Lo Mejor del Festival de Cannes 2016

Autor: Joan Sala (Filmin) Fuente: Filmin

Lo Mejor del Festival de Cannes 2016

Si hay una conclusión principal a destacar tras esta 69 edición del Festival de Cannes es que, polémicas de palmarés aparte, nos espera un año de grandes películas más allá de que la mayoría de ellas no atesore premio alguno. De "Toni Erdmann" a "Elle" pasando por "Sieranevada", "Aquarius", "Paterson", "Julieta", "Ma Loute" o "Rester Vertical" (además de las premiadas "The Salesman", "Bacaulareat" o "Juste la Fin du Monde"). Obras prácticamente maestras que nos aseguran un año de grandes sorpresas y alegrías desmedidas para los amantes del séptimo arte.

Una situación tan alentadora como digna de celebrar, más aún ateniéndonos al gran protagonismo que este año ha tenido el cine español en Cannes. "Timecode" de Juanjo Giménez ha hecho suyo el premio al Mejor Cortometraje, así como el premio a la Mejor Película de la Semana de la Crítica ha ido a parar a "Mimosas" de Oliver Laxe. Y es que hablamos de una de las mejores ediciones en la historia del festival más importante del mundo que a continuación resumimos a través de nuestro particular Top-25.

1. TONI ERDMANN

Sección Oficial - Premio Fipresci

El más sincero, conmovedor y sensible estudio sobre las relaciones familiares que un servidor ha disfrutado desde tiempos de Ozu. "Toni Erdmann" es una obra absolutamente redonda y reveladora en cuyo corazón late un minucioso estudio sobre las relaciones íntimas y familiares que resulta ser de incalculable valor humano. Una hilarante comedia en su superficie, tan inteligente y descarada como imprevisible, cuyo trasfondo soterra sin embargo, un drama que se siente tan sensible y enternecedor como profundo y doloroso. Al igual que ya hiciera desde el enfoque íntimo y de pareja en la cruda y desgarradora "Entre Nosotros", Maren Ade demuestra atesorar, una vez más, una asombrosa inteligencia emocional a la hora de tratar la incomunicación en las relaciones familiares, en este caso. Vínculos resquebrajados que en esta inhumana sociedad globalizada se ven inevitablemente sometidos al mundo laboral. El trabajo convertido en familia, la familia convertida en trabajo y el tiempo y su provecho, como ese Santo Gríal con el que nunca llegamos a dar.

Un síntoma lamentablemente común ante el cual, la directora alemana nos revela su inesperado antídoto. Y este podría no ser otro que la difuminación de roles, abriendo la puerta a la posibilidad de su regeneración mediante la ruptura de los ambages que condicionan las relaciones paterno-filiales. A mal tiempo, buena cara, es lo que piensa y se aplica el gamberro Toni Erdmann a la hora de luchar por recuperar un cariño y amor que parece haber sido evaporado pese a que en realidad siempre ha estado presente, por más que no se haya mostrado. Y es entonces cuando las despedidas rutinarias dan paso a los hilarantes encontronazos, los silencios incómodos a la sonrisa cómplice, la opresión existencial a la deshinibición social. Una puerta abierta a la rehabilitación emocional que nace desde la abrupta confrontación, desde la gestación de situaciones brillantemente imprevisibles y absolutamente memorables que sin embargo, no resultan nada forzadas merced de un preciso trabajo de guión que resulta estar espléndidamente planificado, maravillosamente cohesionado. Lo que nos lleva a una propuesta magistral a todos los niveles. Empezando desde la exploración psicológica y penetrando en lo más profundo del corazón. La irracionalidad definitivamente vence a lo racional. No nos queda otra. Suya debería haber sido la Palma.

Distribución en España: Golem


2. ELLE

Sección Oficial

Como si Michael Haneke dirigiera con dos copas de más el reverso de "La Pianista", la nueva y esperada película de Paul Verhoeven dará que hablar. Un extraordinario retrato femenino en el que volvemos a disfrutar del añorado talento satírico de Paul Verhoeven, de esa fuerza, violencia y energía que siempre le ha caracterizado. "Elle" funciona como retrato ambiguo y amoral de una mujer y su sexualidad, también como el reflejo vivazmente irónico de su circulo social y ante todo, familiar. Una película tan inteligente como visceral, de un guión tan imprevisible como audaz, a camino entre la comedia más hilarantemente gamberra y el thriller psicológico más imprevisto y abrupto. Un relato que vuela alto gracias, principalmente, a que rompe con todo tipo de tópicos desde la más absoluta libertad creativa, reventando desde su concepción argumental todo posible código ético, toda posible atadura moral. Dará que hablar.

