Lo Mejor del Festival de San Sebastián 2015

Autor: Joan Sala Fuente: Filmin

Lo Mejor del Festival de San Sebastián 2015

En la previa de esta 63 edición del Zinemaldi, cuando su director José Luis Rebordinos afirmó que esta Sección Oficial presenta más riesgo que en otras ediciones, seguro que se estaba refiriendo a la incursión de títulos como a la delirante "High-Rise", la perturbadora "Evolution", el anime "The Boy and the Beast" (primera película de animación que compite en San Sebastián) o incluso la ganadora de la Concha de Oro, "Sparrows". Incursiones que abren una nueva y esperanzadora puerta a futuras ediciones de un festival cada vez más atractivo y valiente. 

Ponemos punto y final a nuestra cobertura donostiarra con nuestro particular Top-15. Y lo hacemos centrándonos principalmente en Sección Oficial, aunque dando igualmente cabida a las principales joyas que hemos descubierto en secciones paralelas, poniendo como única condición que sean títulos cuyo primer visionado hemos tenido ocasión de experimentar en el Zinemaldi. Es decir, pelis que suponen nuestra primera experiencia en pantalla grande.

Es por ello que aquí no tienen cabida la inmensa mayoría de las Perlas, Horizontes Latinos o pelis de Zabaltegi que si pudimos disfrutarlas y daros buena cuenta de ellas en festivales anteriores ("Mountains May Depart", "Anomalisa", "Francofonia", "El abrazo de la serpiente", "The Here After", "The Assassin", "Montanha", "El Botón de Nácar", "Une Jeunesse Allemande", "El Club", "El Hijo de Saúl", "Taxi Teherán", "600 millas", "The Treasure", "Chronic", "Desde Allá", "Nuestra Hermana Pequeña"...etc.) aunque si un buen puñado de títulos que por razones bien diferentes, estamos seguros que marcarán este 2015.

1. UN DÍA PERFECTO PARA VOLAR

Sección Oficial

Con su enigmática y emocionante nueva película, lo que Marc Recha nos ofrece a través de una mirada que rebosa frescura, espontaneidad y ante todo, el más sensorial naturalismo y la más arrebatadora naturalidad, es una insólita inmersión en el proceso de aprendizaje de un niño, de como éste afronta la ausencia de un ser querido o de quien simplemente, le ha podido llegar a rodear y por quien se ha sentido acompañado."Un día perfecto para volar" destaca además por la lección de cine y vida que yace en ella. Una cometa, un niño, su padre, la montaña y un cuento sobre un gigante por contar. Es la simple base (para la que no se necesita un gran equipo y menos aún, ingentes cantidades de dinero), la forma más accesible posible desde la que Marc Recha ha sido capaz de enarbolar la reflexión más conmovedora, sincera, emotiva y humana de cuantas nos ha brindado la presente edición del Festival de San Sebastián, logrando además, plasmarla sobre encuadres que aparte de bellos, se sienten ante todo honestos, tanto sus maravillosos planos generales como sobre todo, cuando la cámara es incrustada en los cuerpos y rostros de los personajes. Nunca mejor dicho, con la emoción a flor de piel, y desde los pequeños gestos. Incomprensible que haya quedado fuera del palmarés final. Cuéntame otro cuento, Marc.


2. EVOLUTION

Premio Especial del Jurado y Mejor Fotografía

Una muestra de body horror enfermizamente bella que tal y como nos advierte el próximo Festival de Sitges (donde también competirá en Nuevas Visiones) es asimismo una de las películas más perturbadoras de la temporada. Con su segunda película, tal y como ya hiciera con su imperdible debut "Innocence" 11 años atrás, Lucile Hadzihalilovic vuelve a sumergirse en los recovecos más oscuros y profundos de los traumas infantiles. Si en su anterior película nos recluía en un internado juvenil femenino situado en un idílico bosque encantado con claros ecos de "Picnic en Hanging Rock", en "Evolution" nos lleva a un lúgubre hospital-laboratorio de una isla remota cuyos jóvenes pacientes, en este caso niños, son objeto de extraños experimentos médicos que intentan invertir las etapas de la evolución, evocándonos directamente títulos como "La Isla del Dr. Moreau" o la nueva carne del primigenio Cronenberg. No en vano, estamos ante una fábula de tintes surrealistas y de aura pesadillesca que nos propone una inmersión fascinante en el subgénero del científico loco (aquí es donde surgen claros referentes como "Inseparables" o "Vinieron de dentro de..."). Una película tremendamente críptica y ambigua en su tono tanto como en su fondo, que habla mediante unas imágenes que se sienten tan hermosas como turbadoras, mediante una atmósfera que transmite tanta opresión como embriaguez, relegando a un segundo plano la explicación, el diálogo y la palabra. La guinda la pone su asombroso trabajo de fotografía, capaz de brindarnos deslumbrantes imágenes subacuáticas dignas incluso de todo un Jacques Cousteau. Y eso que hablamos de una mirada compleja y enigmática que ante todo incurre en el campo del terror más estremecedor. 


