Lo Mejor de la Berlinale 2016

Autor: Joan Sala Fuente: Filmin

Lo Mejor de la Berlinale 2016

Cerramos nuestra cobertura a la Berlinale 2016 con nuestra particular recopilación de los mejores títulos que hemos podido disfrutar a lo largo de todas las diferentes secciones que han compuesto esta 66 edición. Desde la reivindicación de un incomprendido pastiche de géneros iraní como mejor película de Sección Oficial, hasta el esperado Oso de Oro de "Fuocoammare", pasando por joyas de Forum (como es el caso de Wang Bing o Eugéne Green), descubrimientos de Panorama (encabezados por "The Wounded Angel" y un buen puñado de títulos provinientes de Sundance) o por supuesto, los Lav Díaz, Terence Davies, Jeff Nichols, Spike Lee o Mia Hansen-Løve. A ellos.

1. A Dragon Arrives! - Sección Oficial

Un inclasificable pastiche de géneros en el que tiene cabida el cine policíaco, la comedia absurda, el falso documental, el cine dentro del cine o por supuesto, el drama social. "A Dragon Arrives!" es una historia de intriga detectivesca sutilmente grotesca que, ante todo, nos habla de la imposibilidad de descubrir la certeza y, por supuesto, de la belleza que emerge durante esta fracasada búsqueda. El empleo de múltiples narradores, de ambiguos flashbacks, fantasiosas dramatizaciones de eventos pasados o el uso de documentos perdidos son las tenebrosas herramientas que el director Mani Haghighi emplea para esconder la realidad y propulsar su experimental narrativa hacia la ruptura absoluta de la evidencia. Y lo hace partiendo de un relato de tintes sobrenaturales, que admite todo tipo de saltos temporales y se ve sacudida por giros tan abruptos como sorprendentes. Genuinos y eclécticos mimbres que hacen de "A Dragon Arrives!" un kamikaze audiovisual tan contundente como sublime a nivel formal, así como misteriosamente expansivo y absolutamente magnético a nivel argumental. De esas obras insólitas que normalmente brillan por su ausencia en el circuito festivales (y no digamos ya comercial). Un tesoro extrañamente hermoso que visto lo visto, bien merecía el Oso de Oro.


2. A Lullaby to the Sorrowful Mystery - Sección Oficial Premio Alfred Bauer

Con sus 8 horas de duración, la monumental "A Lullaby to the Sorrowful Mystery" se adentra en la guerra de Independencia que enfrentó a los colonizados filipinos frente a los colonizadores españoles a finales del Siglo XIX. Un funesto momento histórico, de capital importancia para el pueblo filipino que, en manos de Lav Díaz, eleva el cine a una nueva dimensión, convirtiendo el medio en una inaudita crónica de la más profunda lucha existencial (no solo territorial) a través de una fascinante meditación antropológica de incalculable valor humano. Plasmando un exquisito empleo del blanco y negro, apoyada en un embriagador trabajo de sonido sensorialmente hablando, superlativo y, una cadencia en el desarrollo del relato de carácter abrumadoramente hipnótico, la nueva película de Lav Díaz se sitúa en las antípodas del didactismo exacerbado así como de la simple denuncia social o el manido revisionismo histórico para embarcarse (y embarcarnos con él) en una colosal odisea cinética, insondablemente filosófica y psicológica, que ante todo profundiza en el espíritu y alma de un país destruido, así como en la semilla de la que debe brotar su necesaria regeneración, su esperanzador nuevo germen. Y esa semilla no es otra que la reconstrucción de la memoria perdida (no por casualidad, todos los personajes principales de la película deambulan perdidos y a la deriva). Un celestial destino final al que "A Lullaby to the Sorrowful Myustery" llega exorcizando los estigmas que principalmente han sacudido su propio pueblo, aquellos que han provocado su ruina y destrucción partiendo desde dentro, mucho más que señalando meros culpables entre los colonizadores.

