Las 40 principales del Festival de Sitges 2017

Autor: Filmin Fuente: Filmin

Las 40 principales del Festival de Sitges 2017

50 años de Sitges celebrados como bien merecen. Os dejamos con 40 títulos clave por los que seguro, recordaremos el quincuagésimo aniversario de uno de nuestros festivales favoritos que este año además, ha destacado por reivindicar aquello que tanto obvian la mayoría de certámenes: la presencia de la mujer. Ya sea desde la dirección, el protagonismo interpretativo o la temática, son muchas las miradas femeninas relevantes y reveladoras que el Festival de Sitges nos ha presentado este año. Ellas dan el golpe. Celebración, en todos los frentes.

1. JUPITER'S MOON

Mejor Película Sección Oficial a Competición

"Jupiter's Moon" es un asombroso y ambicioso viaje cinemático impregnado de realismo mágico, intensa y acongojante mezcla de géneros que se convierte en un drama desgarrador sobre los derechos humanos así como en una feroz denuncia contra los populismos que hoy día azotan nuestro privilegiado y deshumanizado primer mundo. Obra ostentosa rebosante de arrojo y riesgo que transita el thriller, el cine de superhéroes, la fábula sobrenatural y religiosa, aderezada toda ella con un aversivo, en el mejor de los sentidos, humor negro. En definitiva, una provocativa alegoría social y política en forma de entretenidísima película que asombra con una maravillosa lección de cine (y humanidad). Más allá de secuencias cuya grandilocuente espectacularidad es digna de los blockbuster que hoy día rigen Hollywood, "Jupiter's Moon" funciona ante todo como un reflejo del momento histórico que vivimos. En la contradicción es donde están las explicaciones. Tal y como afirma su propio director nos confiesa, quizás no nos quede otra opción que "levantar la mirada hacia el cielo". En efecto, ángeles caídos. Todo riesgo.

2. EL SACRIFICIO DE UN CIERVO SAGRADO

Premio de la Crítica Ex-Aequo Sección Oficial a Competición

Una película de venganza que bien podría resultar coreana y que está rodada como si de Kubrick se tratara. Siguiendo los pasos del Park Chan-wook de "La Doncella" o incluso "Old Boy", otro director que al igual que el responsable de "Langosta", no va precisamente justo de excentricidades, ""El Sacrificio de un Ciervo Sagrado" se revela en un thriller tan provocativo como mezquino, una obra que directamente coquetea con el género del terror y que al igual que mandan los cánones del cine que distingue a Lanthimos, extrapola su carácter doméstico al servicio de la una incisiva crítica social que en este caso tiene la lucha de clases como soterrado telón de fondo. En ella encontramos muchos paralelismos con lo último de Haneke, sobre todo en como confronta el amor por el prójimo con el individualismo (manifestado en este caso en el acto del sacrificio). Pero también en la dependencia que la clase baja tiene sobre una clase alta que rige su destino. Una inevitable sumisión a la que el director de "Alps" responde con una descarnada rebelión que lleva impreso su incendiario y provocativo sello. Más allá del griego, el canino.

3. A GHOST STORY

Mejor Fotografía Sección Oficial a Competición

La película más sensible y definitivamente preciosa que un servidor ha disfrutado en el 50 aniversario de Sitges transita un recorrido introspectivo y circular por territorios cósmicos que es a su vez una meditación poética y sobrenatural sobre el tiempo, la memoria y la conexión. "A Ghost Story" es pura elegía artesanal, una obra de orfebrería, tanto a nivel formal como existencial que confronta el inexorable paso del tiempo con la volatilidad de la perdurabilidad, el dolor causado por la pérdida con la aceptación de la misma y en definitiva, la fisicidad con la espiritualidad. Tan cálida como melancólica, tan tierna como hipnótica, la nueva delicia con la que nos obsequia David Lowery esculpe una experiencia de visionado arrebatadora intercalando el formato diapositiva con los 4:3, envolviéndose de una atmósfera embriagadora y un tratamiento de imagen trabajada con mimo y atención máxima por el detalle. De la poesía temporal pasamos al viaje astral. De "Ghost" a "Finisterrae", y bajo el sello Malick. Directamente, lo borda.

4. MY FRIEND DAHMER

Sección Oficial a Competición

Era una de las principales candidatas a lucir galones en el palmarés final aunque incomprensiblemente no ha sido así, también a defraudar al fan que acude a Sitges con la esperanza de ver muertes bañadas en sangre a raudales. "My Friend Dahmer" es el minucioso estudio psicológico de la semilla de la que brota un asesino en serie, también el del entorno social que lo motiva y germina, que en este caso no es otro que el escolar y familiar. Difícilmente veremos película más medida y precisa en Sección Oficial. La exclusión social azotan una mente superdotada, perfeccionista, extremadamente audaz y maniáticamente escrupulosa. Sí, pero la llama que definitivamente enciende la mecha no es otra que el aprovechamiento de su desequilibrada psique por quienes le rodean para utilizarla en su propio beneficio y regocijo. Es decir, de ser marginado y esquinado, Dahmer pasa a ser jaleado y vitoreado por sus supuestos nuevos amigos. Cuanto más se expone y más hace el ridículo, mayor parecer ser su sentimiento de pertenencia hacia el grupo, hacia esa suerte de equipo del que jamás se sintió parte. Curioso el caso, hablamos de hechos reales acontecidos en los años 70 que sin embargo, en la actual época millennial-youtuber adquiere más vigencia que nunca. Del bullying directo pasamos al soterrado. Del abucheo al mascoteo. Un juego de niños, aparentemente desternillante aunque definitivamente no tan divertido, más bien mortalmente provocativo. Una obra arriesgada que humaniza al monstruo y vuelve la cámara hacia nosotros, para que podamos preguntarnos hasta qué punto también tenemos nuestra parte de culpa.

5. THELMA

Premio Especial del Jurado, Mejor Guión y Melies de Plata Mejor Película Fantástica Europea

La universidad siempre se ha mostrado en el cine, y también en la vida, como un momento de cambio, una transición profunda en el interior de los personajes que en muchas ocasiones coincide con el abandono del nido familiar y la posibilidad de liberarse en las grandes ciudades, de conocer nuevos amigos y vivir experiencias antes anheladas, ahora posibles y reales. Este es el punto de partida que comparten tanto "Raw (Crudo)" como la nueva película de Joaquim Trier. "Thelma" es un auténtico arrebato de deseos reprimidos y sexualidades prohibidas que explotan a través de lo fantástico, profundamente recargado de alegoría cristiana. Un thriller romántico y sobrenatural sobre el paso de la adolescencia a la edad adulta para el cual Joachim Trier juega excelentemente sus cartas, no dejando en ningún momento que el elemento fantástico acabe por poseer su arma y cuerpo, el cual funciona como un sutil y poderoso retrato del deseo reprimido y nos habla de las consecuencias vitales que tiene en nosotros. Pero también de la posibilidad de dar con una necesitada expiación. Si en "Raw (Crudo)" esta liberación explotaba a través de la canibalización literal de su protagonista, en "Thelma" nos encontramos una propuesta mucho más alegórica que toma y abraza por completo el imaginario cristiano para subvertirlo y hacerlo suyo sin ejercer juicio moral alguno.

6. LAISSEZ BRONZE DES CADAVRES

Sección Oficial a Competición

Hélène Cattet Bruno Forzani ("Amer", "The Strange Colour of your Body's Tears") vuelven a demostrar que son dos de las voces más genuinas y apasionantes del cine de género. Lejos de conformarse con el continuismo, apuestan esta vez para confrontar su insobornable estilo con un guión más narrativo de lo que nos tienen acostumbrados. En "Laisser Bronzer les Cadavres", Cattet y Forzani, lejos de instaurarse en la autocomplacencia, afrontan el reto de ofrecer una película más narrativa sin renunciar a su estilo. El resultado es tan irregular como estimulante pues la tensión constante entre relato y estética se convierte en una lucha interna realmente apasionante. No es muy habitual presenciar una película que lucha contra sí misma, que se autoimpone un reto y trata de superarlo sin traicionar sus principios. En realidad, más que una narración al uso, el filme abre en canal un motivo tan cinematográfico como el del tiroteo para expandirlo en el tiempo, desmenuzarlo en mil pedazos y tratar de articular a su alrededor una historia.  El resultado es cercano al que podíamos esperar: por un lado tenemos un relato inconsistente en el que incluso a veces cuesta no perderse, y es que la imágenes de Cattet y Forzani no están pensadas para responder en todo momento al qué, al quién, al dónde, al cuándo y al por qué; por el otro, tenemos de nuevo una obra sinestésica que excita los sentidos y regala experiencias muy poco habituales en una sala de cine. Probablemente los directores suspenden su propio examen, pero de este suspenso sale una joya única que huye de la gratificación obvia para instalarse en la maravillosa irregularidad del cine de culto.