3. HIGH-RISE

Sección Oficial

Aquí no hay lugar a medias tintas. El lunático concepto apocalíptico y la filosofía totalitarista sobre la que bascula "Snowpiercer" (lucha de clases, un rascacielos en vez de un tren, los de abajo se rebelan contra los de arriba en vez de los de atrás contra los de delante, cada piso es una pantalla diferente y Jeremy Irons hace de Ed Harris) se da la mano con la desmesurada fiesta en bucle que supone "El Lobo de Wall Street", teniendo al Terry Gilliam más delirante y loco en el retrovisor. El resultado es un divertimento tan trastornado como anárquico, que se siente tan libre en la dirección (destacar más de una memorable transición al son del S.O.S. de Abba versioneado doblemente para la ocasión), como fiel a la inadaptable novela que descaradamente adapta. Con todo ello, uno tiene la sensación que el director británico ante todo, ha querido divertirse y divertirnos hasta la máxima extenuación. Y lo ha conseguido con un artefacto visualmente deslumbrante y un discurso profundamente demente que es cine fantástico, pero también es cine político, filosófico, en el que yace un discurso ambiciosamente social, pero que también resulta bizarramente cómico y estridentemente violento. Un espectacular batiburrillo a gran escala que entra en una espiral del dislate de la que no sale. Ni él, ni nosotros. Aquí hay de todo, y para todos. Tan agotadora como definitivamente asombrosa. Merece atreverse.


4. LE NOVEAU

Mejor Película Nuevos Directores

No optaba a la Concha de Oro pero entra de lleno entre lo mejor visto este Zinemaldi. No lo duden. Y eso que, hablamos de una comedia infantil protagonizada en su práctica totalidad por niños (apenas aparecen los adultos, como mucho el tío de Benoit, que probablemente sea asimismo el más niño de todos) en la etapa final de la pubertad, cuando la peligrosa 'tontería' de una incipiente adolescencia empieza hacer mella. Un momento de la vida en la que ya se sabe, ante todo se busca la aceptación entre los más 'guays', así como provocar el descubrimiento de un primer amor. Y es precisamente en este complejo momento de la vida, en el que se encuentra un memorable séquito de pequeños outcasts, de extrovertidos losers que, al no encontrar su lugar en el mundo (que en su caso se reduce al aula) se construyen el suyo propio, descubriendo así una nueva dimensión de diversión y vida. Ahí está la lección. La ópera prima de Rudi Rosenberg destaca por su carisma, pero ante todo por la inteligencia y sensibilidad, la comprensión y mano izquierda que el director galo demuestra tener trabajando con niños, gestando así una comedia que se siente tan hilarante como tierna y definitivamente didáctica. Una mirada absolutamente constructiva que por encima de todo, provoca la carcajada continua destapando el inagotable tarro de las esencias del gag más original tanto como del humor más descarriado. Y sin atisbo de mala baba, ni un ápice de cinismo. Bomba.


