Las 40 principales del Festival de Cannes 2019

Autor: Joan Sala Fuente: Filmin

Las 40 principales del Festival de Cannes 2019

Echamos el cierre a nuestra cobertura de esta 72 edición del Festival de Cannes destacando las 40 principales de un certamen poblado de películas extraordinarias en el que los tres representantes españoles han resultado galardonados. Ha sido el caso de "Dolor y Gloria" (Mejor Actor para Antonio Banderas), también del "Liberté" de Albert Serra y de "O Que Arde" de Oliver Laxe (Premio del Jurado y Premio Especial del Jurado en Un Certain Regard respectivamente). 

Hablamos de ejercicios distinguidos por una sorprendente libertad creativa que han fascinado a propios y extraños en el festival mas relevante del mundo. Y lo han hecho en una edición que será recordada por su marcado carácter político, pero también por el empleo del cine de género como principal vehículo para articular la mas incisiva denuncia social. Ha sido el caso del cine de zombis por ejemplo, el de los cuerpos despojados de esencia y alma que han capitalizado algunas de las propuestas mas intensas e interesantes que hemos disfrutado en este festival. De los ultracuerpos de Jessica Hausner a los zombies de Jim JarmuschMati Diop o Bertrand Bonello. Nunca mejor dicho, el cine como reflejo de nuestra sociedad. Y en efecto, miedo que da.

1. PORTRAIT DE LA JEUNE FILLE EN FEU de Celine Sciamma

Mejor Guión

¿Qué es?

Bien podríamos presentarla como un posible cruce entre "La joven de la perla""Reina Cristina". También como la otra cara de la moneda de "La vida de Adele". Pero lo que ante todo es; una reinterpretación conmovedoramente poética, inevitablemente dolorosa pero también profundamente enternecedora, del mito de Orfeo y Eurídice. Lo que debería haber sido una incontestable Palma de Oro en resumidas cuentas.

¿Qué ofrece?

Una historia de amor, sororidad, de feminismo y feminidad, que habla sobre arte, mitología y vitalidad, sobre liberación existencial y, en definitiva, sobre lo que debería ser la celebración de la vida o también, valga la contradicción, sobre la imposibilidad de celebrarla desde la plenitud en cuerpo y alma. En efecto, hablamos de la historia por excelencia del amor platónico, la imposibilidad de vivir un amor profundamente veraz e incondicional. Un mito, el de Eurídice y Orfeo, que Celine Sciamma hace suyo, reinterpreta, escenifica y tiene permanentemente presente, a su fascinante manera a través del pasional romance, tan contenido como definitivamente sincero y auténtico, que viven (y padecen) Marianne y Héloïse. Una preciosa historia de amor, un apasionado fresco de emociones y deseo oprimido (pero también inrrefenable) que más allá de incidir en la relación creativa entre el que observa y es observado, lo que ante todo retrata y representa es la presencia de un amor pasado y la resonancia a largo plazo de ese amor experimentado en nuestro corazón, que de alguna manera compensa su pérdida. Sentimientos que florecen a corazón abierto y que son representados a través de un dispositivo formal austero en su superficie pero inabarcablemente complejo, rico y sensible en su interior. Largos planos secuencia con elementos mínimos encuadrados para dar forma a un doble retrato femenino que, a camino entre la sensación de nostalgia y melancolía, pero también del desahogo y la liberación que, entre perder la alegría pero también recuperarla, nos regala además un buen puñado de secuencias memorables de un intenso poderío emocional que son artísticamente sublimes.

En Filmin puedes ver: Girlhood y Tomboy


2. DOLOR Y GLORIA de Pedro Almodóvar

Mejor Actor

¿Qué es?

Todo sobre Almodóvar. Una obra prácticamente maestra que supone, además, la mejor interpretación de Antonio Banderas en toda su carrera.

¿Qué ofrece?

Y no me llores por favor. Los actores os empeñáis en buscar al lágrima en todo momento, no me llores en el escenario que el buen actor de verdad lo que hace es luchar por contener las lágrimas, no por soltarlas". Frase tan sugestiva como lapidaria, tan profunda como decididamente honesta, que define el sello de un artista. De hecho, es el consejo clave que Banderas en la piel de Salvador (es decir, del propio Pedro) da a quién fuera su actor fetiche, Alberto (interpretado por un genial Asier Etxeandia). Y es, también, el principio básico por el que se rige la magistral "Dolor y Gloria". La contención en su dimensión más emocional y a su vez, en su versión más cruda y pura, siendo el que desprende algo así como un efecto tántrico, en el que uno no para de sentir y padecer, de sonreír y suspirar, de deleitarse pero también compungirse con un obra que esta cuidada al mas mínimo detalle, que a pesar de su innegable esteticismo, de ese sello pop-art que tanto y tan bien caracteriza el cine de Almodóvar, lejos de parecer impostada, resulta del todo orgánica y natural. Y es que fluye sola. 

En efecto, la última creación del maestro manchego es un artefacto visualmente sublime, autobiográficamente catártico, que más allá de hablarnos del ocaso de un director, la que nos cuenta es ante todo una historia de reencuentros. Reencuentros ante cámara y tras ella. El reencuentro de Antonio con Pedro, el de Pedro con su infancia, con su madre, con la España de los 80, la de los 60 y, por descontado, el de Pedro con el cine (y su cine). Un cine que como él mismo nos reconoce, "le salvó". Un cine que además de suponer una tabla de salvación para afrontar y vivir en plenitud el ciclo de la vida, en el caso de "Dolor y Gloria" significa asimismo una nueva cumbre para el director manchego, en cuyas cotas tienen cabida los amores y desamores, el coqueteo con las drogas, el trauma del proceso creativo, la nostalgia por un pasado tortuoso pero a su vez idealizado que también ciñe luminosidad sobre un presente en el que parece no haber lugar para la felicidad, sí para el vacío. Contradicciones y contrastes del todo estimulantes que, unidos a su carácter agudamente metacinematográfico, a un cierre que directamente será recordado como uno de los más redondos de su cine.

En Filmin puedes ver: Toda la obra de Almodóvar

Crónica Cannes 2019:

3. O QUE ARDE de Oliver Laxe

Premio del Jurado - Un Certain Regard

¿Qué es?

"Le Quattro Volte" a las cenizas de la lumbre.

¿Qué ofrece?

Difícilmente se habrá visto en el marco de esta emergente sección un artefacto tan poderoso en su dimensión cinematográfica que asimismo presente una cohesión tan sensible y pertinente entre su imponente aparato formal y su sobrecogedora alma discursiva, la cual ante todo profundiza en la comunión entre humanidad y naturaleza, entre la coexistencia de ambas pero también en las devastadoras consecuencias a las que puede conllevar la interferencia humana en el cosmos de la tierra. 

“O que Arde” se desarrolla a lo largo de las cuatro estaciones del año y asimismo esta dividida en dos partes claramente diferenciadas. De la armonía a la ceniza, de la existencia idílico a la catastrófica. Y es que de lo que principalmente nos habla es de la naturaleza como necesaria fuente de vida sí, pero ante todo, de naturaleza humana como su posible asesina. De la génesis a la defunción, del poder que tenemos para florecer y sembrar a nuestro instinto destructor. Nunca didáctica, ni tampoco sentimental, Oliver Laxe asume riesgos formales y creativos que solventa con marcada sobriedad a su vez que evita en todo momento juzgar a sus personajes. Sobre todo al principal, un Amador cuya figura, nunca redimida, ejemplifica a la perfección el cuerpo y alma de este sobrecogedora mirada que más allá de no entender de barreras entre ficción y documental; de brindarnos la oportunidad de disfrutar y experimentar la mítica Suzanne de Leonard Cohen en toda su dimensión (denlo por hecho, será una de las secuencias mas memorables de este festival); rueda el fuego con un poderío jamás visto. El cine como experiencia, la naturaleza como un paraíso convertido en un cenicero masivo. Aprendamos de ella. 

En Filmin puedes ver: Todos vosotros sois capitanes

Crónica Cannes 2019:

4. LIBERTÉ de Albert Serra

Premio Especial del Jurado - Un Certain Regard

¿Que es?

 Un cruce entre ”El Desconocido del Lago" y “Saló” según el Marqués de Sade. La expansión cinematográfica de "Personalien", la radical y sugerente videoinstalación que Serra ideó para el Museo Reina Sofia, donde dentro de una sala a oscuras, y con dos pantallas puestas de frente haciendo imposible ver las dos a la vez, nos convertíamos en uno de los personajes vouyers que pueblan este bosque de libertinajes y sexo desenfrenado. Que en “Liberté” nos encontremos con el actor fetiche de Visconti y la musa de Fassbinder es toda una declaración de intencionesHelmut Berger e Ingrid Caven hacen de Europa y su historia una bacanal.

¿Qué ofrece?

Uno tiene la sensación de que precisamente fueron los consensuados halagos recibidos por su anterior y extraordinaria “La Muerte de Luis XIV” el hecho de que fuera unánimemente señalada como su obra más accesible y redonda hasta la fecha, lo que ha llevado al realizador catalán a plasmar este ejercicio de libertad creativa tan extremadamente descarada, libérrima y provocativa en su contenido, como fascinante e hipnótica en su forma. En efecto, parece que  Albert Serra 'se ha picado' y enfadado tras recibir esta clase de halagos generalizados a los que no parece estar habituado, lo que le ha llevado a dar un contundente golpe sobre la mesa. Hasta tal punto que “Liberté” lo que nos escenifica es un retrato insuperablemente grotesco de la antigua Europa en el que las nuevas modas y las prácticas comerciales son degradadas a través del sexo y el placer corporeo hasta cuotas insospechadas. Sexo explícito en su versión más flagelada que, no por ello, deja de aportar y brindar un rotundo ejercicio de libertinaje a una de las edades más opresivas de nuestro lustroso continente. 

Pero más allá de mostrar besos negros y lluvias doradas sin pudor alguno, del festín de fluidos y excrementos que orgiásticamente “Liberté” retrata como si en un 'cuarto oscuro' se enmarcara, como si el cruising más sádico y masoca transitara, la última creación del director de "Honor de Cavallería" es, asimismo, una lúdica celebración de la dimensión seductora del lenguaje del cine y, sobre todo, de su arte. De su espectro más  placentero y hechizante partiendo de su contenido más decrépito. El deseo convertido en infradeseo a manos de seres espectrales que revierten la crueldad en placer, la perversión en en celebración de un cine que como su título bien indica, no hay límite alguno que lo acote. Y es que todo vale en este cuadro intrínsecamente blasfemo pero que se siente ante todo maestro.

En Filmin puedes ver: La Muerte de Luis XIV, Historia de mi muerte, El cant dels ocellsHonor de Cavallería.


5. PARASITE de Bong joon-ho

Palma de Oro Mejor Película

¿Qué es?

Bien podría ser Hirokazu Kore-eda + Kiyoshi Kurosawa. También algo así como "Un asunto de familia" + "El sirviente"

¿Qué ofrece?

