, "Un hombre fiel" es la película que gustaría por igual a Truffaut, a Hong Sang-soo y a Woody Allen.

10. EL REINO

Sección Oficial

Que a pocos días de su estreno en cines, el pasado viernes 28 de septiembre, la ex presidenta de la Comunidad de Madrid, Cristina Cifuentes, publicase en Twitter una foto junto a Antonio de la Torre recomendando apasionadamente la película, no ha hecho más que agrandar la popularidad de "El Reino", cuarto largometraje (tercero en solitario) de Rodrigo Sorogoyen. Pese a su ausencia en el palmarés final, la gran película sobre la corrupción en España no ha hecho más que arrancar en Donosti lo que se vislumbra como un largo y exitoso camino hacia los Goya. Con un De la Torre en estado de gracia (como siempre, vamos) Sorogoyen nos presenta a un grupo de personajes tan mediocres como borrachos de aires de grandeza que han vivido a costa del contribuyente hasta que alguien hace saltar la liebre, el castillo de naipes empieza a venirse a bajo y sálvese quién pueda. Tan precisa en su radiografía (no es necesario usar nombres reales para aludir a este partido, a aquel político y a esa periodista) como trepidante como ejercicio de género, "El Reino" es un thriller filmado con pulso de hierro por uno de los nombres imprescindibles del cine español actual.

11. VIAJE AL CUARTO DE UNA MADRE

Premio de la Juventud y Mención Especial

Es posible armar mucho con muy poco. Lo demuestra sobradamente la debutante Celia Rico con este drama intimista que transcurre casi íntegramente en el interior de un pequeño piso y que ha sido una de las mayores atracciones de la sección Nuevos Directores del festival. Los ingredientes son mínimos, pero el alcance emocional de la película, sin cometer ni un solo exceso, confiando en que la verdad de los personajes llevará al espectador al reconocimiento, es encomiable. En todo ello juegan un papel determinante sus dos protagonistas, Lola Dueñas y Anna Castillo, madre e hija en una película que nos retrata su relación tras la muerte del padre y las ganas de la hija de vivir nuevas experiencias y salir de ese pueblo que le ofrece muy pocas posibilidades. Ese vínculo casi umbilical que las une, y que amenaza con romperse, es la cuerda que se tensa a lo largo de esta pequeña obra de orfebrería con la que su directora se presenta pisando fuerte en la industria del cine español.

12. OREINA (CIERVO)

Premio Irizar Mejor Película Vasca

El cine vasco tiene siempre, como no podría ser de otro modo, su espacio reservado en la Zinemaldia. Entre toda la producción local presentada en el festival este año, un film destacó por encima del resto: "Oreina", de Koldo Almandoz. Con distribución comercial en España (de la mano de Golem, llegó a los cines el pasado viernes 28 de septiembre), y reconocida con el Premio Irizar, se trata de un drama ambientado en la periferia de San Sebastián, en unas tierras que rodean una marisma, en las que el destino de unos personajes va a cruzarse para dar un vuelco a sus vidas. Almandoz obliga al espectador a completar los muchos vacíos que contiene la trama en una historia que arranca cuando ya han pasado muchas cosas en las vidas de sus personajes, hechos muy relevantes para lo que va a ocurrir a continuación, pero que sólo podemos intuir. Filmada con la sobriedad de los hermanos Dardenne, pegando la cámara al transitar perpetuo de sus protagonistas, "Oreina" nos habla de inmigración y homosexualidad, del rencor y la vergüenza como males que pudren el ánimo de unos personajes que parecen condenados a la tristeza. Una pequeña joya que no debería pasar desapercibida.

13. FAMILIA SUMERGIDA

Mejor Película Horizontes Latinos

Vencedora de los Horizontes Latinos que el Festival de San Sebastián bien ha tenido a presentarnos este año, "Familia Sumergida" supone la ópera prima en la dirección de la argentina María Alché, actriz que debutó en "La niña santa". Protagonizada por una descomunal Mercedes Morán, la película cuenta el viaje emocional y el duelo de una mujer que ha perdido a su hermana. Y lo hace bajo una premisa tan elusiva como fascinante, abrazando de lleno la dimensión del surrealismo, entrecruzando personas y conversaciones de otro tiempo, mientras la inminencia de su vida cotidiana la acecha. Formalmente hipnótica, elaborada con todo lujo de detallles, la onírica "Familia Sumergida" nos propone es un salto al corazón de una familia que se diluye a su vez que se regenera.

