Lo Mejor del Festival de San Sebastián 2017

Autor: Joan Sala y Gerard Cassadó Fuente: Filmin

Lo Mejor del Festival de San Sebastián 2017

"The Disaster Artist" ha sido encumbrada con todo merecimiento como la joya de la corona de la Sección Oficial de la 65 edición del Festival de San Sebastián. Suya ha sido la Concha de Oro de un palmarés que sin embargo, incomprensiblemente ha obviado obras de gran calado que bien merecían su reconocimiento por parte del jurado. Es el caso de nuestra favorita "La vida y nada más", también de la contundente "Sollers Point" así como la extraordinaria "The Lion Sleeps Tonight"

Títulos capitales que junto a obras igualmente destacables como es el caso de "Alanis", "Pororoca", "Le Douleur", "El Autor", "Una Especie de Familia" o "The Captain", encumbran la lucha por la Concha de Oro de este año en lo más alto. Tal y como bien merece un festival de clase A como es el de San Sebastián. Os dejamos con nuestro TOP-10 de Sección Oficial y Secciones Paralelas más allá de Perlas (las cuales ya hemos ido destacando en las crónicas de anteriores festivales como es el caso de Berlín, Cannes y Venecia). A ellas

NUESTRO TOP-10 DE SECCIÓN OFICIAL

1. LA VIDA Y NADA MÁS

Premio FIPRESCI

Como si se tratase de la versión sin florituras de "Moonlight", el segundo largometraje de Antonio Méndez Esparza ("Aquí y allá") nos recuerda qué significa ser negro en Estados Unidos. Resulta realmente llamativo el dispositivo formal con el que el director de origen hispano nos cuenta esta historia de marginalidad, protagonizada por un joven afroamericano que juega su partida vital con las cartas marcadas de antemano. El film se compone de muchísimas más secuencias de las que podríamos contar en un largometraje estandar. Son breves porciones de vida que, mediante un montaje diligente, hacen avanzar la historia con determinación. Y sin embargo, "La vida y nada más" es un drama de intensidad baja, de ritmo sosegado, que cuenta muchas cosas y abarca un largo periodo de tiempo, pero en el que no hay grandes sobresaltos. En el periodo que va de un juicio a otro conocemos a Andrew y entendemos lo que significa pertenecer a un colectivo marginado. No es necesario que le apuñalen en cada esquina por ser negro, pues la vida conoce otras formas más sutiles de arrinconar a sus víctimas. El de Andrew es un trayecto predeterminado. Ni su madre, ni su entorno, ni el instituto... nada logra corregir su rumbo pues este responde casi a un código genético heredado. Son fragmentos de una vida condenada que luce la verdad de los mejores documentales. Pero el mayor logro de Méndez Esparza es el respeto inmenso que siente por sus personajes a los que, gracias a ello, les otorga un merecido premio: el de la dignidad.

2. THE LION SLEEPS TONIGHT

Sección Oficial

Ha sido junto a "Sollers Point" la gran olvidada del palmarés final. "Actuar la muerte" o mejor dicho, la imposibilidad de hacerlo. Es la frase, el leit-motiv, que en boca del propio Jean Pierre Leaud, más se repite y en consecuencia, define, la base conceptual sobre la que levita el entrañable meta-deleite que supone "The Lion Sleeps Tonight", una obra apasionante que se enmarca entre la nostalgia cinéfila y la carta de amor personalizada a un mito viviente de la interpretación. En este sentido, la nueva película de Nobuhiro Suwa supone un punto y seguido a "La Muerte de Louis XIV" para un Jean-Pierre Leaud que vuelve a reflejarse a sí mismo aunque en este caso, sin corona ni peluca, lejos está de representar a ningún personaje histórico. Es él en la actualidad, al crudo y natural. Es por ello que la película que nos ocupa bien podría suponer el poético y melancólico canto del cisne de un actor totémico. Alguien que lejos de vivir el presente permanece atrapado por los fantasmas que marcaron su pasado. Espectros que en este caso se ven simbolizados por una única figura, y esta no es otra que la mujer que verdaderamente amó. Y sí, probablemente estemos ante la representación definitiva de la defunción del Leaud actor. Un óbito alegórico que sin embargo en este caso, se confronta con la génesis de quien podría ser un posible sucesor. Y es que no por capricho, ni mucho menos por casualidad, su clandestina estancia en la que fuera la casa de su gran amor se ve sacudida por la visita de un grupo de niños con muchas ganas de rodar que acaban por embarcarle en la producción de una suerte de "Cazafantasmas" suecado. Y en efecto, lo que atrapan son definitivamente los fantasmas que confinan su presente. "The Lion Sleeps Tonight" es amor irrenunciable e incondicional por el arte cinematográfico y es, también, el rugir de un león que suena a despedida tanto como a bienvenida. Los fantasmas atacan al jefe en este iniciático y romántico juego de niños. Hakuna matata.