La lucha de clases es un tema recurrente y muy presente en la filmografía de Bong joon-ho. De hecho, lo ha tratado desde registros y contextos muy opuestos y diferentes. Fue el caso de su ópera prima "Barking Dog" (2000), donde la abordó desde la comedia absurda, también en "The Host", en este caso en forma de monster-movie o por supuesto, a través del cine negro con la excepcional "Mother". En el caso de "Parasite" en cambio, lo hace mezclando la comedia picaresca con el thriller, haciendo colindar la esfera doméstica con la social para criticar los devastadores efectos alienantes que la desigualdad social puede provocar en el individuo y, ante todo, la capacidad que tiene para hacer erosionar la familia como núcleo. También se pregunta sobre la imposibilidad de que la clase alta y la baja puedan co-existir en equilibrio y armonía. De hecho, la pregunta que su delirante nueva obra ante todo nos formula es, cual de los dos bandos es el verdadero parásito...si es que lo hay. Porque si existe una virtud realmente novedosa en lo que al cine de lucha de clases respecta es que "Parasite" no juzga en ningún momento a sus personajes, evitando así caer en todo momento en el habitual maniqueísmo que caracteriza el cine que enfrenta las altas esferas con la bajas. Es decir, ni los ricos son demonizados, ni los pobres expiados. De hecho, tanto unos como otros destacan por el amor incondicional que entre ellos se profesan. Es decir, por muy opuestas que sean ambas familias, elevan el concepto de convivir a su máxima exponencia. ¿El problema? Que es precisamente un elemento externo como la desigualdad social, el funcionamiento y mecanismos de un país como el de Corea, quien dinamita su felicidad y armonía. En efecto, aquí no hay héroes ni villanos, todos son víctimas. Es bajo este contexto tan profundamente humano que Bong joon-ho articula una explosiva mezcla de géneros donde el suspense y el humor negro gestan una sátira social que más allá de articular una contundente denuncia, es ante todo un sorprendente divertimento dirigido con incontestable pulso, en el que hay lugar para inesperados giros así como para situaciones donde el surrealismo abraza de lleno el realismo. 

En Filmin puedes ver: Mother y The Host

Crónica Cannes 2019:

6. MEKTOUB MY LOVE: INTERMEZZO de Abdellatif Kechiche

Sección Oficial

¿Qué es?

Platón en la discoteca. Algo así como "Clímax" bajo la mirada del hedonismo juvenil y la male gaze

¿Qué ofrece?

"Asimilar la Caverna de Platón a la esfera de una discoteca no es una broma iconoclasta. La tal esfera quiebra la luz, impidiendo la visión, y fomenta expectativas ilusorias. Por eso fortalece la reclusión de los prisioneros que, anclados en sus sueños, no querrán abandonar la cueva. Pero hay algo más: los diminutos espejos de la esfera quizá indiquen la informaciónque hoy se nos da: global, sí, pero fragmentada. Más que imágenes de una presunta realidad, pueden ser sólo propuestas de distintos centros de poder, económicos, religiosos, políticos o mediáticos".

Es un extracto del artículo que, 10 años atrás, Juan Bosco Díaz Urmeneta dedicaba en El País a la exposición, Platón en la Discoteca, creada por Chema Cobo. Una muestra que si tuviera una adaptación cienamatográfica, ésta podría se rel Intermezzo de Kechiche, un radical ejercicio de provocadora y extrema libertad creativa que, a lo largo de mas de tres horas, se suspende en una noche de fiesta en una discoteca para retratar las pulsiones del deseo, sobre todo de la fantasía masculina heterosexual, pero también la femenina. Un tour de force a todos los niveles única y exclusivamente propulsado por instinto del deseo corpóreo y que, denlo por hecho, muchos condenarán por la cosificación de la mujer, por la intrínseco male gaze sobre la que bascula una mirada del todo agotadora y dilatada, pero también fascinante y absolutamente magnética la cual, para quien se quede en la superficie, la verá única y exclusivamente al servicio del exhibicionismo femenino, del regodeo hacia los culos y nalgas, hacia el constante contorneo de cuerpos femeninos tratados como meros objetos de deseo de la fantasía hetero masculina. Pero mas allá de ello, que así es, lo que "Mektoub, My Love: Intermezzo" ante todo emana es un ejercicio de radicalidad y libertad creativa sin miedo alguno a posibles prejuicios que directamente podríamos emparentarla a la "Liberté" de Albert Serra. Una obra explosiva y provocativa que destila naturalismo partiendo del artifcio, una mirada permanentemente embadurnada en bailes de música disco, en cubatas de vasos de tubo y plástico, en sudores y fluidos, en twerkings, frotes y magreos, cuya cámara se guía única y exclusivamente por el instinto del deseo, no solo masculino, también femenino. Y lo hace desde un carácter hedonista que se adentra en su dimensión mas orgiásticamente lasciva, sin juzgar en ningún momento los actos de sus personajes, que no entienden de posible toma de conciencia ni racionalidad, sí de llevarse por ese mero instinto que encuentra placer en la obscenidad siendo controlado única y exclusivamente por las pulsiones del deseo en su dimensión más visceral.

Tampoco podemos obviar el papel clave que en "Mektoub My Love: Intermezzo" juega su protagonista Amin, quien sigue diferenciándose del resto de personajes en su mirada distanciada y sensibilidad artística. Lo que bien vendría a ser, su forma opuesta de experimentar el deseo. De hecho, hay una secuencia clave en el que una de las chicas le espeta "deja ya de mirar y ponte a bailar. Vive la vida". El caso es que quizás ya la esté viviendo y su forma de hacerlo no sea otra que asistir a la forma en que tienen ellos de celebrarla desde la mirada fascinada sí, pero también antropológica. Resulta también del todo significativo que en la única escena de sexo explícito que, por cierto, está maravillosamente rodada, el hombre está en todo momento al servicio de la mujer. Claramente ella por encima de él. Con todo ello, lo que "Mektoub My Love: Intermezzo" nos deja claro es que Kechiche la ha filmado desde sus entrañas sin detenerse a pensar en ningún momento lo que ello puede provocar. El cine como celebración de la carnalidad del deseo, la cámara como conductor de ello. Y este servidor que por nada del mundo se perderá su tercera entrega, el cierre de fiesta. Visto lo experimentado, la resaca por descontado que merecerá la pena.

En Filmin puedes ver: La vida de Adèle, Cuscús y Poesía y Juventud

Crónica Cannes 2019:

7. THE LIGHTHOUSE de Robert Eggers

Premio FIPRESCI

¿Qué es?

Uno de los principales fenómenos del próximo Festival de Sitges. El hype se le queda corto. 

¿Qué ofrece?

La prueba definitiva de que en Robert Eggers tenemos uno de los grandes maestros del terror del momento. Un auténtico visionario y orfebre del género gótico que con "The Lighthouse" ha vuelto a demostrar que el primer paso para ser genio, además de artista, es tener los orígenes de aquello que creas profundamente estudiados e interiorizados. Y es que si nos atenemos exclusivamente a su guión, la historia de "The Lighthouse" como que ya nos la conocemos. Dos fareros abandonados a su suerte en lo que bien podría ser los confines del mundo que entran en una fase de enajenación alucinatoria. Así sería si no fuera porque el relato viene ensamblado por un dispositivo formal y una dirección de actores tan bárbara como sobresaliente que ante todo evoca el cine expresionista alemán entre sus múltiples referentes, en el que cada una de sus secuencias y planos minuciosamente trabajados y artesanalmente elaborados resultan en sí un cuadro. Atención especial merece el hecho de la capacidad que "The Lighthouse" atesora para homenajear el cine silente haciendo en todo momento empleo de un trabajo de sonido permanentemente turbador y agresivo que adquiere un especial protagonismo en todas y cada una de las secuencias. De Fritz Lang a F.W. Murnau pasando incluso por Melville o Jean Vigo, la mitología marina adquiere de la mano de Robert Eggers su máxima expresión pesadillesca. Obra impactante, artísticamente sublime y rebosante de secuencias memorables que es, desde ya, una de las grandes favoritas para hacerse con el premio gordo en el próximo Festival de Sitges.

Crónica Cannes 2019:

8. IT MUST BE HEAVEN de Elia Suleiman

Mención Especial

¿Qué es?

La cuestión palestina de Edward W. Said llevada al cine por un cruce entre Buster Keaton y Roy Andersson.

¿Qué ofrece?

Una obra tan cínica como deliciosa que esta articulada a base de inspiradísimos y delirantes set-pieces, de una suerte de tableaux-vivants conducidos todos ellos por la extrañada mirada de Suleiman quien, desde le tratamiento minimalista, desde el vaciado en la puesta de escena y partiendo del gag que en todo momento provoca esa suerte de risa helada a la que lleva el humor esquinado, tan incómodo como inspirado, colisiona Oriente con Occidente, las contradicciones que rigen a un hemisferio tanto como al otro. Una comedia de denuncia social y política que ante su aparente ligereza guarda en su interior un corazón del todo humano del que laten las tensiones geopolíticas que actualmente parecen tener a la totalidad del mundo condenado. Ya sea en Palestina, Paris o Nueva York. El festival no podía acabar mejor. 

Crónica Cannes 2019:

9. ÉRASE UNA VEZ...EN HOLLYWOOD de Quentin Tarantino

Sección Oficial

¿Qué es?

La celebración del cine por encima de todo.

¿Qué ofrece?

La obra más lúdica y reivindicativamente cinéfila que Tarantino ha creado hasta la fecha. De hecho, el corazón y esencia de "Érase una vez...en Hollywood" viene inmejorablemente resumido y predefinido por su título, nada gratuito. Hollywood, o lo que vendría a ser el cine como esa fábrica de sueños y transformación de realidades, como ese lugar libre de cualquier posible ambage en el que de todo puede suceder, por más que hablemos de fantasías futuristas o historias basadas en hechos reales, de sucesos históricos o presentes paralelos. El cine como elemento de diversión en el que hay cabida a toda posible transformación independientemente del material que trate.

Así se nos presenta una obra nuevamente extraordinaria, para nada menor, que cierto es, posiblemente sea la menos lúcida en cuanto a texto y diálogo de cuantas Tarantino ha gestado a la fecha. Sin embargo, es, también, la metacinematográficamente más rica y sorprendente. Y es que si todo el cine del director de "Reservoir Dogs" es ya de por sí es un puro y permanente homenaje a la historia del séptimo arte, "Érase una vez...en Hollywood" supone ya su auténtica cumbre. De hecho, hablamos de una mirada del todo transgresora capaz de transformar la realidad desde el sentimiento de la nostalgia, de hacer con ella lo que le plazca. Y es que, repito, hablamos ante todo del cine como fábula, de un arte donde el respeto por el paso del tiempo es al único condicionante al que se debe, por más que a muchos les pese. El resto, en manos de Tarantino, es un ente del todo lúdico y completamente libre. Tanto es así que su nueva y muy disfrutable obra lo es más que nunca si cabe. "Érase una vez...en Hollywood" nos habla, entre otras cosas, de la pérdida de la inocencia que sufrió la meca del cine a través de un suceso trágico. Bajo esta premisa y este contexto, a camino de la comedia más descerebrada y de una suerte de deconstrucción del western; de constamente meter el cine dentro del cine (los guiños son omnipresentes e innumerables); de plasmar un juego de espejos y reflejos marcado por un permanente registro de inspirados homenajes; de propulsarla con una banda sonora sesentera del todo mítica y reconocible; Tarantino prioriza el tributo más apasionado y desbocado a la creación cinematográfica y a su historia (o a la transgresión de la misma) que a la iluminada y clarividente verborrea que, en este caso, por más que haga acto de presencia, todo hay que decirlo, no tiene tanta fuerza. Lo mismo da. El cine por encima de todo.

En Filmin puedes ver: Reservoir Dogs

Crónica Cannes 2019:

10. ZOMBI CHILD de Bertrand Bonello

Quincena de los Realizadores

¿Qué es?