14. FIGURAS

Horizontes  Latinos

Una muestra ejemplar y genuina de lo que supone aunar ficción y documental, de como debe realizarse un acercamiento al retrato humano de un padecimiento, tanto desde el espectro físico, como social. En efecto, lo que Eugenio Canevari nos presenta es una familia real interpretando una historia real. Es la historia de Stella, de Paco y Valeria, de como afrontan el drama vital que conlleva el hecho de que tu ser más querido padezca una enfermedad neurodegenerativa progresiva como lo es el ELA. Una afección mortal para quien la sufre, una dolencia tremendamente desoladora para quien permanece a su lado, que en el caso de "Figuras" sin embargo, abre una ventana a la vitalidad más acérrima, a la posibilidad de dar rienda suelta a nuestro lado más tiernamente humano, a la transmisión del verdadero amor en su máxima expresión. Es el caso de este carismático trío de personajes, grandes de la vida que conforman una familia única en su especie. Personas que con fascinante autenticidad se abren en canal ante la cámara del director de "Paula" para mostrarnos, sin tapujo alguno, su encomiable forma de afrontar con la cabeza alta las tragedias que puede depararnos la existencia humana. Y es que no hay un drama mayor que el de hacer frente al adiós de tu persona favorita, de tu ser más querido, de tu compañero de viaje en esta imprevisible aventura que supone vivir la vida.

15. ANGELO

Sección Oficial

Una de las representaciones más crudas de lo que han sido los efectos del colonialismo la encontramos en el negro de Banyoles, un varón de la etnia san, (tradicionalmente llamado "bosquimano") que fue exhibido embalsamado como la mayor atracción del Museo Darder de la localidad catalana hasta el año 2000, cuando se repatriaron sus restos a Botsuana. Un figura expuesta cual 'animal exótico' que pese a la monstruosidad y barbarie que realmente esconde tras de ella, ha sido normalizada por la sociedad occidental como un popular retazo de nuestra historia. La suya es una historia que el realizador austríaco Markus Schleintzer ha decidido contar a su concienciada manera para ponernos en alerta, para sacudirnos con un golpe de realidad que denuncia el conflicto que actualmente vivimos en el primer mundo con la crisis de refugiados. En este sentido, la escena de apertura de "Angelo" resulta una contundente declaración de intenciones. Un barco (dígase patera) llega a las orillas de algún lugar de Europa cargado de africanos que acto seguido son expuestos en fila horizontal en una suerte de nave industrial en la que, atención, está iluminados por la luz que da la electricidad. Es decir, nunca más cerca de la realidad. Una ruptura, un anacronismo, que bien nos invita a experimentar la alegórica "Angelo" con ambos pies pisando nuestra alienada actualidad. Es a partir de este momento que seguimos las visicitudes de Angelo, desde que llega siendo un niño de apenas 5 años hasta que acaba expuesto, disecado, en un museo. Una historia basada en hechos reales que metiendo el dedo de lleno en la llaga, sin poner el grito en el cielo, viene advertirnos que la historia se está repitiendo. El humano deshumanizado, su identidad diluida por su procedencia, condición étnica y facciones físicas. Sucedió entonces y sigue sucediendo hoy 

16. YULI

Mejor Guión (Ex-Aequo)