7. NOVEMBER

Sección Oficial Discovery

Tal y como la nueva y emergente sección en la que Sitges ha tenido bien a programarla nos sugiere, "November" es, sin duda, uno los descubrimientos más hermosos y arrebatadores por los que recordaremos esta 50 edición del Festival de Sitges. Inexplicable su ausencia en el palmarés final, la cuarta película de Rainer Sarnet nos sumerge con sorprendente calidez humana y un esquinado sentido del humor, en el oscuro mundo del folklore estonio. Y lo hace desde un tratamiento de cuento de hadas terrenal, un enfoque entrañablemente humano y romántico que reflexiona acerca de los grandes misterios de la vida, del amor y la existencia del alma. La que "November" nos dibuja es una comunidad pagana en la que no existen los tabús, si en cambio los fantasmas, los hombres-lobo, extrañas criaturas de metal y madera llamadas kratts o incluso el diablo. Es el contexto que envuelve esta entrañable historia de amor platónico que te roba el corazón. Una obra portentosa y sublime a todos los niveles que demuestra un prodigioso empleo del blanco y negro pero también, una sublime atención por el detalle. El cuento en este caso se siente.

8. DAVE MADE A MAZE

Mejor Película Nuevas Visiones Plus

Es el "Cube" que Charlie Kaufman y Michel Gondry rodarían a cuatro manos. Una película hiperactiva sobrada de inspiración cómica y que por los cuatro costados desprende una imprevisible inventiva a la hora de trasladarnos la historia de Dave, un artista que ante la frustración de no haber hecho nada significativo en su vida, decide construir un laberíntico fuerte de cartón en medio de su salón. El problema es que una vez dentro, no encuentra la salida y tendrá que ser su novia junto a un excéntrico equipo de rescate, quien intente sacarle del laberinto. Un punto de partida íntimamente hablando, alegórico y metafórico, que ante todo nos habla de la relación orgánica entre artista y obra. También de las consecuencias que la inactividad creativa y laboral a nivel individual pueden conllevar a la vida en pareja. Un culto instantáneo que presenta claros ecos de "Olvídate de mí" y "Synecdoche, New York", además del universo de Vincenzo Natali más allá de "Cube" (en efecto, hablamos de "Nothing"), también de "El Exorcista" o incluso "Alien". De hecho "Dave Made a Maze" es también una monster-movie. Fenómeno.

9. DAWSON CITY: FROZEN TIME

Mejor Película Nuevas Visiones One

Musa del MoMa, donde se ha expuesto prácticamente la totalidad de su obra, el cineasta Bill Morrison lleva más de dos décadas recorriendo Estados Unidos al rescate de material de archivo, metraje perdido y en estado decadente para ser restauradas y posteriormente combinadas con composiciones musicales a cargo de grandes nombres de la escena musical contemporánea. En la mayoría de los casos, el resultado es extraordinario y en este sentido "Dawson City: Frozen Time" no es un excepción, más bien una confirmación. Morrison en este caso compone las piezas de la extraña historia verídica acerca de los más de 500 films mudos que datan de los años 1910 - 1920 y que permanecieron desaparecidos por más de medio siglo. Así fue hasta que fueron descubiertos en el subsuelo de una piscina sub-ártica en el Terriotorio de Yukon. El evocador y prodigioso empleo del material de archivo y el acompañamiento musical de la banda sonora original compuesta por Alex Somers ("Capitán Fantastic") son los magistrales pilares ensamblar la cronología de esta singular quimera de oro canadiense. Una obra de portentoso calado cinemático, que presenta una apasionante combinación entre el nostálgico empleo de sus recias imágenes y la capacidad transportadora de una música absolutamente embriagadora. Un goce cinéfilo a todos los niveles. Todo un viaje.

10. LES AFFAMÉS

Sección Oficial a Competición

Zombies al crudo y natural. "Les Affamés" principalmente se distingue por su novedoso empleo del formato cinema-verité, de un tratamiento naturalista insólito hasta día de hoy en lo que a cine de zombies se refiere. Su capacidad para construir y dilatar momentos de tensión obviando, o más bien dosificando con temple y precisión, el empleo de la banda sonora, tratando asimismo con sutilidad y delicadeza su trabajo de sonido, se nos antoja único. Virtud que provoca que "Les Affamés" abra un espacio entre la película y el espectador que permite a uno sumergirse y reflexionar sobre ella sin necesidad de verse epatado por la aparatosidad o la gratuita espectacularidad. Pero la nueva película de Robin Aubert también destaca por no contextualizar ni explicar en ningún momento los posibles motivos de la epidemia (empieza inmersa de lleno en ella), por un extraordinario empleo de la elipsis y el fuera de campo, por su incipiente empleo del humor como arma principal para afrontar la tragedia y el drama que asola a sus protagonistas y por descontado, por la fuerza y determinación que dota a sus personajes femeninos. Ellas son las verdaderas estrellas de la función más allá de ese habitual discurso político que en el cine de zombies tiene en el miedo a las masas su certero objetivo. Y por cierto no, como bien mandan los cánones del maestro George A. Romero, la palabra 'zombie' nunca hace acto de presencia. Ojalá el maestro resucitará y la viera.

11. BRAWL IN CELL BLOCK 99

Sección Oficial a Competición

Un clásico instantáneo del cine pulp y la serie B contemporánea que no tan solo destaca por el empleo abrupto de ultraviolencia más extrema. También por significar aquella película que aglutina las hostias más salvajes  que un servidor recuerda desde la impactante "The Raid". Aún y así, aviso para navegantes, si eres de los que te embauca la parafernaria Michael Bay y concibes la ostentosidad del montaje acelerado como principal arma para vivir la violencia desde una experiencia rebosante de excitación y velocidad, "Brawl in Cell Block 99" probablemente no sea tu película. Ahora, si eres de los que le gustan los enfoques que se cuecen a fuego lento hasta estallar en una catarsis de mamporros a lo bestia, la que nos ocupa está llamada a ser una de las películas por las que seguro, recordarás este año. En la nueva película del director de "Bone Tomahawk" no tenemos celdas apiladas una sobre la otra, tampoco hay ruidos estruendosos de presos furiosos como a los que nos tienen acostumbradas la mayoría de producciones que a uno le pueden venir a la cabeza cuando hablamos de cine carcelario. Lo que si que tenemos en cambio, es un protagonista moralmente ambivalente, una figura emocionalmente trastornada con una fuerte tendencia a la violencia que a pesar de ello, demuestra tener fuertemente arraigados sus principios y valores. Así como un principal motor de vida por el que está dispuesto a reventar el rostro de quien haga falta: su mujer y su futuro bebé. Si hay una virtud a destacar entre las múltiples que "Brawl in Cell Block 99" atesora, esa es que su director demuestra ser muy consciente de sus limitaciones (ante todo a nivel de budget) y muy consecuente con ellas en lo que a su ambición se refiere. Un handicap convertido en ventaja gracias a una ejemplar aplicación de economía de recursos. Señal de ello es que la coreografía de movimientos y el trabajo de sonido resulta el principal motor para trasladarnos la violencia. Sangre vemos poca, disparos contados, explosiones ninguna. Sin embargo, pocas películas pueden llegar a ser tan feroces e implacables como "Brawl in Cell Block 99". En definitiva, entre rejas y a lo bestia. Un midnight madness en toda regla.

