Festival de Sevilla 2018: Nuestras 20 favoritas

Autor: Filmin Fuente: Filmin

Festival de Sevilla 2018: Nuestras 20 favoritas

La gran cita del cine europeo en nuestro país, el Festival de Sevilla, vuelve a abrir sus puertas con más de 200 películas, con 116 estrenos nacionales y 35 premieres mundiales que se preparan para ser proyectadas en la ciudad andaluza del 9 al 17 de noviembre. Laszlo Nemes, Abdellatif Kechiche o Mia Hansen Love, entre muchísimos otros, serán los protagonistas de una edición que vuelve a apostar por las voces más arriesgadas y las propuestas más radicales de entre todas las que podemos encontrar en el continente. De entre todas ellas, hoy os dejamos con nuestras 20 favoritas. ¿Quién se alzará con el Giraldillo de Oro? 

1. ATARDECER de Laszlo Nemes

Sección Oficial

La nueva película del responsable de "El Hijo de Saúl" se presenta como una suerte de thriller de época tremendamente febril e intenso ambientado en el Budapest previo al estallido de la primera gran guerra, centrándose en este caso en su personaje protagonista Irsz Liter. Alguien cuyo principal motor y motivación, tal y como ya sucediera en "El Hijo de Saúl", es la búsqueda de un familiar cercano, en este caso su hermano. Una demoledora indagación, un aturdido trayecto, en el que "Atardecer" nos embarca bajo el sensorial ensamblaje de un portentoso aparato formal muy similar al plasmado en su oscarizada antecesora, aunque en este caso no tenga tanta fuerza y significado el fuera de campo y sí en cambio, encontremos en ella una mayor estilización, sublime diría yo, en la recreación de la época. Cuanto más se va revelando su misterio, más perversa resulta la espiral en la que se adentra. Y es que su carácter en este caso, resulta incluso más extremadamente elíptico y laberíntico que el de "El hijo de Saúl". Lo que nos lleva a un nuevo tour de force directorial que más allá de su carácter de thriller, es drama de época, es también cine de terror y es, ante todo, una obra personalísima de marcado carácter político que directamente apunta a la culpa y responsabilidad de la burguesía húngara en el auge del extremismo. Y sí, bien me atrevo a decir que "Atardecer" probablemente suponga una de las más apabullantes experiencias de visionado que nos brindará la cosecha de este 2018. Y eso que el listón estaba tremendamente alto. Logro mayor.

Lo Mejor del Festival de Venecia 2018

2. THE TREE de André Gil Mata

Las Nuevas Olas

¿Qué esperar de ella? A los impacientes: hora y cuarenta de planos secuencia trabajados en 16mm donde se observa a un niño mirando por la ventana, haciendo fuego y a un anciano cargado de garrafas yendo a por agua a un pozo. Es decir: 100 minutos de mortal aburrimiento. A quienes entienden que el cine es riesgo, una forma artística viva capaz de seguir evolucionando, encontrarán una obra de profundo calado existencial, de una belleza desoladora y un incuestionable atrevimiento. "The Tree" es pura poesía pictórica, un cuadro en constante movimiento, una obra maestra cuyo destino debe ser el de una sala de cine. Pero más allá de su calado artístico absolutamente hermoso, de su artesanal trabajo de la textura de imagen, de su minucioso concepto del encuadre y milimétrica planificación del movimiento de la cámara, André Gil Mata transgrede desde su hipnótica cadencia la linealidad de su narrativa, rompe la lógica entre espacio y tiempo para acabar enarbolando así un discurso conmovedor acerca de la memoria, de la repetición cíclica de la humanidad en el fluir de la vida sobre una rutina que nunca olvida. El caminar del presente hacia la muerte. Presentada en Forum, la que supone de largo la sección más experimental y arriesgada del Festival de Berlín, "The Tree" es una de esas obras que de por si solas dan sentido a nuestra presencia en un festival. Fue de calle la mejor película que un servidor disfrutó la pasada edición de la Berlinale.