5. EL APÓSTATA

Mención Especial y Premio FIPRESCI

Federico Veiroj sigue su propia senda, construyendo personajes particularmente insurrectos y sublevados que se ven sacudidos por lo absurdo del mundo contemporáneo en el que vivimos, con ese cinismo y esa mala baba que emanan, pero que ante todo acaban por resultar particularmente entrañables y definitivamente tiernos. Y en "El Apóstata" claro está, ha vuelto hacer más de lo mismo y en el mejor de los sentidos, propulsado nuevamente por ese personalísimo estilo que lo caracteriza, esa forma tan particularmente inexpresiva y minimalista con la que se rebela ante los males y contradicciones de esta sociedad, sea desde el despertar adolescente ("Acné"), la más pura cinefilia ("La vida útil") o en este caso, con la iglesia en el punto de mira. Porque "El Apóstata" es ante todo una película de personaje, que más bien sobrevuela su propio conflicto mucho más de lo que penetra y lo explota. Es decir, lo que a Veiroj le interesa no es incidir en el carácter melodramático que puede llegar a propiciar una situación tan tétrica y surrealista como la que en este caso vive Tamayo, que bien podríamos catalogar como irremediablemente hiriente y trascendentalmente dolorosa. Más bien, son aquellos matices, aquellas sugestivas señales que atisban su deriva, diseccionadas desde un enfoque eminentemente satírico (incluso buñuelianamente onírico) pero también tremendamente humano, incluso cinéfilo (teniendo como bandera el maravilloso empleo anacrónico de su evocadora banda sonora que asimismo cautivará a los fans de Prokofiev y 'su' "Alexander Nevsky"). Porque si algo deja claro "El Apóstata" desde su genial apertura (en el que asimismo resuena la música de García Lorca), es que estamos ante una jocosa comedia que no señala ni denuncia, que está principalmente concebida para el disfrute. Una historia narrada con mucha habilidad, con un humor irónico y punzante, pero que se articula siempre desde el respeto, que estimula mucho más de lo que irrita y encima lo hace sutil e inteligentemente. En definitiva, un absoluto deleite para gozar con sonrisa permanente, que tiene además el detalle de brindarnos una impagable conversación entre el cardenal y Gonzalo capaz de condensar en ella una reflexión mucho más audaz y reveladora que a la que nos tienen acostumbrados muchas de las películas que denuncian la iglesia desde su totalidad. Brillante.


6. SPARROWS

Concha de Oro Mejor Película

Una coming of age mucho mas autentica y transgresora de lo que puede parecer desde su redundante carta de presentación. Una suerte de "Submarine" islandés que viene a demostrarnos que hoy día no existe género, subgénero, temática obsoleta o irreversiblemente manida, al menos en el cine, si no más bien, realizadores que no sabe aportar nada nuevo a un tema trillado y reiterado. No es el caso, sin embargo, del islandés Rúnar Rúnarsson, quien ha sido capaz de brindarnos una de las miradas más insobornables y singulares en lo que llevamos de festival. Y lo ha logrado partiendo de un tema tan común y frecuente como puede resultar el despertar adolescente, para que nos entendamos, el paso de la edad del pavo a la edad adulta desde un prisma disfuncional, tanto desde su contexto social como familiar. Algo que suena a ya visto, ¿verdad? Pues no es el caso. Partiendo de la ineludible monotonía a la que te condena habitar un remoto pueblo islandés, Runarsson nos adentra en el lado oscuro de la vida rural, y es sobre esta lóbrega condición existencial donde precisamente "Sparrows" se crece, obsequiándonos con grandes momentazos a nivel formal tanto como argumental. Lo que supuestamente debería ser una existencia idílica impregnada de la más excelsa naturaleza (y naturalidad), se torna en un absoluto tedio provocado por las dificultades económicas, la frustración y el aburrimiento. Grandes problemas, hirientes sentimientos, que llevan a sus habitantes, tanto menores como mayores, a buscar evasión transitando fiestas caseras, consumiendo drogas duras (como es el caso de la ketamina) o ingentes cantidades de alcohol a todas horas. La delicadeza y hermosura con la que plasma una escena de sexo que materializa el espíritu "Amarcord" (cuando la vean, me entenderán) o su particularmente sensible y absolutamente emocionante tercer acto, donde ante todo el director islandés luce una inquebrantable personalidad y un absoluto descaro, son un fiel reflejo del complejo y singular espíritu sobre el que levita "Sparrows". Tan dolorosa como tierna, tan distante, fría e inexpresiva, como igualmente cálida, entrañable o incluso desatada cuando toca (repito, no se corta un pelo) la segunda película de Rúnarsson se rige tanto por los pequeños gestos y detalles como por sus arriesgadas y abruptas acciones, que pueden resultar tan necesariamente incómodas como definitivamente profundas y valientes. Si a ello añadimos una extraordinaria factura formal que destaca por un descomunal trabajo de fotografía plasmado en la siempre agradecida textura granulada que nos brindan los 16 mm sobre los que está rodada, "Sparrows" bien ha merecido su premio gordo.