Distribución en España: Avalon


3. AQUARIUS

Sección Oficial

Como si de la Gloria Desmond de "El Crepúsculo de los Dioses" se tratara, como si a la "Gloria" de Sebastian Leilo nos llevara, Sonia Braga hace del papel de Clara una diva rebosante de carisma que se echa todo el peso de la película a sus espaldas. Una heroína de nuestros días que a base de momentazos antológicos a nivel interpretativo, sorprendiendo con acciones tan meritorias como descaradas a nivel de trama, se encumbra como uno de los grandes nombres del momento en el panorama cinematográfico mundial. Un personaje decididamente único, asombrosamente auténtico, al servicio de una crítica social absolutamente expansiva. Un retrato tan sugerente como punzante de un Brasil deshumanizado y corrupto que al igual que "Sonidos de Barrio" parte desde un vecindario o mejor dicho, de lo que queda de él. Clara es el fiel reflejo del alma que al país de Dilma Rousseff (actualmente apartada del poder) le falta. Una esencia necesaria que Kleber Mendonça Filho la construye desde una imponente factura formal, desde un montaje que ante todo se siente ágil y armónico y desde un sentido del humor que se antoja tan inteligente como definitivamente valiente. Tremenda.

Distribución en España: Avalon


4. SIERANEVADA

Sección Oficial

Una suerte de "Camarote de los Hermanos Marx" pero a la rumana, con todo lo que ello conlleva. Empezando por las tres horazas que abarca y que sin embargo, a uno se le pueden llegar hacer más cortas que los noventa minutos que dura la nueva película de Woody Allen. 180 minutos de metraje que exceptuando dos secuencias en las que transita exteriores, nos pasamos encerrados entre las paredes de un apartamento reducido y superpoblado por una familia que se reúne para rememorar la muerte de un padre. La excusa, una comida que sin embargo, nunca parece llegar el momento de ingerirse. Y claro, ya se sabe, cuando hay hambre y no se come es cuando las personas sacan lo peor de si mismos. Sus distintas habitaciones como mundos en miniatura a través de los cuales se disecciona una clase media en toda su entereza, a su vez que concibe la historia como la ficción más común que rodea nuestro día a día, enfrentando pasado con presente, el estado comunista con el 11-S, la memoria histórica con la actual fobia social. Partiendo desde el conflicto íntimo y familiar pero desembocando en una lectura absolutamente global y social, Cristi Puiu nos enseña que no existe una historia como tal, sino que cada uno construye la suya propia, según lo que le enseñan y aprende, pero también según como se le educa y aquello que vive. Un encierro entre cuatro paredes como síntoma de un mundo absolutamente limitado y resquebrajado, como reflejo de una burguesía que se muestra tan estéril como conservadora, confundida y definitivamente inane ante el complejo momento histórico al que le ha tocado enfrentarse. Obra maestra.

Distribución en España: Golem


5. PATERSON

Sección Oficial

Una cálida y entrañable carta de amor a la captura del proceso creativo como posible vía para encontrar belleza y motivación en la monotonía a la que inevitablemente se ve abocada nuestra rutina, para hacer estimulante la vida anodina que puede llevar a uno la obligación laboral de nuestro día a día, así como para aplacar a base de ternura y amor, la posible insatisfacción que puede llevar a provocar la perpetuidad de la vida en pareja. No es casualidad que tanto su protagonista como la ciudad que habita, coincidan en tener Paterson como mismo nombre propio. Tampoco que recorramos junto a él una semana en el que las situaciones se repiten: al fin y al cabo hablamos del hábito y la repetición a la que supuestamente nos vemos condenados en nuestra sociedad capitalista. Una suerte de síndrome del día de la marmota que Jarmusch neutraliza envolviendo a sus protagonistas en la belleza de la cotidianidad, o más bien dicho, embarcándolos en su búsqueda, en este caso a través de la creación de la poesía en el caso de él, así como de la música, la decoración y la cocina en el caso de ella. Una base conceptual cuyo lógico y previsible tratamiento debería ser el realismo, si no fuera porque es Jarmusch quien construye este embriagador micro-universo. El director de “Flores Rotas” nos dibuja con su inconfundible minimalismo, con su distintivo humor deadpan, una suerte de utopía íntima y urbana, que directamente nos invita a plasmarla en nuestro mundo real. Un sublime planteamiento, de profundo valor humano, de una sensibilidad cautivadora, que encumbra a "Paterson" como otra de las propuestas más genuinas, memorables y definitivamente grandes de cuantas disfrutaremos en esta nueva edición del Festival de Cannes. Para comérsela.


6. LA MORT DE LOUIS XIV

Sección Oficial - Fuera de Competición

Un ejemplo tan bello como estoico de la fuerza artística del cine, una obra de apabullante potencia pictórica en la que supone sin duda, la película más sobria y contenida hasta la fecha de Albert Serra, así como aquella que por vez primera huye de ese estilo tan libremente radical como naturalista que distingue su personalísimo cine (podría decirse que tan solo una de sus secuencias más cómicas e hilarantes, protagonizada por Albert Plá, nos lleva a sus inconfundibles señas). Un retrato memorable encerrado entre cuatro paredes que a pesar de suspenderse sobre un ostentoso carácter barroco, se aleja de sobremanera de lo artificioso y pretencioso (en este sentido "La Mort de Louis XIV" me transporta a "L'Apollonide") . Planos detalladamente dibujados, geométricamente ultra-planificados (sobre todo en el posicionamiento de los personajes en cada uno de los cuadros), sublimemente compuestos, al servicio de un rey único: Jean-Pierre Léaud. Una presencia imponente, rebosante de carisma y talante, a quien le basta una simple bocanada de respiro para condensar gran parte de la inabarcable potencia cinemática que en “La Mort de Louis XIV” yace. Léaud como un rey moribundo en el lecho de su muerte, una eminencia histórica a todos los niveles que atisba su inevitable adiós. Un letargo perenne que resulta hipnótico a ojos del espectador, cuyo posible poderío simbólico y metafórico podría llevarnos a más de una interpretación ¿refleja la muerte de Louis XIV la muerte del cine? ¿es Jean-Pierre Léaud la representación de un séptimo arte que atisba su etapa más fúnebre? Podría serlo ateniéndonos a quien está tras la cámara, o no. “Esperemos que la próxima vez salga mejor”. Es la significativa frase final con la que “La Mort de Louis XIV” pone su grandioso punto y final (por más que mejor, no le podría quedar). Digna de enmarcar.