El idealismo corrompido, la ausencia de valores (personales tanto como sociales) o la reivindicación de una base cultural demolida, son algunos de los principales agentes sobre los que, de forma tan poéticamente arrebatadora como discursivamente reveladora, la mercurial "A Lullaby to the Sorrowful Mystery" constela. Un viaje espiritual a lo más profundo del alma y corazón de Filipinas que, pese a no articular sorprendentes giros ni grandes acciones destacables, pese a dudar de ella durante prácticamente seis horas y media de metraje en los que de forma radical se suspende, en su definitivo tercer acto acaba por resultar inabarcablemente elegíaca. Y este es precisamente el momento en que nos damos cuenta que hemos recorrido el camino obligado y más coherente posible que una meditación tan humanamente sublime exige, aquel que está al alcance de unos pocos elegidos. Sin aparentes picos de grandeza finalmente uno se da cuenta que en si misma, "A Lullaby to the Sorrowful Mystery" es en su totalidad épicamente grandiosa. Una obra portentosa que va más allá del cine.


3. Le Fils de Joseph - Forum

No es solo que nunca falle si no que, como era de esperar, Eugéne Green nos ha brindado una de las propuestas más singulares y brillantes de todo el festival. Tal y como él mismo nos lo explicaba en su previa estamos ante "una historia muy actual, la de un niño que no conoce a su padre, pero he establecido un paralelismo con ciertos episodios de la Biblia de forma, por otra parte, muy intuitiva. Hay una dimensión mitológica, pero también es casi un film noir. Pero no lo será de manera clásica, claro que no". Tal cual, el director francés afincado en Estados Unidos sigue con su particularísimo sello autoral, incidiendo en este caso en una ocurrente reflexión sobre la paternidad que implica una relectura de varias historias bíblicas, que juega con los instrumentos de las comedias románticas e incluso los screwballs y que destaca ante todo por la imprevisibilidad del desarrollo de la acción y por supuesto, por esa inexpresividad, esa no interpretación por la que siempre se ha distinguido el trabajo actoral en el cine, único en su especie, de Eugéne Green.


4. L'Avenir - Sección Oficial Mejor Directora

Mia Hansen-Løve alcanza su plenitud artística confirmándose como esa realizadora única a la hora de capturar nuestra existencia a través de la presencia. Para que nos entendamos, hablamos de dar forma al significado de la vida. Cada vez más cercana al cine de su mentor (y pareja en la vida real), Olivier Assayas, "L'Avenir" evoca el espíritu revolucionario y filosófico de "Después de Mayo", también el aura y esencia melancólica de "Las Horas del Verano". Una película de discurso ejemplarmente maduro que bien podríamos señalar como la otra cara de la moneda de "Villa Amaila". Si a las órdenes de Jacquot, Isabelle Huppert se veía acuciada por el rencor y despecho debido al conflictivo abandono por el que se veía sacudida su vida, bajo el mando de Mia Hansen-Løve sin embargo, lo padece desde la aparente indiferencia traumática, evitando todo atisbo de condescendencia, pese a incurrir de lleno en la vertiente existencialmente dramática. Con todo ello, "L'Avenir" nos enseña formas diferentes de afrontar un momento crítico de vida bajo el prisma de un personaje que vive en el presente, que no puede mirar hacia atrás, tampoco para delante, que debido a un hecho traumático (como lo es que te deje tu pareja tras 25 años juntos) se da la paradoja que le abre la puerta para escapar del destino predeterminado al que estaba abocado su vida. Y vuelta a empezar. Una situación tan inevitablemente dolorosa como personalmente constructiva que deja el relato abierto a una libre interpretación, evitando juzgar a los personajes por sus acciones (aquí no hay verdugos ni víctimas), logrando un equilibrio perfecto entre el apoyo intelectual del que se nutre su protagonista y la neutralización de una pedantería al que la inquietud cultural, política y filosófica como elemento de refugio podría conllevar, enseñándonos que el conocimiento bien puede resultar un apoyo, pero jamás una absoluta salvación. Y por supuesto, confrontando la vida urbana con la suspensión en la naturaleza para plasmar de forma inconfundible el paso del tiempo, tal y como Hansen-Løve hace en sus anteriores y geniales películas. Aquí va una más. C'est la vie.