12. REVENGE

Mejor Directora y Mejor Directora Novel Sección Oficial a Competición

"Cuando te reúnes con hombres y te haces la rubia, consigues muchísimo más". Es la frase con la cual, cierta política cuyo nombre prefiero no recordar, dejó atónitos a propios y extraños allá por el pasado mes de marzo. Afirmación a la que sobra añadir comentario o reflexión alguna más allá de la lección con la que le responde "Revenge", donde una de esas rubias que supuestamente se pone tacones y se hace la tonta bien podría ser su protagonista. Hablamos de un thriller claramente marcado por el pulp que es también un juego de caza convertido en una implacable venganza. Y es, ante todo, una reivindicación feminista tan poderosa como genuina que tiene en el rape and revenge el principal motor sobre el que se propulsa. El gato convertido en ratón, el coyote en Correcaminos, los perpetradores asediados y perseguidos por una mujer de armas tomar que empieza a lo "Lolita" y acaba como Furiosa. En "Revenge" se da la vuelta a la tortilla y es el cuerpo del hombre el que se somete al de la mujer. Pero más allá de su fulgurante empaque formal, a través del cual sabe sacar color y contraste de la desértica aridez que transita (en este sentido su trabajo fotográfico y dirección artística también presenta claros ecos de "Mad Max: Fury Road") si hay una virtud que destaca sobre las demás en la ópera prima de Coralie Fargeat, esa es la capacidad que demuestra atesorar para tratar un tema de lo más escabroso obviando toda posible verosimilitud, toda posible trascendentalidad y sin embargo, salir indemne del temerario reto que afronta. Sus estallidos de violencia y el estiloso registro con el que incurre en el gore ponen la guinda. Un divertimento de lo más colorido y polvoriento. Que vivan las rubias.

13. DHOGS

Sección Oficial a Competición

Muy reciente tenemos la adaptación a la gran pantalla de la exitosa novela escrita por Isaac Rosa, "La Mano Invisible", mirada provocativa y reveladora que convierte a los trabajadores en un producto de mero entretenimiento a ojos del gran público, dotando así al ejercicio laboral de una condición de espectáculo que vacía los oficios con que los diferentes trabajadores han bastido su identidad de cualquier sentido productivo. La deshumanizada faena capitalista a merced del disfrute pasivo, del alienado voyeurismo, del gran público. Ese gran público que sin embargo, pasa de la pasividad a la interacción para reclamar la potestad de decisión sobre los individuos, víctimas desamparadas, expuestas de lleno a su mero anhelo de entretenimiento. La explotación laboral en su máxima expresión en cuanto a sometimiento y vulnerabilidad. Hablamos del perfil "Gran Hermano".  Pues bien, de "La Mano Invisible" pasamos a "Dhogs", del marco social al marco de cine de género, del deshumanizado ámbito laboral al retorcidamente criminal. Por lo demás, la vida sigue igual. Andrés Goteira nos regala con “Dhogs” una de las propuestas más insólitas y transgresoras del festival, una obra de denuncia social situada en los límites de la ficción, cuidadosamente rodada y sólidamente interpretada, que más allá de regalarnos diálogos hilarantes de esencia claramente tarantiniana, no atisba miramiento alguno a la hora de romper la cuarta pared e instigar directamente al público para cambiar la percepción de distintos temas que actúan como actores clave, como lo es básicamente el regodeo morboso y sensacionalista al que está enfocada nuestra mirada como meros espectadores. Una llamada a la toma de conciencia y acción que también supone una entretenida y sorpresivo disfrute digno de Sección Oficial de Sitges.

14. HAGAZUSSA

Nuevas Visiones One

Es el complemento perfecto a la anteriormente destacada "Noviembre", entre ambas formarían un inmaculado programa doble pagano. También es una obra que claramente señala su referente y esa no es otra que la portentosa ópera prima de Robert Eggers. Salvando las distancias, "Hagazussa" es al igual que "The Witch", una estremecedora fábula folk, suerte de survival gótico y ancestral, así como un drama doméstico de época anclado en un tiempo en la que la creencia religiosa y sobrenatural iban de la mano de una mentalidad retrógrada y puritana, en la que los rituales y las fuerzas naturales jugaban un papel básico a la hora de conformar unos rígidos códigos sociales que abogaban por el sufrimiento y sometimiento. En "Hagazussa" sin embargo, la iglesia es el Diablo. Partiendo de los elementos y símbolos que a lo largo de los siglos han abanderado (y estereotipado) los cuentos fantásticos y religiosos (como por ejemplo el empleo de la manzana como fruto prohibido), el debutante Lukas Feigelfeld ensambla sin embargo una muestra de terror tan delicada y matizada en su planteamiento, como portentosa y contundente en su ejecución. Lo es por el poderoso ejercicio de estilo sobre el que se plasma. También por la turbadora y opresiva atmósfera de la que se envuelve o por sugerir mucho más de lo que muestra, revelando una capacidad inherente en su director para aterrar sin apenas valerse de sustos o innecesarios golpes de efecto. Embrujado, así quedo. Terror atmosférico y arty en la mejor de sus versiones.

15. LA FORMA DEL AGUA

Película Inaugural

La película más sensible y delicada de Guillermo del Toro hasta la fecha. "La Forma del Agua" es una romántica monster-movie enmarcada en un excepcional diseño de producción. Si en "El Laberinto del Fauno" fue la guerra Civil y los años 40, en "La cumbre escarlata" la época victoriana, en el caso de su nueva película se envuelve del comienzo de los años 60, logrando así un delicioso contraste entre la época "Mad Men" y su inconfundible universo oscuro, que como no podía ser de otra forma, presenta en sus entrañas una incipiente crítica contra la intolerancia hacia la diversidad y el racismo por el que hoy día se rige Estados Unidos. Es decir, el género fantástico como herramienta para denunciar una realidad. Bajo este atractivo contexto, el realizador mexicano nos brinda una obra deslumbrantemente hermosa, propulsada por un poderío artístico y visual en el que tiene cabida hasta un inolvidable número musical en blanco y negro. Una obra formalista en su versión más cuidada y detallista que resulta un goce para todos los sentidos. Y es que no es casualidad que su título haga referencia a la forma del agua. En primera instancia, por la importancia que ella tiene para el monstruo anfibio que lo protagoniza pero ante todo, por la capacidad que a nivel de realización Del Toro demuestra atesorar para emular el movimiento del agua a través del constante movimiento de cámara sobre el que su nueva película está plasmada. Y es que a tempo de steadicam, la cámara no cesa nunca de bascular. Una coherencia y distinción formal que unida al amor y sensibilidad que sus protagonistas en todo momento emanan (aquí hay claros ecos no solo de "La Criatura del Lago", también de "La Bella y la Bestia") hacen de ella una firme candidata a brillar con luz propia en la próxima gala de los Oscar. Bien por Sitges que ha inaugurado con ella.

16. MOM AND DAD

Sección oficial a Competición

¿Quién puede matar a un hijo? "Mom and Dad" hilvana una crítica tan hilarante como cínica y descerebrada hacia la familia modelo americana, allá donde el peligro real y la verdadera mala influencia también puede engendrarse de puertas hacia dentro y no solo hacia fuera, aunque los padres y madres de familia no sean capaces ni tan siquiera de darse cuenta. Pero más allá de las fronteras americanas, la nueva película de Brian Taylor también tiene un discurso universal, y este no es otro que el exponer y reflexionar sobre la pérdida de identidad que la paternidad y maternidad puede conllevar en el momento que alguien deja de ser uno mismo, lo que fue y lo que siempre realmente quiso ser, para convertirse en padre o madre. La vida de tus hijos pasa a ser la tuya, su amor y dependencia tú única y exclusiva máxima de vida. ¿Pero que pasa cuando entran en la adolescencia y uno deja de ser confidente y amigo para convertirse en una mera carga que única y exclusivamente está encaminada a proporcionar y generar su sustento? Crisis de mediana edad, crisis sentimental, crisis existencial de las cuales uno solo puede cobijarse rememorando aquellos viejos tiempos de libertad y promiscuidad que nunca jamás volverán. Una crisis que en este caso adquiere forma de violenta psicosis, pero ante todo de sátira social, familiar y criminal en el que Taylor aplica mismos e inconfundibles recursos formales que en "Crank" como lo es combinar momentos de acción hipervitaminada con el empleo de la cámara rápida, pero también lenta. Padres que matan a sus hijos millennials, sí. Tan lejos, tan cerca. Y aun y así uno nunca abandona la carcajada ante una obra que jamás deja de ser políticamente incorrecta pero tampoco incurre en ningún momento el mal gusto y el tono grotesco cuando su planteamiento bien podría apuntar de lleno a ello. La suya es una mala baba extrema que sin embargo, logra ser accesible para todos los públicos. Sus guiños apuntan a Batman y Roxette tanto como a la xenofobia y el conservadursimo que hoy día impera en gran parte de los Estados Unidos. Éxito seguro.