Distribución en España: Capricci


7. AMERICAN HONEY

Sección Oficial - Premio del Jurado

“American Honey” se situaría en un punto intermedio entre los white trash de Harmony Korine y Roberto Minervini. De hecho, bien podría presentarse como una suerte de cruce entre “Spring Breakers” y “The Other Side” con ciertos ecos de “Bestias del sur Salvaje”. This is America, pero bajo el prisma de un marginal y subvertido cuento de hadas que traslada una inaudita belleza partiendo desde lo sucio, lo feo, pero también desde ese sentido de la libertad para ser dueños de nuestro propio destino. “American Honey” no es otra película más sobre una juventud pérdida a la búsqueda del sueño americano. Más que nada, porque la América que Andrea Arnold nos dibuja es una tierra prácticamente distópica, tremendamente alienada y definitivamente deshumanizada. Tanto es así que en ella ya no quedan sueños por cumplir. Un panorama tan miserable como devastador al que su séquito protagonista hace frente con enérgica disposición. Es decir, lejos de regodearse en la desgracia y el lamento, de subrayar y profundizar en el el drama que les ha tocado sufrir, optan por encontrar la forma de sobrevivir envueltos de una enérgica alegría y propulsados por un perpetuo buen rollo, es decir, por una fiesta contínua que directamente emana una suerte de nihilismo optimista. Y es que si por algo destaca la potentísima nueva película de Andrea Arnold es por su capacidad para huir del tópico, de lo trillado, cuando sobre el papel, presenta todos los boletos para caer en él. El supuesto cliché transformado en algo intrínsecamente auténtico, contundentemente distintivo y absolutamente único.

Quizás sea por el poderío que la directora de “Cumbres Borrascosas” atesora a la hora de trabajar la fotografía digital, de expandir como si de un formato panorámico se tratara su inconfundible forma de emplear los 4:3 o de construir imágenes y concebir los momentos musicales (en los que tienen cabida el hip hop, el rap, el pop más actual y comercial, el country más tradicional o por supuesto, su tema estrella, American Honey) con una personalidad propia arrebatadora. A volar, que no a soñar.


8. JULIETA

Sección Oficial

"Julieta" es un drama tan contenido como desgarrador, una trágica desventura familiar e introspectiva que se presenta sin melodía alguna, una película con forma de novela que antepone la crudeza emocional a la condescendencia del amor y la indulgencia del corazón. Partiendo de la sobriedad discursiva, sobrevolando un atormentado enigma y obviando la estridencia estética (sólo hay una canción, en los créditos finales: 'Si no te vas' de Chavela Vargas), el director manchego conforma una de sus películas (aparentemente) menos ambiciosas hasta la fecha (su efímero metraje apenas supera la hora y media) aunque igualmente más sutiles, penetrantes y complejas. Haciendo suyo el inconfundible universo familiar que transita la obra literaria de la ganadora del Premio Nobel, Alice Munro, la intensidad narrativa de "Julieta", el amor que desprende por todos y cada uno de sus personajes y localizaciones, el cuidado con el que detalla todos aquellos momentos y lugares donde suceden sus reveladoras acciones (o mejor dicho, conversaciones) hacen de ella que pueda disfrutarse su visionado como pocas, con la misma sensación que cuando te engancha una gran novela. Y es que al fin y al cabo, lo que verdaderamente "Julieta" desprende es un amor brutal por el relato. Un relato que se siente tan hermoso como doloroso, en el que vuelven a emerger grandes protagonistas femeninas que llevan el rojo como bandera, mujeres luchadoras que bien pueden ser madres, hijas o incluso vecinas. Esenciales ingredientes del Almodóvar más resonante y exitoso que en este caso, sin embargo, se concentra y comprime para dar pie a una mirada que atesora y emana la inteligencia emocional más sentida y matizada que probablemente ha desprendido jamás una película almodovariana. Tanto es así que literalmente, se devora.