"Picninc en Hanging Rock" + "Yo anduve con un zombi"

¿Qué ofrece?

Si en la anterior y polémica "Nocturama" su explosiva crítica social y política venía protagonizada por una juventud sobreinformada, una juventud supuestamente culturizada que, a pesar de presentarse en un principio como madura y concienciada, uno finalmente se daba cuenta de que no eran más que maniquíes damnificados y acuciados por una vulnerabilidad extrema, merced de los opresivos mecanismos policiales y políticos instaurados por el propio país al que se debían (es decir, una juventud abandonada a su suerte por los estamentos gubernamentales de una Francia que lejos de protegerlos, los anula y sobreexpone), "Zombi Child" vuelve a incurrir en una nueva y supurante denuncia política y, en este caso, ante todo histórica. Sumergiéndose nuevamente en un cosmos juvenil que, en este caso, es del todo elitista y privilegiado y vive prácticamente encapsulado y aislado. Y lo hace acercando y confrontando dos mundos geográficamente distanciados pero sociopolíticamente sometidos y ligados; que atañen al pasado y al presente; al mundo precario con el pudiente y acomodado; al mundo real con el sobrenatural y, en definitiva, al reconocimiento de los efectos del colonialismo en nuestra realidad occidental. Todo ello ejemplificado e ilustrado en los lazos que unen un país como Francia con su colonizada Haití. Como quién diría, de la colonización francesa a la esclavitud económica de la deuda. La sanción que Francia impuso a Haití cuando esta se ganó su independencia, bien podría estar en el trasfondo de esta suerte de parábola fantástica a través de la cual Bertrand Bonello tiene su particular forma de reivindicar y exigir que la deuda sea definitivamente restituida y devuelta. No tanto a nivel económico, que también, si no a nivel moral, ético y, ante todo, político y humano. 

En este sentido, "Zombi Child" es una teen-movie semi-etnográfica que, más allá de zombis o de sororidad, de lo que ante todo nos habla es de una alarmante negación de la memoria histórica que conlleva la ocultación de nuestra verdadera realidad social. Una obra formalmente hechizante y poderosa en la que el terror que constantemente la sobrevuela acaba por entonar el "you'll never walk alone". En efecto, miedo que da, y que siempre nos acompañará.

Crónica Cannes 2019:

11. ROUBAIX, UNE LUMIÈRE de Arnaud Desplechin

Sección Oficial

¿Qué es?

"Ni jueza, ni sumisa" "El Dossier 51""Arresto Preventivo" + "Ley 627"

¿Qué ofrece?

Una obra portentosa ensamblada con precisión de bisturí y que funciona como un reloj suizo en la que una pareja de policías se enfrenta a la humanidad de dos asesinas. Así se nos presenta, "Roubaix, une lumiére", la nueva ficción del realizador francés Arnaud Desplechin que apenas sintomatiza grieta alguna. Una propuesta profundamente humana que transcurre entre el thriller y el drama, entre el fresco social más realista y el polar francés más metódico y analítico. De hecho, bien podríamos empezar por afirmar que encontramos dos películas bien diferenciadas, aunque absolutamente complementarias, que conviven en una misma. En la primera parte, se nos presenta la investigación de casos y sucesos aparentemente "rutinarios" a los que se enfrenta el departamento de policía de Robeaux, desde los perpetrados por criminales de poca monta que bien pueden ser pequeños hurtos, pero también de mayor trascendencia como puede ser la desaparición de una joven adolescente que podría apuntar (o no) a una abducción yihadista. De esta manera, la cara oculta de la sociedad queda expuesta a través de su perspicaz mirada. Y entre estos caso encontramos precisamente el que da pie al registro marcadamente policíaco en el que se adentra su segunda parte. Un incendio provocado con el que dos jóvenes intentan ocultar el asesinato cometido sobre su anciana vecina da pie a la metódica disección de los mecanismos de investigación e interrogación que llevan a cabo el equipo de investigación encabezado por el comisario Daoud. Una investigación en la que lo importante no es la dimensión del acto criminal que, sobre el papel, bien podría responder a un mero suceso; si no el detalle analítico, el poderío cinematográfico con el que, paso a paso y con todo lujo de detalles, se va desarrollando hasta el punto que emerge la verdadera alma de "Roubaix, une lumiére", en especial en cuanto a la humanidad que emanan las confesiones de las sospechosas y la que impone a la atmósfera fría y criminales que, en todo momento, impregna esta impecable obra. De hecho, probablemente sea este halo de humanismo al que hace referencia "la lumiére", la luz, de su título original. 

Mención aparte merecen el excepcional y solemne trabajo de iluminación y fotografía con el que la cinematógrafa Irina Lubtchansky (con la que Desplechin ya trabajara en las previas "Tres recuerdos de mi juventud" y "Los fantasmas de Ismael") consigue transmitir la sensación de desazón humana de la que "Roubaix, une lumiére" constantemente se empapa. También la inmersiva y omnipresente banda sonora compuesta por Grégoire Hetzel que en todo momento emana una sensación de trascendentalidad, misterio y tragedia. Con todo ello, en efecto, hablamos de una propuesta prácticamente perfecta.

En Filmin puedes ver: Jimmy P. y Un Cuento de Navidad

Crónica Cannes 2019:


12. BEANPOLE de Kantemir Balagov

Mejor Director y Premio FIPRESCI - Un Certain Regard

¿Qué es?

Un cuadro maestro en el que en su fascinante ensamblaje formal se perciben ecos que van desde Aleksey Balabanov a Aki Kaurismäki pasando por Christopher DoyleAleksandr Sokurov“L’Apollonide” o incluso “La Posesión”.

¿Qué ofrece?

“Beanpole” es, ante todo, una historia de mujeres en guerra. Un poderoso retrato femenino que lejos de enclavarlas al ámbito doméstico, trasciende el sometimiento de su figura al entorno hogareño. Es decir, Iva y Masha son dos mujeres que intentan resurgir de sus propias cenizas tras regresar de luchar en el frente contra el ejército nazi. Y lo hacen en un Leningrado completamente dinamitado, en el seno de un país existencial y físicamente abatido, a su vez que afrontan su papel en la sociedad condicionadas por la impuesta obligación biológica de ser madres. 

De hecho, es el vínculo materno filial, o mejor dicho, la lucha de ambas por gestarlo (y también erosionarlo) el motor principal de esta obra de apabullante poderío estético, concretamente pictórico. De hecho, si hay un defecto a destacar de ella es que su estructura y evolución narrativa, que se percibe a ratos estancada y excesivamente dilatada, no llega a estar nunca a la altura de su hechizante excelencia formal. Y es que a pesar de que “Beanpole” es un cuadro en constante movimiento en el que el tratamiento del color y el empleo de la luz adquieren una resonancia majestuosa, esto no conlleva que, en sus secuencias más memorables, en sus más destacables picos de grandeza, vuelva a incidir en ese inconfundible recurso de incrustar la cámara por el que se caracterizó su reveladora ópera prima. Un estoico ejercicio de contención emocional y de prodigio formal que nos confirma que el cine ruso (y europeo) tiene un nuevo nombre capital. Celebrémoslo.

En Filmin puedes ver: Demasiado Cerca (Tesnota)

Crónica Cannes 2019:

13. FRANKIE de Ira Sachs

Sección Oficial

¿Qué es?

Algo así como si Rohmer y Ozu rodarán a cuatro manos un spin-off de "Call me by your name"

¿Qué ofrece?

Ira Sachs deja de lado Nueva York para viajar a nuestro lado del charco, concretamente a Portugal, y radiografiarnos tres generaciones que luchan contra una experiencia que les cambiará las vidas durante un día de vacaciones en Sintra, histórica ciudad lusa conocida por sus jardines, villas y palacios de ensueño. Con una influencia claramente rohmeriana, con ecos incluso de Ozu, y enmarcada por el director de fotografía de "Zama", de lo que “Frankie” básicamente nos habla es del fluir de la vida en el final de la misma. Y es, también, la película más hermosa y luminosa de cuantas probablemente hayamos disfrutado en esta 72 edición del Festival de Cannes. Con su última creación el responsable de"el amor es extraño" ha vuelto transformar sus vivencias personales, su forma de percibir su existencia y de quienes le rodean, en película. Aunque en el caso de “Frankie” lo que precisamente ha hecho es directamente trasformarla en una obra de arte. Una película estéticamente esplendorosa, con un tratamiento visual en el que los colores vivos y saturados, así como la radiante luminosidad del sol acaparan y envuelven todos y cada uno de los planos. Luz y color para retratar el ocaso, el final de la vitalidad, el fin de una vida o de una relación. Pero igual que por un lado se acaba, por el otro empieza. Emocionante contradicción, sentida reflexión, hermosamente sutil y embriagadora, que además profundiza en la ruptura del modelo de familia tradicional como tal a través del choque generacional y cultural. Simple y llanamente celestial.

En Filmin puedes ver: Verano en Brooklyn, El amor es extraño, Keep the Lights On, Forty Shades of Blue

Crónica Cannes 2019:


14. LA GOMERA de Corneliu Porumboiu

Sección Oficial

¿Qué es?

Un thriller deconstruído que codifica la realidad y que lo que ante todo relata es una historia de amor.

¿Qué ofrece?

El realizador rumano Corneliu Porumboiu ofrece un punto y seguido a su anterior y magnífica "Police, Adjective" con un genial, jocoso y audaz thriller deconstruido que entre otros muchos atractivos tiene el de presentar a Agustí Villaronga como un rey narco canario. "La Gomera" se nos presenta como la deconstrucción de un thriller policíaco que bien podría ser al uso, si no fuera por la gestación, en forma de galimatías, de un guión completamente desestructuralizado. En ella tenemos policías corruptos, una banda de narcos, una femme fatale y lo que ya no es tan habitual y provoca que sea especialmente curiosa, la exploración del poder de la lengua, sobre todo cuando es ancestral e irreconocible para los demás (lo sabe bien un servidor que habla euskera). Y es que en este concreto caso, lo que se nos sugiere es que el silbido gomero sirve para escapar del control al que nos tiene sometidos la sociedad actual, ya sea en el mundo real o ante todo, virtual. De hecho, resulta curioso que, aún y teniendo lugar la acción a día de hoy, el único teléfono móvil que aparece en la película es utilizado para escribir un SMS (ni tan siquiera es smartphone).En este sentido, su anterior y extraordinaria "Police, Adjective" ya era una obra centrada en el lenguaje y en la manera de utilizarlo como arma política. Es decir, punto y seguido. Lo genial de "La Gomera" es que desde el mismísimo principio se reta al espectador. El que se nos propone es un rompecabezas en el que difícilmente lograremos encajar todas y cada una de las piezas. Lo mismo da, de hecho, es lo que da interacción y dinamismo a esta propuesta tan particularmente compleja en su aparente simpleza. Una película genialmente elocuente a todos los niveles (aunque principalmente en el narrativo) que triunfa incluso cuando hace uso abrupto del empleo de un humor esquinado o de una fuga 'meta' que tiene como protagonista al mismísimo director. El premio a Mejor Guión debería haber sido suyo. Eso como mínimo.

En Filmin puedes ver: Police Adjective, El Tesoro.

Crónica Cannes 2019:

15. THE WILD GOOSE LAKE de Diao Yinan

Sección Oficial

¿Qué es?

Las "Ratas a la carrera" que rodaría Tarantino si hablara chino.