5. Little Men- Generation/Panorama

"Little Men" es una pequeña gran obra de orfebrería, tanto a nivel conceptual y estético como sobre todo, humano y psicológico. Haciendo nuevamente gala de una sensibilidad tan descomunalmente tierna como absolutamente aguda y reveladora, Ira Sachs sigue con su personalísima mirada, adentrándose y reflexionando sobre su propia experiencia de vida. Si en las anteriores dos entregas de su trilogía neoyorquina nos hablaba de lo aprendido de sus propias vivencias en lo que a las relaciones sentimentales se refiere, con la tercera nos lleva directamente a un momento clave de la vida adulta, en este caso en el que se encuentra la suya: la etapa parental. Un aparente giro de 360º que sin embargo, realmente no lo es tanto. Porque "Little Men" nos habla de niños, sí, pero ante todo de adultos, de la importancia que adquieren las amistades en el crecimiento personal, tanto como de lo complejas que resultan las relaciones adultas y la comunicación entre padres y niños cuando afectan directamente al círculo familiar y en particular, a los hijos. Un punto de partida tan complejo y delicado que Ira Sachs lo trata con extrema inteligencia emocional, articulando una historia iniciática, tanto como un estudio observacional, que se siente tan sutil y delicado como enérgico y carismático. Conversaciones impagables, transiciones emocionantes apoyadas por una banda sonora conmovedora, un humor tan hilarante como ingenioso y un discurso constructivo y veraz a todos los niveles, hacen que "Little Men" se cuele, sin duda, entre lo mejor visto en el festival. Deliciosa.


6. The Lovers and the Despot - Panorama Documentales

La historia real de como el director surcorenao Shin Sang-ok y la actriz Choi Eun-hee fueron secuestrados en los años 70 por el dictador obsesionado con el cine Kim Jong-il, viéndose obligados a producir películas en situaciones extraordinarias al servicio de Corea del Norte estará, sin duda, entre los mejores documentales de este 2016 y por descontado, bien merecería su debido lugar entre los finalistas a ser galardonados con el Oscar a Mejor Documental del próximo año. "The Lovers and the Despot" cumple con creces con todos los requisitos para ser un documento de repercusión mundial. Es decir, cuenta con una historia de absoluto interés a todos sus niveles (es thriller, es romance, es melodrama y por supuesto, denuncia social), posee una profunda conexión política con la actualidad (el enfrentamiento vigente entre Corea del Sur y Corea del Norte es su base argumental), su increíble trama pivota sobre personajes que rebosan carisma y popularidad (sea para bien o para mal), ofrece un empleo soberbio del material de archivo que se envuelve de un contundente dispositivo formal (que encumbra el empleo del found footage), se propulsa por un ritmo tan penetrante como endiablado y por si fuera poco, significa un diamante en bruto enfocado al disfrute de todo cinéfilo apasionado.


7. Indignation - Panorama

No es otro que James Schamus, el ex-CEO de Focus Features, productor responsable de iconos del cine independiente norteamericano como es el caso de "Brockeback Mountain", "Olvídate de mí" o "Lost in Translation", quien ha hecho suyo el reto de debutar tras la cámara con "Indignation", una exquisita adaptación de la famosa novela de Philip Roth, a quien rara vez le hizo justicia la pantalla grande hasta día de hoy. Protagonizada con pasmosa solvencia y abrumadora sutilidad por Logan Lerman ("Corazones de acero") y una Sarah Gadon ("Maps to the Stars") que eleva a cotas insospechadas su embriagadora sensualidad, "Indignation", la que bien podríamos definir como un estiloso cruce entre "Lejos del Cielo" y "Un Hombre Serio", brilla ante todo por su capacidad para plasmar con absoluta agudeza y sublime sagacidad, con la obligatoria finura pero también la soterrada irreverencia que tan quimérico reto implica, la retórica y gramática de un grande de la literatura como lo es Philip Roth, dejándonos para el recuerdo un buen puñado de escenas memorables que harán las delicias de los fans del escritor. Muy Top.


