Lo Mejor de la Berlinale 2017

Autor: Joan Sala Fuente: Filmin

Lo Mejor de la Berlinale 2017

"Durante diez días hemos intentado mostrar cómo es el mundo; cómo es su poesía". Son las palabras con las que Dieter Kosslick, emblemático director del Festival de Berlín, ha puesto punto y final a esta 67 edición del certamen germano. El espectro que actualmente atenaza Europa como obvio colapso de las grandes utopías y la desmitificación del mundo globalizado, así como del capitalismo, son algunos de los principales ejes sobre los que ha levitado una Berlinale que ante todo la recordaremos por un verano, el de 1993, al que nos ha llevado el sublime debut de la catalana Carla Simón. Toca celebrarlo.

LAS 5 MEJORES PELÍCULAS DEL FESTIVAL

1. THE LOST CITY OF Z

Special Gala

En pocas palabras:

El espíritu de Herzog y la quimérica ambición de Cimino pasado todo por el tamiz clásico de Gray.

En unas cuantas:

Es como si "The Lost City of Z" se envolviera a su estoico protagonista del irreductible espíritu aventurero de Werner Herzog (aquí hay guiños para "Fitzcarraldo" y también para el General Kurtz de "Apocalypse Now"), la quimérica ambición de Michael Cimino (a camino entre el mundo civilizado y el salvaje, aquí hay claros ecos de "La Puerta del Cielo", sobre todo en su principio) y lo pasara por el tamiz de las películas clásicas de aventuras (desde "Las minas del Rey Salmón" a "La Selva Esmeralda" pasando incluso por "Indiana Jones"). Una obra absolutamente apasionante que respira clasicismo por todos sus poros, tan ambiciosamente concebida como hermosamente plasmada y emocionantemente relatada, que tal y como diría el propio Herzog, está dedicada "a aquellos que son peregrinos, aquellos que pueden contarle una historia a un niño de cuatro años y captar totalmente su atención, aquellos que tienen un fuego en su interior, aquellos que tienen un sueño y no dejan de luchar por ello”. Nunca mejor dicho.



2. THE OTHER SIDE OF HOPE

Mejor Director Sección Oficial

En pocas palabras:


Una cómica fábula social de la que el mismísimo Chaplin orgulloso estaría.

En unas cuantas:

Aki Kaurismäki vuelve tras cinco años de ausencia con "The Other Side of Hope", segunda entrega de la trilogía sobre ciudades portuarias cuyo certero objetivo apunta en este caso a una Finlandia idealizada que está, ante todo, burocráticamente deshumanizada. Y lo hace a través de una cómica fábula social y anacrónica (no hay rastro de las nuevas tecnologías y si inspirados guiños a la analogía) incomparable a cualquier alegato contra la injusticia que estés acostumbrado a ver, una obra excepcional que vuelve a suponer, tal y como sucediera con "El Havre", otro de los films más abiertamente políticos del maestro finés. Y es que su tema central no es otro que la solidaridad de la clase obrera enfrentada al individualismo y la falta absoluta de empatía por la que se rige la clase más privilegiada hoy día. Y sí, que baje Chaplin y que lo vea, orgulloso estaría de esta delicia minimalista cuyo inconfundible sentido del humor resulta tan inexpresivo como ante todo agudo e inspirado (la alienación de la identidad y la cultura de un país a merced del interés capitalista hilarantemente reflejado en el negocio que supone el sushi hoy día protagoniza otro de sus múltiples momentazos). Irreverente pero también idealista, fría y austera pero sobre todo artísticamente soberbia y rica en significados. Aki, cuéntame el cuento.



3. CALL ME BY YOUR NAME

Panorama

En pocas palabras:


Una obra maestra a camino entre Ira Sachs y Andrew Haigh.

En unas cuantas:

Lo nuevo del director de "Cegados por el sol" se articula sobre un guión de James Ivory que adapta la novela homónima de André Aciman, que da cuenta de la atracción repentina y estremecedora entre dos chicos. Considerada una de las mejores novelas LGBT de los últimos años, "Call me by your name" relata una historia que transcurre a lo largo de un verano en la Riviera Ligure (a orillas del mar en el noroeste de Italia) hace veinte años. Armie Hammer y Timothée Chalamet como dos jóvenes tortolitos (aunque uno bastante más que el otro) que hablan de cine, libros, hacen larguísimos paseos y nadan juntos. El suyo, un deseo inesperado, vivido hasta el fondo, que va del éxtasis al sufrimiento. A camino entre Ira Sachs y Andrew Haigh, Luca Guadagnino nos regala una auténtica obra maestra que ante todo nos habla del descubrimiento del primer amor desde una universalidad, una intelectualidad y una inteligencia emocional, simple y llanamente descomunal. Una captura del sentimiento del amor que trasciende el hecho de que su contexto sea gay, o no. Ante todo, sentimiento libre y puro amor.



4. VERANO 1993

Mejor Ópera Prima y Gran Premio del Jurado Generation

En pocas palabras:

Uno de los principales fenómenos de esta Berlinale, la prueba definitiva de que los Goya empiezan hoy.