7. SUNSET SONG

Sección Oficial

Son muchos los años que el maestro Davies llevaba afirmando que si tenía un proyecto anhelado, ese era la adaptación cinematográfica del clásico literario "Sunset Song". Es por ello que una vez realizado, no debería sorprendernos que estemos ante la película más clásica y menos personal de cuantas nos ha brindado, aunque no por ello resulte menos autorial o incluso decepcionante. Cierto es que tanto "La Biblia de Neón" como "La Casa de la Alegría" ya partían de adaptaciones clásicas y que aún y así, su impronta personal se percibía de forma mucho más arriesgada y distintiva. Pero estamos ante dos obras en las que claramente se vislumbraba que su principal reto era traspasarlas a su propio universo, es decir, hacerlas suyas. No es el caso sin embargo de "Sunset Song", adaptación que desde su comienzo bien sugiere que parte de otro tipo de acercamiento, mucho menos arriesgado aunque igualmente más fiel y literario. Porque en este caso, esa inconfundible atmósfera marcada por el contenido poético que lo caracteriza, no arropa por completo las propias imágenes, no se envuelve tanto del esplendoroso paisaje que transita, como de la voz en off de su protagonista (su principal recurso lírico). Aún y así, cabe destacar que igualmente hay momentos clave en los que, con abrumadora sutilidad y aunque sea de forma menos tangible, Davies aplica ese distintivo estilo propio, prácticamente pictórico, por el que se rige el denominado "realismo de la memoria" sobre el que a nivel formal bascula principalmente su obra. Y es que, "Sunset Song" también nos obsequia con planos de una insondable hermosura y una contundente capacidad emocional, en los que la vida cotidiana se representa en detalle naturalista aunque igualmente superpuesta por la evocación y la reminiscencia. Lo que nos confirma que a pesar de resultar aparentemente más plano, lo nuevo de Davies sigue vislumbrando un sugestivo preciosismo en su factura técnica (aunque en este caso mucho más sobrio que osado) y asimismo en cuanto a su fondo, sigue su propia senda, la de incurrir en los lazos familiares y sentimentales desde un prisma primordialmente existencial, aunque en este caso el contexto sobre el que levite principalmente sea íntimo y romántico. Con todo ello, afirmo sin pestañear que aún y siendo la película menos potente del maestro británico (que no la más floja), es mucho mejor que la mayoría de películas expuestas este año en las Secciones Oficiales de festivales A como es el caso de Venecia o Cannes. Para que me entiendan, estamos ante una muestra de estoico clasicismo que se siente mucho más cercana al universo de John Ford que por ejemplo, al de Ken Loach.


8. PAULINA

Mejor Película Horizontes Latinos, Premio de la Juventud y Premio TVE Otra Mirada

"En cuanto hay pobres de por medio, la justicia no busca verdad, sino culpables". Es una de las frases clave por las que se rige Paulina a la hora de tomar decisiones difícilmente comprensibles, tanta para el público, como para los personajes secundarios que le acompañan en tan imprevisible periplo, así como para la propia protagonista o incluso para su director, Santiago Mitre. Y es precisamente aquí donde emerge una de las grandes virtudes de "Paulina", una película de anti-venganza femenina situada en las antípodas de títulos como "Hard Candy" o "La Extraña que hay en mi". Porque si algo tiene claro nuestra protagonista, a pesar de las constantes contradicciones con las que lidia, es que la agresión sexual que sufre es consecuencia de un mundo que no genera más que violencia. Es por ello que no busca venganza desde su propia mano, desde el ojo por ojo, tampoco desde la aplicación de un sistema judicial en el que no cree como cicatrizante de las heridas abiertas de una sociedad corrompida y desigual. Lo que nuestra idealista y aguerrida protagonista busca es más bien su propia comprensión, los motivos y conflictos (tanto a nivel social, como familiar o personal) que ha podido llevar a sus agresores a cometer un acto tan atroz. Bajo esté insólito y valiente punto de partida en lo que al cine sobre agresiones sexuales femeninas se refiere, Santiago Mitre no busca respuestas, sino más bien abre múltiples puertas para que cada uno pueda reflexionar a su particular manera y sacar sus propias conclusiones. Si es Paulina una heroína además de víctima, si sus acciones y decisiones son acertadamente consecuentes o totalmente incomprensibles, depende de cada uno de nosotros. Y eso es precisamente el núcleo de esta inconmensurable mirada, políticamente muy concienciada.