8. Midnight Special - Sección Oficial

"Midnight Special" supone una inmersión directa, no solo en el cine fantástico, sino concretamente en ese mítico cine almibarado de Amblin cuya entrañable fantasía marcó a toda una generación durante los años 80'. Seductora novedad que, sin embargo, no conlleva que Jeff Nichols abandone el personalísimo estilo que marca su idiosincrasia como autor. Bajo el mando de un pequeño y carismático phenomenon, su nueva película nos lleva al corazón de Texas a través de lo que podríamos definir como una sensible y absolutamente adorable sci-fi-road-movie. Un apasionante ejercicio de nostalgia que abraza de lleno el cine de suspense para desembocar en ese espacio ilimitado para los sueños y la emoción que mismamente construyeron "E.T." o "Encuentros en la tercera fase". Entre sus genuinas virtudes, destaca de sobremanera la penetrante y omnipresente banda sonora de su habitual colaborador David Wingo, pero también la experimentación que lleva a cabo en su compleja y ante todo, estimulante estructura de guión. Y es que, "Midnight Special" obvia por completo el primer acto o mejor dicho, lo deja completamente fuera de campo y desde su comienzo, desde su primerísimo primer plano, el desarrollo de la acción ya viene rodado. No sabemos quienes son ni donde van sus personajes, tampoco de donde vienen. Un factor muy a tener en cuenta ya que ellos poseen un conocimiento de los hechos previos que nosotros, como espectadores, no tenemos, lo que nos obliga a ir reconstruyendo las acciones previas, incluso a identificar el trasfondo de los propios personajes, a través de una calculadísima dosificación de la información que Nichols nos va dispensando. Inherentes particularidades que hacen de "Midnight Special" un entretenimiento tan rebosante de melancolía cinéfila como de una desbordante emoción cinética.


9. The Wounded Angel - Panorama

“En el momento que comprendes que jamás vendrá nadie a rescatarnos, que estamos abocados a vivir aquí de por vida, es cuando debes dejar de vivir como un niño". Es una de las frases clave que encontramos en "El Señor de las Moscas" y tal y como nos cuenta el propio Emir Baigazin, también el principal concepto sobre el que pivotan las cuatro historias que conforman "The Wounded Angel". Desoladores relatos que profundizan en el corrompido destino al que se ven abocados cuatro muchachos que intentan encontrar su lugar en un mundo sacudido por el desazón y la miseria. Y lo hacen partiendo de conflictos universalmente humanos que sin embargo, les llevan a darse de bruces con la irreversibilidad de la vida. Cada uno con su dilema moral, acaban por verse inducidos a tomar la decisión equivocada, aquella que les adentra de lleno en el lado oscuro de nuestra existencia. Son cuatro historias diferentes que funcionan como una misma, sin ambición alguna de verse cruzadas de forma innecesaria, creando así, de forma tan sutil y sensible como punzante y perniciosa, una misma unidad a nivel emocional tanto como argumental, cuya base conceptual liga directamente con la anterior y maravillosa obra de Baigazin, "Harmony Lessons". Su imponente puesta en escena, su insondable intelecto, su penetrante rigor psicológico y enriquecedora lección social (como agresiva metáfora del desolador estado socio-político de Kazajistán, si se quiere), hace de esta demoledora segunda entrega otro verdaderomust. Y como quien dice, no hay dos sin tres. Veremos que nos depara el colofón final y esperemos, sea en toda una Sección Oficial.


10. Ta'ang - Forum

El insobornable director chino Wang Bing responsable, entre otras, de "Al Oeste de los raíles" (una de las películas más largas de la historia del cine con más de 7 horas de duración) nos muestra en su nuevo documental el día a día de un desconocido conflicto chino para la público europeo. Mientras las secciones minoritarias de Ta’ang luchan por la independencia contra la armada Burmesa en la frontera China, mujeres y niños buscan refugio en tiendas de campaña provisionales ubicadas alrededor de la región. Un conflicto de refugiados, desconocido en este caso para Occidente que, tal y como marca el infranqueable libro de estilo del metódico y riguroso realizador chino, es retratado de forma tan digna y honesta como absolutamente implacable. Aquí no hay lugar para la sensiblería ni menos aún para la condescendencia, tampoco para el dramatismo desbocado o por descontado, la denuncia panfletaria. Si lo hay en cambio para el retrato veraz, existencial y diario, de una comunidad condenada al nomadismo, que digiere con sorpresiva resignación y loable disposición su hastiada situación. Una mirada de aplastante valor humano que durante dos horas y media nos suspende en lo que realmente significa ser un refugiado. Hito.