Crónica Berlinale 2018:

3. MEKTOUB, MY LOVE: CANTO UNO de Abdellatif Kechiche

Sección Oficial Fuera de Competición

Lo nuevo de Abdellatif Kechiche empieza como una película de Bigas Luna y acaba como una de Eric Rohmer. Así, tal cual. "Mektoub My love: Canto I" levantará seguro, indignación y críticas feroces desde gran parte de la crítica. Muchos no tardarán en señalarla, o más bien estigmatizarla, como una película sin sustancia argumental que pone a la mujer como mero objeto de disfrute a ojos del hombre. Una suerte de "Bámbola" de nuestros días (que en una de sus principales y más aletargadas secuencias puede incluso evocar a "El Bar Coyote") cuyo principal cometido no es otro que calentar al personal masculino mostrando el pavoneo de chicas hermosas y esbeltas a base de twerkings. Nunca más lejos de la realidad. A pesar del exhibicionismo femenino que la cámara de Kechiche parece centrarse en enmarcar, resulta del todo básico y clave como se contrapone la mirada de su protagonista con la de la cámara, la fascinación por el sexo romántico de Amin (no por casualidad, se nos presenta como un chico con una gran sensibilidad cultural y artística) frente al hedonismo del que Kechiche lo envuelve. Y es precisamente por está principal razón que está del todo justificado el enfoque supuestamente exhibicionista con el que Kechiche rueda esta primera entrega. Al fin y al cabo, en este primer canto no se trata de otra cosa que no sea conocer su contexto y entender las motivaciones por las que su protagonista principal se mueve. Seguro estoy que el segundo y tercer canto tendrá un tono y tratamiento bien diferente. Y es que bien podríamos comenzar afirmando que lo que nos ha cocido este primigenio canto no es más que la obertura, el preámbulo (siempre tan necesario) para lo que se nos viene encima. O es lo que yo al menos atisbo. Una historia de amor profundamente sincera, sensible y tierna. Empezamos bien.


4.
 EL PERAL SALVAJE de Nuri Bilge Ceylan

Sección Oficial

Fue de lo mejorcito que pudimos ver en la pasada edición de Cannes. Con su nueva película el responsable de "Lejano" vuelve a su tierra prometida, a la ruralidad del territorio de Anatolia, para enmarcar este conflicto abierto entre un padre y su hijo, alguien que precisamente vuelve a casa, a su remoto pueblo natal, en una etapa de absoluta introspección artística y personal, en un momento en el que no encuentra sentido a las contradicciones de la vida. La dimensión emocional y filosófica abrazan maravillosas secuencias marcadas por conversaciones muy prolongadas, por encuentros y desencuentros, en los que se reflexiona sobre las grandes cuestiones de la vida, sobre la política, la religión, la literatura y por supuesto, el amor. También sobre lo que éstas están condicionadas por el costumbrismo, por el enraizamiento y el arraigo a las tradiciones culturales y terrenales. Es decir, en "The Wild Pear Tree" encontramos mismas señas de identidad en cuanto a fondo, aunque no en cuanto a forma, respecto al resto de la magistral obra de su realizador turco. De la contemplación pasamos a la verborrea sin parangón, de la constante trascendentalidad a cierta livianidad en el que hay lugar incluso para el inspirado humor, del pesimismo al optimismo, de la retórica solemne y pausada a la agilidad de unas conversaciones en las que apenas hay tiempo para el respiro, del empleo de la imagen tenue y granulada a la nitidez y luminosidad del uso del digital donde los colores cálidos y las luces anaranjadas del otoño suplantan a la niebla y la nieve que cubrían las llanuras de Anatolia en "Winter Sleep" mismamente. Son las novedosas virtudes formales, sus habituales logros conceptuales, que hacen de la nueva y fascinante película de Ceylan una obra rebosante de armonía, cuyas 3 horas de duración le pasan a uno sin apenas pestañear. 