3. POROROCA

Mejor Actor

"Pororoca" abre fuego con el que denlo por seguro, será uno de los planos secuencia del año. Extremadamente calculado y precisamente dilatado, sustentado sobre una cámara fija que a modo de periscopio se mantiene siempre anclada sobre un movimiento máximo de 90ª grados, esta imponente secuencia nos conduce, pero ante todo distrae y confunde, nuestra mirada hacia el conflicto que abre la caja de pandora: y este no es otro que la desaparición de un hijo. Y no, aquí no hay discurso político alguno más allá de una pautada disección del dolor más profundamente íntimo. Claro está que la misión de Constantin Popescu no es exhortar los fantasmas del convulso presente y pasado socio-político de su país como cabría esperar tratándose del nuevo cine rumano en el que se enmarca. Tampoco la de dotarle de un carácter metafórico que en el caso de "Pororoca" brilla por su ausencia. Si lo es en cambio el de trasladarnos con demoledora cadencia, con un tempo que subyuga y atrapa al espectador, el proceso de descomposición al que se ve abocado su protagonista provocado por el azote de un sentimiento de culpa llevado hasta sus más terribles consecuencias. Rumanía a la griega en su más sublime versión.

4. SOLLERS POINT

Sección Oficial

"Baltimore es una ciudad preciosa cuando la visitas y una ciudad violenta si tienes la suficiente mala suerte de nacer pobre o adicto.  Antes había buenos empleos para la gente sencilla en Baltimore, gente de ascendencia campesina. Empleos fabricando acero, coches, barcos, paraguas e impermeables. La gente podía comprarse pequeñas casas y, más o menos, sin dejarse llevar mucho, eran felices de poder comer bien y beber cerveza por la noche. Esos trabajos ya no existen y tenemos todavía que encontrar un nuevo camino. Ya no parece haber sitio en el mundo para la gente sencilla". 

Son las palabras que Rafael Alvarez, uno de los co-guionistas de The Wire, emplearía para explicar Baltimore a alguien que jamás ha estado allí. Y son, también, las palabras que de la forma más auténtica e insobornable posible traduce en imágenes "Sollers Point", notable película que sigue el trayecto circular y abyecto de su protagonista Keith, alguien que efectivamente, ha tenido la mala suerte de nacer en dicho microcosmos sin capacidad ni posibilidad para encontrar escapatoria alguna. Sus buenas intenciones no tardan en girar hacia una subversiva anarquía que se traduce en el empático reflejo de una juventud a la deriva cuyas imprevisibles e impulsivas acciones emanan una constante sensación de amenaza. Y es que al fin y al cabo, lo que de forma implacable y contundente Matthew Porterfiled nos dibuja, es la imposibilidad de reinserción a la que todos los Keiths de Baltimore se ven abocados. Cuestión del entorno sí, pero sobre todo cuestión de principios sociales e intereses políticos. Y es que seguro, no por casualidad, "Sollers Point" transita una cartografía en el que la violencia y delincuencia constantemente se evidencia mientras que la policía brilla por su ausencia. Marginados y esquinados por una sociedad que lo que provoca no es otra cosa que una bomba a punto de estallar. Lo es Baltimore en general y Keith en particular.

5. THE DISASTER ARTIST

Concha de Oro Mejor Película

"The Room" está considerada la mejor película mala de la historia del cine. Una particularísima condición que "The Disaster Artist" confirma con todo el cariño y todos los honores. La nueva y mejor película de James Franco hasta la fecha es un conmovedor homenaje, una meta-comedia desternillante, es también una entrañable carta de amor al verdadero significado de la amistad y una muestra ejemplar de lo que significa en realidad la persecución y consecución de un sueño. Y en el fondo de todo ello, el verdadero germen del fenómeno: la pasión. La misma pasión con la que Tommy Wiseau y Greg Sestero emprendieron su propio camino para acabar haciendo historia y tener su merecido protagonismo en los anales del cine, es la que demuestra James Franco en la concepción y realización de "The Disaster Artist", obra genuina y vital que bajo ese aparente carácter paródico esconde un trasfondo conmovedoramente poético. Si "The Room" sigue llenando sesiones golfas a lo largo y ancho de Norteamérica desde hace más de una década, mismo éxito auguramos a la película que la homenajea. Difícilmente daremos con un programa doble mejor. Golferío en su sentido más romántico.