17. THE ENDLESS

Sección oficial a Competición

Fue el caso de "Spring", también el de "The Endless". Dos muestras de cine fantástico audaz e inteligente que desde un enfoque argumental bien diferente saben sacar el máximo partido a su micropresupuesto partiendo de un mismo universo: el lovecraftiano. De la monstruosa love story sobre la que gravitaba la anterior película de Aaron Moorehead y Justin Benson pasamos a una que tiene en el culto a las sectas su principal contexto. Pero ojo, para nuestra sorpresa, en el caso de su nueva película los ecos de Lovecraft vienen dados por los universos paralelos y más allá de ellos, por la ruptura de la lógica que marca la relación entre espacio y tiempo. Y es que lo que empieza como "La Invitación" desemboca en una suerte de "Perdidos" que desprende un incondicional amor fraternal. Es decir, encima nos abre su gran corazón. Hablamos de una imprevisible y excitante fusión entre una auténtica esencia indie y genuinos tintes fantásticos que tiene en su poderío atmosférico, su cuidado trabajo fotográfico, otro de sus principales baluartes. De hecho "The Endless" atesora la temeraria virtud de moverse en todo momento sobre la la delgada línea que separa la ambición de la pretensión y salir indemne. Su capacidad de adentrarnos en un universo inabarcable y excelso desde el formato lowcost es lo que nos lleva una muestra de puro cine independiente en su estado más arrojado, sorprendente y eficiente.

18. AS BOAS MANEIRAS 

Premio de la Crítica Ex-Aequo y Mención Especial Blood Window 

"As Boas Maneiras" cuenta la historia de Clara, una misteriosa enfermera que vive en las afueras de São Paulo y que es contratada por la rica y fascinante Ana. Clara debe cuidar de Ana y su bebé durante y después del embarazo. El problema es que el pasado de Ana está marcado por un encuentro sexual licántropo y lo que engendra, en consecuencia, tiene garras, dientes y sale a acazar cuando hay luna llena. En la nueva película de los brasileños Juliana Rojas y Marco Dutra hay lugar para el terror, el romance, el melodrama y hasta el musical. Una sutil y estilosa mezcla de géneros que demuestra una asombrosa capacidad para unir lo fantástico y cotidiano de forma absolutamente orgánica y equilibrada, para afrontar la lucha de clases desde la más estimulante dualidad y también para obsequiar al cinéfilo más acérrimo con sugestivos guiños dedicados a títulos capitales como "La Semilla del Diablo" o "King Kong". A todos ellos muerde.

19. LA PIEL FRÍA

Sección Oficial Fuera de Competición

Como sucede a menudo con las grandes novelas, "La Piel Fría" es una obra difícil de explicar, una novela apasionante que nos hace experimentar íntimamente los grandes interrogantes de la condición humana. Una base conceptual muy compleja de trasladar a la gran pantalla que sin embargo, Xavier Gens no solo ha sido capaz de respetar, sino que además la ha sabido llevar su personalísimo terreno de forma triunfal. Su adaptación de la novela de Albert Sánchez Piñol es fiel y literal. Es también sólida y académica en el mejor de los sentidos y es, además, muy consecuente con su principal y loable ambición, y ésta no es otra que la de ser capaz de fusionar su sello autorial con un material ajeno mundialmente reconocible y reconocido. Bien podría parecer lo contrario pero por mucho que ambas se distancien en cuanto a forma y tono, "The Divide" y "La Piel Fría" comparten misma alma, mismas inquietudes. Ambas están protagonizadas por humanos confinados bajo unas condiciones extremas, acuciados por una monstruosa amenaza exterior que les hace perder el norte o mejor dicho, lo que prácticamente pierden es su condición: la humana. Con la pequeña gran diferencia que en el caso de "La Piel Fría" se da una confrontación entre quien la pierde y quien no, entre la crueldad y el amor. El aislamiento como principal motor de la deshumanización. El monstruo convertido en humano, el humano en monstruo. Tan lejos, tan cerca de "La Forma del Agua".

20. TRAGEDY GIRLS

Sección Oficial a Competición

Admitámoslo, todos estamos un pelín obsesionados con los asesinos en serie. Si no, a santo de qué tanto slasher y thrillers basados en hechos reales sobre esos seres tan macabros y fascinantes que pueblan la historia del cine, y la real. Este oscuro interés del público nos ha dado joyas tan memorables como "Scream" o "The Final Girls", muestras de paródica autoreferencialidad genérica que nos llevan hasta "Tragedy Girls", una más que destacable adición en este sub-genero puramente crowd-pleaser que arrancará sonrisas cómplices entre aquellos que conozcan bien sus reglas.Y es que Sadie y a McKayla son como nosotros, les encantan los asesinos en serie, y teniendo en cuenta que además son hijas de la Era de Internet, no es de extrañar que su deseo asesino se canalice a través de las redes sociales y los likes y follows que consigan con ello. Instagram y Twitter en manos de dos rematadas y alocadas psicópatas, unas asesinas natas de nuestro tiempo. Toda una buddy movie femenina que a golpe de hashtag nos va ahogando a carcajadas mientras vemos como el fenómeno de los influencers se nos ha ido definitivamente de las manos. Hay collejas a repartir contra la banalidad y narcicismo extremo que han traído consigo las redes pero nunca llegan a caer en el discurso viejuno y apolillado con el que se atragantan las personas mayores de 40. Sadie y McKayla se convierten así en las nuevas heroínas del slasher contemporáneo, dos Junos asesinas que con sus afilados diálogos nos enamorarán desde el minuto uno. Sororidad extrema.

21. MARLINA: A MURDER IN FOUR ACTS

Mejor Actriz Sección Oficial a Competición y Mención Especial en Focus Asia

Marlina the murderer in four acts” ha sido una de las joyas ocultas que nos ha dejado esta quincuagésima edición del Festival de Sitges. Su directora nos la presentó como un eastern feminista dividido en cuatro actos que pone patas arriba el subgénero rape and revenge, cerrando así la trilogía temática que nos proponía el festival junto con “Revenge” y “M.F.A”. Con un poderoso uso de las panorámicas para retratar uno de los escenarios más desconocidos del cine, Indonesia, Marlina transita por un mundo hostil y seco, donde solo queda la unión femenina ante la violencia masculina. Una muestra más de sororidad cinéfila con certeras y contundentes explosiones de violencia que funcionan como una reapropiación total de un género en el cual hasta ahora las mujeres solo habían sido víctimas y espectadoras. Tiene lo suyo.