En unas cuantas:

No hay duda alguna, estamos ante una protagonista segura en la próxima gala de los Premios Gaudí así como la primera seria candidata a tomar el relevo de Raul Arévalo al Mejor Director Revelación en los Premios Goya.La ópera prima de Carla Simón es el reflejo de su propia infancia, una historia mínima presentada desde una descomunal ambición narrativa, que principalmente destaca por un guión cuya construcción se siente tremendamente sutil y compleja y que dosifica de forma tan estimulante como precisa la información que brinda al espectador, desembocando así en una experiencia de visionado inesperadamente interactiva. Es decir, el principal conflicto que su trama esconde o incluso quienes son cada uno de sus personajes, son revelaciones que, más allá de los parámetros a los que se reduce el cine de los tres actos, emergen a medida que avanza su metraje. Virtudes al alcance de una cineasta sorprendentemente madura que no contenta con ello, nos brinda una sublime y detallada puesta en escena que viene a recordarnos que en efecto, los años 90 son ya los nuevos 80. "D'Artacán y los Mosqueperros", Cobi o el Minimilk dan buena fe de ello. Que tiempos aquellos.



5. NO INTENSO AGORA

Panorama Documental

En pocas palabras:


El mejor documental disfrutado en toda la Berlinale. Obra magna.

En unas cuantas:

En 1966, durante una gira cultural de China, la madre del director João Moreira Salles capturó mediante su propia cámara de vídeo sus impresiones del país y de su gente. Cuarenta años más tarde, su hijo descubre este material y decide ensamblarlo comentando las imágenes tomadas por su entusiasta madre a su vez que cita las impresiones del autor italiano Alberto Moravia, que también viajó por China y pudo observar de cerca las políticas maoístas. El viaje de su madre durante el primer año de la Revolución Cultural también es un punto de partida para la exploración de otras sociedades en medio de la agitación que supone embarcarse en un proceso de revolución. Utilizando imágenes de archivo cuidadosamente tratadas y seleccionadas, "No Intenso Agora"analiza el golpe brasileño de 1964 y el final de la Primavera de Praga en agosto de 1968. También regresa repetidamente a los disturbios parisinos de mayo del 68 que encontraron una estrella revolucionaria y mediadora en la forma de Daniel Cohn-Bendit. Hablamos de una exploración ensayística así como de alcance universal y al mismo tiempo, tremendamente personal, sobra las revoluciones que tuvieron lugar en Praga, Francia y Brasil  y lo que es más importante aún, su consecuente fracaso. Es decir, una obra mayor que conlleva una poética reflexión sobre el quebrado concepto de la revolución. Mediante la yuxtaposición de imágenes de aficionados y material de archivo, "No Intenso Agora" logra establecer conexiones entre las fuentes íntimas de estas imágenes y sus contextos políticos de forma cinética y políticamente hablando, cautivadora. Documento maestro.




NUESTRAS 10 FAVORITAS DE SECCIÓN OFICIAL

1. ON THE BEACH AT NIGHT ALONE

Mejor Actriz Sección Oficial

En pocas palabras:


El actual momento de vida sentimental de Hong Sang-soo, así como el de su actual pareja, Kim Min-hee. Y es también, el Hong más melancólico.

En unas cuantas:

Así, de buenas a primeras, bien podríamos presentar "On the Beach at Night Alone" como una de las películas aparentemente más lineales y narrativamente más rígidamente estructuradas de Hong Sang-soo, pero también como la película que con mayor inmediatez retrata el momento que el director coreano ha experimentado recientemente en lo que a su vida sentimental se refiere. Es decir, una de sus propuestas más urgentemente personales (con todo lo que ello conlleva si nos atenemos al inconfundible sello que lleva impreso una personalísima obra que levita siempre sobre su propia figura). Y es que estamos ante el retrato más autobiográficamente inmediato de la vida íntima de Hong, aquel que le ha llevado a estar sentimentalmente unido a su actriz protagonista Kim Min-hee en la vida real a día de hoy. Múltiples son las virtudes que podríamos ennumerar sobre "On the Beach at Night Alone" sin embargo, todas ellas quedan supeditadas a la principal, aquella por la que su nueva película principalmente destaca: y ese no es otro que el triunfal empleo de un recurso, de una suerte de Deus Ex Machina que en manos de cualquier otro realizador quedaría en vulgar y burdo. Y ahí lo dejo. Nuevamente genio.



2. ON BODY AND SOUL

Oso de Oro Mejor Película y Premio FIPRESCI

En pocas palabras:


Un extraño, marciano, pero ante todo, entrañable melodrama romántico entre dos personas retraídas, oprimidas, que tienen en su inhibida languidez la coraza que les protege ante el sádico y deshumanizado mundo laboral que habitan, que no es otro que un matadero.