6. ALANIS

Concha de Plata Mejor Directora, Concha de Plata Mejor Actriz y Premio TVE Otra Mirada

Como ya demostró en la muy notable "Por tu culpa" (2010), Anahí Berneri posee un envidiable control de la escena a la hora de enfatizar el malestar que provoca una situación concreta usando únicamente dos recursos tan cinematográficos como el encuadre y el tiempo del plano. Si en aquella ocasión lograba trasladarnos al infierno cotidiano de una madre esclavizada por sus revoltosos hijos pequeños, en "Alanis" el "servicio" de la protagonista a un cliente, presentado en bruto, ofrece el instante más incómodo y relevante de un film que es un canto de dignidad para el oficio de las trabajadoras sexuales. Esa escena, larga, pesada, rabiosa, nos transmite el malestar real, aunque no obvio, de una mujer que ha elegido vender su cuerpo para salir adelante. No es plato de buen gusto, pero es una elección, algo que nunca olvida el film. El dispositivo formal de Berneri, repleto de encuadres retorcidos, desnaturalizados, quizás alude a la mirada esquiva con la que la sociedad, y el espectador, observa a las trabajadoras sexuales. Lo último que quiere hacer "Alanis", no obstante, es juzgarlas. La protagonista no es víctima ni heroína. Simplemente es, lo que no es poco. ¿Es "Alanis" un film feminista? Rotundamente sí. Como defienden en Twitter Amanda Miller o Maria Riot, el trabajo sexual no denigra a la mujer cuando este es una opción libre. Alanis podría vender su tiempo limpiando casas o cuidando ancianas. Ganaría menos y, quizás, se le daría peor. Pero Alanis HA DECIDIDO que el modo en que va a ganar dinero para sacar a su hijo adelante va a ser teniendo sexo con hombres. Y no hay absolutamente nada indigno en ello.

7. THE CAPTAIN

Premio Mejor Fotografía

Resultan infinitas e inabarcables la cantidad de películas que se enmarcan sobre la II Guerra Mundial y sí, la mayoría de ellas se repiten y solapan en cuanto a construcción argumental. No es el caso, sin embargo, de la estilizada y rupturista “The Captain”, una mirada indiscutiblemente arriesgada y descarada merced del novedoso enfoque sobre el que se enmarca. Y este no es otro que el estrambótico retrato y consecuente desarrollo de la decadencia de la vileza en los últimos días de la II Guerra Mundial. “The Captain” rose revela así en una suerte de grotesco bodevil que bajo un tono soterradamente paródico y punzantemente cínico, dinamita tabús y reflexiona ante la inherente maldad del ser humano que emerge bajo el manto del poder. ¿Cuestión de uniforme? ¿Pasa ahora y pasaba entonces aunque el contexto histórico sea aparentemente diferente? Paralelismo que probablemente Schwentke haya tenido en mente. Si a esta provocativa reflexión y esta valiente concepción sumamos su exquisito empleo del blanco y negro y su irreverente honestidad argumental, tenemos en este hilarante y desalmado festín de atrocidades otra favorita potencial de la 65 edición del Festival de San Sebastián.

8. UNA ESPECIE DE FAMILIA

Mejor Guión

Su anterior "Refugiado" probablemente suponga el mejor retrato de la violencia de género jamás plasmado en la gran pantalla. Un thriller intenso y feroz así como una penetrante muestra de terror social, un portentoso ejercicio de cámara que era, ante todo, una audaz y reveladora metáfora política que retrataba la disolución familiar ¿y de un país entero? a manos de esa lacra denominada violencia ¿o mismamente dictadura? Carácter reflexivo, metafórico y muy atmósférico que también atribuimos al thriller escolar "La Mirada Invisible". Ambos títulos estaban unidos por un nombre, el del argentino Diego Lerman, pero también por un mismo trasfondo temático, aunque sea con diferente registro. Ya sea desde el drama íntimo o las aulas de instituto, la dictadura y el comportamiento de la sociedad que la sufre es en el caso de ambas, su principal objetivo. Como también lo es el de "Una Especie de Familia" con Barbara Lennie al grito de "No sin mi hijo", película que en este caso nos habla de la imposibilidad de la maternidad y el trayecto abyecto al que Malena se ve abocada, merced de los desalmados mecanismos que azotan los procesos de adopción en Argentina. Un trasfondo que probablemente es también extrapolable a las madres de Plaza de Mayo, madres cuyos hijos, y en consecuencia ellas, han sido víctimas de la dictadura de Videla. Malena bien podría ser una. Pero más allá del espectro histórico y familiar, en la nueva película de Diego Lerman yace también una aguda reflexión sobre la lucha de clases, sobre la inmigración, la corrupción y, en definitiva, sobre la miseria y pobreza a la que los más vulnerables y desamparados están inevitablemente abocados a manos de los más acomodados. Hablamos de lo que fue Argentina entonces y de lo que sigue siendo hoy. Un país donde parece no haber lugar para el amor. Tensa y febril, lo que "Una especie de Familia" no propone es un trayecto implacable, prácticamente asfixiante, tanto a nivel personal como social. Un mal viaje sí, pero dicho en el mejor de los sentidos. Abróchense el cinturón.