22. CANIBA

Sección oficial a Competición

Probablemente estemos ante la película que más incomprendida por el público de Sitges. Un docu-retrato única y exclusivamente centrado en una (pseudo) entrevista donde tan solo hablan los sujetos, nunca los interlocutores, y que se alzó por derecho propio como una de las obras más meritorias de la 74 edición del Festival de Venecia, ganando incluso el Premio Orrizonti al Mejor Documental. "Caniba" ha llegado a Sitges dispuesta a sacudir un público cuyos estándares en la perversión se presuponen altos, pero que han caído igualmente rendidos ante la aversiva propuesta de los directores. Nos advertían al comienzo de la proyección que "Caniba" es una comedia, una love story profundamente trágica que apela a nuestro lado más oscuro, ¿por qué quién no ha fantaseado con la idea del canibalismo? Si no, sería imposible explicar la fascinación y morbo que produce la sinopsis del documental y el propio Sagawa, de quién esperamos que cuente los detalles más escabrosos o, al menos, entender qué puede llevarnos a la locura de lo caníbal. Pero nada de eso es lo que encontraremos en le nuevo documental de Lucien Castaing-Taylor y Verena Paravel, algo que no debería sorprender a los conocedores de su trabajo previo, "Leviathan". Con una cinematografía marcadamente visceral, donde solo queda espacio para la carne de los protagonistas, el objetivo de los cineastas va deslizándose entre poros, estrías y bocas entreabiertas. Primerísimos primeros planos al servicio de un autoretrato confesional no apto para estómagos débiles ni mentes sensibles, en el que también hay cabida para imágenes de archivo o la novela gráfica que dibujó y escribió Sagawa, que no solo incomodan y agreden, sino que directamente estremecen. Un caso absolutamente expuesto al enfoque sensacionalista y morboso cuya exposición sin embargo, nos llega envuelta de un sobrecogedor poderío cinemático y antropológico que escapa en todo momento de lo convencional. Y es que "Caniba" es también el retrato de los celos más perversos y la rivalidad más degradada posible que surge entre dos hermanos que bien podrían haber sido engendrados por el primigenio Cronenberg. Pero no, esta nueva carne no había forma más acertada posible de retratarla. La existencia y alma humana descarnadamente autofagocitada. Hablamos de la vida real. Dios los cría y ellos se comen.

23. CLOSENESS (TESNOTA)

Nuevas Visiones One

Suyo fue el Premio FIPRESCI en Un Certain Regard, suya debería haber sido la Cámara de Oro en la pasada edición del Festival de Cannes. "Closeness (Tesnota)" es, para un servidor, uno de los debuts más prometedores y contundentes de cuantos he podido disfrutar este año el circuito festivalero. Rodada en 4:3, con el objetivo constantemente incrustado a los cuerpos y rostros de los personajes que retrata y un tratamiento del color vivo y saturado que contrasta con la opresión sobre la que se enmarca, la extraordinaria ópera prima de Kantemir Balagov nos llega apadrinada por los habituales productores de Aleksander Sokurov. Por algo será. Hablamos de una muestra sobrecogedora de realismo social, una obra mayor que tal y como su propio director ha reconocido, viene principalmente inspirada por el espíritu de los hermanos Dardenne, concretamente por el de "Rosetta". Mimbres sugestivos y llamativos que articulan el poderoso retrato de una comunidad judía rusa encerrada en si misma, que tendrá que hacer frente al secuestro de uno de sus hijos o mejor dicho, al pago necesario que les permita liberarlo. Será la hermana la primera candidata a pagar los platos rotos mediante una boda concertada cuya inyección económica les asegura obtener el dinero necesario para liberarlo. La tradición revertida en estigma. Los supuestos lugares comunes que este punto de partida atisba adquieren un rumbo inesperado y sorprendente plasmado sobre un asfixiante enfoque formal en absoluta consonancia con el desalentador existencialismo sobre el que se mueve. Estamos ante un ejercicio de denuncia tenso y febril que ante todo atenta contra la mentalidad de un país entero: Rusia. Una obra portentosa a todos los niveles que directamente, corta el aliento. En alma y cuerpo.

24. MOST BEAUTIFUL ISLAND

Nuevas Visiones One

Es el crisol de culturas, probablemente la ciudad más efervescente, caleidoscópica y variada del mundo, Nueva York encierra entre sus altos edificios historias de triunfo y fracaso, pasiones amorosas e intrigas policiales, y un sentimiento contracultural muchas veces domado por las tendencias del mercado pero que acaba surgiendo en muchas películas extrañas, atípicas, sorprendentes, como el espíritu de esta ciudad que es a la vez cuna de pensamiento occidental y bastión del consumismo más desaforado. En el microcosmos que conforma Nueva York, podemos analizar las contradicciones, y aciertos, que describen al pueblo estadounidense. También los grandes golpes que se asestan al sueño americano. Entre ellos bien podría estar el de Luciana, protagonista de "Most Beautiful Island", un thriller psicológico y definitivamente pesadillesco que analiza la difícil situación de las mujeres sin papeles en Nueva York. Y sí, probablemente sean sus propias vivencias, sensaciones y experiencias en la Gran Manzana, las que Ana Asensio nos traslada. Filmada en Super 16, con un tratamiento de imagen granulada (muy reminiscente de  Alex Ross Perry los hermanos Safdie) y un constante movimiento de cámara que sigue y se incrusta a Luciana, la notable ópera prima de la cineasta madrileña es una obra que presenta una reveladora capacidad para envolverse de una atmósfera asfixiante y perturbadora, también para trasladar con sorprendente pulso su carácter introspectivo. A camino entre la denuncia real y el más depravado terror social, entre el trabajo basura y la atmósfera "Eyes Wide Shut", la última vencedora del SXSW Festival acaba por erigirse en una suerte de survival urbano impregnado del más supurante realismo. Y es que bien podríamos estar hablando de un documental. Una española en el mundo, pero de verdad. Da miedo y es veraz

25. MAYHEM

Sección Oficial a Competición

En Filmin tenemos una amplia variedad de directores que se han preocupado por las inquietudes y los cambios de la clase trabajadora. La cosa ya viene de lejos: recordemos que la primera proyección de los hermanos Lumière se inició con… los obreros de su fábrica. Sergei Eisenstein y Frank Capra trataron el tema desde la distancia de un océano y dos sistemas políticos. Hoy las cosas han cambiado. Los cineastas contemporáneos ya no buscan grandes consignas; la situación actual los lleva a  preguntarse qué ha ido mal, por qué la clase trabajadora vive en permanente crisis (económica y de ideas), y dónde están los sindicatos de antaño. En esta terna encontramos también las comedias gore que atentan contra la tiranía del trabajo precario y los sueldos exiguos, que arremeten y satirizan el triunfo del descarnado capitalismo sobre el humanismo. Es la supuesta imposición de la cultura corporativista que conlleva la competitividad extrema y que provoca una vida alienante y despiadada. Y digo 'cultura' por llamarla de alguna manera. Fue el caso de la resultona "Desmembrados", también lo es de la desbocada "Mayhem", suerte de cruce entre "The Raid" y "Trabajo Basura", entre cuyos ecos, o más bien guiños, también resuenan "Very Bad Things" y "Pactar con el Diablo". Es decir, recursos inhumanos llevados hasta sus máximas consecuencias. La que nos ocupa es la gran bacanal de la estructura piramidal. Una suerte de carpe diem laboral, una llamada a la subversión y revolución del trabajador de a pie contra esas inaccesibles altas esferas que viene dado a golpes de machetes improvisados y pistolas de clavos. Pero "Mayhem" es también una reivindicación descerebrada y sangrienta de la igualdad y justicia laboral y si me lo permiten, una alegoría de lo que en realidad es el mundo corporativista de hoy día: máquinas de matar o mejor dicho, de deshumanizar. A pesar de resultar un tanto obvia en su mensaje ( la complejidad tampoco la necesita ni la pretende) la nueva película de John Lynch acaba por erigirse en una hilarante gamberrada pasada de vueltas muy disfrutable y reivindicable. Y sobre todo, liberadora y expiadora respecto a la rutina capitalista que tanto nos acucia hoy día. De llegar a matar por promocionar a matar por reivindicar la moralidad laboral. Como bien diría Tom Cruise en Risky Business: "what the fuck, made your move".

26. WIND RIVER

Órbita

Un debut que es a su vez una cruenta historia criminal, también una irrebatible demostración de la pegada y el músculo que desde la concepción del guión, Taylor Sheridan ha sido capaz de imprimir a su aplastante pulso con la cámara. Y no, nada malo puede decirse de un film como éste. Hay actuaciones ejemplares, una fotografía extraordinaria capaz de hacer atractivo uno de los paisajes boscosos más inhóspitos de Estados Unidos y una dirección medida, también feroz y ante todo, nunca obvia. Tema trágico, tratamiento glaciar. Todos los personajes están al límite pero en ningún momento Sheridan manipula las emociones. Quizá sea en sus retazos melodramáticos que se desinfle un tanto. Aún y así "Wind River" atesora las virtudes más destacables de "Comanchería" tanto como de "Sicario". La acción más escalofriante y abrupta al servicio de un cosmos social esquinado y olvidado. En este caso, más allá del fronterizo y el profundamente texano, el de una reserva de nativos americanos. Esto es Estados Unidos, por mucho que los indios permanezcan marginados. Guerreros de antaño. Agárrense los machos.