Distribución en España: El Deseo


9. FAI BEI SOGNI

Quincena de Realizadores - Película Inaugural

Uno no acaba de entender como es posible que una obra maestra del calado de "Fai Bei Sogni" se haya tenido que conformar con inaugurar la Quincena de Realizadores y su lugar de exposición mundial no haya sido Sección Oficial. "Fai Bei Sogni" nos cuenta la historia de un secreto escondido en una bolsa durante cuarenta años, siendo al mismo tiempo la historia de un niño que aprenderá a enfrentar el mayor dolor, la pérdida de una madre, y el monstruo más insidioso, el miedo a vivir. Marco Bellocchio dota de una dimensión desconocida a nivel existencial a la plasmación del sentimento de orfandad. Un dolor siempre presente en cada acción, cada plano de "Fai Bei Sogni", tanto de forma literal como poética, ya sea de forma explícita como metafórica, desde la vertiente visual o bien literal. Una película en la que no existen flashforwards ni flashbacks a pesar de que no deja de ir hacia delante y hacia atrás, más que nada porque no hay un punto de partida claro sobre el que levita, tampoco un punto medio en el que se detiene. Poblada por secuencias de un bárbaro poderío emocional, de una fascinante fuerza visual, "Fei Bei Sogni" se cuela de lleno en nuestro Top-10 de este Festival de Cannes.


10. BACALAUREAT

Sección Oficial - Mejor Director

"Bacalaureat" nos habla sobre el compromiso entre padres e hijos y la compresión que ejercemos de esta relación. Del conflicto que surge entre aquello que los adultos dicen y transmiten a los menores y aquello que éstos les ven hacer. Del momento en que alguien que proclama su honestidad, sus valores y principios cuando realmente no los tiene, se da cuenta o mejor dicho, no se quiere dar cuenta, de que no es un ejemplo a seguir. Y lo hace partiendo de un personaje principal incapaz de afrontar su verdadera moralidad, que se embarca en un trayecto cuya egoísta y ensimismada meta le lleva a incurrir en acciones deshonestas que él trata de autojustificar desde su dubitativa consciencia. El engaño, el amaño o el soborno al supuesto servicio del interés de una hija, que al fin y al cabo resultan estar al servicio de su interés propio. Y es aquí cuando esta radiografía ética y moral a nivel individual, se extrapola de forma tan sugerente como audaz a los mecanismos sobre los que se mueven los intereses políticos de un país capitalista como Rumanía, en este caso. El individualismo se impone una vez más al interés colectivo. Un historia aparentemente mínima que acaba resultando sorprendentemente expansiva. Que se construye sobre una cadencia hipnótica gracias a una perfecta articulación de un guión que funciona como un reloj, que es absolutamente preciso y está maravillosamente construido. También sobre un montaje aparentemente transparente que sin embargo, esconde en él todo tipo de recursos (como es el caso de un prodigioso empleo del fuera de campo) destinados a dejar el necesario espacio al espectador para que acabe dar forma desde su propia interpretación todo aquello que la nueva película de Mungiu esconde, que es mucho. Es la prodigiosa impronta conceptual y formal que de forma intrínseca distingue el nuevo cine rumano. La extraordinaria “Bacalaureat” ha llegado a Cannes para recordárnoslo.

Distribución en España: Vértigo Films


11. GOKSUNG

Sección Oficial - Fuera de Competición

Siempre se ha hablado de la implacabilidad del público de Cannes, sin embargo, cuando les gusta una película puede ser una especie de bendición. Na Hong-jin se ha convertido en uno de los directores más aplaudidos del festival con sus dos sorprendentes participaciones. Su debut fue la celebrada "The Chaser", una singular brecha entre arte y multiplex que se basa en un ex-policía ahora convertido a proxeneta. La última fue "The Yellow Sea", un espeluznante y visceral thriller en el que un taxista se convierte en un asesino en serie. Su éxito ha llegado a tal punto que los derechos de ambas películas ya han sido comprados en Estados Unidos para un posible remake, como probablemente también suceda con su próxima "Goksung", película que presenta la novedad de incurrir en el género fantástico y demoníaco a través de la historia de un detective de policía que investiga una serie de asesinatos que podrían estar perpetrados por una demoníaca fuerza desconocida y en los que podría verse inmersa su hija. Hablamos de una muestra de género ejemplar a la hora de trabajar el in crescendo, una película de terror devastadora que atesora dos de las secuencias más memorables y definitivametne poderosas de cuantas hemos disfrutado en esta nueva edición del Festival de Cannes. Un híbirdo de subgéneros (demoníaca, zombi, incluso con toques vampíricos) cuyos abruptos giros atentan directamente contra la buena fe del espectador.


12. RESTER VERTICAL

Sección Oficial

Una prueba más de que Alain Guiraudie sigue su propio e insurrecto camino. Una rareza inclasificable destinada, como no podía ser de otra forma, a desestabilizar al espectador provocando el extrañamiento más súbito e inopinado desde la tajante ruptura de cualquier tipo de posible imposición o 'etiqueta'. Y lo hace envolviéndose, una vez más, del más absoluto naturalismo que emana el paisaje del que "Rester Vertical" se envuelve (tal y como lo hace el resto de su obra) así como las bizarras acciones con las que constantemente sorprenden sus personajes. Maravilloso contraste. Hablamos de personas por decirlo de alguna manera, no al uso, que desde la inexpresividad luchan ante la indiferencia mientras tratan de buscar su lugar en el mundo (de ahí el título, "Permanecer Vertical"). También de situaciones completamente idas de madre que se construyen desde lo supuestamente absurdo, entre las cuales encontramos un coito para la posteridad así como uno de los grandes momentazos por los que seguro, recordaremos este Festival de Cannes (ahí lo dejo). ¿Pero que significa lo realmente absurdo? o mejor dicho ¿a que atribuimos los supuestamente normal?. Preguntas con aparente respuesta a las que la hechicera "Rester Vertical" da la vuelta, eso sí, desde el empleo de un simbolismo mucho más evidente y accesible de lo esperado. El enigma en este caso no lo es tanto. Los lobos, tanto como las ovejas, nos dan la respuesta. Cuidado.