9. LE DOULEUR

Sección Oficial

Las amistosas relaciones del Ejército francés con la Alemania nazi durante la II Guerra Mundial han sido durante mucho tiempo un asunto tabú en Francia. Lo fueron, al menos, hasta que Jacques Audiard puso el dedo en la llaga con la sutilmente provocativa "Un héroe muy discreto". Fue una de las principales contribuyentes a destapar el voluntario sometimiento que Francia brindó al enemigo. Un loable reconocimiento al que ahora da continuidad, desde una vertiente igualmente íntima e histórica, aunque desde un enfoque bien distinto, "Le Douleur", película sobria, austera y ante todo, académica en el mejor de los sentidos, que adapta la novela homónima de Duras, donde se relata desde su voz interior la interminable y agotadora espera que la escritora francesa sufrió hasta el regreso de su marido Robert Antelme, apresado y enviado a un campo de concentración el 1 de junio de 1944. Un proceso largo y doloroso durante el que se vio obligada a recurrir a los franceses colaboracionistas para tratar de averiguar dónde estaba y cómo se encontraba su marido. Básicamente, lo que trataba era de saber si estaba vivo o muerto. El sorprendente equilibrio que Finkel logra entre el texto literario y el carácter cinematográfico es aquella principal virtud que lleva a la sobrecogedora "Le Douleur" a revelarse como una obra ejemplarmente académica. La omnipresente voz interior de Marguerite Duras se fusiona con un trabajo de cámara tremendamente arriesgado y personal, de un cariz eminentemente introspectivo, que logra que como espectadores penetremos en el ansia y dolor interior que padece su protagonista. Si a ello sumamos la estoica caracterización de Melanie Thierry, así como el elaborado y detallado trabajo de ambientación sobre el que se enmarca, damos con una obra densa y sobrecogedora que lleva, y me reafirmo, el academicismo a su máxima expresión.

10. EL AUTOR

Sección Oficial

Ateniéndonos a la trayectoria de su director, de ella esperábamos una malrollera reflexión sobre la identidad, el arte y la creación pero la principal y la gran sorpresa es que en efecto, "El Autor" cavila sobre la crisis del proceso creativo, aunque lejos de hacerlo desde el tono trascendental y siniestro, lo hace desde la más incipiente ironía, desde el registro de comedia surrealista, la sátira social y el tono fabulesco. Y es que no olvidemos que la novela que "El Autor" adapta surgió de una narración con la que Javier Cercas cerró el volumen de cuentos que con el mismo título publicó allá por 1987. Es decir, Manuel Martín Cuenca demuestra tener muy presente que lo que ante todo nos narra, más allá de ser una película, es un cuento, un cuento que en este caso incluso lleva moraleja política y social incluida. Una crisis creativa que tiene una urbanización y su vecindario como principal escenario no es nada nuevo. De hecho suena a trillado, algo que Manuel Martín Cuenca demuestra tener muy presente y claro. Es por ello que el tono paródico y la autoconsciencia del relato están siempre presentes, en todo momento se muestran al servicio de la ironía de una historia que siempre se vuelve contra el propio narrador. Y es que la mediocridad que subyuga a su protagonista parece ser extrapolable a la de una sociedad española que lejos de esquinar e infravalorar a los inmigrantes (ya sean latinos, africanos o árabes) mucho nos queda por aprender de ellos. Es lo que entre hilarantes anacronismos y múltiples gags de inspirado humor deadpan (en este sentido a uno le llegan incluso ecos del último Kaurismäki) nos viene a contar "El Autor". Una (meta)historia real que tiene en la voz de José Luis Perales, en los huevos de Ernest Hemingway (cuando la vean me entenderán) otras de sus grandes y significativas inspiraciones. En efecto, más extraña que la ficción. España ayer, España hoy.

BONUS TRACK I: HANDIA

Premio Especial del Jurado y Premio Iriziar al Mejor Film Vasco

Si bien "Loreak" era una película que estaba filmada en euskera, pero que podria haber sido contada en cualquier otro idioma sin perder demasiada identidad, "Handia" se arraiga a Euskadi con mucha mayor fuerza. Con aroma de gran relato, el film se inspira en la historia real de Mikel Jokin Eleizegi, el Gigante de Altzo, celebridad de la Guipúzcoa del siglo XIX que recorrió el mundo exhibiendo su espectacular figura, pues debido a una enfermedad llegó a medir 2,27 m y a pesar más de 200 Kg. "Handia" es consciente en todo momento de su piel de leyenda: exagera datos (se cuenta que el gigante superó los dos metros y medio), se estructura en capítulos, fuerza las relaciones emocionales (con una elección paterna, al principio de film, que marca el devenir de los personajes, sus miedos, penas y culpas) y acaba convirtiéndose en una bella historia de amor fraternal y en un medido retrato de un siglo en el que Europa, España y Euskadi se hicieron cada vez más grandes, mientras las distancias se hacían cada vez más pequeñas.  El Gigante de Altzo tiene, sin duda, algo de personaje burtoniano. Como Eduardo Manostijeras es víctima de aquello que le hace único, que le convierte en un freak mientras le mata poco a poco por dentro. Resulta curioso como "Handia" parece una película fantástica ciñiéndose casi siempre a la biografia real de su personaje. La relación no consumada con la gigantesca mujer inglesa, por ejemplo, aparece relatada en los libros y artículos que recuerdan a este gigante, que aceptó ser una atracción de feria por amor y lealtad a su familia. "Handia" nos deja un buen sabor de boca y nos ofrece un pedacito de esa fascinante, y poco conocida, mitologia vasca.