Un biopic dedicado al bailarín Carlos Acosta que más allá de contarnos la vida profesional de este extraordinario personaje y deleitarnos con varios números de sus geniales bailes, profundiza en sus raíces, en su arraigo a un país socialmente devastado y ante todo, en su familia. Y en este sentido, donde verdaderamente hace hincapié es en el doloroso conflicto existencial que para Acosta supuso el hecho de verse obligado a explotar un don para huir de una cruda realidad, un don que sin embargo, se negaba a desarrollar, no porque realmente no fuera su pasión (tampoco queda claro si realmente lo ha llegado a ser, o no) sino porque significaba dejar atrás a su tierra y a su gente. A una vida que por muy abocada a la miseria que estuviera, no concebía alejarse de ella. Con todo ello, "Yuli" es un retrato vital estrechamente ligado al arte que en todo momento se nos relata a camino entre el lenguaje oral y el lenguaje corpóreo, entre la palabra y el baile. Rebosante de fascinantes coreografías, sustentada sobre un excepcional diseño de producción que recrea con todo lujo de detalles la Cuba de finales de los 70, principios de los 80, la nueva película de Iciar Bollain presenta con esta historia tallada en la realidad su candidatura a brillar con luz propia en la próxima gala de los Goya. 

17. UN DÍA MÁS CON VIDA

Premio del Público

La poderosa e impactante película de Raúl De la Fuente y Damian Nenow es la sobrecogedora historia real del viaje de tres meses que este emblemático cronista realizó a través de una Angola devastada por la guerra. Una suerte de diario íntimo, escrito por un ser humano al límite de sus fuerzas, abrumado por su soledad y consciente de su indefensión ante la amenaza de muerte que se cernía sobre su cabeza. Al igual que sobre las cabezas de tantos angoleños, soldados y civiles, que aparecen en la película tanto como en el libro. Alguien cuya conciencia sin embargo, le llevó a tomar bando y combatir en la misma desde su papel de periodista. Y es que lejos de funcionar únicamente como crónica de un conflicto armado, "Un día más con vida" ofrece una interesantísima reflexión acerca del papel que el periodismo de guerra debe tomar a la hora de documentarlo. Porque más allá del interés informativo, esta el factor moral y ético. Un condicionante que en el caso de Kapuscinski jugó un papel clave a la hora de arriesgar su propia vida para ser el primer periodista del mundo en enviar reportajes sobre los avatares de esta guerra, sí, pero también para decidir no dar la primicia que tenía de que Cuba se sumaba al apoya de la MPLA con tal de salvaguardar los intereses del bando socialista

Estilizada como una novela gráfica, estamos ante una adaptación tremendamente envolvente que se articula sobre un dispositivo formal muy potente, cuya compleja mezcla entre imagen de archivo, imagen real y una animación rebosante de asombrosas fugas oníricas, desemboca en un artefacto de apabullante poderío visual y emocional. Una obra artísticamente impecable que resulta además profundamente conmovedora. En efecto, a la estela de "Vals con Bashir".

18. ALPHA, THE RIGHT TO KILL

Premio Especial del Jurado

Brillante Mendoza da continuidad a "Ma Rosa" (2016) incurriendo en este caso, y de lleno, en el cine de género. "Alpha, the right to kill" es un eficaz cruce de thriller y cine social en el que al igual que en su anterior obra, vuelve a presentar la droga como ese único y desesperado bote salvavidas que puede llevar a los estratos más bajos de Filipinas a sobreponerse a la extrema miseria a la que su hastiada existencia está directamente abocada. No es el caso, sin embargo, de las esferas más altas y en concreto, de la policía. De hecho, tal y como su propio título nos indica, la droga es ese factor x que les da carta blanca. Tanto para actuar a sus anchas, para matar a sangre fría sin tener que responder por ello, como para llenarse los bolsillos. Dicho de otra forma, la droga condena a los criminales mientras salvaguarda a los cuerpos de élite. La corrupción en su registro más inhumano. Es bajo este carácter de urgente denuncia que el realizador filipino ensambla una sólida y febril muestra de género que está impregnada del más desolador realismo aunque en este caso, sorpresa, se siente digno. Una noticia realmente celebrable ateniéndonos a los últimos trabajos que nos ha presentado el responsable de "Serbis" en los últimos años.