13. HELL OR HIGH WATER

Un Certain Regard

Alumno aventajado de Michael Winterbotton, tanto para lo bueno (construye una filmografía ecléctica y arriesgada) como para lo malo (su característica irregularidad le hace tan capaz de lo mejor como de lo peor), el británico David Mackenzie al fin rodó su obra cumbre con el demoledor thriller carcelario "Convicto (Starred Up). Razón de peso para esperar con alentadoras expectativas su primera película rodada en Estados Unidos. La historia de "Hell or High Water", que cuenta con un reparto formado por Jeff Bridges, Chris Pine y Ben Foster, gira en torno a dos hermanos, uno ex convicto y el otro un padre divorciado con dos hijos, que se enfrentan a la ejecución del préstamo de la granja familiar en Texas. La desesperación les lleva a robar varios bancos y para ello, tienen que sortear el acoso de un Texas Rangers (Bridges) decidido a impedirlo. Es cierto que "Hell or High Water" parece transitar lugares comunes de las heist movies texanas a las que estamos habituados (desde "Malas Tierras" a "En un lugar sin Ley") y de hecho, lo hace. Pero desde un tratamiento autoconsciente y un descaro apabullante (que en plena persecución el personaje de Jeff Bridges pida a su compañero que, literalmente, ponga "música de persecución" en el coche habla por si solo), un trabajo de fotografía extraordinario y una poderosa construcción de personajes. Una película carismáticamente crepuscular que es, sin duda, de lo mejorcito visto en Un Certain Regard.


14. JUSTE LA FIN DU MONDE

Sección Oficial - Gran Premio del Jurado

La histérica y opresiva “Juste la fin du Monde” reflexiona ante todo, sobre la incomunicación y el distanciamiento en las relaciones familiares, afrontando la desconexión que de ésta emerge desde la vacua verborrea y el perpetuo griterío entre sus miembros, desde la constante repetición de la información en pos de evitar la incomodidad del silencio, el dolor del rencor, cuando el sentimiento de empatía, la sensación de contacto y cercanía, brilla por su ausencia. Un conflicto surgido a merced del inexorable paso del tiempo, del desgaste y distanciamiento que emerge a raíz de nuestro inevitable sometimiento a él. Es por ello que en la nueva película de Xavier Dolan no hay evolución ni revelación en la comunicación a pesar de que sus personajes no paran de hablar y chillar en todo momento. En definitiva, la incomunicación entre seres queridos tratada desde el histerismo más irritante, estridente y sí, definitivamente coherente para la reflexión que en ella yace.

Una base argumental profundamente dramática y dolorosa que sin embargo, Xavier Dolan la enmarca desde una vigorosa y potentísima factura formal que le brinda un sorprendente empleo de los 35 mm. Un sello estético tan único como sublime que se construye desde un abrumador tratamiento del color que emerge de su saturación, desde un sobrecogedor empleo del primer plano y por supuesto, desde ese enérgico y personalísimo tratamiento de los momentos musicales que solo parecen estar a su alcance. De Lost Frequencies a Moby pasando por Grimes o Dragostea Din Dei (en la que probablemente suponga su momentazo más memorable), en su mayoría flashbacks de un alto contenido emocional que son las únicas licencias ajenas a la obra teatral que el joven director canadiense emplea con el objetivo de dar rienda suelta a su explosivo e inconfundible esteticismo, pero también para brindarnos necesitados momentos de respiro. Es tal la intensidad que “Juste la fin du monde” emana que uno puede acabar por epatar. Pero no, no es el caso. Hablamos de los gritos del silencio de un absoluto portento.

Distribución en España: Avalon


15. MIMOSAS

Semana de la Crítica - Mejor Película

Una western religioso trascendental y tremendamente espiritual, de una dimensión grandiosa tanto a nivel existencial como filosófico, que nos abre una puerta hacia la libre interpretación de lo que hoy día significa la creencia en la fe y la religión, del trayecto ¿abyecto? en el que nos puede embarcar la profunda imposición de un ideal a día de hoy. Una base conceptual sobre la que “Mimosas” se suspende combinando desde una narrativa intensa, dos trayectos de forma paralela, el introspectivo con el explícito, el interior con el exterior, desde la literalidad de la acción tanto como desde su abstracción. Una película tan visualmente imponente como conceptualmente madura, que a pesar de romper con todo tipo de etiqueta, de dejar toda posible explicación abierta, sorprende por su accesibilidad, por resultar en definitiva, vertiginosamente entretenida muy a pesar de su compleja profundidad argumental. En "Mimosas" hay acción, suspense, e incluso sorprendentes persecuciones. Todo ello envuelto de un paisaje espectacular, de un trabajo de fotografía monumental. Dicho de otra forma, lo tiene todo para no volverse de manos vacías a su paso por esta nueva edición de la Semana de la Crítica.