BONUS TRACK II: MORIR

Proyección Especial Fuera de Competición

Fernando Franco no le teme a la oscuridad. A lo largo de su carrera como director se ha mostrado no sólo interesado, sino además hábil, en manejar materiales inflamables. "Morir", en este sentido, no engaña a nadie. A diferencia de lo que ocurría con "La herida", afronta un drama que, quien más quien menos, todos hemos vivido en algun momento: el de acompañar a un ser querido hasta la muerte.  Cada fundido a negro en la película supone una zancada en el irreversible proceso que vive Luis (impresionante, mayúsculo, Andrés Gertrúdix). Pero es obvio que el protagonismo de "Morir" recae en Marta, su pareja. A morir, al fin y al cabo, iremos todos algún dia. Pero el reto del personaje de Álvarez es mantenerse de pie cuando el de al lado se hunde.  Decía aquella película que "amar significa no tener que decir nunca lo siento", y Franco nos plantea si quizás amar significa no necesitar nunca escuchar de la otra persona un "lo siento". El muerto se muere, y qué culpa tiene. El que se queda sufre la pérdida, el abandono, la soledad, las malas palabras y los malos gestos, y tiene que aguantar la peor versión de la persona a la que ama que, además, se marcha. Es por ello que la de "Morir" es, parajódicamente, una impresionante lección de amor.


NUESTRO TOP-10 DE SECCIONES PARALELAS

1. NO INTENSO AGORA

Zabaltegi- Tabakalera

La revolución como utopía. En 1966, durante una gira cultural de China, la madre del director João Moreira Salles capturó mediante su propia cámara de vídeo sus impresiones del país y de su gente. Cuarenta años más tarde, su hijo descubre este material y decide ensamblarlo comentando las imágenes tomadas por su entusiasta madre a su vez que cita las impresiones del autor italiano Alberto Moravia, que también viajó por China y pudo observar de cerca las políticas maoístas. El viaje de su madre durante el primer año de la Revolución Cultural también es un punto de partida para la exploración de otras sociedades en medio de la agitación que supone embarcarse en un proceso de revolución. Utilizando imágenes de archivo cuidadosamente tratadas y seleccionadas, "No Intenso Agora"analiza el golpe brasileño de 1964 y el final de la Primavera de Praga en agosto de 1968. También regresa repetidamente a los disturbios parisinos de mayo del 68 que encontraron una estrella revolucionaria y mediadora en la forma de Daniel Cohn-Bendit. Hablamos de una exploración ensayística de alcance universal y al mismo tiempo, de un espectro tremendamente íntimo y personal, sobra las revoluciones que tuvieron lugar en Praga, Francia y Brasil  y lo que es más importante aún, su consecuente fracaso. Es decir, una obra mayor que conlleva una poética reflexión sobre el quebrado concepto de la revolución. Mediante la yuxtaposición de imágenes de aficionados y material de archivo, "No Intenso Agora" logra establecer conexiones entre las fuentes íntimas de estas imágenes y sus contextos políticos de forma cinética y políticamente hablando, cautivadora. Documento maestro.

2.  VILLAGE ROCKSTARS

Nuevos Directores

La realizadora hindú nos transporta a su poblado natal (una remota aldea rural azotada por la pobreza, la miseria, las inclemencias meteorológicas) y trabaja con su propia familia para relatarnos el día a día de una niña, suerte de "Sonita" hindú, que pasa el tiempo con sus amigos, todos chicos, (algo que para nada está bien visto entre las mujeres adultas del pueblo) a la búsqueda y captura de un sueño: y éste no es otro que hacerse una guitarra y formar una banda. Bajo esta atractiva premisa, lo que "Village Rockstars nos brinda es una suerte de docu-ficción de un profundo carácter etnográfico, así como íntimo y autobiográfico, que empieza como "Sing Street", sigue como "Sonita" y acaba en una suerte de "The Florida Project" en versión hindú. Y toda ella enmarcada bajo un esplendoroso trabajo de fotografía con un sello eminentemente malickiano. En definitiva, una obra de gran calado atmosférico, de una mirada observacional tierna y entrañable que lejos de regodearse en la desgracia y el lamento, de subrayar y profundizar en las inclemencias que a sus protagonistas les toca afrontar, es ante todo un grito de libertad que abre de par en par el camino a la búsqueda de la felicidad. Y es que el amor que "Village Rockstars" profesa hacia sus personajes es prácticamente tan apasionante y cautivador como la portentosa propuesta estética sobre la que se enmarca. Top.