27. HOUNDS OF LOVE

Nuevas Visiones One

El amor es algo maravilloso, mágico, que reconforta el corazón...¿verdad? Para las parejas protagonistas de las películas que os traemos hoy quizás no tanto. A veces amar conlleva una pasión descontrolada, un "nosotros contra el mundo" llevado a los extremos, donde la linea del bien y del mal se desdibuja mientras estamos con la persona amada. Parejas en las que el fuego además de calentar, quema, y de que manera. Bajo este romántico pero ante todo, autodestructivo contexto, "Hounds of Love" nos cuenta como a mediados de los 80 la joven Vicki Maloney es abducida y secuestrada por una pareja trastornada y perversa que se dedica a secuestrar adolescentes y a violarlas en cautiverio hasta matarlas. Un punto de partida un tanto redundante que pronto deja de serlo. Precisamente en el momento que apreciamos que la protagonista no es la joven secuestrada, si no los perpetradores de su cautiverio, revelándose así en un devastador estudio psicológico sobre la co-dependencia, el control, la violencia doméstica y en definitiva, las relaciones destructivas. Temas que desde su propia naturalidad resultan ante todo universales y cuyo origen y gestación son en este caso su verdadero núcleo argumental más allá de las perversas acciones que a ello pueden llevar como bien podríamos esperar. Otra virtud que destaca de sobremanera sobre su poderosa puesta en escena es que la película de Ben Young transita los años 80 y la música que en ella sin embargo suena es de los 60 y 70, aportando así un estimulante contraste anacrónico, irónico diría yo, entre el optimismo que emanan sus letras y los actos atroces que la acompañan. Tanto "Snowtown" (Justin Kurzel) como "Monster" (Patty Jenkins) son sus evidentes referentes, sobre todo a la hora de transmitir una penetrante sensación de amenaza y disconfort respecto a los personajes que retrata. En definitiva, un thriller psicológico vibrantemente rodado que confronta personajes sacudidos por la conducta humana más brutal y depravada. Como diría la canción, The power of love....o más bien como este puede destrozarnos.

28. THERÁN TABOO

Mejor Película Anima't

Es lo nunca visto en una producción iraní. De hecho, sigue sin verse, y es que por más que estemos ante una obra que nos habla de Irán, Austria es su nacionalidad. Es la hábil estrategia que ha permitido al cineasta germano-iraní Ali Soozandeh para sortear la censura y destapar todos aquellos supuestos tabús que su originario país prohíbe mostrar y escenificar. "Tehrán Taboo" se nos presenta como un retrato caleidoscópico de la lucha que llevan a cabo tres mujeres por salir adelante en un país marcado por el fundamentalismo y la opresión. Tres mujeres atrapadas por una sociedad cuyo autocratismo no solo atenta directamente contra sus derechos primordiales, sino que neutraliza toda posibilidad de proyectarse y emanciparse como seres humanos, más allá de su condición de mujeres. Bajo esta loable premisa y tal y como su título bien indica, "Tehrán Taboo" nos muestra y cuenta todo aquello que una película iraní no debería. Hay desnudos, también felaciones y ante todo, un vocablo tan viperino como descarado tratándose del contexto sobre el que levita. Pero más allá de su osado y heroico carácter de denuncia, estamos ante un obra formalmente portentosa que de forma asombrosa combina algunos de los dispositivos estilísticos más innovadores de la animación y las novelas gráficas. También ante una compleja estructura de guión que sin embargo, no presenta arista alguna, que no contento con sorprender a base de giros excepcionalmente construidos, atesora una capacidad innata para cruzar y unir los destinos de sus personajes desde una irreprochable verosimilitud. Joya.

29. SURVIVAL FAMILY

Sección Oficial a Competición

Japón es un luchador nato en cuanto a desastres naturales y humanos se refiere. No solo han sido el único país del globo en sufrir dos devastadores ataques atómicos, si no que también saben qué es enfrentarse a tsunamis de nucleares consecuencias o a los muchos terremotos que asolan la isla del Sol Naciente. Esto, unido a su reverencia extrema hacia el prójimo, lo convierten en uno de los pocos países donde se podría rodar una disaster movie que es, precisamente, todo lo contrario. En vez de mostrarnos los instintos más bajos y destructivos de la humanidad como Hollywood bien nos tiene acostumbrados, en "Survival Family" emerge la cara más amable, aquella que ante la debacle que supondría que todos los aparatos eléctricos de la Tierra dejaran de funcionar, encuentra espacio para la solidaridad y la reconciliación familiar. Si el mundo moderno nos está aislando cada vez más en nuestros dispositivos y, en gran medida, nos estamos convirtiendo en seres apantallados, "Survival Family" nos plantea una situación extrema en la que deberemos romper con este alienado círculo y volver a mirarnos a las caras, olvidar el significado del dinero y abrazar de nuevo el trueque, o contemplar la colaboración cómo única forma de sobrevivir. Con las reacciones al desastre de Fukushima en la retina, Shinobu Yaguchi recurre a la ciencia ficción para contarnos una historia regeneradora de increíble humanidad sobre la familia, el aislamiento y el mundo moderno. Si Hideaki Anno utilizó a "Shin Godzilla" el pasado año para criticar duramente las actuaciones gubernamentales en momentos de crisis, esta vez nos encontramos su contrapartida más personal y familiar con "Survival Family". Y lo hacemos a incesante ritmo de bicicleta y sin apenas sonar su banda sonora. El feel good nunca nos supo mejor.

30. DRÁCULA BARCELONA

Panorama Documental

Precisamente el año que Sitges dedica su 50 aniversario a la figura de Drácula desde Filmin rescatamos el proyecto perdido de Carles Prats. “Drácula Barcelona” es la primera película producida por Filmin que participa en un festival de cine. El cine dentro del cine en un mismo documental que plasma el encuentro entre dos cineastas que han impuesto su personalidad en los márgenes de la industria. Jess Franco desde el fantástico, el terror o el erotismo. Pere Portabella desde la experimentación y el compromiso político. Enfants Terribles unidos por la vanguardia. Aquí hay lugar para que Jess literalmente se cague en el "Drácula" de Coppola afirmando que no es más que una zarzuela, una mala ópera, y que nadie jamás ha adaptado de forma fiel y veraz la novela de Bram Stoker. También descubrimos que Christopher Lee finalmente aceptó trabajar en los Drácula de Franco para que el equipo de rodaje no se quedará sin trabajo. De hecho, sigue admitiendo que le parecen malas películas las cuatro. Y eso que en el caso de "El Conde Drácula" hablamos de una rareza dentro de la filmografía de Jess, ya que mas allá de la improvisación en la que se cimentaba su cine, en este caso resultó ser una película calculada y trabajada. Y estas son tan solo algunas de las impagables anécdotas que "Drácula Barcelona" nos regala. Se suponía que ambas películas se vampirizaron. Lo hicieron hasta día de hoy, hasta que Carles Prats nos ha demostrado que una germinó a la otra.