En unas cuantas:

Un matadero en Budapest es lugar elegido para germinar la extrañamente hermosa historia de amor que nos relata la nueva película de la directora húngara Ildikó Enyedi. Siguiendo la línea en cuanto estilo, tono y sobre todo, inclasificable sentido del humor con el que la Berlinale acostumbra a sorprendernos en su selección del cine que nos llega de Europa del Este (fue el caso de "Body" dos años atrás, también el de "United States of Love" el pasado año), "On Body and Soul" significa además, el retorno por la puerta grande de la ganadora de la Cámara de Oro en Cannes en 1989 tras llevar prácticamente dos décadas sin rodar un largometraje. Él, director financiero, ella, técnica de calidad. Más allá de personalidades eminentemente similares, ambos conectan desde el mundo de los sueños, el en forma de ciervo, ella de cierva. Se ven cada noche en pleno bosque, envueltos de nieve, se cruzan miradas, comparten espacio, pero por algo será, nunca culminan el apareamiento. La opresión que imprime en su cuerpo y alma la sociedad en la que viven (de ahí el titulo), la frialdad con la que desarrollan las relaciones humanas y, en definitiva, la carencia que demuestran tener para profesarse entre unos y otros amor y empatía (que no para sentirla), parece tener mucha culpa de ello. Probablemente sea con la intención de quebrar y erosionar esa suerte de muro (nunca mejor dicho) que imprime la frialdad y falta absoluta de sensibilidad y empatía que condicionan las relaciones humanas en la Hungría de hoy. Aguda denuncia que lejos de plasmarla desde el desgarrador drama como bien podríamos esperar ateniéndonos a su lánguido contexto, tiene en un soterrado y extrañado humor, en una embriagadora ternura, su principal motor.



3. COLO

Sección Oficial

En pocas palabras:

Es la desintegración de la familia europea y es también, una posible antesala a "Boy eating the bird's food". Avisados estamos.

En unas cuantas:

"Colo" es una perfecta fotografía de los daños ocultos que hay latentes en nuestro mundo occidental. Un desolador drama íntimo y familiar que es trasladable a gran parte de la clase obrera europea cuyos hogares y núcleos familiares son pulverizados por la crisis económica que actualmente asola nuestro lastrado continente. Hablamos de una película con una tensión ascendente que nunca llega a estallar, delicadamente planteada sobre el desgarrador tema que trata (aquí no hay golpes de efecto que valgan, aunque si un arrebatador poso existencial) y rebosante de todo tipo de tenues matices. La desesperanza y el desazón existencial sacude de forma latente esta propuesta tan radicalmente austera como extremadamente calculada (entre luces y sombras, Villaverde ilumina y conforma de forma prodigiosa no uno, si no muchos de los planos y encuadres por los que recordaremos esta Berlinale) en la que el realismo y la diáspora viajan de la mano a través de una trama que engancha desde su poderosa primera secuencia: dos jóvenes adolescentes deshacen un intenso abrazo en primer plano teniendo toda una Lisboa ocupando su profundidad de campo. Ellos son las principales víctimas de nuestro ya obsoleto sistema capitalista. Y es que "Colo" es ante todo un grito mudo, una llamada de emergencia que, sin embargo, presenta una pequeña puerta abierta a la esperanza: la mano que si pueden llegar a tender los más necesitados, tal y como reivindica Aki Kaurismäki en"The Other Side of Hope". Y ya van dos.



4. UNA MUJER FANTÁSTICA

Mejor Guión

En pocas palabras:

Un extraño, marciano, pero ante todo, entrañable melodrama romántico entre dos personas retraídas, oprimidas, que tienen en su inhibida languidez la coraza que les protege ante el sádico y deshumanizado mundo laboral que habitan, que no es otro que un matadero.

En unas cuantas:

Sebastian Lelio vuelve a embarcarnos en un rotundo y aplastante retrato femenino. La mujer fantástica en este caso tiene una identidad escurridiza, muy contemporánea y desafiante. En ella vemos el valiente reflejo de la transexualidad ante la transfobia que en el año 2017 (y sumando), sigue estando tristemente presente. Pero que nadie se equivoque, Marina no es una mujer que busca su lugar en el mundo porque ya lo tiene, tampoco alguien que lidia con problemas de identidad ni necesita constantemente defenderse y reivindicarse porque su vida, hasta el suceso traumático que la sacude, es feliz y satisfactoria. Un descenso a los infiernos en el que el concepto de lo que es supuestamente normal se torna en contundentemente perverso, lo ordinario, en lo lamentablemente extraordinario. Y es que la nueva película del director de "Gloria" acierta en su empeño por exprimir al máximo unos pocos elementos muy bien seleccionados, en vez de querer irse por las ramas; esto estriba en una de las representaciones cinematográficas de la problemática del cambio de sexo y sus variantes más fidedigna y comprometida posible. El aspecto que hoy día ya resulta retrógrado intentar adscribir aspectos de género y orientación a la naturaleza de la identidad sexual física es el gran núcleo sobre el que levita. Con todo ello, "Una Mujer Fantástica" es ante todo el valiente reflejo de una transexualidad que no te deja indiferente, ya sea por su temática como por su intenso y heterogéneo trabajo de dirección e interpretación. Mención aparte merece su exquisita banda sonora, que le da un aire de toque clásico y a momentos incluso fantástico. Lástima que la reaccionaria sociedad en la que aún vivimos todavía no lo facilite, pero ojalá llegue el día en que podamos disfrutar de películas protagonizadas por transexuales cuyo suceder de la acción no esté supeditado a su condición. Entonces si que será día de celebración. Y por todo lo alto.



5. HAVE A NICE DAY

Sección Oficial

En pocas palabras:


Un thriller de animación chino y de personajes cruzados, eminentemente coeniano, a camino entre el Guy Ritchie de “Snatch: cerdos y diamantes” y el Quentin Tarantino de “Pulp Fiction”.