Crónica Cannes 2018:


5. EN LIBERTÉ!
de Pierre Salvadori

Special Screening

Pierre Salvadori, director artesano, responsable de comedias efectivas pero marcadas por cierto grado de convencionalidad, como es el caso de"En un patio de París" o "Usted Primero", nos ha brindado las mayores risas del festival. Protagonizada por una genial Adèle Haenel, "En Liberté!" nos cuenta la loca historia de Yvonne Santi, una joven inspectora viuda de un policía heroico, valiente e íntegro que gracias a una investigación sin demasiada importancia descubre que su marido no era el hombre que ella creía, sino un corrupto mentiroso. Abatida, intenta reparar los errores cometidos por este hombre y curar las heridas que ella no ha infligido, lo que da lugar a un encadenamiento de situaciones de lo más absurdas e hilarantes que trascienden el simple gag y lo que es más difícil aún, que son capaces de mantener el explosivo ritmo que imprime su tronchante escena de apertura. Pocas veces este cronista se ha reído a carcajada limpia en una festival de clase A como fue el caso de Cannes, donde fue proyectada (y premiada) en la Quincena de los Realizdores. Y de principio a fin. "En Liberté!" viene a confirmarnos que en los grandes certámenes cinematográficos sí debe haber lugar para la comedia. De hecho, su presentación bien podría haber sido en Sección Oficial.


6. DONBASS
 de Sergei Loznitsa

Sección Oficial

“Una frase banal dice que la historia se repite dos veces; la primera como una tragedia y la segunda como una farsa. No. Hay un tercer reflejo de los mismos acontecimientos, del mismo asunto, el reflejo de un espejo que deforma el mundo subterráneo. Este tema es increíble y muy real; existe verdaderamente y vive cerca de nosotros". Así es como el propio Sergei Loznitsa nos presenta su nueva ficción. El prolífico realizador ucarniano (apenas dos meses atrás estrenaba el documental "Den' Pobedy" en la sección Forum del Festival de Berlín) será el responsable de inaugurar Un Certain Regard. Y lo hará a través de una mirada seguro, incisiva y polémica, que nos llevará a Donbass, una remota aldea ucraniana donde se vive una guerra que mezcla conflicto armado abierto y delitos de pandillas.


7. LA CASA DE VERANO
de Valeria Bruni-Tedeschi

Sección Oficial

"La casa de verano" a la que nos lleva la nueva película de la responsable de Valeria Bruni-Tedeschi es una localización familiar que desnuda a su propia realizadora poniendo en evidencia sus principales traumas y miedos. Una mansión costera ubicada en la Riviera francesa que precisamente es la misma en la que la responsable de "Un Castillo en Italia" ha veraneado durante toda su vida con su familia. Hablamos de un lugar atemporal recluido del mundo real en la que se da rienda suelta a las situaciones más imprevisibles y a los conflictos más extravagantes en el seno de una familia rematadamente disfuncional y de lo más caótica. Más allá de su trastornado humor, de su carácter extremadamente cínico, el principal valor añadido de "La casa de verano" está en la autoconsciencia por la que se rigen los delirantes enredos familiares que en ella irrumpen. Conflictos que pivotan sobre la propia experiencia y existencia de vida de su directora, ya sea desde la esfera familiar (la muerte por SIDA de su hermano), íntima (su traumática ruptura con Louis Garrel) así como creativa y profesional (el marcado carácter autobiográfico de su propio cine). Son tan solo algunos de los personlísimos ejes sobre los que de forma absolutamente transparente late y se expone su singular directora y protagonista. Su nueva película es una desequilibrada comedia familiar digna de frenopático. Y en el mejor de los sentidos. Con decir que en ella aparece incluso todo un Frederick Wiseman, queda todo dicho.


8. MAYA de Mia Hansen-Løve

Sección Oficial

Una gran musa del cine francés al servicio de la directora joven con más talento del cine europeo. Mia Hansen-Løve demostró haber alcanzado su plenitud como cineasta (si no lo había hecho ya) con la sensible, exquisita y definitivamente madura, "El Porvenir". Su sexto largometraje en cambio, estará protagonizada por Roman Kolinka (que ya trabajó con la cineasta en "Edén" y "El Porvenir"), la india Aarshi Banerjee y el habitual de Claire Denis, Alex Descas. Mundialmente estrenada en el pasado Festival de Toronto, "Maya"gira en torno a un joven fotógrafo de guerra que recupera su libertad tras estar encarcelado durante meses en Siria. De vuelta a París, su ciudad natal, tratará, sin éxito, retomar el curso normal de su vida.