31. MATAR A DIOS

Premio del Público Sección Oficial a Competición 

Para nada era fácil y menos aún, asequible el reto. Los debutantes Caye Casas y Albert Pintó deciden proyectar su debut directorial bajo el sello de la comedia. Un género poco dado al circuito festivalero, mucho más complicado de abordar de lo que de buenas a primeras uno puede pensar. Y es que pocos retos más difíciles de asumir hay que querer ser gracioso y encima serlo. Muchos mueren en el intento, otros tan solo son capaces de mantenerlo de forma irregular hasta caer en el agotamiento. No es el caso, sin embargo, de "Matar a Dios", una comedia fantástica sólida e inspiradamente negra que demuestra creer fervientemente en el poder de la risa como un medio de transgresión tan equiparable en potencia a cualquier drama o pieza de denuncia. Y es que de lo que principalmente Casas y Pintó nos hablan, es de la miseria humana y del drama íntimo que la acucia y degrada, ya sea a nivel de pareja o desde el espectro familiar. Un punto de partida supuestamente desgarrador que sin embargo, gravita en este caso sobre un humor sólido y esquinado además de atinado. Formalmente muy bien parida, sin hacer ascos a su carácter de serie B, en ningún momento sentimos que "Matar a Dios" se tome en serio a si misma al igual que también se le percibe esa sensación de no querer caer nunca en la parodia gratuita. En lo que si que cae es en el desternillante divertimento apocalíptico que sabe sacar máximo partido de sus limitados recursos, tan políticamente incorrecto como humanamente certero. Un éxito aun mayor si nos atenemos a que estamos ante una ópera prima cuyo ambicioso objetivo no es otro que matar al señor Todopoderoso. Ese que nunca vemos y que en este caso se hace pequeño. Alabado sea el enano.

32. BRIMSTONE

Sección Oficial a Competición

Bien podríamos presentarla como un temerario cruce entre "La Noche del Cazador", "Valor de Ley" "Sin Perdón" a ritmo de Junkie XL. Un western de venganza moderno y europeo, pero ante todo oscuro y tenebroso, que emula el mítico formato americano, no sin pasarlo por el tamiz calvinista, religioso y feminista. Es decir, señas de identidad típicamente holandesas al servicio de una propuesta tan imprevisible y enigmática en su estructura narrativa, como cruda y violenta en las acciones que marcan su base y esencia. Dividida en cuatro partes, construida a partir de flashbacks (la acción va hacia detrás y no hacia delante) Martin Koolhoven hace suyo un género machista por excelencia y lo convierte en territorio de mujeres. Cierto es que "Brimstone" se presenta como una propuesta errática y caótica a prácticamente todos los niveles, pero es precisamente en el descaro y riesgo de su ambiciosa propuesta, donde reside su principal encanto y en cierta medida, su grandeza. Hablamos de una pieza de género de dos horas y media de duración que sin embargo, en todo momento engancha y entretiene. Una obra tan personal como estimable que no solo se ve sacudida por inesperados y abruptos estallidos de violencia, si no que más bien reflexiona sobre como su empleo afecta a quienes la sufren, que en este caso son básicamente las mujeres. Una invitada excepcional para el presente Festival de Sitges que a partir del próximo 18 de octubre podremos disfrutarla ya en Filmin. Y es que lo tiene todo para obtener la resonancia que bien merece: un aura de terror gótico de la que nunca se desprende, un villano memorable con un Guy Pearce estelar y sadismo a raudales.

33. 78/52

Sección Oficial a Competición

Si por algo "Psicosis" supone uno obra totémica más allá de por significar la película madre del slasher, es por una sola escena, y esta no es otra que el del asesinato de la ducha. 78 planos. 52 cortes. Hablamos de la primera secuencia de la historia del cine que mata a su protagonista sin apenas terminar el primer acto (y aquí hay cabida incluso para mencionar la muerte de Ned Stark en GoT, hasta aquí llega su influencia en la cultura popular), también de la primera película que no llevaba al espectador por caminos que ya conocía (recuerden, hablamos de los años 50).  En definitiva, una escena subversiva, icónica y definitivamente frenética a todos los niveles que cambió la manera de ver el cine en el espectador, quien por vez primera no se sentía a salvo en una sala de proyección. El voyeurismo obtenía su inesperado castigo.Es bajo estos estoicos mimbres que "78/50" se adentra y analiza con absoluto fervor y embriagadora pasión la concepción de esta mítica escena. Y lo hace diseccionándola capa por capa a través de nombres capitales que marcan el cine de género hoy día como es el caso de los anteriormente mencionados. Desde sus múltiples interpretaciones a nivel conceptual y simbólico (el baño como un lugar privado que acabo por resultar intrusivo, la figura de la madre, el empleo del dispersor del agua como un elemento liberador que luego se convierte en turbador....) como formal y artístico (la fragmentación de los planos, la construcción del storyboard, el empleo de la banda sonora de Bernard Herrman, el montaje, el trabajo de sonido....etc). Es tu es cine amigos, o mejor dicho, el punto de inflexión que impulsó su necesaria ruptura y evolución. Cabe recordar que "Psicosis" supone la única vez que se llegó a emplear una semana de rodaje para dedicar a una sola escena. Cada uno de los segundos empleados quedan justificados. Esto es cine amigos. Cortina rasgada en el mejor de los sentidos.

34. HAVE A NICE DAY

Sección Oficial a Competición

Sabido y manido es el el Macguffin en cuestión que desencadena la violenta y descerebrada acción de “Have a nice Day”. Y este no es oro que una bolsa llena de dinero que se convierte por todos sus personajes en funesto objeto de deseo. Y no es precisamente por casualidad que el propósito del primer personaje que se hace con ella no sea otro que poder pagar una segunda operación de cirugía plástica a su novia. Es decir, una necesidad no tan primaria, más bien un innecesario anhelo inducido por una sociedad monstruosamente capitalista. Un incisivo punto de partida que directamente bebe de la estructura de thriller de entretenimiento típicamente norteamericano, aunque en este caso sea para hilvanar una denuncia no falta de profundidad, y mucho menos de lacónica sorna e inspirado humor negro, los males que conllevan el proceso de radical occidentalización por el que actualmente está atravesando la China de hoy.“Have a nice day” es una entretenida y simpática radiografía del desolador mapa de la China contemporánea que incurre en los demoledores cambios que está atravesando su sociedad, en el proceso de absoluta alienación y degradación que conlleva la eclosión del capitalismo y sobre todo, la supurante influencia que sobre ella ejerce la idealización de Occidente. Una denuncia cuyo vehículo no es otro que el de incurrir en las señas de identidad del thriller de entretenimiento norteamericano como mismamente podrían ser “Snatch: cerdos y diamantes” o “Pulp Fiction”. Con todo ello, la de Mao Zedong es una obra destinada a ganarse las simpatías del público general (y eso que es china, quien lo diría). Absoluta diversión, para una mirada tan gamberra como desatada, que transita un paisaje en ruinas provocado por una política de país decadente y corrupto y que no tiene parangón en sus constantes guiños a los iconos por los que se rige la vida en Occidente: desde Leo Messi a Donald Trump pasando por Steve Jobs, Bill Gates, El Padrino, A Todo Gas o incluso las Google Glasses. Y es que, como dice uno de sus propios personajes: “las nuevas tecnologías nos han llevado a vivir en un mundo mejor”

35. HOW TO TALK TO GIRLS AT PARTIES

Nuevas Visiones One

El retorno de John Cameron Mitchell a la dirección más desenfadada tras su incursión en el drama lacrimógeno con “Los secretos del corazón” fue uno de los eventos más esperados del pasado Festival de Cannes y aunque su propuesta dividió a la crítica, ha llegado a Sitges agotando entradas para todos sus limitados pases. “How to talk to girls at parties” basada en uno de los relatos cortos más personales de Neil Gaiman, combinan lo mejor de la ciencia ficción setentera con el estilo inherentemente cool de Cameron Mitchell, algo que quizá le impide ser todo lo punk que claman y demandan sus personajes. Trajes de látex, sexo alienígena y momentos musicales que evocan directamente a “Hedwig and the Angry Inch” ponen la guinda a este divertimento con un toque deliciosamente queer que nos recuerda porque estamos enamorados del cineasta estadounidense.

36. WORLD OF DARKNESS

Panorama Documental

"World of Darkness" no solo nos narra el fenómeno del rol desde una vertiente puramente didáctica que ayudará a ubicarse a aquellos que no frecuenten estos mundos, si no que también es un documento profundamente sincero y de valor incalculable para los conocedores de la saga. Creadores e implicados se abren ante las cámaras para confesar los errores cometidos en esta trayectoria: que van desde querellarse contra fans a no saber adaptarse a los nuevos tiempos que corrían, como bien ejemplifica la sonada cancelación del videojuego online de multijugador masivo basado en el universo World of Darkness. Tampoco falta espacio para la denuncia, y es que posiblemente World of Darkness, y sobre todo, su rama estrella, Vampiro: La Mascarada, haya sido uno de los productos culturales más influyentes de la pasada década pero también el menos reconocido. Buena cuenta de ello da la anécdota sobre "Blade", donde los creadores en su primera entrega copiaron indiscriminadamente y sin citarlos muchos de los diseños de Vampiro. Todo esto cambió en cuanto llegó Guillermo del Toro para la secuela, que lo primero que hizo fue contratar a los diseñadores principales de Vampiro. Guillermo, nunca sabrás cuánto te queremos. Una historia de éxitos y fracasos, pero con un más que posible final feliz ahora que la saga parece haber aprendido de los errores pasado, centrándose verdaderamente en los únicos que importan: sus fans.