9. JIA ZHANGKE, A GUY FROM FENYANG

Lo que podría parecer una extraña pareja no lo es tanto. Walter Salles dedica uno de los documentales más concisos, hermosos y reveladores de este 2015 a Jia Zhang-Ke sin duda, una de las figuras del año (al estreno de "Mountains May Depart", uno de los grandes títulos de este curso, añadimos la prestigiosa Carroza de Oro otorgada por la Quincena de Realizadores durante el pasado Festival de Cannes). Dos cineastas referentes que pese a que han presentado dos evoluciones en sus respectivas filmografías bien dispares, les une mismo germen. Tanto "Pickpocket" (debut de Jia) como "Central de Brasil" (debut de Salles) tuvieron su estreno mundial en la Berlinale 1998, encumbrando ambas a sus padres y autores como dos nuevos talentos a seguir, emparentándose ambas por ser rodadas en sus localidades de origen, así como por describir la lucha diaria que mantienen su habitantes en tiempos de crisis galopante. Algo que el cineasta brasileño a tenido muy presente a la hora de dedicar este conmovedor homenaje a la figura y el cine de responsable de "Un Toque de Violencia". "Jia Zhangke, a guy from Fenyang" parte desde su infancia y sus orígenes y recorre sus raíces previo paso a ubicarse en su debut directorial y comenzar así un imperdible recorrido a través de su genial obra, analizando con detenimiento la relación que guarda cada una de sus magistrales películas con las localidades en donde se rodaron, incidiendo directamente en la actualidad que le tocó vivir a cada una de ellas y llevándola definitivamente a la personalísima mirada del cineasta chino. Épico.


10. TRUMAN 

Ex-Aequo Mejores Actores

"Truman" brilla con luz propia por la capacidad que su director demuestra tener para plasmar una obra sumamente disfrutable y poderosamente conmovedora partiendo desde una desalentadora base argumental que de buenas a primeras, bien podríamos señalar como peligrosamente trillada, como sumamente predecible. Por suerte, no es el caso tratándose de Cesc Gay. El director de "Una pistola en cada mano" vuelve hacer gala de esa sutil y hermosa contención dramática en la que se enmarca el grueso de su genuina obra (sobre todo en el caso de "Ficción" y "En la Ciudad") para ofrecernos un retrato que se siente tan honesto como humano, tan sincero como sobrio, fresco y espontáneo, sobre una entrañable relación de amistad sacudida por una irreversible enfermedad terminal en la que, con el permiso de un estupendamente contenido y muy creíble Javier Cámara, y de ese escultural perrazo que es Truman, la mejor versión posible de Ricardo Darín acapara todos y cada uno de los planos.

"Truman" inevitablemente es una película triste, de un potente carácter dramático y existencial que sin embargo, se equilibra desde una asombrosa inteligencia emocional, desde un humor tan lúcido como sensato. Un equilibrio al que también llega haciendo de los silencios, los gestos mínimos, su principal fortaleza para no caer en la estridencia melodramática, tampoco en la apología del sufrimiento ni mucho menos, en un humor pasado de rosca o el optimismo impostado. Transparente, absolutamente creíble e incluso aguda y perspicaz, "Truman" es ejemplar cine íntimo y humano, que también destaca por el absoluto rigor temporal con el que se desarrolla su trama (acompañamos a la pareja protagonista a lo largo de cuatro días, cuatro amaneceres, cuatro atardeceres y cuatro noches, con la sensación que prácticamente la vivimos a tiempo real) así como el insólito tacto y la estimable sensibilidad con la que hace uso de su elemento clave: el perro, el mejor amigo del hombre, que por una vez no es a quien le toca morir, no es el principal elemento para hacernos sufrir, tal y como nos tiene malacostumbrados la pantalla grande. O Cesc Gay tiene (o ha tenido) perro, o sabe mucho de ellos (y lo afirma un servidor que tengo dos). En definitiva, un incontestable dramón para ver y disfrutar con sonrisa permanente. Y es que lo bueno, sabe bien.