¿Qué ofrece?

Diao Yinan sigue misma senda, mismo camino, el cual ya emprendiera con su anterior "Black Coal". Su nueva película vuelve a ser un thriller noir (y nocturno) e intrínsecamente violento bañado en luces de neón. Una propuesta espectacular e intensa cuyo vehículo principal no es otro que una desfasada cacería humana que sirve para ahondar y penetrar en lo que al realizador chino principalmente le importa: los asalvajados escenarios que su cámara transita y la estrafalaria cartografía humana que retrata. Objetivo certero el suyo que sirve como fiel reflejo de un cuasi distópico universo, de unas brechas sociales que acucian a un país que está sumido en el más desalmado y alienado capitalismo, en el que por mucha muchedumbre que pueble todas y cada una de sus secuencias, no hay sentido alguno de lo colectivo. De hecho, son más gente que personas, entes deshumanizados transformados en ratas a la carrera que tan solo tienen el dinero como meta. Ya sea a través de la caza del criminal en fuga o a través de los múltiples talleres clandestinos y negocios turbios que recorre una persecución desmadrada, abrupta y extremadamente embrutecida.

Sin embargo, si hay una principal característica que la nueva obra del director de "Night Train" se diferencia de su aclamada predecesora, es que del thriller sosegado pasamos al hiperactivo, de la suspensión al constante movimiento. De hecho, en "The Wild Goose Lake" no se le concede ni un segundo al espectador para detenerse y mirar atrás, menos aún para reflexionar en lo que acaba de ocurrir. Básicamente porque pasa de una pantalla a otra sin apenas pestañear, en el que no hay espacio apenas para respirar. En este sentido, estamos ante una obra técnicamente portentosa cuya principal virtud no es otra que su ensamblaje a través de un montaje ágil y raudo que, pese a percibirse en cierto modo invisible, está minuciosamente planificado, impecablemente ejecutado. Difícilmente será Palma de Oro pero por descontado que estará entre las propuestas más disfrutables y memorables de cuantas disfrutaremos esta Sección Oficial de la 72 edición del Festival de Cannes. Denlo por hecho.

En Filmin puedes ver: Black Coal

Crónica Cannes 2019:

16. GHOST TROPIC de Bas Devos

Quincena de los Realizadores

¿Qué es?

"After Hours" + "El viaje de Takara"

¿Qué ofrece?

Era nuestra película más esperada de esta pasada edición de la Berlinale, buena cuenta de ello dimos en nuestra previa. Y en efecto, no defraudó, más bien se nos elevó. Cinco años después de ese debut mayor que supuso la extraordinaria "Violet",  Bas Devos  volvía a la carga con su segunda y extraordinaria película. "Hellhole" nos dibuja el retrato de una ciudad herida a través de imágenes enigmáticas y formalmente depuradas, una disección clínica y precisa en cuyo centro se encuentran Bruselas y las historias inquietantes de las almas perdidas que la habitan. Pura poesía hanekiana, o lo que  bien sería el sci-fi, si el director austríaco lo hubiese transitado. Pues bien, ni corto ni perezoso, el joven realizador belga no ha tardado ni tres meses en presentar su tercera película en el marco de toda una Quincena de Realizadores del Festival de Cannes tras haberlo hecho con su segunda en Panorama de la Berlinale. "Ghost Tropic" nos cuenta como después de un largo día de trabajo, Khadija, de cincuenta y ocho años, se queda dormida en el último metro. Cuando se despierta no tendrá más remedio que volver a casa a pie viéndose obligada a pedir y también ayudar a los demás habitantes de la noche. Pues bien, lo que parecía iba a ser el retrato deshumanizado y alienado de  la oscuridad que atenaza nuestra lustrosa Europa, ha resultado ser una hermosa obra de orfebrería rebosante de humanidad, que mas allá de profundizar en el individualismo y el desalmado capitalismo, abre una puerta a la esperanza con un microrelato profundamente solidario y empático. Una suerte de cruce entre "After Hours" y "El viaje de Takara" rodado en 70 mm que es un ejemplo incontestable de que su joven realizador rueda en la noche como nadie. Cine silente en la mejor de sus versiones para la que probablemente sea una de las propuestas formalmente mas medidas y cuidadas de todo el festival. Aprendamos de ella.

En Filmin puedes ver: Violet


17. ATLANTIQUE de Mati Diop

Gran Premio del Jurado

¿Qué es?

"Naufragio" con toques de "Yo anduve con un zombi" de Tourneur y "La niebla"de Carpenter. 

¿Qué ofrece?

Mati Diop pasará a la historia por ser la primera mujer directora de ascendencia africana en competir por la Palma de Oro, también en llevarse el Gran Premio del Jurado. De hecho, comienzo estas líneas reconociendo que no ha sido hasta el estreno de "Atlantique" en el Festival de Cannes que he tenido conocimiento obre la figura de la realizadora franco-senegalesa Mati Diop. Y ha sido escarbando en su biografía y filmografía que uno descubre que han sido 10 largos años los que ha dedicado a la realización de cortos y mediometrajes hasta que finalmente ha decidido dar el salto al largo. Señal inequívoca de que, por descontado, hablamos de un debut madurado y muy trabajado. Un definitivo paso que adquiere una dimensión mayor si nos atenemos al árbol genealógico del que brota: y es que mas allá de ser hija del famoso y reconocido músico Wasis Diop, el mediometraje documental "Mille Soleis" que dirigió en 2013 se centraba en reflexionar sobre una película del 73 titulada "Touki Bouki" que fue dirigida precisamente por su tío, el cineasta senegalés Djibril Diop Mambety, que trataba el mismo tema que prácticamente cuatro décadas después abraza su sobrina con "Atlantique". 

Es decir, el futuro choca con el pasado, también con el germen de sus raíces familiares, a la hora de retratar la juventud perdida de un grupo de senegaleses merced del anhelado e impostado sueño europeo. Un tema que, cierto es, probablemente a todos os suene recurrente. Pero no es este el caso gracias a la vuelta de tuerca que la joven y emergente Mati Diop abraza de lleno en su segundo acto, no solo desde el registro más conmovedoramente poético o a través de una mirada profundamente femenina, sino también virando de forma abrupta y sorprendente hacia el cine fantástico, rompiendo así los moldes a los que el cine sobre inmigración africana más encorsetado nos tiene habituados. En "Atlantique" lo fantasmagórico y sobrenatural hacen acto de presencia y, todo hay que decirlo, con toda posible pertinencia. De hecho, países como Togo o mismamente Senegal están inmersos en una cultura en la que los rituales mágicos tienen una fuerte influencia hasta tal punto de transformar la realidad de las personas. La energía del 'más allá' influye en la vida y la transforma. La magia es real, palpable, y afecta al mundo en el que viven, al igual que propulsa una película en la que los elementos de la historia representan una realidad social del todo reconocible. Con todo ello, "Atlantique"demuestra sobradamente que su presencia en la lucha por la Palma de Oro no se debe únicamente a cumplir con un cupo, si no a unos valores cualitativos y novedosos que aportan una nueva dimensión al cine de denuncia más manido que trata la crisis de la inmigración. Una obra que, de forma genuina, gesta la justicia poética.Que se haya llevado el segundo premio gordo habla por si solo.

Crónica Cannes 2019:

18. LES MISÈRABLES de Ladj Ly

Premio Especial del Jurado Ex-Aequeo

¿Qué es?

Víctor Hugo a día de hoy. Un impactante thriller social que bien podríamos señalar como la otra cara de la moneda de "A Viva Voz". Algo así como un explosivo cóctel entre  "Training Day""El Odio", "71" y Polisse que parece estar dirigido por el pulso y músculo que caracteriza el cine de Jacques Audiard.

¿Qué ofrece?

Es realmente sugestivo y significativo que, el prólogo de "Les Misérables", más allá de comenzar con una referencia a la obra maestra de Víctor Hugo, como cabría esperar, ésta vaya dirigida a una selección de fútbol francesa, vigente campeona del anterior Mundial celebrado el pasado verano, en la cual la inmigración y la herencia colonial hacen de su equipo nacional toda una muestra de diversidad étnica. De hecho, son Mbappé y Démbéle los jugadores nombrados por los diversos hinchas de diversas razas y orígenes que acuden a ver un partido del Mundial. Un equipo de fútbol, un mero deporte, sirve como nexo de unión, como elemento conciliador, de un país que, en realidad, como a continuación podremos comprobar, esta social y moralmente desquebrajado. Hete aquí la supurante contradicción, el alarmante contraste, en el que de forma visceral y enérgica incide Ladj Ly.

Tal y como ya fuera el caso de su excepcional antecesora, "Les Misérables" vuelve a sumergirnos nuevamente en la conflictiva periferia francesa, precisamente en el barrio de Saint Denis, con la pequeña gran diferencia que, mientras entonces incidía en el diálogo, el aprendizaje y la educación pública como posible vía de escape a la criminalidad y disfuncionalidad a la que parecen estar abocados sus jóvenes y vulnerables habitantes, en esta primera película dirigida en solitario da un paso atrás para retratarnos con un implacable sentido de urgencia la confrontación y violencia en la que está sumida la cotidianidad de estos chavales. Y es que es exactamente en el barrio donde Víctor Hugo creó su mítica obra donde se da la erosión y volatilizaron de los valores que supuestamente representan la nación francesa. El “liberté, egalité, fraternité” por el que se rige su lema es puesto en evidencia, la imposibilidad de una vida en armonía colectiva, entre las diferentes procedencias, es lo que “Les Misérables” poderosamente nos refleja. Una jungla urbana, un territorio sin ley, en el que los diferentes personajes que conviven y transitan son abandonados a su suerte. Un no lugar que saca lo peor de cada uno de ellos, donde su opresiva y amenazante atmósfera se va cociendo a fuego lento y en la que lejos de buscarse soluciones desde un necesario progresismo, esta se encuentra maniatada por el más absoluto y desbordado reaccionarismo. 

También resulta clave que, de la misma forma que en la obra literaria era la muerte de una niña quién prendía la mecha, en la febril y potente obra de Ladj Ly son los niños las principales víctimas. La inocencia transformada en intrínseca violencia. No hay otra posible salida. Bajo esta alarmante radiografía social lo que encontramos es una película que no juzga a sus personajes, que en todo momento huye del posible maniqueismo y que formula preguntas lejos de buscar respuestas. Lo importante no es lo que sucede en ella por muy impactante que sea, sino que el verdadero corazón de la cuestión es quién lo provoca y desencadena: la alienada política social de un país que más allá de afrontar su historia, colisiona frontalmente contra ella. Ya lo dijo Víctor Hugo: No hay malas yerbas o malos hombres, solo hay malos cultivadores

En filmin puedes ver: A Viva Voz

Crónica Cannes 2019:


19. NUESTRAS MADRES de César Díaz

Cámara de Oro y Premio SACD Semana de la Crítica

¿Qué es?

El silencio de Otros en Guatemala

¿Qué ofrece?