37. MUTAFUKAZ

Anima´t

Cine, cómic y videojuego se mueven a ritmo de dubstep en esta alocada obra de animación que se ha convertido en una de las sensaciones de la Sección Anima't de este año. Como si de un shonen a la francesa se tratara, Renard y Nishimi desarrollan su trama en un universo que bebe por los cuatro costados de la herencia Rockstar, homenajeando a la entrega más querida de la saga GTA, San Andreas. Algo que no habrá pasado desapercibido para los fans, y es que hay referencias tan directas como mismamente lo es enfrentar a dos bandas rivales que utilizan los colores morado y verde como enseña. "Mutafukaz" es una Dark Meat City que grita Los Ángeles, con sus edificios en tonos acres, paredes recargadas con graffitis y calles rebosantes de basura que se pueden oler y sentir a través de la animación dibujada a cuatro manos por Studio 4ºC y Ankama, responsables entre otros de la adaptación cinematográfica de Berserk. La inventiva tanto en las tramas y subtramas propuestas, que bien podríamos atinar y señalar como misiones principales y secundarias, no deja de lado su exquisito diseño de sus personajes, tan atolondradamente loco y ecléctico que es capaz de aunar esqueletos con calaveras en llamas, homenajes al manga más clásico o todo un ejército de cucarachas. Una amalgama de influencias de excelente resultado que no renuncia ni a la autoreferencialidad gamberra ni al humor negro más absurdo. Eso sí, todo ello con mucho arte. Culto instantáneo.

38. BEFORE WE VANISH

Sección Oficial a Competición

Tal y como ya ha hecho en sus anteriores "Journey to the Shore" y "Creepy", el distinguido realizador japonés vuelve a romper las barreras que separan lo fantasmagórico de lo real para trasladarnos la apocalíptica visión que tiene de nuestra contemporánea sociedad. Y lo hace desde una narrativa que incurre en la ciencia ficción, el terror, la acción, el melodrama romántico y hasta la comedia. Un pastiche de géneros ensamblado con músculo pero también con sensibilidad y delicadeza, que sobrevuela una invasión extraterrestre que amenaza la tierra pero que ante todo, ofrece una lección moral y espiritual con la que combatir la alienación a la que nuestra vida social está abocada a día de hoy. Porque al fin y al cabo, “Before we vanish” habla de nuestra condición humana, o mejor dicho, de la falta de amor en las esferas más acomodadas o mejor dicho, la falta de su profeso, así como sus asoladoras causas y devastadores efectos. También de la necesidad que tenemos de dinamitarla para creer en una posible regeneración de nuestra sociedad desalmada.

39. A GENTLE CREATURE

Nuevas Visiones One

Sergei Loznitsa sorprendió a propios y extraños en 2010, cuando presentó en la Croisette la aterradora, compleja y misteriosa ficción "My Joy", una crítica feroz a los países del este, que aparecen marcados por la violencia y los principios más crueles de supervivencia, dando pie a una de las propuestas más sugestivas del festival. Más de lo mismo podríamos decir de "En la Niebla", segunda ficción con la que dos años después, repetía mismo impacto y misma precisión a través del relato de una tragedia que se desarrollaba durante la Segunda Guerra Mundial y estaba basada en la novela del escritor bielorruso Vassily Bykov. En ella básicamente nos hablaba de un hombre que intenta tomar una decisión moral en unas circunstancias inmorales. Pues bien, partiendo del relato corto de Feodor Dostoievski La Sumisa, Sergei Loznitsa vuelve a evocar el discurso y estructura de "My Joy", condesado en el humillante y anacrónico trayecto que recorre una mujer con el objetivo de proveer de alimentos a su marido encarcelado a través de una Rusia devastada por la miseria. Un viaje sórdidamente barroco sembrado de violencia y martirio; la historia de una batalla absurda contra una fortaleza impenetrable, reflejada en las diferentes situaciones y experiencias, a cada cual más miserable y degradante, que viven y relatan la cartografía de estrafalarias almas errantes que nuestra impertérrita protagonista se va encontrando a través de su descarnada epopeya. Suerte de surrealista crónica de sucesos (que, sin embargo, todos son basados en hechos reales) tan desoladora como trágica, a la que bien podríamos sumar el que nuestra propia protagonista le golpea. Un contexto putrefactamente kafkiano en el que no hay leyes ni moral ni por su puesto, ética. O mejor dicho, la hay, pero al servicio y beneficio del poder gubernamental. Definitivamente, qué difícil es ser ruso.

40. M.F.A

Nuevas Visiones One

Era uno de los secretos mejor guardados de demasiadas universidades estadounidenses. Una gran vergüenza encubierta por muchos y silenciada por otros tantos que ha comenzado a exponerse en los últimos años gracias a las voces de valientes cineastas que se han sacudido de la culpa impuesta por la sociedad y han reunido el valor para contar su verdad al mundo. Hablamos de las violaciones en los campus, ya sean dentro de parejas estables o encuentros de una noche. Relaciones sexuales sin el consentimiento de la mujer que muchas veces han acabado en asaltos en grupo o grabaciones que posteriormente se subían a las redes sociales. Entre estas nuevas voces se encuentran Natalia Leite y Leah McKendrick, autoras de este rape and revenge intrínsecamente femenino pero también feminista que no está dispuesto a dejar títere con cabeza. En “M.F.A” hay sangre, muertes viscerales y, sobre todo, una de las heroína con más claroscuros y matices que hemos visto en los últimos años. Un ser pluridimensional que ante el inmovilismo de la sociedad y la justicia decide aplicar su particularísima versión del “ojo por ojo, diente por diente”. Una nueva prueba más de que las mujeres se están adueñando del género del terror y cada uno de sus subgéneros, para ofrecer una mirada que durante tantos años les había estado vetada. Subversión en estado puro.

BONUS TRACK I: BRIGSBY BEAR

Mejor Película Sección Oficial Discovery

Apadrinada por dos grandes nombres de la comedia norteamericana reciente como Andy Samberg y Christopher Miller, máximos representantes de una de las últimas y más destacables generaciones de Saturday Night Live, “Brigbsy Bear” funciona como una mezcla nada gamberra pero muy entrañable entre “Unbreakeable Kimmy Schdmit” y “Be Kind, Rewind”. Dave McCary apuesta por un guión amable con algún que otro punch line inspirado para hablarnos de la fuerza del fandom y los lazos de unión que construyen aquellos que lo comparten. Con las actuaciones estelares de Mark Hamill, que vuelve a demostrar sus dotes en el terreno del doblaje, o Kyle Mooney, que se cuenta entre los mejores actores del plantel cómico de SNL actual, “Brigbsby Bear” acaba siendo tan inofensiva como inocua, lo cual resulta algo decepcionante teniendo en cuenta los nombres que la abanderan.

BONUS TRACK II: KUSO

Mención Especial Nuevas Visiones One

Llegó a Sitges bajo la vitola de ser nombrada a su paso por Sundance como la película más grotesca y desagradable jamás rodada. En "Kuso" una serie de sucesos se desarrollan tras un devastador terremoto en Los Ángeles, a cada cual más repulsivo y nauseabundo. Más allá de su nulo sentido narrativo, de la carta blanca sobre la que se escuda para desatar toda clasae de improperios formales, cierto es que la película de Flying Lotus atisba un indiscutible sentido artístico en la confección de sus asquerosas y escatológicas secuencias, a cada cual más vomitiva e inmunda. ¿Futuro culto? Allá cada uno.


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