En unas cuantas:

El chino Mao Zedong lleva el discurso por el que actualmente se rige el cine de Jia Zhang-Ke (es decir, el de la China occidentalizada) al terreno del entretenimiento y la animación. “Have a nice day” es una entretenida y simpática radiografía del desolador mapa de la China contemporánea que incurre en los demoledores cambios que está atravesando su sociedad, en el proceso de absoluta alienación y degradación que conlleva la eclosión del capitalismo y sobre todo, la supurante influencia que sobre ella ejerce la idealización de Occidente. Una denuncia cuyo vehículo no es otro que el de incurrir en las señas de identidad del thriller de entretenimiento norteamericano como mismamente podrían ser “Snatch: cerdos y diamantes” o “Pulp Fiction”. Con todo ello, la de Mao Zedong es una obra destinada a ganarse las simpatías del público general (y eso que es china, quien lo diría). Absoluta diversión, para una mirada tan gamberra como desatada, que transita un paisaje en ruinas provocado por una política de país decadente y corrupto y que no tiene parangón en sus constantes guiños a los iconos por los que se rige la vida en Occidente: desde Leo Messi a Donald Trump pasando por Steve Jobs, Bill Gates, El Padrino, A Todo Gas o incluso las Google Glasses. Y es que, como dice uno de sus propios personajes: “las nuevas tecnologías nos han llevado a vivir en un mundo mejor”. Ironía desde luego, le sobra. Fans.



6. WILD MOUSE

Sección Oficial

En pocas palabras:


"Un tipo serio" a la europea + "Uno tras Otro" + "La vida de nadie"

En unas cuantas:

Una suerte de hilarante fábula social rebosante de humor irónico y cargada del más agudo cinismo, que gira sobre un personaje quijotesco y aburguesado golpeado por un asolador colapso existencial, esquinado por una sociedad elitista que directamente coquetea con el más vesicante esnobismo. Un núcleo social pedante donde los haya en el que George se sentía como pez en el agua hasta que de un plumazo se derrumba el principal pilar que mantenía su aparentemente vida ejemplar: como no podía ser de otra forma, el trabajo. Bienvenidos a la Europa del siglo XXI. "Wild Mouse" es el tragicómico retrato de la frustración que atenaza la vida privada de la clase media austríaca (y en gran parte europea), así como las enrevesadas consecuencias a las que le aboca el declive al que ve abocada una vida íntima y social que pese al engañoso confort y bienestar del que parece disfrutar, demuestra estar pendiente de un filo hilo. El trabajo convertido en familia, la familia convertida en trabajo y la plena felicidad, como ese Santo Gríal con el que nunca llegamos a dar. En "Wilde Mouse" la opresión existencial da paso a la deshinibición social desde la abrupta confrontación, desde la gestación de situaciones brillantemente imprevisibles y absolutamente hilarantes y un tono incipientemente absurdo. Empezando desde la exploración psicológica del patetismo humano y penetrando en en definitiva en el corazón, en el sustento que nos da el amor. Un descabellado tour de force para una comedia singular, desatada y desternillante donde las haya. En efecto, un tipo no tan serio.



7. ANA MON AMOUR

Gran Premio Técnico por su Montaje

En pocas palabras:


Un amor bajo la influencia de Ashgar Farhadi y Derek Cianfrance

En unas cuantas:

Si en su anterior y magistral “Madre e Hijo” Călin Peter Netzer nos brindaba un ejercicio realista que exponía las grietas que supuraban una relación materno-filial con precisión de bisturí, “Ana Mon Amour” penetra con determinación en la relación sentimental que atañe a la vida de una joven pareja intelectual y moderna que tiene que hacer frente a la disfuncionalidad por la que se ven sacudidos merced al trauma psicológico que padece ella. Un trauma de cariz profundamente autodestructivo provocado en primera instancia por la ausencia de un padre biológico, tanto como por la presencia de un bizarro y siniestro padrastro (en “Ana Mon Amour” se sugiere todo aquello que no vemos). Un conflicto que bulle a través de un enfoque profundamente psicoanalítico e introspectivo, que se plasma sobre en un cine directo, tenso y sin ambages plasmado a través de una cronología narrativa abruptamente desestructurada, así como de un intenso y visceral ejercicio de cámara constantemente incrustado a sus personajes y cuyo asfixiante efecto sobre el espectador resulta estar muy en consonancia a la hiriente y opresiva relación que experimenta su pareja protagonista. Claro está que en este caso, la misión de Calin Peter Netzer no es tanto exhortar los fantasmas del convulso presente y pasado socio-político de su país como cabría esperar tratándose del nuevo cine rumano en el que se enmarca (aunque si apunta con certero objetivo contra los irreversibles males que puede llegar a padecer la vida íntima de sus habitantes por crecer en una sociedad conservadora, radicalmente patriarcal y católica) como para trasladarnos con demoledora intensidad un destructivo amor en el que se percibe tanto dolor como ternura, un (des)amor verdadero que conmueve tanto como incomoda. A corazón abierto.