16. L'ECONOMIE DU COUPLE

Quincena de Realizadores

Un estudio preciso, prácticamente quirúrgico, que de forma rigurosa profundiza en un huis closconyugal y familiar. Y lo hace partiendo de una situación que podría parecer forzada en otro tiempo, aunque no a día de hoy: hablamos de una pareja que tras 15 juntos y con dos gemelas pequeñas en común, afronta un inevitable proceso de separación debido al agotamiento y desgaste. Una relación en fase terminal que sin embargo, no puede afrontar con naturalidad su final, más que nada porque no tienen los medios económicos necesarios (él está en paro, ella es quien cubre todos los gastos) para llevarla a cabo. Es decir, si medio siglo atrás eran muchas las parejas que por falta de dinero seguían viviendo en casa de sus padres tras casarse, a día de hoy lo que sucede es que cuando afrontan su final, muchas no pueden separarse, viéndose obligados a compartir techo pese a no ser capaces de ello.

Una crisis íntima de resonancias sociales que Joachim Lafosse expone con absoluto acierto. Partiendo de un título que habla por si solo, "L'Economie du Copule" incide en la organización que una pareja debe afrontar a la hora de construir su separación. Desde el apartado financiero, pero también logístico. Un debate latente, que nunca parece llegar a cicatrizar, al que asistimos de primera mano sin salir en ningún momento de la casa familiar. Discusiones tan significativas como interminables para un drama doméstico y (anti)romántico que pese a su planteamiento eminentemente teatral, adquiere una dimensión cinematográfica brutal. Gran culpa de ello lo tiene el pulso que su director demuestra atesorar con la cámara, una vez más, a la hora de rodar interiores.


17. THE SALESMAN

Sección Oficial - Mejor Actor y Mejor Guión

La mejor descripción de personajes que se ha visto en mucho tiempo ha consagrado al iraníAsghar Farhadi como uno de los grandes autores de nuestros días, capaz de descubrir un nuevo Irán al espectador occidental y de describir un drama lleno de capas y tensión que plantea (y resuelve) cuestiones sobre la familia, la religión y la lucha de clases, con una maestría inaudita. Pues bien, "The Salesman" es una nueva prueba de ello. "The Salesman" se presenta como un retrato esencial y detallado de una reprimida Irán que abraza la denuncia social partiendo del conflicto íntimo que surge en una pareja cuando ella es agredida en su propio piso, al que recién se han mudado, por un desconocido. El miedo al 'que dirán', al 'que pensarán', al 'como nos afectará', es lo que les cohibe y reprime de hacerlo público y denunciarlo ante la policía. Más que nada por evitar el miedo a la humillación al que posiblemente se verían sometidos por una sociedad retrógrada y opresiva. Y claro, la herida lejos de cicatrizar, no hace más que supurar hasta llegar a las consecuencias más irreversibles e hirientes.

Una base conceptual sobre la que el director de "Nader y Simin" construye con su inconfundible sello un nuevo cuento moral. Y lo hace narrando de forma paralela la gestión y desarrollo del conflicto por parte de la pareja (el enfrentamiento que surge de entre ambos sobre las diferentes posturas que tienen de como lidiar con ella) así como la obra teatral que en ese mismo momento representan como actores de teatro que son: no por casualidad, "La muerte de un viajante". Un relato desdoblado con su necesaria moraleja final, que esta inteligentemente articulado, hermosamente escenificado y rigurosamente interpretado. Y es que la suya es una dramaturgia tan calculada como precisa que lleva a su director a volver a profundizar en varios de los temas en los que incurrió con sus mejores películas. Otra prueba más de la inabarcable capacidad artística que Farhadi atesora a la hora de desempolvar los elementos contradictorios de un país conservador en el que la represión social siempre esconde lo humanamente siniestro y doloroso.

Distribución en España: Golem


18. MA LOUTE

Sección Oficial

Con la desbordante y despampanante “Ma Loute” Bruno Dumont vuelve a profundizar en los recovecos más profundos y oscuros del alma humana sí, aunque en este caso lo hace desde el registro cómico más estrambótico y extremo, brindando un homenaje por todo lo alto al slapstick del cine mudo (con mención especial para el Gordo y el Flaco) y al más delirante humor absurdo. De hecho, sus dos abrumadoras secuencias iniciales funcionan como la perfecta síntesis del giro de 180º en el que Bruno Dumont confirma haberse embarcado desde “P’tit Quinquin”.