11. LES CHEVALIERS BLANCS

Mejor Director

Vincent Lindon, Valérie Donzelli y Reda Kateb protagonizan lo nuevo del director de esa hanekiana y cassavetianamente demoledora revelación que fue "Perder la Razón". Una vez más, Joachim Lafosse aborda un tema áspero y complejo: después de haber retratado a una madre infanticida en su último film y haber descrito la relación carnal entre profesor y alumno en "Elève Libre", en "Les Chevaliers Blancs" llega el turno de plantearse los beneficios y perjurios de la acción humanitaria para volver a demostrar que el infierno está repleto de buenas intenciones y como no, centrándose otra vez en los niños, quienes nuevamente son las principales víctimas de este devastador drama. Su título ("Los caballeros blancos"), es una prueba más de su mordaz ironía a la hora de abordar el asunto y este no es otro que el conflicto que sobrevuela a un grupo humano que a pesar de sus fuertes convicciones e insobornable idealismo, caen de forma inconsciente en el tráfico de personas, en la compra-venta de niños, fomentando aún más si cabe tan perverso negocio creyendo que precisamente están haciendo todo lo contrario. Un sinsentido (in)humano que nos lleva al reto quimérico de un anti-héroe típicamente herzogiano (con Lindon en plan Kinski) que se siente formalmente sobrio y compacto, que antepone el rigor y la metodología en la (no) acción (a ratos se siente mucho más cercano a un documental digno de Hubert Sauper), a la espectacularidad o el simple golpe de efecto, para desembocar, como era de esperar ateniéndonos a quien está tras la cámara, en una demoledora conclusión. Agárrense los machos.


12. THE BOY AND THE BEAST

Sección Oficial

La que probablemente suponga la obra más espectacular y compleja a nivel técnico de Hosoda hasta la fecha re-visita el mito de "El libro de la Selva" (al igual que Mowgli, Kyuta debe elegir entre vivir en la selva o volver a la 'supuesta' civilización) a través de una tierna y carismáticabuddy-movie rebosante de ternura y fantasía que nos embarca en un viaje fascinante hacia la madurez y la edad adulta. Desde los tiempos de Darth Vader y Star Wars bien nos ha enseñado la pantalla grande que en todo ser humano subyace un lado oscuro que puede emerger y sobresalir, o no. Nuestra capacidad para aplacarlo y neutralizarlo depende de la importancia que demos a virtudes y valores claves, como pueden ser la solidaridad, el amor, la fraternidad o el sacrificio. Lección que de forma tan sabia como sensible y vigorosa nos vuelve a recordar el maestro Mamoru Hosoda con "The Boy and the Beast", una obra minuciosa y detalladamente animada (atención a su fiel y magnífica representación foto-realista de las calles de Shibuya), en la que destaca un asombroso trabajo de sonido y nunca mejor dicho, peleas bestiales de artes marciales. Bien metida.