3. BLUE MY MIND

Nuevos Directores

La sorprendente ópera prima de Lisa Brühlmann es una muestra tremendamente personal de teen angst femenino que presenta a su joven protagonista y grupo de amigas, guapas y bien acaudaladas, embelesadas por una especie de adormecimiento causado por un exceso parecido al descrito por el escritor Brett Easton Ellis. Y es que lo que en su prólogo atisba como una posible nueva "Carrie", una suerte de "Mean Girls" a la europea que aparenta proyectar una muestra más de denuncia sobre el bullying que afecta a la adolescencia acomodada de hoy día, no tarda en dar un giro radical hacia terrenos más afines a la controvertida "Klip", pero también a los de "Raw" e incluso "Los 400 Golpes". Un giro hacia lo sexual y fantástico, pero también hacia la concepción de la rebeldía como soplo de vida, que de forma sutil e imprevisible refleja el futuro incierto al que se ve abocada toda una generación ¿perdida? que no son más que víctimas a manos del disfuncional y opulento mundo adulto del que dependen. Tan provocativa como luminosa, tan feroz como definitivamente delicada y afectiva, "Blue my Mind" viene a recordarnos que no mostrar la realidad no va a proteger a ningún joven de nada, porque todos los problemas seguirán ahí. Y lo que es más importante aún, que esta realidad es posible reflejarla desde el más descarado riesgo, desde un carácter sorprendentemente fantástico en el que tiene cabida tanto el cine de género más personal como la denuncia social. La hemos visto en San Sebastián, bien podría verse en Sitges. En ambos certámenes está llamada a lucir como bien merece.

4. MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO

Zabaltegi Tabakalera

“Muchos hijos, un mono y un castillo” es un clásico instantáneo del cine español que corona un año inmejorable. Una comedia inspirada y tremendamente tronchate que nos brinda uno de los grandes personajes que nuestro cine ha dado este 2017. Cinco años después de la irrupción de Carmina Barrios, es turno ahora de Julieta Salmerón. Los parecidos y paralelismo son más que razonables. Más allá del mono, el castillo y los hijos, ella es la reina absoluta de este ¿falso? documental (lo mismo da sea guionizado o veraz funciona igual, y es que todo parece tan inventado como real). Bajo estos sugerentes mimbres el debut en el largo de Gustavo Salmerón se erige en una obra rupturista que difumina los propios límites de la realidad, que desde la carcajada más desatada provoca la emoción más inesperada, teniendo además la capacidad para incurrir en la sátira política y social partiendo del espectro familiar. La corrupción política en España está en su punto de mira y si algo tiene a bien dejarnos claro es que una vez sacudidos de la seriedad de la crisis económica, es momento de hacer humor y mucha crítica con el legado que nos ha dejado nuestra política gubernamental. Y desde luego que demuestra saber hacerlo. Entretenida e imprevisible y por muy raroque suene, estamos ante un documental destinado al taquillazo. Fenómeno a la vista.

5. UNDERGROUND

Nuevos Directores

“Underground” está protagonizada por personas simples y comunes, familias que tratan de sobrevivir como pueden y no les queda otra que avanzar hacia delante a golpe de machete. Su mal fario no ha sido otro que nacer y crecer entre los extractos sociales más bajos de Filipinas. Ruinas convertidas en ciudades,  ciudades convertidas en ruinas. Tanto es así que entre sus más bajos fondos encontramos un cementerio que sirve asimismo de distrito okupa clandestino. Real como la vida misma y a su vez, de un poderío simbólico inspiradamente significativo. La enfermedad de una hija y la imposibilidad de acceder a los medios necesarios para curarla da pie en “Underground” a una odisea trágica impregnada del más descarnado realismo social. Aunque a diferencia de lo que las últimas películas de Brillante Mendoza nos tiene acostumbrados, en este caso la el drama y la crudeza golpea aunque no se regodea. De lo que en cambio si hace gala es de un loable sentido de la autenticidad. Y es que “Underground” principalmente despunta por el portentoso ejercicio de cámara sobre el que se plasma. Con pulso febril y bajo una cadencia tan implacable como nerviosa y tensa, Daniel Palacios nos regala además otra de las secuencias más memorables por las que seguro, recordaremos esta 65 edición del Festival de San Sebastián. La exhumación de un cadáver en su dimensión más absorbente y cinematográfica posible se erige en la punta del iceberg de esta suerte de thriller social que es ante todo un debut a reivindicar que atisba el resurgir del nuevo cine filipino. Tour de force.