8. THE PARTY

Sección Oficial

En pocas palabras:


"Los amigos de Peter" + "La Invitación"

En unas cuantas:

La película más aclamada y vitoreada del festival se volvió de manos vacías. Rodada en nítido blanco y negro, escenificada con un enfoque intrínsecamente teatral y plasmada a tiempo real sobre un portentoso ejercicio de cámara, la vuelta al ruedo de la directora de "Orlando" se presenta como una comedia con toques trágicos que comienza con un tono festivo y acaba en derramamiento de sangre. Una celebración que termina por despertar el apocalipsis existencial de todos y cada uno de los invitados a través de la ingente sucesión de una serie de revelaciones a cada cual más abrupta y delirante. Y es que en "The Party" todos tienen algo truculento que anunciar, todos quedan en evidencia, nadie se salva de la quema, porque la que habitan es ante todo una comedia políticamente incorrecta llevada hasta sus consecuencias más extremas. Un cóctel altamente inflamable que como no podía ser de otra forma, explota en un divertimento que es ante todo una viperina exhalación de humor negro, una concentración de cinismo que no da respiro. En tan solo 70 minutos Sally Potter nos da una lección de guión, dirección y trabajo de actores. Aquí hay tomate. Fenómeno.



9. JOAQUIM

Sección Oficial

En pocas palabras:


La película que cierra la saga “Libertadores”, una colección de 8 películas, a través de las cuales se da a conocer al público el pensamiento y obra de las figuras más relevantes de la lucha por la emancipación de América Latina, haciendo especial hincapié, no sólo en los hechos históricos, sino sobre todo en su faceta más humana y su ideología de carácter libertador.

En unas cuantas:

Si "Joaquim" es la película que completa la saga Libertadores no se debe exclusivamente a que Tiradentes haya luchado por la Independencia de su país. Su actividad revolucionaria iba encaminada más allá, hacia la liberación de la humanidad, representada en primer lugar, eso sí, por la de su nación. En este sentido, el corrompido estado político y social por el que actualmente atraviesa Brasil podría tener en "Joaquim" no solo su origen, sino también su fiel reflejo.La nueva película de Marcelo Gomes narra de forma ficticia, desde una propuesta formal a camino entre el western aventurero y el drama esclavista, no solo los anhelos revolucionarios de una nación sometida, si no más bien la desmitificación de la misma a merced del deseo de riqueza personal y en definitiva, el individualismo, que es contextualizado en este caso a través de la fiebre del oro. El idealismo corrompido, la ausencia de valores o la reivindicación de una base cultural demolida, son algunos de los principales agentes sobre los que, desde una esencia tan primitiva y cruda como retóricamente poética, "Joaquim" bascula. Y lo hace articulándose sobre un aplastante ejercicio de cámara para aglutinar en las grietas morales y existenciales de Tiradentes, el espíritu y alma de un país históricamente sometido a las garras del colonialismo. El idealismo del individuo corrompido por el más descarnado materialismo y subyugado por su amedrentada condición social. En otras palabras, la confrontación del pasado con un presente que proyecta con una urgente inmediatez los eventos históricos.



10. BRIGHT NIGHTS

Mejor Actor

En pocas palabras:


Padre e hijo para una sólida road movie que ante todo se centra en los pequeños gestos, que abre un espacio inmenso para que el espectador pueda penetrar en los sentimientos de ambos personajes sin sentirse inducido a ello.

En unas cuantas:

Al igual que sucediera en su anterior "Gold", Tomas Arslan vuelve a embarcarnos en un viaje intrínsecamente existencial, con la pequeña gran diferencia de que si entonces era a través del estoico trayecto por el desierto que recorre un grupo de inmigrantes con la esperanza de conseguir mejores condiciones de vida gracias a la fiebre del oro, en el caso de "Bright Nights" se reduce al espectro íntimo que abarca un padre y un hijo. A un trayecto físico pero sobre todo espiritual, destinado a reconstruir o mejor dicho, a recuperar, un pasado que jamás llegaron a vivir juntos. Un territorio desconocido para ambos en el que florece el resentimiento del menor debido a la negligente ausencia pasada de su progenitor, así como al tormento y arrepentimiento interior de un padre que hace tiempo que dejó de ejercer como tal. La interacción diaria a la que les lleva esta ruta por la esplendorosa naturaleza del norte de Noruega durante estos largos días de verano en los que debido al solsticio, el sol nunca deja de brillar, lleva a ambos a profundizar, agrietar, pero quizás también a regenerar (que la oscuridad jamás haga acto de presencia es una esperanzadora señal para ello) una interacción necesaria para que ambos alivien el dolor que de forma perenne fustiga su alma y corazón. Hablamos de una película aparentemente pequeña que sin embargo, la personalísima atmósfera de la que se envuelve resulta tremendamente compleja de generar, lo que lleva a la nueva película de Arslan a erigirse en una road-movie digna de transitar. Una secuencia de apabullante poderío metafórico así como una transición de memorable potencia sensorial (y las cuales no entraré a detallar porque son dignas de ser descubiertas y experimentadas por uno mismo) son las irrefutables pruebas del gran valor que atesora una mirada tan sensible y honesta como la que nos brinda "Bright Nights".