Por un lado, “Ma Loute” supone la confirmación de que su mirada apunta ahora hacia la tragicomedia más burlesca y descerebrada. Por el otro, el significativo cambio que imprime en su tratamiento a nivel formal. De la aspereza y crudeza con la que texturizaba sus imágenes pasamos a la elegante definición, tan pulcra y nitida como saturada, con la que 'pinta' su nueva película. De trabajar siempre con actores no profesionales ha emplear estrellas de renombre (algo que lleva haciendo desde "Camille Claudel 1915" para la que ya contó con Juliette Binoche). Y en medio de todo ello, la gran novedad nos la brinda el hecho que por vez primera hace acto de presencia la clase alta acomodada y por defecto, la lucha de clases. Y es que el suyo ha sido siempre un cine sin máscaras poblado por antihéroes, gente común, generalmente encarnados por rostros imperfectos, cuerpos extraños, lacerados o ligeramente malformados, seres incapaces de controlar su destino que, en algún momento, enfrentan situaciones que los rebasan a medida que la desolación, el desamparo y la impotencia se instala en sus vidas. Característica insondable de su cine que en este caso también se aplica en "Ma Loute". Porque a la vez que se nos presenta una pintoresca e incestuosa familia burguesa singularizada desde la estupidez extrema, también tenemos su correspondiente antagonista en forma de una familia pobre y bizarra que se dedica a la pesca de mejillones (entre otras cosas) a su vez que sigue un particularísimo régimen alimenticio gracias al que sobrevive. Una caricaturesca lucha de clases a la que acecha una serie de abruptas desapariciones, también una esquinada historia de amor iniciático o incluso inesperadas fugas metafísicas envueltas de un paisaje abrumador. Hablamos de una obra excesiva y surrealista en todos los sentidos, tanto es así que inevitablemente, puede provocar también agotamiento y extenuación en el espectador. Menuda es.


19. THE NEON DEMON

Sección Oficial

Curiosa la paradoja, "The Neon Demon" encuentra su coherencia formal y narrativa desde la extrema superficialidad y artificiosidad sobre la que levita. Y es que el visionado de la nueva película de Nicolas Winding-Refn no es fácil de digerir pese a la impactante impronta esteta que nos brinda. Hablamos de un subvertido cuento de hadas que tiene como meta destapar la decadencia, los miedos y miserias que rodean un despiadado mundo de la moda que se rige por la ley del perro come perro. Un universo cruel y deshumanizado que utiliza la belleza de los cuerpos como meros objetos para su propio regocijo y beneficio. Seres vivos convertidos en maniquíes sin vida que tan solo encuentran estímulo en la competitividad, la codicia, los celos y la envidia. Estímulos plasmados con una agresividad desmedida, con los excesos de un empleo de la violencia en la que incluso tienen cabida el canibalismo y la necrofilia. En definitiva, una futilidad extrema que no podría ser mejor retratada de otra manera. Cuestión de fidelidad, coherencia pero también de innovación, personalidad y riesgo formal. Principios por los que "The Neon Demon" presenta un esteticismo tan vacuo y aversivo como opaco y destilado. Un planteamiento engañosamente vulgar en sintonía con el vacío personal y existencial que atañe a sus protagonistas, con la banalidad extrema sobre la que se rige su alienado universo. Estamos ante las "Showgirls" de este nuevo milenio.


20. THE HAPPIEST DAY OF OLLI MAKI

Mejor Película - Un Certain Regard

"The Happiest Day of Olli Makki" nos lleva al verano de 1962 de la mano de un boxeador finés que aspira al título de campeón del mundo de peso pluma. Para ello no solo debe vencer a su oponente norteamericano, si no que tiene que lidiar además con el más profundo sentimiento del enamoramiento. La ópera prima de Juho Kuosmanen es una película entrañable y extremadamente cuidada que desde su distintivo tratamiento formal, haciendo empleo de un vintage blanco y negro que directamente evoca el empleo de los 16 mm, enfrenta la ternura del amor con el implacable mundo del boxeo profesional, así como el circo mediático que ello conlleva. Una suerte de "Toro Salvaje" escandinavo pasado por el tamiz de la comedia romántica más marciana en el que se entrecruzan los primigenios Aki Kaurismäki y Jim Jarmusch. Aquí no hay lugar a la épica, si a la expresión de sentimiento más noble y sincero: el amor pasional.


21. VICTORIA

Semana de la Crítica - Película Inaugural

Una actualización en clave francesa de las clásicas screwball comedies. Una comedia alegre, sincera y contemporánea sobre una joven madre soltera tratando de encontrar el equilibrio entre su carrera y su vida amorosa. Es como de buenas a primeras podríamos presentar la vital y enérgica “Victoria”. Una obra genuinamente carismática que ante todo, se conjuga y propulsa sobre dos nombres propios: el de Justine Triet tras la cámara y el de Virginie Efira ante ella. La explosiva directora francesa vuelva a brindarnos una desbordante inmersión sobre el mismo microcosmos que levitaba su reveladora ópera prima: una madre soltera, laboralmente hablando tan prolífica y exitosa, como lo es caótica y desmadrada en su vida íntima. Una mujer llena de vida que sin embargo, no sabe como llevarla. En este sentido, las similitudes entre “La Batalla de Solferino” y “Victoria” son tan evidentes como significativas: desde como Triet rueda y enmarca los interiores (siempre con muchos elementos presentes, el empleo de una paleta de colores en la que el azul y sobre todo, el rojo, vuelven a estar presentes) a la forma vibrante y desenfadada con la que construye la crisis existencial que acucia a su protagonista, pasando por el protagonismo que adquiere el personalísimo empleo que hace de su exquisita banda sonora. Pero no todo son similitudes, "Victoria" también presenta una diferencia remarcable respecto a su predecesora: mientras que con su ópera prima partía del contexto familiar para abrazar la reflexión social, en el caso de su segunda película profundiza en la intimidad de su protagonista obviando toda posible connotación colectiva (de una ‘batalla’ pasamos a un nombre propio tal y como ambos títulos elocuentemente nos advierten). Un discurso aparentemente no tan ambicioso aunque no por ello resulte menos virtuoso. Como las mejores screwball comedies encumbradas por el cine clásico americano, “Victoria” destaca por su ritmo endiablado, por unos diálogos tan inspirados como viperinos y en definitiva, por no ofrecer apenas respiro. Todo un deleite.