6. LA FAMILIA

Horizontes Latinos

La violencia que azota Venezuela y a toda su sociedad reflejada desde el espectro íntimo y familiar o mejor dicho, desde la disolución de la misma. La historia de un padre obligado a huir de su barrio en Caracas junto a su hijo después de que este último se vea implicado en una fatídica pelea callejera, abre y evidencia las grietas de un país así como las responsabilidades individuales de cada uno. Es decir, lo que Gustavo Rondón reivindica y reclama con "La Familia" es que la responsabilidad empieza en casa. Bajo este núcleo discursivo "La Familia" se embarca en una suerte de survival íntimo y social, una suerte de tour de force directorial que expone y denuncia los males de su país pero que en ningún momento condena y señala sus posibles culpables. Un viaje de ida que no atisba posibilidad de vuelta alguna. Que te atrapa y te deja sin respiro. Probablemente estemos ante la  Mejor Película que este año nos ha presentado Horizontes Latinos, probablemente suponga también el debut más imponente de cuantos nos ha presentado este año el Festival de San Sebastián. Welcome to Caracas, welcome to the jungle.

7. LA NUIT OÙ J'AI NAGÉ

Zabaltegi Tabakalera

La ópera prima del francés Damien Manivel ha sido una de las grandes sensaciones del reciente Atlántida Film Fest. "Le Parc" bien podríamos definirla como un thriller inmóvil que penetra en dominios afines a los de "La noche del cazador" o el cine de Apichatpong Weerasethakul, con claros ecos de Borges y Kafka, Antonioni y también Lynch. Ahí es nada. Referentes de renombre que ponían el listón bien alto a su segunda película, co-dirigida en este caso junto al japonés Kohei Igarashi. Y no, para nada ha defraudado. Desde su aparente sencillez y exquisita naturalidad "La nuit ou j'ai nage" se presenta como un relato nuevamente onírico, protagonizado en este caso por un niño, hijo de un pescador japonés, que se cubre de nieve en la particular odisea en que se embarca durante un día de 'campana' y en el que encima ha trasnochado. Es como si Hayao Miyazaki (el niño protagonista parece directamente salido de cualquiera de sus películas) dirigiera "Todo en un día". Una película que no necesita de grandes conflictos, giros inesperados ni tan siquiera diálogos. Un niño y la nieve. No hay más. Tierna y entrañable como ella sola. Para comértela, vamos.

8. LOS PERROS

Mejor Película Horizontes Latinos

Dicen que el perro es el animal más leal y obediente. Eso es infravalorar al hombre. El perro es tan obediente que puede ser entrenado para matar. El hombre también. Lo bueno del perro es que no tiene cargo de conciencia. En eso, el perro supera al hombre. Cuando el añorado Basilio Martín Patino filmó, en "Queridísimos verdugos", a esos ejecutores franquistas que, sin ningún reparo, contaban a cámara cómo ejercían su oficio, algo, necesariamente, se tendría que haber roto en el alma de España. Pero seguimos adelante. En "The Act of Killing", Joshua Oppenheimer subía la apuesta en Indonesia: los torturadores no sólo campaban a sus anchas, sino que reproducían frente a su cámara el Horror con una sonrisa en el rostro. Cuando las heridas no se cierran, la pus brota alegremente, y la infección no puede tardar en llegar.De heridas sin cerrar, de dictaduras sobre las que se corrió un tupido velo para seguir avanzando sin mirar atrás, nos habla "Los perros", una magistral película sobre el peso del pinochetismo en Chile. Aquí el ejecutor no sonríe. Espera que su condena apacigüe su culpa. Pero las manos que le sostuvieron siguen estrechando otras manos. La responsabilidad civil de una sociedad frente a la barbárie no se lava con cabezas de turco. Mientras unos mataban, otros aplaudían, o miraban a otro lado, o se lucraban con ello. Y el mordisco de Marcela Said es certero. A su protagonista, curiosa, le abre los ojos arrancándole los párpados. Al espectador, aposentado en su butaca, le anima sentir curiosidad, a husmear en el pasado hasta llegar al hueso. Allí reposan los más peligrosos, aquellos que mantienen viva, en secreto, la llama del fascismo

9. TEMPORADA DE CAZA

Horizontes Latinos

El de la argentina Natalia Garagiola fue uno de los debuts más potentes y reveladores que descubrimos en la reciente edición de la Mostra. Ganadora del Premio del Público en la Semana de la Crítica, "Temporada de Caza" nos habla del que fue otro de los temas más recurrentes del festival es decir, del paso abrupto de la adolescencia a la edad adulta, en este caso debido a la muerte de una madre y al reencuentro de su hijo adolescente con su padre tras 10 años de distanciamiento. El caso es que lo hace demostrando una gran personalidad, a través de una obra rodada y enmarcada con fuerza y desgarro, ensamblada sobre un tenso y nervioso trabajo de cámara con el que se nos traslada la furia y visceralidad que azota y por la que se rige un autodestructivo y nihilista Nahuel. Es un cine de choque y de crecimiento personal, una película de una imponente fisicidad que a nivel temático no tiene nada nuevo que contar pero sí a nivel formal y conceptual. Rabiosa y encolerizada en su superficie, tremendamente delicada y sensible en su interior, "Temporada de Caza" te hace presa y no te suelta hasta su emocionante tercer acto, en el que no necesita de grandes gestos ni golpes de efecto para dejar a uno conmovido y compuesto.