NUESTRAS FAVORITAS DE SECCIONES PARALELAS

1. I AM NOT YOUR NEGRO

1er Premio del público Panorama Documental


Con una consciencia cinéfila sorprendente y un trabajo de archivo apabullante, el nominado al Oscar Raoul Peck se ubica a camino entre la ficción y realidad para poner imágenes a las palabras inconclusas de James Baldwin e intercalarlas entre presente y pasado para demostrarnos así que la historia no es aquello que dejamos atrás, sino aquello que nos viene acompañando siempre. Como dice Angela Davis, "vivimos en una sociedad con una falta de memoria impuesta, una sociedad que depende de la amnesia pública". Los recientes abusos de Ferguson transcurren en la misma linea temporal que la revuelta por Rodney King o la marcha de Selma. Los asesinatos de Marthin Luther King Jr, Malcolm X o Medgar Evers proceden del mismo odio e irracionalidad que los que se han perpetuado en los últimos años y han dado pie a que el movimiento de Black Lives Matter sea más crucial que nunca. Eliminando la temporalidad, el concepto de la historia como algo encapsulado en el tiempo que conviene olvidar, "I am not your negro" la deconstruye y le dota de la fuerza y respeto que siempre deberíamos mostrarle. Todo ello aderezado con el mensaje que siempre ha defendido David Simon tanto en "The house I live in" como en "The Wire" y que antes que él ya defendieran Stockley Carmichael y el propio James Baldwin: "El racismo no es una cuestión de actitud, es una cuestión de poder". 



2. OCCIDENTAL

Forum


Un ejercicio de carácter tan fílmico como artístico pero ante todo, cínicamente social, en cuya transgresora alma late una metáfora teatral sobre una hastiada y alienada sociedad europea sacudida por los prejuicios racistas y la homofobia. Es parte del caos que a día de hoy habita un lustroso continente, el nuestro, carente de los valores mínimamente necesarios para afrontar el delirio comunitario en el que constantemente vivimos. Y es que no por casualidad, el hotel en el que emergen todos estos prejuicios germinados por la intolerancia a la que nos lleva la fobia social, da nombre al hotel donde se desata este gran 'lío'. Una base argumental aparentemente plúmbea y trascendental que sin embargo, Neil Beloufa abraza dese el más absoluto descaro artístico y el más inclasificable humor absurdo. Y lo hace demostrando tener claro que la estupidez humana es (cómicamente) insondable, así como con la esperanza de que su particular llamada a la revolución llegue al espectador. Diálogos propulsados por una entusiasmada e iluminada ironía, singulares arrebatos poéticos y una avalancha de gags hilarantes nos llevan a una muestra más de cine social realmente comprometido y sobre todo, a una reveladora demostración que la comedia más artística e irreverente también puede adherirse al cine más concienciado y comprometido. Quién lo diría. Las risas que uno se puede echar durante el visionado de "Occidental" son las que posteriormente nos llevan a debatir, reflexionar, celebrar y cuestionar la política, los valores y sueños de nuestro tiempo, los de este nuevo S XXI. Nuevas formas, nuevos caminos. Objetivo cumplido.



3. 1945

3er Premio del Público Panorama

Adaptada por Ferenc Török y Gábor T. Szántó a partir de la novela corta Homecoming (escrita por este último), retrocedemos en el tiempo al verano de 1945 en un remoto pueblo húngaro. Durante los preparativos de la boda, dos judíos ortodoxos llegan a la estación del pueblo con unas misteriosas cajas. Su llegada perturba el orden establecido, pues algunos temen tener que restituir los "bienes mal obtenidos", otros se inquietan por la posibilidad de que reaparezcan más supervivientes; a unos les vienen a la mente pensamientos criminales, a otros remordimientos. Un núcleo narrativo sobre el que el húngaro Ferenc Török gesta, sobre un blanco y negro visualmente arrebatador, una obra abrumadora que no podía tener más vigencia a día de hoy. "1945" emana una sensación de amenaza constante, y lo hace a través de una narrativa que se cuece a fuego lento y acaba por calar en lo más hondo de nuestra conciencia europea. Un ejercicio de memoria histórica que sirve para recordarnos el cargo de conciencia y el sentimiento de culpa a los que puede condenarnos nuestros interesados actos en tiempos de guerra. De la II Guerra Mundial a la actual Crisis de Refugiados. Una día en la vida de un remoto pueblo rural húngaro convertido en inmejorable espejo del fracaso de una sociedad entera, la europea. Ayer, y hoy. Tan lejos, tan cerca.



4. LOW TIDE

Forum


Un soldado israelí divorciado se pasea por Tel Aviv con una camiseta de I love NY y una metralleta en mano, ante la cual nadie se inmuta. Es el sugerente vehículo que el israelí Daniel Mann utiliza de forma tan esquinada como realmente inspirada para denunciar la omnipresente violencia instaurada en su sociedad por un país, el israelí, completamente alienado. Utilizando extractos de noticiarios en su banda sonora, tirando constantemente de imágenes de archivo emitidas por la TV o directamente desde el campo de batalla, asistimos al caos al que se ve abocada la vida privada de su protagonista. Y lo hace embarcándole en situaciones de lo más hilarantes que intencionadamente se adhieren al sentido del humor más absurdo e inexpresivo pero ante todo, cínico. Tiene lo suyo.



5. STRANGE BIRDS

Forum

De amores extraños que se salen de toda regla y que habitan un mundo contemporáneo arrebatadoramente anacrónico. En "Strange Birds" uno tiene la sensación de sobrevolar el París de hoy tanto como el del siglo pasado. Por un lado Mavie (a quien da vida Lolita Chammah, hija de Isabelle Huppert) una chica de pueblo de 27 años que se muda a París en busca de su lugar en el mundo. Por el otro, Georges, un erudito misántropo de 76 años que actúa como si no esperara mucho de la vida y que contrata a Mavie para trabajar en su arcaica librería. La segunda película de Elise Girard es el relato extravagante y absurdo sobre una insólita pareja embarcada en una relación platónica que no irrita ni satura saliéndose de la norma y que, en tan solo 70 minutos, es capaz de articular una comedia (no) romántica extrañamente encantadora. De esas que se ven con sonrisa permanente y embaucadora.