11. Being 17 - Sección Oficial

"Being 17" es una teen movie de reconocidos ingredientes es decir, una película de despertar sexual adolescente que tiene entre sus principales temas la homosexualidad tanto como elbullying y las relaciones familiares. Tópicos sociales y sentimentales que en mano de la fiereza y contundencia del discurso que caracteriza el cine de Celine Sciamma, así como el tacto y la inteligencia por el el que se distingue la mejor versión de André Techiné, nos llevan a las antípodas de lo que sería una coming of age expresada al uso. No en vano, estamos ante un ejercicio de cámara plasmado con absoluto garbo y apabullante nervio, interpretada con una visceralidad y sensibilidad descomunal por sus dos principales protagonistas y envuelta de un paisaje acaparado por una naturaleza tan abrumadora como hermosa, que juega un papel clave en el devenir de la acción. Pasamos de la nieve ingente que marca la estación invernal en sus dos primeros actos (y que no por casualidad, coincide con los sentimientos rabiosamente reprimidos y soterrados de ambos protagonistas) al sol cálido y floreciente por el que se rige la primavera (y en consecuencia, la liberación de sentimientos que ello conlleva). Es bajo este excitante contexto, que asistimos a una suerte de entrañable triángulo amoroso (que no por ello sexual) entre un adulto y dos jóvenes que, en el caso de Tom y Damien, desemboca en una magnética espiral de odio y atracción. Como si la frescura y espontaneidad de Mia Hansen-Løve se diera de bruces con el cine agresivo y pasional de Xavier Dolan, "Being 17" abarca una intensa capacidad emocional desde la implacable sobriedad por la que se rige su sólida ejecución. Desde "Los Testigos" que no disfrutamos una obra de Techiné a tan soberbio nivel. Su nueva película es puro sentimiento, todo corazón.


12. Chi-Raq - Sección Oficial

Seguro, no por casualidad, en está Berlinale pudimos asistir de forma consecutiva a los estrenos internacionales de "Chi-Raq", "Where to invade next?", así como al estreno mundial de "Zero Days". Es decir, this is América según Spike Lee, Michael Moore y Álex Gibney. O lo que es lo mismo, según los activistas políticos más inquietos, provocadores y vitales del cine norteamericano contemporáneo. Pues bien, cabe destacar que, con la cínica, enérgica e inevitablemente simpática "Chi-Raq", Spike Lee ha vuelto por sus fueros, llevando a su inconfundible terreno un discurso semejante al anteriormente articulado por obras tan carismáticas como inolvidables. Es el caso de "The Wire" (a quien"Chi-Raq" dedica un par de guiños inconfundibles que no revelaré para no caer en el spoiler), "The House I live in" o incluso "New Jack City", "Los Chicos del Barrio" o más recientemente "Straight Outta Compton", centrándose en este caso en la creciente violencia que actualmente sacude la comunidad afroamericana de la ciudad de Chicago bajo el masivo empleo de las armas. Para ello grita bien alto el ya conocido dicho, "haz el amor y no la guerra", y lo hace reivindicando el poder que la mujer tiene para mediar y tomar cartas en un conflicto que se debe en gran parte a la obra y gracia del género masculino. Con un primer acto tan formalmente potente como discursivamente hilarante, y a pesar que durante el segundo y el tercero se desinfla un tanto, Spike Lee se adentra en el drama social ensalzando el black-power con la guerra de sexos desde un registro estimulantemente satírico y audazmente irónico. Subversivos factores tonales que sin embargo, no evitan que en todo momento tengamos presente la relevancia de su trasfondo socio-dramático. Quizás, obviar el registro trascendental o el thriller social para penetrar de lleno en la paródica comedia política (incluso musical) sea la mejor opción para llegar a un público mayor. Bienvenida sea.


13. A Quiet Passion -Special Gala

Quizás no tenga el poder elegíaco de sus anteriores películas, su tratamiento tampoco lo exige. En "A Quiet Passion" Terence Davies profundiza en la persona detrás de la poetisa, dedicando una carta de amor a Emily Dickinson tanto como a Cynthia Nixon. Con un registro dramático que a momentos bien nos puede evocar el soterrado desgarro que subyace en el cine de Bergman y a través de una puesta en escena eminentemente teatral y austera (apenas salimos de los interiores de la mansión familiar en la que Dickinson está recluída), el director británico articula un biopic que ante todo se siente solvente y sobrio, que viene marcado por el carácter existencial, tanto como el espiritual, de un mito de la poesía. Sus miedos, sus valores, sus frustraciones (tanto a nivel social como sobre todo íntimo y sentimental) son el epicentro de esa sigilosa pasión que Davies logra extraer del alma y corazón de una artista rebosante de carácter y carisma. Y lo hace a través de diálogos que resultan tan agudos como reveladores, con esa cruda puesta en escena que el severo temperamento y la agerrida idiosincrasia de su asceta protagonista exige, regalándonos de paso sublimes momentazos a nivel directorial, en los que destacan dos travellings por los que seguro, recordaremos "A Quiet Passion". Que su estreno mundial no haya tenido lugar en la endeble Sección Oficial que la Berlinale ha presentado este año, da que pensar.