Un relato sobrecogedor, excelentemente filmado, que está ambientado en 2013, y se centra en un joven antropólogo quien cree haber encontrado pistas que lo llevarán a encontrar a su padre, un guerrillero que desapareció durante el conflicto armado. Ganadora de la prestigiosa Cámara de Oro que distingue a la Mejor Ópera Prima de todo el festival, también reconocida con el Premio SACD de la Semana de la Crítica, la gutemanteca "Nuestras Madres" profundiza en la búsqueda de los desaparecidos en las masacres de poblaciones mayas a través de testimonios reales que son ensamblados en el formato de una poderosa ficción, de una obra tremendamente sólida y estoica cuyo arco narrativo logra no desviarse en ningún momento de la denuncia social y política que directamente le lleva a la recuperación de una identidad cultural y familiar dilapidada que, partiendo de la esfera social y desembocando en la íntima, tiene en todo momento presente la necesidad de levantar las alfombras de la dolorosa memoria histórica de una nación cuyos ecos, lamentablemente, bien podrían resonar en los de un país como el nuestro. Aunque en este caso lo hace mas hiriente si cabe el hecho de que los descarnados sucesos que relata sean incluso mucho mas recientes, concretamente acontecidos en la década de los 80. Una debut mayor cuya complejidad y aplomo revela, en efecto, un nuevo talento a seguir de cerca. De hecho, el nombre de César Díaz unido al de Jayro Bustamante hacen de Guatemala una de las cinematografías mas inesperadamente emergentes del cine latinoamericano contemporáneo.


20. THE CLIMB de Michael Angelo Covino

Premio Coup de Coeur - Un Certain Regard

¿Qué es?

Uno de los principales hypes de este Festival de Cannes.

¿Qué ofrece?

Michael Covino adapta al largo su cortometraje homónimo de tan solo 7 minutos de duración con el que triunfo en el Festival de Sundance del pasado año. Y lejos de pinchar, directamente lo ha hecho para triunfar por todo lo alto en todo un Festival de Cannes. "The Climb" es una imprevisible tragicomedia que ante todo nos habla de la amistad entre Kyle y Mike. Una relación que ha durado durante décadas se ve comprometida en cuanto Mike le confiesa a Kyle que se ha acostado con su prometida en el preciso momento que se encuentran subiendo un puerto de alta montaña con sus bicicletas en Francia. Así comienza el genuino retrato de una amistad que sucede a lo largo de un extenso periodo de tiempo en el que, haciendo en todo momento un audaz uso de la elipsis, Covino articula esta genial obra creando situaciones a cada cual mas hilarante. Y lo hace demostrando poseer una capacidad innata para mantener el equilibrio entre la comedia mas alocada y el drama, sobresaliendo por una inteligencia a nivel formal que demuestra poseer un poderío técnico rara vez visto en primeros realizadores, haciendo mayoritariamente uso del empleo del plano secuencia que en alguno de sus picos de grandeza llega incluso a superar los 10 minutos de duración. Con todo ello, desde luego que estamos ante una de las propuestas mas técnicamente virtuosas y mordazmente guionizadas de cuantas hemos disfrutado y descubierto en la presente edición de Cannes.


21. A WHITE, WHITE DAY de Hlynur Pálmason

Premio Révélation Louis Rouderer - Semana de la Crítica

¿Qué es?

El arte de escenificar los sentimientos de la pérdida y el duelo.

¿Qué ofrece?

Después de haber rodado tres cortos, el artista y cineasta visual islandés afincado en Copenhague, Hlynur Pálmason, contó con el trabajo de varios compañeros de la Escuela Danesa de Cine para su primer largo, un coproducción entre Dinamarca y su originaria Islandia que le valió cuatro premios premios mayores obtenidos en el Festival de Locarno 2017 (entre ellos el de Mejor Actor y el Europa Label Cinemas). Winter Brothers se erigía así en un imponente tour de force directorial principalmente rodado en unos 16 mm que son empleados a la forma de los 35 mm, que más allá de su tratamiento aversivo, es asimismo un regalo para todos los sentidos. Cine de fricción y colisión que transita la historia de dos hermanos, sus rutinas, sus hábitos y la violenta enemistad que estalla entre ellos bajo el marco de un entorno obrero hostil e inhóspito durante un helado invierno. Y sí, para su segunda película el que ha seguido es un similar camino. Protagonizada por Ingvar Eggert Sigurðsson ("Metalhead", "Sparrows"), que también ha colaborado en el guion, "A White, White Day" recrea una suerte de híbrido entre drama y thriller sobre la pena, el sacrificio y el amor incondicional, en el que un padre responsable, viudo y sheriff de una pequeña ciudad  que ha estado dos años fuera de servicio desde la muerte de su esposa, se obceca en arremeter contras quien cree que era su amante. Bajo este premisa, Pálmason nos brinda una obra tan compleja como prácticamente redonda, una propuesta técnicamente portentosa, rebosante de fugas y rupturas formales, de todo tipo de recursos estilísticos que, lejos de resultar gratuitos, demuestran poseer una insólita capacidad para escenificar y transmitir el sentimiento de tristeza, nostalgia e incluso culpa, que acucian a su principal protagonista. "A White, White Day" es de esas contadas obras imposibles de atisbar por donde te llevará, una segunda película que confirma a su director como otro de los nombres capitales del actual cine islandés que en los últimos años no ha cesado de acaparar premios y elogios de la mano de nombres como los de Benedikt Erlingsson ("De caballos y hombres", "La mujer de la montaña"), Grímur Hakñónarson ("Rams") o mismamente Rúnar Rúnarsson ("Sparrows").

En Filmin puedes ver: Winter Brothers


22. LITTLE JOE
de Jessica Hausner

Mejor Actriz

¿Qué es?

Un vaciado de "La invasión de los ultracuerpos". El misterio de la felicidad pero ante todo, de su ambigüedad.

¿Qué ofrece?

Cine fantástico, drama distópico, comedia en fuga y terror social son las semillas que brotan de la extraordinaria "Little Joe". Una parábola social formalmente sublime que pone en tela de juicio la integridad de los sentimientos que sus diferentes personajes sienten y profesan, incidiendo precisamente en el santo grial de ellos: la felicidad. Un misterio que rodea a su búsqueda, a su padecimiento y ambigüedad. El sentimiento de ser feliz genética (y socialmente) modificado, intrínsecamente alienado. La nueva e hipnótica obra de la responsable de "Amour Fou" nos ofrece un juego de abstracción y vaciado en el que la sonrisa y alegría se difuminan de un plumazo y cuando apenas se atisban, se torna en perversión y amenaza. La alienada persecución de una inalcanzable meta, de una plenitud que debería unir lazos entre personas que de forma incondicional se aman y se aprecian acaba por convertirse en un desalmado pathos. El núcleo familiar volatilizado, la empatía difuminada. Un estado de letargo anti terapéutico del que resulta imposible despertar y que, curiosamente, florece desde los supuestos avances genéticos, partiendo una manipulación de la naturaleza que acaba por desnaturalizarnos. Solo queda dejarse maniatar, ¿adiós a la sociedad como tal?

Bajo esta compleja premisa, la que Jessica Hausner nos brinda es una nietzscheana reflexión de carices filosóficos y científicos que, tomando como principal y evidente referencia el universo político e ideológico de "La invasión de los ultracuerpos", se ensambla desde un geométrico y minimalista diseño de producción, pulcro e impecable a todos los niveles, en el que los rígidos movimientos y sosegados barridos de cámara, los juegos de sonidos que capitalizan una amenazante y omnipresente banda sonora o el empleo saturado de la luz y el color desemboca, no solo en una atmósfera destilada, absolutamente vaciada y del todo extrañada, sino también en la abstracción de su forma. Tanto en su cariz artístico como, por descontado, humano. Tanto en su cuerpo como en su alma.

En Filmin puedes ver: Amour Fou, Lourdes, Hotel y Lovely Rita

Crónica Cannes 2019:

23. DIEGO MARADONA de Asif Kapadia

¿Qué es?

El documental sobre Maradona que Maradona no quiere que veas. La lucha de Diego contra Maradona. De la persona contra la figura. Y es, también, un más que posible candidato a llevarse nuevamente el Oscar a Mejor Documental el próximo año. 

¿Qué ofrece?

Asif Kapadia sigue la misma senda iniciada con "Senna" y "Amy" a la hora de retratarnos el auge y caída del que es para muchos el mejor futbolista de la historia. Un auge que ocurrió dentro del terreno de juego y la caída que le esperó fuera. De hecho, si hay un elemento clave sobre el que pivota este febril y sobrecogedor documento creado a partir de 500 horas de inédito material de archivo, es la constante lucha, la destructiva dicotomía, entre quién era Diego, la persona, y quién fue Maradona, la figura. Y es que tal y como se nos afirma en un tramo clave del documental, "desde los 15 años dejó de ser Diego para convertirse en Maradona". Una colisión en la que un hombre frágil e inseguro sucumbió ante la trascendencia de ser una leyenda encumbrada como un nuevo Dios. De hecho, Diego Armando Maradona nunca dejó de ser un inmigrante latinoamericano completamente alienado por su privilegiada vida en el continente europeo. Concretamente en una Nápoles que, en aquellos momentos era (y sigue siendo), la ciudad más apasionante (pero también la más peligrosa) de Europa. 

Es precisamente en esta etapa que Kapadia se centra para revelarnos, desde la esfera íntima, también desde la deportiva y definitivamente desde la social y popular a todos los efectos, la hagiografía de una figura mítica que de ser prácticamente divina acabó por resultar condenado por la gloria. Un juguete roto merced de su adicción a las drogas, las cuales resultaron el catalizador que le llevó a ser utilizado y sometido al antojo y regocijo de la Camorra napolitana. De hecho, son concretamente las secuencias protagonizadas por Maradona y los integrantes de la Camorra, también las escenas protagonizadas por las escuchas que hicieron saltar definitivamente la liebre y le llevaron a ser condenado, lo que de ellas se trasluce, uno de los principales y más novedosos activos de este fascinante documento que, más allá de hacer sangre limitándose a seguir los mismos derroteros de siempre, dota al trayecto de vida de este mítico personaje de una dimensión mayor si cabe. Un mártir de la riqueza y la fama en el que penetra obviando en todo momento la tentación de caer en el morbo y sensacionalismo. Dicho de otra forma, la telenovela convertida en thriller. "Diego Maradona" es un artefacto conceptual y cinematográficamente redondo que lejos de estar dirigido a los amantes del deporte rey, tendrá un calado aún mayor si cabe en aquellos que no son futboleros. Y es que en este caso, que entre el balón o no, es lo último que importa. Lo primero es el personaje, pero ante todo la persona.

En Filmin puedes ver: Ali & Nino

Crónica Cannes 2019:

24. I LOST MY BODY de Jérémy Clapin

Mejor Película Semana de la Crítica

¿Qué es?

La mejor película de animación que probablemente nos haya birndado el cine europeo en el nuevo milenio.

¿Qué ofrece?

"I Lost My Body" esta protagonizada por una mano cortada, un poco al estilo Cosa de "La Familia Adams", que se escapa de un laboratorio con un objetivo crucial: volver a encontrar su cuerpo. A medida que avanza por los rincones mas recónditos de París, recuerda su vida con el joven al que una vez estuvo apegado centrándose principalemente en su historia de amor con Gabrielle. Premiado internacionalmente innumerables veces por sus cortos anteriores, Jérémy Clapin nos ofrece la incontestable prueba definitiva del gran talento que atesora. No solo a nivel artístico (el trabajo de animación es una deliciosa maravilla) sino también a la hora de ser capaz de gestar un coming of age, una historia de despertar del amor, dotándole de una dimensión de melancolía, de un tacto y una sensibilidad, que llevan a uno a experimentar "I Lost My Body" con los sentimientos a flor de piel. Una obra tan apasionante como disfrutable que se ha llevado con todo merecimiento el premio gordo en la Semana de la Crítica.