6. INVESTIGATING PARADISE

Premio Ecuménico del Jurado Panorama Documental


El nuevo documental de Merzak Allouche sigue a una joven periodista que realiza una investigación en Argelia por el paraíso que presentan los predicadores salafistas del Magreb y de Oriente Medio, por la necesidad de su propaganda extremista y por sus llamadas a la yihad a través de los vídeos que circulan por internet. El islamismo utilizado como un producto de consumo, como un mero pretexto para captar a las mentes más frustradas merced de una sociedad interesadamente oprimida y la radicalización de una religión que más allá de convertirles en meros siervos de Allah, subleva su existencia al interés personal, a 'la obra y gracia' de los jeques salafistas. A lo largo de las dos horas y media que dura "Investigating Paradise" asistimos a estamentos de incalculable valor revelador respecto a ese ansiado paraíso que vende el islmaismo, y lo hace abriendo un debate tan elemental como lamentablemente insólito: si todo aquel hombre que se deba a Allah en la tierra tendrá 72 houris (bellas damiselas) esperándoles en el paraíso, que es a lo que se atendrán sus mujeres cuando lleguen a él? Entre el humor y el esperpento, entre la crítica más incisiva y la revelación más inesperada, Merzak aloouche ensambla el testamento definitivo sobre el motor que hoy día vende un 'negocio' tan radical como el Islam.



7. BELINDA

Panorama Documental

Como si de un "Boyhood" a la europea se tratara, pasado eso sí, por el filtro de "Sonita" y "Toto y sus hermanas", "Belinda" constituye un trabajo firme y emotivo que comenzó hace unos años y que nos retrotrae de manera realista hasta la vida de la comunidad yeniche en Mulhouse (Alsacia) al transmitirnos las vicisitudes de Belinda, una joven de 23 años que debe enfrentarse a los problemas sociales que atenazan a las minorías nómadas de Europa: la pequeña delincuencia, la pobreza y la exclusión social. Una infancia marcada por la separación de su hermana, que acabó en otro instituto, hasta el ingreso en el mundo de los mayores con un papel preestablecido: quedarse en casa para asistir a sus hermanos y ser una buena esposa. Cámara al hombro, sin innecesarios ambages ni floritura alguna y con la crudeza que toca, la directora francesa Marie Dumora se detiene de forma directa en los gestos cotidianos de un crecimiento a camino entre la denuncia social más conmovedora y el homenaje personal más estoicamente humano.



8. FROM THE BALCONY

Panorama

Destacado su director por Variety entre los 10 europeos a seguir el pasado 2015, el noruego Ole Giæver competía en Panorama de la Berlinale tras su exitoso paso por el Festival de Toronto, donde resultó ser uno de los grandes (e inesperados) fenómenos del certamen gracias a la genuina "Out of Nature", una peculiar y desatada comedia sobre un comercial gris y aburrido que escapa a la montaña a la búsqueda y captura de un nuevo rumbo en su vida. Un debut absolutamente genuino que capaz de dibujarnos, con todo tipo de matices subjetivos, el homo sapiens al crudo y natural, la crisis existencial de la masculinidad (supuestamente) adulta y madura como tal. Como si el Kevin Spacey de "American Beauty" se perdiera en la montaña con la mala baba de “Blind”, vamos. Razón de peso para esperar con las máximas expectativas sus segundo film, "From the Balcony", un viaje cinemático que abraza por completo esa cosa llamada vida y que cuenta con imágenes domésticas de la propia familia del director a lo largo de un año. Ficción, documental o incluso animación se dan de bruces para reflejar los misterios del universo y para celebrar la curiosidad humana sobre el mundo que nos rodea en este lustroso continente nuestro que es Europa. Y lo hace partiendo de lo ínfimo, pero abrazando lo inmenso. Bon voyage.



9. EL MAR NOS MIRA DE LEJOS

Forum


Supone el debut en el largo del co-guionista y montador de fenómenos como "Dead Slow Ahead", "Slimane" o "Arraianos". Co-producida con Holanda, "El mar nos mira de lejos" lleva al espectador a un lugar recóndito en el sur del país mediterráneo, en el que unos pocos hombres viven en cabañas para refugiarse de sus problemas y del zumbido de los tiempos. Precisamente allá donde cien años atrás, un arqueólogo alemán estuvo excavando este territorio, convencido de que hallaría los restos de la antigua ciudad perdida de Tartessos. Leyenda ancestra que Manuel Muñoz Rivas (desde la dirección) y Mauro Herce (desde la fotografía) nos relatan con fascinante poderío atmosférico, a camino entre el retrato más etnográficamente hablando, íntimo, y la mitología más universal, un retrato de incalculable valor cinemático que logra que el simple golpeo de viento en unas dunas se cuele entre las imágenes más memorables pro las que recordaremos esta Berlinale. En esencia, bien podría tratarse de aquella civilización perdida en cuya búsqueda se embarca James Gray. Quien lo diría.