10. MATAR A JESÚS

Premio de la Juventud y Mención Especial

2015 pudo ser un año dulce para Colombia, y es que tras cincuenta años de guerra de guerrillas contra las FARC, parecía que la ansiada paz por fin estaba más cerca que nunca. Un conflicto tan violento como incomprensible que arrastra con él el eterno problema de la droga, la cocaína, una constante en el imaginario colombiano que ha reportado a su población numerosos estigmas y profundas masacres que tardarán en cicatrizar. Y entre los más expuestos y desamparados encontramos a los más jóvenes, aunque no por ello tengan porque ser los más pobres, que también. Es lo que viene a contarnos "Matar a Jesús", película cuya historia la hemos visto muchas veces pero que sin embargo, la debutante Laura Mora encuentra una forma muy personal y potente de plasmarla. "Matar a Jesús" es la historia de Paula, una joven estudiante de 22 años bien avenida que presencia el asesinato de su adorado padre, un popular profesor de ciencias políticas de una universidad pública de la ciudad de Medellín. El momento en que la venganza se presenta como una posibilidad real es cuando surge el sobrecogedor conflicto al que "Matar a Jesús" apunta con certero objetivo. La lucha de clases, la exposición de la juventud como vícitmas de una sociedad violenta, criminal y corrupta. Ya sean ricos o pobres, víctimas o verdugos. Su portentosa realización y profunda capacidad introspectiva son los que elevan "Matar a Jesús" como un debut mayor y a Laura Mora como un nombre a seguir.

BONUS TRACK: ALBERTO GARCÍA ALIX: LA LÍNEA DE LA SOMBRA

Nuevos Directores

Resulta significativo el hecho de que en su presentación oficial ante el público de San Sebastián, el director Nicolás Combarro y el productor Miguel Ángel Delgado excusaran la ausencia de Alberto García-Alix aludiendo que es alguien acostumbrado a estar detrás de la cámara y no ante ella. No es una persona a la que le gusta posicionarse ante los focos, lo suyo es más bien posicionarlos. Hecho que eleva aún más si cabe la condición de acontecimiento que supone este personalísimo documental. Y es precisamente por ello, que en un acto de encomiable coherencia, "Alberto García Alix: la línea de la sombra" comienza con el propio Alberto resumiendo su vida, su juventud y su edad adulta, a través de sus propios autorretratos. Su autodestructiva vida recorrida sobre las capturas de su propio rostro. Y es que, al fin y al cabo, el retrato es la vertiente fotográfica en la que se enmarca su trabajo. Su distinción en cambio, aquella que le ha encumbrado, es la capacidad que atesora para aportar luz sobre otras formas de ser, sobre tipos de comportamiento distintos, acercándose a la parte marginal de la sociedad, aquella de la que precisamente él mismo ha sido uno más. Una forma de vida hecha arte, hecha profesión, partiendo de su propia proyección. 

Es sobre estos complejos mimbres que Nicolás Combarro plantea un viaje bañado en claroscuros a través de su vida y obra. La autodestrucción y la adicción, pero también el carisma, el descaro, la fuerza de voluntad y, sobre todo, la inquietud hacia lo humano desde la vertiente artística. Es el kit de supervivencia que ha llevado a Alberto García Alix a subsistir y ganarse la vida a cuenta de plasmar su propia experiencia vital. De reflejarla y transmitirla a través de los otros. Otros que sin embargo, a quien reflejan es a él. Y es que su propia existencia es al fin y al cabo lo que fotografía. Si hay una palabra, un leit-motiv que Alberto García Alix repite una y otra vez a través de este relevante y sincero documental rodado a corazón abierto, es la introspección. Un mundo interior que abraza su máxima expresión en el momento que su trabajo pasa de la imagen estática a la imagen en movimiento, de la fotografía al vídeo. Su experiencia de vida está rebosante de aristas pero su arte permanece inmaculado. Un contraste que se enmarca con todo lujo de detalles en este arrebatador documental. Esto es vida. amigos.

15 PERLAS YA VISTAS QUE NO OS DEBÉIS PERDER 

THE SQUARE

THE FLORIDA PROJECT

YOU WERE NEVER REALLY HERE

CALL ME BY YOUR NAME

120 BPM

HAPPY END

CUSTODIA COMPARTIDA

LOVELESS

EX-LIBRIS

THE THIRD MURDER

ON BODY AND SOUL

MOTHER!

WONDERSTRUCK

L'AMANT D'UN JOUR

UNA MUJER FANTÁSTICA

THE DAY AFTER



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