25. JEANNE
de Bruno Dumont

¿Qué es?

La otra cara de la moneda de "Jeannette"

¿Qué ofrece?

Supone la secuela del que bien podría significar el musical más inclasificable jamás rodado. Tan irresistible como agotadora, su predecesora "Jeannette" se centró en la infancia de Juana de Arco para articular una boutarde en toda regla que ridiculiza el emblema, que tiene el campechano descaro de erosionar todo el misticismo e ilustrismo que atañe al gran mito fundacional de toda una Francia desde la incipiente burla de su retórica, desde la deconstrucción musical más cínica y macarra, desde el registro paródico más desatado y absurdo. Sing Along pero como diría Bruno Dumont que sin embargo, no teníamos claro si tendrá canto en su continuación. Lo que si sabemos es que "Jeanne" adaptaría la segunda y tercera parte de El misterio de la caridad de Juana de Arco, escrita Charles Peguy, donde se narra la historia de Juana de Arco, sus batallas contra los ingleses, el juicio al que fue sometida y su histórica ejecución que le llevó a ser quemada en la hoguera. Pues bien, la sorpresa ha sido mayúscula al comprobar que alejándose de la propuesta de su antecesora, "Jeanne" aboga por un tratamiento del todo solemne, una obra de gran calado existencial, suspendida en largos planos secuencia, que soterra y contiene el aura intrínsecamente burlesca por la que se distinguía su rompedora antecesora. Una mirada transgresora pero igualmente majestuosa e imponente que demuestra tener un gran respeto hacia la figura de una de las mártires mas emblématicas de la historia de Francia, también hacia las míticas obras predecesoras que la retrataron, como es el caso de la Juana de Arco de Bresson y Dreyer. Una propuesta que dentro de su radicalidad pivota asimismo sobre un trasfondo puramente emocional. Tanto es así que incluso los momentos musicales traslucen las que son probablemente sus secuencias mas sobrecogedoras y emocionantes. El mito convertido en hito. 

En Filmin puedes ver: La vida de JesúsLa Humanidad y Camille Claudel 1915


26. LE JEUNE AHMED de Jean-Pierre y Luc Dardenne

Mejores Directores

¿Qué es?

El amor cegado. La historia de un adolescente que queda atrapado entre los ideales de pureza del que le habla su imán y las pasiones de la vida. 

¿Qué ofrece?

En su aparente simpleza "Le jeune Ahmed" se revela en una obra absolutamente relevante, audaz y tremendamente compleja. Y lo hace, una vez más, partiendo desde ese crudo empleo del realismo que tanto y tan bien distingue el cine de los Dardenne, obviando por completo el recurso musical e incrustando en todo momento la cámara a su personaje principal. Un cometido, tanto a nivel temático como formal, que como era de esperar, y como siempre sucede en un cine tan personal y excepcional, cumplen con creces. De hecho, la que aparentemente podría ser señalada como una pequeña pieza de cámara, es en realidad una obra de una estructura y una ejecución minuciosamente elaborada y ejecutada.

Es bajo este sobresaliente e inconfundible aparato formal que los responsables de "El hijo" inciden, no es tanto en como el fundamentalismo religioso utiliza el espectro paterno-filial y el salto generacional para manipular y abducir a los adolescentes (que también), sino en como la inocencia y vulnerabilidad de estas criaturas es aprovechada y reconducida por ellos para llevarles hacia el acto yihadista. Logrando que esta debilidad resulte una virtud y fortaleza a la hora de provocar una determinación irreversible e incondicional en ellos. Un caso que es también, precisamente, el del joven Ahmed, un ser cuya aparente pérdida de inocencia no es real, más bien aplacada, soterrada, taimada por el adoctrinamiento y la radicalización. Es decir, el entusiasmo canalizado hacia un objetivo del todo perverso y concreto. El verdadero sentimiento del amor cegado por unos ideales de farisea pureza en los que no hay posibilidad alguna de reconducción a pesar de los constantes intentos fallidos de sus seres más cercanos y queridos de hacerle entrar en razón. Ni tan siquiera de experimentar el despertar sexual en toda, y esta vez, verdadera pureza. Hete ahí el verdadero conflicto a través del cual, "Le Jeune Ahmed" se revela en una película tan cinematográficamente rica como ideológicamente relevante y humanamente afectiva cuyo intenso final define y redondea a la perfección el corazón de una propuesta que bien ha merecido su reconocimiento en el palmarés final.

En Filmin puedes ver: El Niño de la Bicicleta y El Hijo

Crónica Cannes 2019:

27. IL TRADITORE de Marco Bellocchio

¿Qué es?

El fin de la Cosa Nostra

¿Qué ofrece?

Marco Bellocchio, uno de los más ilustres y radicales nombres del cine italiano contemporáneo, vuelve al ruedo con la estimulante novedad que lo hace con una película sobre mafia bajo el brazo. "Il Traditore" nos relata la vida de quien fue conocido como "el jefe de los dos mundos" y que resultó ser el primer "soplón" de la mafia en Sicilia durante los años 80. De hecho, si hay un principal sello autorial que ha caracterizado siempre el cine de Marco Bellocchio, ese es que sus películas siempre han sido comandadas por personajes embarcados en una lucha incondicional contra el privilegio burgués y la moral corrompida. Una obra en la que la lucha de clases, el compromiso político, el núcleo familiar y, por supuesto, la memoria histórica, han jugado siempre un papel clave. Pues bien, en este sentido, el biopic que el responsable de "Vincere" dedica a la figura redentora de Tommaso Buscetta reúne todas y cada una de estas características. Una figura cuyo histórica denuncia a la Cosa Nostra no solo vino dada por proteger a su familia, si no por mantenerse fiel a su integridad moral. También al pacto y compromiso que adquirió con el juez Falcone, un rival que acabó por resultar siendo amigo más allá de rival y que tuvo siempre muy presente a la hora de llevar hasta sus máximas consecuencias su supuesta traición. Y es que digo 'supuesta' porque según sus principios, fueron las nuevas generaciones de la mafia siciliana quienes corrompieron los principios y valores sobre los que originariamente se gestó la Cosa Nostra. Es bajo este contexto social e histórico que Marco Bellocchio articula esta obra barroca y lúgubre que, con un estilo expresionista en el que la luz y su solemne diseño de producción juega un rol preponderante, se construye a camino del biopic y el thriller judicial. Una película de mafia de la vieja escuela que no por ello deja de transgredir su forma más allá de su corte aparentemente clásico, de un registro sutilmente operístico que le lleva a tomar decisiones del todo sorprendentes como puede ser empalmar un tema de Nils Frahm con un otro tan popular y autóctono como L'italiano ( l asciatemi cantare ) de Toto Cotugno.

Crónica Cannes 2019:  

28. NINA WU de Midi Z

Un Certain Regard

¿Qué es?

"Irma Vep" bajo la influencia de Harvey Weinstein

¿Qué ofrece?

"Nina Wu" nos relata la hisotria de una joven cam-girl aspirante a actriz a quien le llega la oportunidad de su vida cuando es contratada para interpretar a una heroína de los años 70 en una película de espionaje. A partir de este momento, llega la alienación y el sometimiento al verse obligada a enfrentarse a complejas decisiones relacionadas con su sexualidad, que le recuerdan una y otra vez de dónde procede . La nueva película de Midi Z es una de esas propuestas de cuyo erratismo surge el verdadero prodigio. Una mirada valiente y arriesgada que en todo momento te propone algo, ya sea desde el juego metacinematográfico, desde el choque entre realidad e imaginación, desde el juego entre espejos y reflejos, desde el homenaje a la propia esencia ensoñadora del cine así como desde la lacerante crítica a una industria del todo machista y cosificada en el que la mujer es tratada como mero objeto de regodeo a merced del poder del hombre. Cierto es que la confusión se apodera de muchas de las secuencias convirtiendo el estímulo en frustración. Aun y así, son otros muchos los momentos en los que Midi Z logra una estimulante armonía entre su estilizada propuesta formal (que tiene en "Irma Vep" su claro foco de inspiración) y su truculento trasfondo, prácticamente pesadillesco. La pulcritud, el vaciado y el minimalismo donde el blanco hace las veces del negro. La lujuria que lleva al horror. El artificio que erosiona todo posible humanismo.


29. AND THEN WE DANCED
de Levan Akin

¿Qué es?

Billy Elliot en Georgia.

¿Qué ofrece?

Uno de los debuts mas imponentes y relevantes del presente Festival de Cannes. "And then we danced" relata el despertar sexual de su protagonista, un bailarín miembro del equipo nacional de baile de Georgia, con la pequeña gran excepción de que los sentimientos de amor los profesa hacia uno de sus compañeros. Es decir, hablamos de una obra destinada, no solo a salir del armario en un país en el que la homosexualidad es aun perseguida y estigmatizada, sino a romper todo posible tabú partiendo de su esfera más conservadora, desde la tradición y el folklore mas anquilosado que bien simboliza la danza ancestral a la que sus orpimidos protagonistas se deben. Una represión que da paso a la liberación y que es plasmado bajo un apabullante ejercicio de cámara, una obra eminentemente física, visceral, pero también artística y estilizada, que sabe sacar el máximo partido posible del universo sobre el que baila.   


30. LA VIDA INVISIBLE DE EURIDICE GUSMAO
de Karim Aïnouz

Mejor Película - Un Certain Regard

¿Qué es?

El arte del folletín

¿Qué ofrece?

La inesperada ganadora de Un Certain Regard destaca ante todo por su capacidad para elevar y dignificar el carácter folletinesco, el registro de telenovela y melodrama, a sus cotas mas altas. Y lo hace a través de la historia de dos hermanas completamente apegadas que mas allá de ser involuntariamente separadas merced de los rígidos códigos sociales de la época, fueron difuminadas de una sociedad intolerante y conservadora en la que la mujer no tenía posibilidad alguna a la libre emancipación, a la posibilidad de desarrollarse, ya sea como madre, como artista o en definitiva, como persona. Una historia trágica y del todo conmovedora, de marcado carácter feminista, que utiliza un suceso histórico acontecido en los años 50 y lo hace resonar en un presente en el que la política de Bolsonaro bien podría provocar que la historia volviera a repetirse. Hermosamente rodada, con una puesta en escena y un tratamiento estético minuciosamente cuidado, la que el brasileño Karim Aïnouz ha ensamblado es una obra tan hermosa como ambiciosa que bien podría estar mirando desde ya al Oscar. Que vaya a ser la elegida para representar a Brasil desde luego que está fuera de toda duda.


31. LE DAIM
de Quentin Dupieux

Quincena de los Realizadores - Película Inaugural

¿Qué es?

Una reflexión inclasificablemente moderna del mito de Narciso, el que sólo se amaba a si mismo, con ecos del cine de Alain Guiraudie.

¿Qué ofrece?