19. APUNTES PARA UNA PELÍCULA DE ATRACOS

Nuevos Realizadores

Algo así como el retrato más inmediato e impulsivo posible de lo que supone 'dejarse llevar' a la hora de capturar el proceso creativo en el cine. Destacar de buenas a primeras que en la presentación previa a su proyección, el realizador León Siminiani incidió en el hecho de que su nuevo documental creativo (que es ante todo cómico) se basa mucho más en aprender a hacer una película de atracos que en atracar. Pues bien, me voy a permitir el descaro de objetar las propias palabras del realizador. Cierto es que en su primera parte sí profundiza en ello, en las mecánicas del butrón, en la minuciosa recreación de este original proceso para poder nutrirse así del conocimiento necesario que pueda llevarle a sumergirse de lleno en el universo del cine negro y en concreto, en el imaginario del cine de atracos. En su segunda parte sin embargo, la película pega un imprevisible volantazo y deriva hacia el estudio de un personaje, hacia el descubrimiento del mismo. Y es así como lo que empieza como una película sobre atracos protagonizada por el propio director, desemboca en un retrato personal que se envuelve del espectro familiar y social del Flako. Y es precisamente este imprevisible factor, el de la alteración de un orden preestablecido que saca a Siminiani de su zona de confort, la gran virtud que atesora esta dinámica y genuina obra. Y es que tal y como ya sucediera con "Mapa", "Apuntes para una película de atracos" no deja de ser en ningún momento una suerte de work in progress que se va construyendo sobre si misma sin deberse a seguir hoja de ruta alguna. Con la pequeña gran diferencia que en este caso, el protagonista no termina por ser el propio director, sino el Flako, provocando así que la alteración del orden de los factores sí altere completamente el producto final. Su contexto familiar, sus orígenes, los motivos que le han llevado a atracar con ese estilo tan particular, se adueñan finalmente del carácter profundamente metacinematográfico al que parecía abocarnos su analítico primer acto. Un retrato que ante todo resulta ser un juego permanentemente entretenido y tremendamente divertido. Manos arriba.

20. EL AMOR MENOS PENSADO

Película Inaugural

Una fluida e inteligente comedia romántica que lejos de transitar los caminos comunes que nos llevan a las múltiples películas que tratan la crisis de pareja partiendo del síndrome del nido vacío, se desmarca completamente de ellos. Y es que la marcha del hijo no es más que un prólogo, una antesala, al verdadero conflicto que sobrevuela la sólida ópera prima de Juan Vera. El matrimonio que "El amor menos pensado" nos presenta no sufre de falta de pasión, tampoco de carencia de deseo y en consecuencia, de sexo. Es decir, los motivos que llevan a la pareja formada por Marcos y Ana a divorciarse no son los más habituales, aquellos a los que la gran pantalla nos tiene acostumbrados. En este caso, es simple y llanamente la necesidad de escapar de su zona de confort, la necesidad de volver a vivir el vértigo, de volver a sentirse solos. En definitiva, la necesidad de volver a sentirse necesitados. Juan Vera da rienda suelta al humor más ágil y mordaz, hilvanando secuencias de un inspiradísima comicidad que se sustentan sobre las maravillosas caracterizaciones de una pareja protagonista estelar, también sobre un sorprendente carácter elíptico que no suele ser muy habitual dentro de lo que es la comedia romántica más comercial. Y el "El amor menos pensado" lo es. Para bien. Hollywood toma nota.



BONUS TRACK: LOS QUE DESEAN
Mención Especial Zabaltegui-Tabakalera
Elena López Riera,
vieja conocida en Filmin gracias a sus trabajos "Pueblo" y "Las vísceras", con el que fue premiada en el Festival de Locarno, repite éxito en San Sebastián con "Los que desean", una exploración en clave animalística del cortejo masculino a través de una peculiar competición de palomos celebrada en algún recóndito lugar del interior de España. Si "Las Visceras" era un crudo retrato de las primeras experiencias con la muerte, en "Los que desean" Riera despliega un inusitado y ácido sentido del humor alrededor del deseo masculino y los ritos que lo cimentan. Esta competición es aparentemente muy sencilla, aunque está repleta de pintorescas y ancestrales reglas: durante 140 minutos, una numerosa bandada de palomos adiestrados, cada uno con su dueño y un color respectivo que los identifica, deberán cortejar a una única paloma blanca el máximo tiempo posible. En este concurso no cuenta la victoria entendiéndose en términos sexuales, si no la perseverancia. Tan hilarante como escalofriante.

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