14. Les Premiers, les Derniers -Panorama

Un peculiar western contemporáneo que se siente tan entrañable como bizarro cuyo tono, sombríamente cómico, bien podríamos atribuirlo al inconfundible humor negro por el que se distingue el cine del dúo formado por Gustave Kervern y Benoît Delépine, también por el que reina en las primeras películas de los hermanos Coen (principalmente "Arizona Baby" y "Sangre Fácil"). La cuarta película como director del carismático actor belga Bouli Lanners es una suerte de road-movie crepuscular que, envuelta de una atmósfera posapocalíptica y deprimente, transitando unos exteriores que rayan lo sobrenatural, nos conduce a través de una llanura barrida por el infinito de la mano de Cochise y Gilou, dos cazadores de recompensas inseparables que están buscando un teléfono robado con contenido muy importante, cuyo camino se cruza con el de Esther y Willy, una pareja en fuga que buscan cobijarse del supuesto fin del mundo. Lo que desemboca en un imprevisible thriller de enredo que enamora por la particularísima crisis existencial que atraviesan todos y cada uno de sus personajes.


15. Fuocoammare - Oso de Oro

"Fuocoammare" nos traslada a Lampedusa, una remota isla abandonada a su destino, en permanente lucha por la supervivencia, mientras la inmigración ilegal llega de forma incesante a través de las carrettas del mare (así llaman a las 'pateras' en Italia). Hablamos de miles de africanos que se juegan la vida en busca de alcanzar una existencia digna en nuestra idealizada Europa. Un funesto panorama que Gianfranco Rosi opta por enfocar confrontando las vivencias del joven y carismático Samuele con el drama que asola a los miles de inmigrantes que se la juegan a vida o muerte. Mientras unos llegan y otros cientos de miles mueren en el intento, vemos como este simpático y saleroso niño es tratado por el oculista de un ojo vago, también por su médico de un estado de ansiedad que le provoca taquicardia en el corazón. Es decir, se va preparando para afrontar el drama humano que se le vendrá encima en cuanto alcance la consciencia que supone entrar en una edad más adulta. Sugerente metáfora, funcional y reveladora hasta cierto punto, ya que con ella se corre el peligro de simplificar en exceso la devastadora situación que "Fuocoammare" afronta. El hecho de que a la carcajada generalizada del público provocada por una escena con Samuele le siga un demoledor plano repleto de cadáveres, da que pensar. ¿Es lo que toca? En fin, debate ético y moral aparte, cabe reconocer el valor de "Fuocoammare" a nivel cinemático, cuya sólida factura formal y encomiable trabajo de campo queda indiscutiblemente constatado. Razones de peso que como era de esperar, se ha traducido en premio gordo.



BONUS TRACK: Eldorado XXI - Forum

Siguiendo la estela de Michael Glawogger y su "Workingman's Death", "Eldorado XXI" es un tour de force directorial que nos lleva al asentamiento minero más alto del mundo, precisamente al de La Rinconada y Cerro Lunar (5500 m de altura en los Andes del Perú) para trasladarnos el impactante y desgarrador retrato del duro trabajo que realizan los mineros y que resulta cada vez menos visible en nuestro tecnológico siglo XXI. Todos conducidos por una misma ilusión, movidos por unos mismos intereses que sin embargo, les llevan directos a la autodestrucción. Con un apabullante dispositivo formal, de planteamiento tan radical como visualmente espectacular, la portuguesa Salomé Lamas captura una inquietante y misteriosa realidad etnográfica cortada en pedazos. que profundiza en el conocimiento a una comunidad a propósito de una labor extrema. Épica y vital.

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