Quentin Duplex sigue en su línea, en la de transgredir el cine de género desde su particularísima abstracción del realismo absurdo. Y en este sentido, “Le Daim” es una rareza en su máxima exponencia, cine negro extrañado y alocado que da rienda suelta a su inclasificable universo y humor esquinado. Sin embargo, hete aquí la mejor noticia, cabe destacar que la nueva película del responsable de "Wrong Cops" probablemente suponga su obra más medida y compleja hasta la fecha. También, con permiso de "Reality", su película más redonda desde "Rubber". De hecho, hay un estigma que persigue y aplaca su inconfundible cine, y este no es otro que el vaciado extremo por el que se distinguen sus propuestas que siempre acaban por incurrir en el absurdo de lo absurdo, en un registro cómico que para este servidor acaba por resultar del todo vacuo, gratuito y por ende, agotador y cansino. Para mi sorpresa, no ha sido el caso de "Le Daim", una obra que tiene la indiscutible virtud de dar sentido al sinsentido, que abraza la genialidad cómica y metacinematográfica sin renunciar a ese distintivo registro que está constantemente atravesado por el gag, por un sucesivo encadenamiento de abruptas situaciones, a cada cual más desconcertante e hilarante. De hecho, sorprende incluso con inesperados giros que, de forma estimulante e incluso inteligente, nos llevan de la comedia mas irracional e incoherente al thriller criminal más descerebrado y ocurrente, ahondando a su vez en la patología obsesiva más extrema al que está condenada un alma solitaria y en pena. Más allá de reír con ella, en "Le Daim" además hay dónde rascar y esto, desde luego, es digno de celebrar. Ojalá Dupieux siga en el mismo camino.

En Filmin puedes ver: Wrong Cops

Crónica Cannes 2019:


32. MATHIAS ET MAXIME de Xavier Dolan

Sección Oficial

¿Qué es?

"Mommy" + "Tom a la Ferme"

¿Qué ofrece?

Matthias et Maxime" es la película que devuelve a Xavier Dolan a su dimensión más personal y autobiográfica. Un relato sincero, sentido y honesto de deseo sexual oprimido entre dos amigos de la infancia que, asimismo, bascula sobre el retrato generacional de una grupo de amigos que rozando los 30 se encuentran en una edad de transición en la que no encuentran la forma de dar rumbo a su vida, ya sea desde la esfera sentimental, así como de la laboral y profesional. Y es, también, el retrato de una relación materno-filial del todo disfuncional debido a la dependencia de las drogas que padece la madre. Es decir, aquí chocamos de forma muy evidente con los universos de "Tom a la Ferme" tanto como de "Mommy". 

En este sentido, el joven realizador quebequense vuelve a plasmar una obra emocionante y hermosa en la que las secuencias de histeria y estridencia que tanto caracterizan su obra se combinan en este caso con momentos mucho más íntimos y contenidos. Articulada de forma cronológica y lineal, obviando en este caso los empleos del flashback de los que si hacía uso en sus predecesoras, en lo que sí vuelve a incurrir es en esos arrebatadores momentos musicales que en este caso bailan al son de Phosphorescent y su emblemático tema Song for Zula o mismamente, los Pet Shop Boys. También encontramos en ella transgresiones con el juego del ratio de imagen así como un vigoroso tratamiento visual y un empleo del color saturado que directamente nos devuelven los ecos de las creaciones que lo elevaron a ser considerado uno de los cineastas jóvenes mas descarados, distintivos y prometedores del momento. Y por más "Matthias et Maxime" no llegue a alcanzar el poderío de "Mommy" ni tampoco la singularidad de "Tom a la Ferme", sí se antoja una esperanzadora puerta abierta a recuperar su mejor versión. Es el camino.

En Filmin puedes ver: Solo en el fin del mundoMommy, Laurence Anyways, Los amores imaginarios, Yo maté a mi madre

Crónica Cannes 2019:

33. THE DEAD DON'T DIE de Jim Jarmusch

Película Inaugural

¿Qué es?

La secuela espiritual de  "Solo los amantes sobreviven" con claros ecos de "La noche de los muertos vivientes". Y es que bien sabe Jarmusch que no se puede hablar de zombies sin nombrar a la película que le dio las reglas y la popularidad al género. George A. Romero nos introdujo al mundo de los muertos vivientes en una película que hará sonrojarse a los amantes de los efectos especiales actuales, pero que más allá de su calidad técnica esconde momentos verdaderamente inquietantes, pero también desternillantes. Y es precisamente en esta cara B en la que incide "The Dead Don't Die".

¿Qué ofrece?

"The Dead don't Die" es una comedia de terror, es también un survival, una buddy movie y ante todo, una película política de zombies cargada de destilado e inspirado cinismo. Una obra entretenida y sugerente a todos los niveles que no apunta tanto a Trump (aunque también lo hace) como a sus votantes y fieles. Son muertos que no mueren en un mundo mortal e invisible. Un mundo cuyo apocalipsis viene provocado, atentos, por el fracking. Un mundo en el que es tan posible ver una horda de zombies obsesionados por conectarse al WI-Fi como que "Star Wars" sea señalado como una excelente ficción cuando bien nos atisba que la realidad definitivamente la ha superado. De hecho, lo que "The Dead Don't Die" ante todo viene a decirnos es que el verdadero enemigo no está fuera, si no en casa, siendo varios y diversos los lugares comunes que transita y que bien ejemplifican el ideario trumpista. Seguro que no por casualidad, es un remoto pueblo ficticio en lo más profundo de Estados Unidos llamado Centerville donde se da este despertar de los muertos que no mueren, un pueblo donde con desprecio se señala a la gente de ciudad como urbanitas y hipsters.  Dicho de otra forma, la America profunda y estancada atentando contra la America universal y evolucionada que bien podría funcionar como un paralelismo directo a los disturbios ocasionados por los supremacistas racistas en Charlottesville. Volvía el Ku Kux Klan cuando parecía ya enterrado y muerto. También parece premeditado que el único ser que demuestra ser capaz de afrontar y superar el ataque no parezca pertenecer a este mundo, o que el personaje encarnado por Steve Buscemi lleve una gorra con el lema "Make America White Again" y su única meta ante el ataque no sea otra que defender su propiedad privada. 

No es el caso del propio Jarmusch, quien hace frente a esta distopía bañada en realismo promoviendo el empoderamiento femenino, señalando los mexicanos como "his favourite people", empleando inspiradas (e inesperadas) fugas metacinematográficas que le pillan a uno con el pie completamente cambiado o, por supuesto, utilizando el humor deadpan, el recurso de la repetición, y como no, un marcado componente musical como principal vehículo. En efecto, como el propio tema de Strugill Simpson recitaba: "The Dead Don't Die". Difícilmente la veremos brillar con luz propia en el palmarés final, de hecho, probablemente sea la película menos compleja y más aparentemente simple de cuantas copan la obra del responsable de "Los límites del control". Sin embargo, "The Dead don't Die" es absolutamente fiel y consecuente con el subgénero en el que se enmarca. Y es que no todos los genios se deben forzar siempre a lograr obras maestras desde la máxima ambición. Sí en cambio a no dar nunca un paso en falso respecto al objetivo que se han marcado con su nueva creación. El divertimento, desde luego, está asegurado. Y encima muerde.

En Filmin puedes ver: Solo los amantes sobreviven, Paterson, Flores Rotas, Extraños en el paraíso.

Crónica Cannes 2019:

34. VIVARIUM de Lorcan Finnegan

Premio Gan Foundation - Semana de la Crítica

¿Qué es?

Lo que bien podría ser un capítulo de "Blakc Mirror" o "Twilight Zone"

¿Qué ofrece?

Jesse Eisenberg e Imogen Poots dan vida a una pareja que busca el hogar perfecto acaba por habitar, en contra de su voluntad, un misterioso barrio de casas idénticas, viéndose encerrados en una casa sin vida alguna, en un distrito del que es imposible escapar y en el que se encuentran atrapados como si de un laberinto sin salida alguna se tratara. En "Vivarium" el ámbito doméstico, tradicionalmente privado, invisible y muy protegido de la mirada ajena, es tratado como el caldo de cultivo de nuestra cultura vaciada y como el escenario en donde aprendemos las reglas del juego de la vida. Es decir, el hogar y la familia como único vehículo posible para abrazar como plenitud lo que la sociedad nos impone como supuesta felicidad. El hogar como ese espacio donde debería germinar nuestra personalidad y con ella nuestras fortalezas pero donde se acaban por desarrollar nuestros miedos e inseguridades. nuestro hastío y en definitiva, nuestra infidelidad. El realizador debutante Lorcan Finnegan logra sobreponerse a la obviedad de su discurso, el cual en su primer acto queda claramente descifrado, a través del ingenio con el que va desarrollando los diferentes conflictos a los que sus personajes se van enfrentando. También a través de una propuesta formal que con recursos mínimos, logra crear un universo paralelo ante el cual es imposible no ser absorbido. La vida como una maqueta, nunca mejor dicho. "Vivarium" bien podría resultar ser otra de las grandes protagonistas del próximo Festival de Sitges.


35. BACURAU
de Kleber Mendonça Filho y Juliano Dornelles

Premio Especial del Jurado Ex-Aequeo

¿Qué es?

Una mezcla de ciencia ficción y neo-western que nos habla del Brasil hoy.

¿Qué ofrece?

Es inevitable obviar las palabras y la alarmante denuncia que los realizadores Kleber Mendonça Filho y Juliano Dornelles han vertido respecto a la política de Bolsonaro antes del estreno mundial de "Bacurau" que ha tenido hoy lugar en el marco de la 72 edición del Festival de Cannes. Tal y como nos informaba la agencia EFE hace apenas una semana, ambos han acusado al actual presidente de Brasil de pretender acabar y destruir a su mejor embajador: la cultura. De hecho, Bolsonaro, en el poder desde el pasado 1 de enero, anunció su intención de limitar las subvenciones públicas a los artistas y revisar los importantes patrocinios que da la petrolera estatal Petrobras a determinados proyectos culturales, entre los cuales encontramos, por ejemplo, su previa "Aquarius". Una situación que se antoja del todo crítica y ante la que parece que han decidido contraatacar con una desprejuiciada parábola política que hibrida los géneros del western, la ciencia ficción y la sátira. Una sugerente mezcla de géneros que comienza con un prólogo verdaderamente potente, excelentemente filmado y fotografiado, que tristemente, decae a partir de su segundo acto a pesar de las muy loables virtudes que atesora. Pero mejor, empecemos por partes.

Primero y ante todo, cabe destacar que el nombre "Bacurau", que da pie al título y también al poblado que capitaliza el relato, es uno que evoca el misterio de algo que está ahí, vivo, en la oscuridad, pero que nadie puede ver. Y, curiosamente, lo que le ocurre a este pueblo es que desaparece del mapa tras el corte de suminsitros tan básicos como la luz y el agua o la educación y la sanidad. Hablamos de un poblado que vive en armonía y en autarquía fuera de toda posible influencia política. Una forma de vida donde no hay desigualdad, sí mucho desenfado y libertad, que les permite evitar estar subyugados a un determinado poder, el del capitalismo y neoliberalismo más cruel y deshumanizado que bien ejemplifica la política de Bolsonaro. Pero claro, en el momento que el pueblo desaparece del mapa una forma de vida que se disipa, su identidad se volatiliza. Lo ancestral choca con el hipermodernismo, y lo hace merced de una conspiración política ideada por el propio gobernador brasileño y ejecutada por un séquito de estúpidos norteamericanos comandados por, como no, Udo Kier. Y es precisamente en el momento en el que el hombre blanco hace acto de presencia que la película se viene abajo, entrando en una espiral de obviedad, de escenas innecesariamente alargadas, que le llevan abrazar el carácter naif en su sentido más esperpéntico y vacuo. La denuncia social resulta del todo evidente y excesivamente subrayada, algo que, desde luego, no era de esperar ateniéndonos a la complejidad y a las múltiples capas por las que se distinguen los dos anteriores y magníficos proyectos del realizador brasileño. Aún y así, su virtuoso tratamiento, su estilizado dispositivo formal  en el que reinan los colores vivos y saturados, así como un trabajo de fotografía que se percibe minuciosamente cuidado, hacen de "Bacurau" una propuesta tan loable en su discurso como majestuosa en su forma que, además, nos arroja a unos disfrutables estallidos de violencia que podría haber firmado el mismísimo Tarantino.