22. MA VIE DE COURGETTE

Quincena de Realizadores

"Ma vie de Courgette" nos cuenta la historia de un niño de 10 años, apodado Courgette (“calabacín”) y enviado a un orfanato tras la muerte de su madre. Una obra de animación más bien adulta dirigida por Claude Barras (quien debuta en el largo tras un amplio bagaje como cortometrajista de animación) y escrita, ahí es nada, por la directora de "Tomboy" y "Girlhood", Celine Sciamma. La película narra cómo Courgette trata de superar las dificultades integrándose en el nuevo entorno que supone un pequeño grupo de niños maltratados, como él, por la vida. Y lo hace con una reveladora capacidad para tocar la fibra tanto como para llevarnos a reflexionar. Una obra entrañable que destaca por su carisma, pero ante todo por la inteligencia y sensibilidad, por la comprensión y mano izquierda que Sciamma y Barras demuestran tener trabajando con niños, gestando así una comedia que se siente tan hilarante como tierna y definitivamente didáctica. Una mirada absolutamente constructiva que por encima de todo, provoca la carcajada continua destapando el inagotable tarro de las esencias del humor más constructivo sin atisbo de mala baba ni un ápice de cinismo. Dadlo por seguro, "Ma vie de Courgette" no solo se ganará la atención de los niños, sino que convertiría en invulnerables aquellos que más solos se sienten. Las ventajas de ser un marginado sí, y como la copa de un pino. Peliculón.


23. LOVING

Sección Oficial

No por casualidad, menos aún por oportunismo, es que Jeff Nichols ha decidido trasladarnos esta historia real en el momento actual que vivimos. Y es que tan solo hace un año, concretamente en junio de 2015, que la Corte Suprema legalizó al fin el matrimonio sexual en los Estados Unidos. Hasta este nuevo milenio, en pleno siglo XXI, hemos tenido que esperar para celebrar una decisión histórica, para celebrar en definitiva la victoria del amor. Hecho que seguro, el responsable de "Take Shelter" tuvo como principal motivación a la hora de concebir este proyecto. La actualización de la memoria histórica para entender el presente, para prevenir de los males que padece un país de forma latente. Un factor clave que, unido a que "Loving" supone un vehículo preciso con el que dotar de continuidad y coherencia a una obra que desde diferentes tratamientos genéricos (ya sea la ciencia ficción, el thriller o la aventura) se ha dedicado en cuerpo y alma a radiografiar el sur del país, damos con un melodrama de corte clásico y eminentemente académico, que lleva el ADN Oscar claramente implícito. Sin grandes alardes pero tampoco errores, estamos ante una mirada que desde la contención dramática se siente tan noble como sincer, que no necesita de subrayados ni tampoco de innecesarios efectismos para dejar huella en el espectador, para actualizarle esta necesaria reflexión. Una prueba más de la grandeza que atesora como director Jeff Nichols, del equilibrio perfecto que siempre ha mantenido entre la potencia y la capacidad de sugerencia, de la accesibilidad compaginada con la profundidad en su discurso. Ojalá llegue al Kodak Theatre Center. Los Oscar so white tienen en "Loving" una inmejorable ocasión para redimirse. Bien merecido lo tiene.


24. EXILE

Sección oficial - Fuera de Competición

Es la película de alcance más universal de Rithy Panh, también la más poética. En ella encontramos citas que van desde Baudelaire a Robespierre pasando por Mao Tse Tsung o Victor Hugo. Una meditación lírica y poética, de arrebatador poderío visual, sobre el exilo o más bien dicho, sobre la existencialidad del mismo. La sensación de abandono, el desarraigo tanto familiar como terrenal más cruel y doloroso, la deriva introspectiva o la depresión emocional, son las sensaciones que Rithy Panh atribuye a las consecuencias del acto revolucionario. Una acción supuestamente humana y social, en pos de lo democrático, que sin embargo, y al menos en el caso de los Jemeres Rojos, acaba por atentar contra todo resquicio de humanidad, contra toda posibilidad de respeto y comprensión hacia el prójimo. Un concepto ligado a la libertad que soterra una falsa pureza y que tiene la destrucción social como solución final. Al fin y al cabo, hablamos de los peligros de la condición humana, de la corrupción del alma merced de aquel pecado capital que supone la avaricia y que guarda en ella las ansias de poder. En este sentido, “Exile” no solo supone la obra más universal de Rithy Panh sino que también la más personal. Una obra expansiva y poderosa que se construye a través de un trabajo sublime de puesta en escena, empleando todo tipo de recursos visuales que le llevan a enfrentar los colores de hoy a las imágenes de ayer, cuya hipnótica cadencia acaba por sentirse tan arrebatadoramente hermosa como profundamente dolorosa.


25. TIMECODE

Con la original relación entre dos de los guardias de seguridad de un párking, Juanjo Giménez se ha convertido en el primer español en ganar la Palma de Oro de Cortometrajes. A celebrarlo.


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