13. EVA NO DUERME

Sección Oficial

Pablo Agüero parte de la retorcida historia real de la desaparición del cadáver de Eva Perón hasta que un cuarto de siglo después de su muerte, finalmente pudieron brindarle su merecido entierro. Y lo hace re-formulando los hechos con un tratamiento ante todo arriesgado y profundamente cinemático, así como desde una mirada absolutamente personal. Como si de una Bella Durmiente se tratara, "Eva no Duerme" pivota sobre la figura que, aún y muerta, constantemente emerge para simbolizar la libertad, dignidad y justicia de una Argentina que históricamente ha sido azotada por la corrupción política y ese mal endémico que son los constantes golpeos de dictaduras que ha sufrido a lo largo de su hastiada historia. Una figura que a diferencia de un país entero, se ha mantenido siempre firme e implacable ante la violencia, la inmoralidad y el atropello. Un punto de partida eminéntemente político y social que sin embargo, Agüero lo plasma con absoluto descaro artístico. "Eva no Duerme" se presenta como una película fragmentada en tres episodios rodados con cámara fija y en plano secuencia (exceptuando el último que en su caso, son dos) que alterna la recreación con el material de archivo. Del embalsamamiento del cadáver )protagonizado por Imanol Arias) proseguimos con su transporte (a cargo de Denis Lavant) y finalmente acabamos con el secuestro del dictador Aramburu a manos de los rebeldes, lo que dio pie a la definitiva recuperación del cuerpo sin vida. Cada uno de los segmentos se distinguen y asemejan por la atmósfera perversa y opresiva sobre la que levitan, así como por el siniestro y sinuoso contexto del que se envuelven, que asimismo no hacen más que incidir en la cruda realidad que vive Argentina, destacando así por un excepcional trabajo fotográfico que es capaz de obsequiarnos con dos de los planos más bellos que hemos disfrutado en esta presente edición del Zinemaldi, empezando por su apabullante secuencia de apertura, que prácticamente te corta el respiro. Y que conste que lo que viene después, no es para menos. Tremendo documento.


14. LOSERS

Zabaltegi

La última vencedora del Gran Premio en el Festival de Moscú parte del estilo "Güeros", "25 watts" y "Temporada de Patos", para contarnos la historia de cuatro estudiantes de instituto en una pequeña localidad búlgara centrada en su particular Mcguffin, que no es otro que lograr dos entradas para un concierto de música. Un concierto de rock enormemente publicitado sobre el que Ivaylo Hristov construye un sugerente contraste entre la ciudad de provincia apacible y la así llamada libertad de los miembros del grupo de música. Plasmada en hermoso blanco y negro, "Losers" tiene mucho de ese espíritu libre, aparentemente tan naif como absurdo y rebelde que distinguía la nouvelle vague, también en cierta forma transmite el humor inexpresivo del nuevo cine nórdico, al que también evoca. Repleta de fugas cómicas tan desternillantes como inclasificables, "Losers" acaba por desembocar en una comedia entrañablemente original, curiosamente sorprendente, que por derecho propio significa otra de las grandes sensaciones de este festival. 


15. AMAMA

Premio Irizar al Cine Vasco

Tal y como distingue el insondable sello autoral que marca la carismática mirada de Asier Altuna, "Amama" destaca por la fascinante capacidad que el director vasco tiene para aunar un profundo y robusto carácter autóctono, un discurso extremadamente arraigado a lo terrenal, con un inescrutable valor artístico, así como un arrebatador tono poético y un embaucador poderío simbólico, incluso metafórico. Laudables virtudes, personalísimos valores, que confluyen en una obra que ante todo confronta el mundo moderno con el tradicional desde una vertiente primordialmente existencial, que se vive como una sorprendente experiencia visual (mezcla de texturas y formatos, planos de una hermosura inabarcable y tremendamente cuidados) y que asimismo se articula a través de una retórica de gran capacidad emocional con un alcance absolutamente universal. Partiendo desde sus raíces, desde lo más profundo del corazón de una tierra, así como de un íntimo espectro familiar, "Amama" nos retrata un mundo que se extingue y desaparece, el trauma que supone dedicar un inevitable adiós a una forma de vida que se desvanece, dando pie así al enfrentamiento entre padres e hijos, entre dos formas opuestas de entender la evolución personal y en definitiva, la vida. Y en medio de todo este embrollo, el personaje más significativo y clave, una abuela que no quita ojo desde el más elocuente de los silencios. Si algo ha dejado bien claro "Amama" en la presente edición del Zinemaldi, es que no ha venido a cumplir con la simple cuota de representación autóctona, si no más bien a confirmarse como una mirada tan arriesgada y ambiciosa en su forma, como certera y compleja en su fondo.


BONUS TRACK: MI QUERIDA ESPAÑA

Zabaltegi

No ha podido llegar a nuestros ojos pero sabemos de buena tinta que este revelador documental de Mercedes Moncada que disecciona los últimos 40 años de historia a través de extractos de las múltiples entrevistas que en su momento realizó Jesús Quintero, es otra de las inesperadas sorpresas que nos ha deparado la presente edición del Festival de San Sebastián. No le quitaremos ojo.

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