10. HOSTAGES

Panorama


Es el "Nocturama" de la era soviética. Un thriller implacable tanto como una crítica social bien enarbolada que presenta un empaque, cinematográficamente hablando, inconmensurable. Basada en hechos reales, la película nos lleva a Tiflis en 1983, donde una veintena de jóvenes pertenecientes a la élite (artistas aspirantes, actores y médicos) sueñan con escapar de su opresiva vida en la Unión Soviética. Sienten que pertenecen al libre mundo de las posibilidades de Occidente, simbolizado por el tabaco Camel y por los discos de los Beatles, e incluso por el derecho a practicar una religión. Y claro, al grupo no se le ocurre otra cosa que secuestrar un vuelo comercial que se dirige al resort Batumi del Mar Negro y forzar al piloto a sobrevolar la frontera de Turquía, el país más cercano que no se encuentra bajo el control directo del régimen soviético. El cuarto largometraje del director georgiano Rezo Gigineishvili es una película de acción rebosante de suspense, también una elegante muestra de cine político en cuyo corazón late un discurso de incalculable valor social. Sin duda, una de las porducciones más contundentes y espectaculares del actual cine europeo.



11. GOD'S OWN COUNTRY

Panorama

Yorkshire constituye el marco en que transcurre este drama romántico protagonizado por un ovejero joven y aislado que ahoga sus frustraciones diarias en alcohol y sexo casual hasta que un día aparece un inmigrante rumano empleado para la temporada de parición de ovejas, lo que da lugar a una relación intensa que lleva al joven a emprender un nuevo camino. Desde Sundance nos llegaba bajo la vitola de ser "una película sexy, reflexiva y esperanzadora, que presenta un subtexto pro-inmigración y pro-tolerancia sexual que no podría ser más oportuno". Nunca mejor dicho. Poderosamente rodada, maravillosamente interpretada, justo reconocimiento fue el de Premio a Mejor Director en Sundance. Una película de una fisicidad mayúscula, tan terrenal y enraizada al paisaje rural que transita como a la taimada espiritualidad que poco a poco va emergiendo de su visceral y oprimido personaje principal De principio a fin, engancha.



12. GOLDEN EXITS

Forum


"Golden Exits" indaga en tres parejas brooklynitas entradas en los 40 y como emerge su soterrada infelicidad desde el momento en que la joven Naomi pasa a formar parte de su día a día. Una fábula urbanita, concretamente neoyorkina, que como irónicamente nos sugiere su título una vez vista la película, ahonda en la quimérica búsqueda de vías de escape ante la crisis de los 40 que sacude a la vida en pareja no solo de la clase acomodada, sino más bien 'cultureta' y supuestamente artística. La pérdida del deseo como gran estigma de la apatía a la que su vida diaria se ve sumida. La recuperación del mismo, como ese inalcanzable anhelo. Alex Ross Perry, director de "Listen Up Philip" y "Queen of Earth", es una nueva luminaria del cine independiente made in USA que sigue la estila de los Wes Anderson y Noah Baumbach. Su nueva y genial película, que una vez más, vuelve a encumbrar el empleo del primer plano y los 16 mm, es la prueba definitiva.



13. THE TRIAL: THE STATE OF RUSIA VS. OLEG SENTSOV

Special Gala


"Espero poder aumentar la presión sobre las autoridades rusas", aunque será complicado, porque éstas "se burlan de la presión". Son las palabras del ruso Askold Kurov ofrece una dura visión del juicio "kafkiano" que vivió el cineasta ucraniano Oleg Sentsov, condenado en Rusia por "terrorismo". Co-autor en 2014 de "Children 404", un documental sobre la juventud LGBT (colectivo de lesbianas, gais, bisexuales y transgénero) en Rusia, Kurov se ha centrado esta vez en el juicio, muy contestado, al director ucraniano y militante proeuropeo Oleg Sentsov, de 40 años, condenado en agosto de 2015 en Rostov del Don (suroeste de Rusia) a 20 años de cárcel por "terrorismo". Un relato sobrecogedor que pone ene videncia los mecanismos de jsuticia por los que actualmente se rige el gobierno de Putin. Hoy más que nunca, humanamente necesario.



14. MENASHE

Forum

El relato íntimo de un judío ultra-ortodoxo viudo que corre el peligro de perder a su hijo debido a la estricta tradición de su religión es el inesperado tema central de uno de los principales hypes del reciente Festival de Sundance y con derecho propio, también de esta Berlinale. Rodada en hebreo, "Menashe" es un drama padre-hijo que encuentra una capacidad de emocionar universal partiendo de lugares nada comunes. Una maravilla indie que emana la más arrebatadora ternura desde la honesta disfuncionalidad de un padre sometido a la rigidez de la sociedad y religión a la que se debe. Deliciosa miniatura.



15. MY ENTIRE HIGH SCHOOL SINKING INTO THE SEA

Generation


El infierno que para muchos puede resultar la escuela secundaria es retratada de la forma más inventiva, delirante, bizarra y descarada posible de la mano reputado novelista gráfico Dash Shaw. Partiendo de las voces Jason Schwartzman, Lena Dunham, Maya Rudolph, Susan Sarandon and Reggie Watts "My entire High School sinking into the sea" es una de las auténticas joyas de la animación reciente, cuyo viperino discurso y recursos estrobsocópicos no dejarán a nadie indiferente.


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