En Filmin puedes ver: Doña Clara y Sonidos de Barrio

Crónica Cannes 2019:

36. SORRY WE MISSED YOU de Ken Loach

Sección Oficial

¿Qué es?

La vida íntima y familiar erosionada y dilapidada por el deshumanizado capitalismo. 

¿Qué ofrece?

Si todavía queda algún iluso idealista que siga creyendo fervientemente en ese dicho de que "el amor mueve el mundo", con toda seguridad dejará de hacerlo en el momento que se enfrente al visionado de "Sorry we missed you". Bien sabemos todos que el Reino Unido se enfrenta hoy a una de sus situaciones más convulsas de su historia reciente, aquellas que redefinirán su posición con Europa y que ha retomado el debate nacionalista en el interior de sus fronteras. El clásico panorama de tories vs. laboristas parece estar truncado para siempre apuntando al fin del bipartidismo tal y como lo conocemos. Con el Brexit por medio y el auge de la derecha más extrema, el británico Ken Loach sigue utilizando el cine como arma arrojadiza de denuncia pero sin renunciar por ello a ese sello tan inconfundible que le ha llevado siempre a radiografiar el alarmante estado de un país entero partiendo de reducido microcosmos. Un  espectro íntimo y doméstico que, en su gran mayoría, siempre ha partido de la esfera familiar y también laboral. 

En este sentido, su nueva película es un punto y seguido. Una cuento moral que profundiza en el día a día, en la rutina de unos padres de familia a quienes tan solo les queda agarrarse a los trabajos más extremadamente precarios y explotados (el como repartidor de una suerte de Glovo y ella como cuidadora social) para poder subsisitir en su día a día. Una familia que, a falta de dinero, se profesa el amor y sentimiento más incondicional y sincero. Así es hasta que la situación laboral de ambos padres entra en una espiral de extremada decadencia cuyos daños colaterales acaban por azotar directamente a sus hijos, principalmente al mayor. Es entonces cuando el cariño y apego toma forma de un puñetazo en el estómago tras otro. Cuando la sensibilidad y ternura se convierten en frustración y escarmiento. Hasta tal punto que la rutina diaria acaba por revertirse en un martirio crónico en el que los golpes bajos se suceden a cada cual mas sangrante y doloroso. Tan es así que ni el amor familiar más sentido y profeso es capaz de salvaguardarlo. En efecto, la familia capitalizada, pero en el peor de los sentidos.

En Filmin puedes ver: Yo Daniel Blake, La Cuadrilla, Mi nombre es Joe, Ladybird, Ladybird

Crónica Cannes 2019:

37. LA FAMOSA INVASIONE DEGLI ORSI IN SICILIA de Lorenzo Mattotti

Un Certain Regard

¿Qué es?

Un cuento infantil que resulta no serlo tanto.

¿Qué ofrece?

Escrita por el habitual guionista de Jacques Audiard, Thomas Bidegain y dirigida por uno de los mas reconocidos ilustradores del panorama europeo como es Lorenzo Mattoti, "La fameuse invasion des ours en Sicile" nos relata la historia de la invasión que sufren los humanos en Sicilia a manos de unos osos que tras ser atacados por estos, deciden dar un paso adelante y colonizarlos. Una pequeña maravilla animada que mas allá de resultar un cuento moral dirigido al público infantil, como parece que será en su primer acto, acaba por resultar un relato adulto de marcada dimensión política, histórica y social, en el que resuenan los ecos, tanto de la crisis de refugiados que actualmente vive Europa como de la alienación humana a la que puede llevar la avaricia mas desmesurada. En otras palabras: el colonialismo que ha dado paso al capitalismo. Una creación tan entrañable en su fondom como incisiva y crítica en su mensaje que destaca asimismo por su asombrosa belleza plástica.


38. LA CORDILLERA DE LOS SUEÑOS
de Patricio Guzmán

Sección Oficial Fuera de Competición

¿Qué es?

Es la obra que cierra la trilogía que se inició en 2010 con "Nostalgia de la luz" y que continuó con "El botón de Nácar" en 2015. Solo por ello merece nuestra máxima atención

¿Qué ofrece?

El maestro chileno Patricio Guzmán, que ha dedicado los últimos años de su carrera para hacer una descripción del territorio de Chile y la relación de su geografía con su historia, al fin muestra una de sus películas en el prestigioso festival francés, deuda que hace tiempo ya debió de ser saldada, por cierto. Tal y como le propio Thierry Fremaux nos advirtió, en efecto "La cordillera de los sueños es un poema visual, una investigación histórica, un ensayo cinematográfico y un magnífico ejercicio personal en la búsqueda del alma. Básicamente, lo que ya eran sus dos antecesoras. Aunque cierto es, quizás sea su tercera entrega la menos potente de todas ellas. Aun y así, no deja de eser un sobrecogedor estamento político y poético que une topografía e historia para revelarnos que el pinochetismo sigue actuamente imperando en Chile por mas que su careta sea otra. 

En Filmin puedes ver: "Nostalgia de la luz""El botón de Nácar".


39. A HIDDEN LIFE de Terrence Malick

Sección Oficial

¿Qué es?

"La delgada línea roja" + "To the Wonder"

¿Qué ofrece?

Es mejor sufrir la injusticia que ejecutarla" espeta en un momento la susurrante voz interior de Franz Jägerstätter en un momento de la película en la que empieza ya a vislumbrar las irreversibles consecuencias de su decisión, la penitencia en forma de sentencia a muerte que le tocará acatar por permanecer fiel e íntegro a unos esenciales principios y valores que, en aquellos tiempos, fueron muy pocos quienes se mantuvieron fieles a ellos. Si fue el caso del protagonista de "A Hidden Life", un hombre devoto que se apoyó en su fe y en su familia para aferrarse a su libertad. Es decir, un personaje real hecho a la imagen y semejaza de la deriva en la que desde "El Árbol de la Vida" ha entrado el cine de Malick. Y es que por más que se anunciara que su nueva obra supondría su retorno a una narrativa más lineal, al sello autoral que marcaron sus obra primigenias, "A Hidden Life" sigue misma senda que "To the Wonder" mismamente, aunque cierto es también, trascienden de ella ciertos ecos de "La delgada línea roja". Pero mejor, vayamos por partes.

Como viene siendo habitual en sus últimas obras, "A Hidden Life" une divinidad, naturaleza y solemnidad. Una obra ante todo espiritual que es narrada en su mayoría a través de las voces en off de sus personajes (tanto en forma de lectura de correspondencias como de conversaciones directas con el mismísimo Dios) y es envuelta por la omnipresente presencia de una melosa banda sonora. Una disposición de cariz intrínsecamente poético, prácticamente operístico, que adquiere forma de opus eclesiástico y expiatorio a la hora de incidir en el mal que atañe a la naturaleza humana, como bien lo sugieren afirmaciones del nivel de "Dios creador del mundo pero también del mal" "el Anticristo es inteligente y utiliza las virtudes del hombre". En efecto, al que Malick ha dado forma es un retrato de dimensión tan humanamente aterradora como existencialmente alentadora, que constantemente bascula sobre lo que debería ser una vida en plena naturaleza e idílica armonía que es mancillada, en efecto, por el mal inherente que atañe al ser humano. De hecho, es una película bélica en la que la batalla permanece en todo momento fuera de campo. No así el sufrimiento, odio y pesadumbre que la provoca y afecta. Hasta aquí, (casi) todo bien.

El problema de "A Hidden Life" emerge en el momento que nos enfrentamos a una obra de casi tres horas de duración en el que el texto se suspende en un bucle del todo relamido y repetitivo, tanto a nivel narrativo como a nivel formal (así como en su carácter marcadamente religioso y católico) por más que su flotante trabajo de cámara y embriagadora fotografía sea capaz de dotar de una vida propia al aparato fílmico hasta tal punto que hace de él un ente vivo y del todo orgánico. Un dispositivo estético y conceptual muy reconocible el cine de Malick y que acaba por resultar en su propio caballo de Troya más allá de que, cierto es, presenta la sugerente novedad de emplear significativas imágenes de archivo entre las cuales destacan secuencias en las que vemos a Hitler disfrutar de su existencia en plena naturaleza. En efecto, más pertinente no podía ser. Pero también presenta alarmantes incongruencias como supone el hecho de que, a pesar de suceder a camino entre Austria y Alemania y de que se decida utilizar el inglés como idioma principal, en momentos concretos de la película algunos de sus personajes hablen alemán. Lo cual no hay quien lo entienda...y es entonces cuando uno piensa, "ay, si hubiera sido muda", quizás estaríamos ante una inapelable obra maestra.

En Filmin puedes ver: El Árbol de la Vida y To the Wonder


40. LUX AETERNA
de Gaspar Noé

Proyección de Medianoche

¿Qué es?

Un aquelarre que exorciza el cine.

¿Qué ofrece?

"Cuando la presión es máxima me convierto en un dictador en el set de rodaje". Es una frase de R.W Fassbinder que, acompañada de otras míticas afirmaciones de Dreyer o mismamente Dostoievsky, Gaspar Noé ilustra como sugestivos rótulos en el comienzo los primeros compases de "Lux Æterna". Y lo hace a su vez que, ocupando un mismo espacio, pero separadas por la pantalla partida, Beatrice Dalle y Charlotte Gainsbourg se confiesan entre ellas sobre diferentes anécdotas extremas que han vivido a lo largo de su carrera en un plató. Para que se hagan una idea por donde van los tiros, destaca por ejemplo una en la que la protagonista de "Anticristo" relata como en una escena que yacía desnuda junto a un joven actor en la cama, éste eyaculó encima de su pierna cuando apenas se preparaban para rodar.

Un primer y breve acto que sirve como hilarante preámbulo al histérico retrato, entre bambalinas y en formato de documental ficcionalizado, en el que Dalle hace las veces de enajenada productora y Gainsbourg de actriz sometida, incluso cosificada, a las extremas y desbordadas exigencias de rodaje, tanto por parte de producción como sobre todo, de dirección. Y es en este factor precisamente, donde Noé incide para articular una suerte de homenaje metafórico y destructivo en el que las intérpretes son tratadas como brujas y los cineastas como una suerte de inquisidores, como bien sugería Fassbinder, dictadores. Y es así como de la estridencia y el bullicio que caracteriza los sets de rodaje y que campa en los dos primeros tercios del mediometraje, pasamos, como no podía ser de otra forma, a la traca final, a un clímax tan visual y sonoramente violento como inevitablemente hipnótico, cuyo carácter estroboscópico desde luego que es no apto para epilépticos. Una reflexión profundamente agresiva y provocadora que, más allá de homenajear y poner en valor el estoicismo y la persistencia que atañe al trabajo de los actores cuando están a merced de las grandes ambiciones de los directores, sirve asimismo como un acto confesional en el que el responsable  de "Irreversible" se abre en canal demostrando ser muy consciente del peaje que supone para el equipo artístico los anhelos de quien permanentemente busca la genialidad en su labor directorial.

En Filmin puedes ver: Clímax

Crónica Cannes 2019:

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