9. DOVLATOV
de Aleksey German Jr.

Sección Oficial

De tal padre, tal hijo. Aleksey German Jr. demostró tener la lección bien aprendida y con su anterior "Under the electric clouds" rozó cima a través una distopía futurista de gran poderío simbólico y metafórico. Un monumental destilado del cine postapocaliptico que se suspendía y levitaba en el tiempo y el espacio, rompiendo toda lógica de las mismas, condensando ambas en una desolada Rusia, mostrándonos, más bien imaginado y ensoñando, que es lo que viene después de la destrucción, cuando ya ni tan siquiera queden ruinas, tampoco rastro alguna de la emblemática arquitectura de un país que representa tanto el pasado, como su presente y en este caso, su no futuro. Es decir, iba un paso más allá de la ciencia ficción apocalíptica para articular una reflexión tan arrebatadora como devastadora sobre el rumbo autodestructivo al que inevitablemente parecía estar abocada la sociedad y política rusa. Pues bien, del futuro al pasado, de sus devastadoras consecuencias, a la semilla de la que éstas brotaron, el realizador ruso decide utilizar a uno de los grandes referentes de la literatura rusa del S. XX para mostrarnos como la alienación social y la inmolación cultural empezaban ya a dar sus primeros pasos con el opresor comunismo soviético. “Dovlatov” hace suyo el dicho “"No mostrar la realidad no va a proteger a ningún joven de nada, porque todos los problemas seguirán ahí" y demuestra tener claro que el arte es el agitador definitivo de conciencias, algo que como todos sabemos, no es plato de buen gusto para el poder de las élites. “Dovlatov” es una película de discurso exigente y denso, que a pesar de dejarse llevar por alguna que otra fuga onírica inspiradamente cómica, no es accesible ni menos aún, de alcance popular.  Una suerte de "Fahrenheit 451" pasado por el tamiz soviético cuyo desarrollo repetitivo y circular está destinado a trasladar al espectador la propia pesadumbre y el mismo sinsabor que padecen sus principales protagonistas, atrapados en una espiral de desazón. 


10. VIVIR DEPRISA, MORIR DESPACIO
de Christophe Honoré

Sección Oficial

Sin presentar grandes alardes, algo nada reprochable, “Sorry Angel” bien podríamos definirla como un canto a la muerte tanto como un canto de vida, una película donde colidan y conviven la experimentación del primer amor (en el caso de Arthur, personaje interpretado por Vincent Lacoste) y el último amor (en el caso de Jacques, personaje interpretado por Pierre Deladonchamps). La flor de la vida frente al crepúsculo de la misma. Es la irrupción de un mismo sentimiento en etapas vitales completamente opuestas. Una irrupción que se enmarca en el París de los años 90 y que directamente abraza el marco autobiográfico para hablarnos de la propia experiencia del director. Y es que no por casualidad, Arthur es un estudiante bretón que lee a Jean-Luc Lagarce, escucha a Noir Désir, que vive en contacto con el pánico del Sida y que a los 22 años decide finalmente irse a estudiar a París. Es decir, tal y como fue el caso del propio director. Suyos fueron los deseos y temores de toda una generación. La confrontación del amor iniciativo con el crepuscular es la premisa sobre la que Christophe Honoré dignifica el adiós a la vida a manos del virus del Sida. La vitalidad frente a la depresión y desaparición. Con todo ello “Sorry Angel” es una película muy estilizada, decididamente pop, en la que constantemente reina el color azul. Ese azul que tiene un significado depresivo (es el color que tiñó la etapa más apesadumbrada de Picasso) pero también celestial, ese azul dual que directamente nos evoca el color del cielo y del mar. Aquí no hay lugar a sus habituales excentricidades ni a sus rompedoras fugas, si lo hay en cambio, al profeso del amor sin ambages y el puro sentimiento. La constante presencia de la nostalgia y la melancolía no dejan lugar a la lágrima. El sufrimiento se expresa y presiente en todo momento a pesar que su padecimiento físico se sitúa siempre fuera de campo. El miedo como principal síntoma, el amor a los placeres de la vida como su único antídoto. Es la crónica de un adiós nada complaciente pero que se siente emocionante y digno, cuyo título original francés lo resume y sintetiza a la perfección: “Plaire, aimer et courir vite”. Lo que vendría a ser: “Gustar, amar y correr deprisa”. Eso mismo.


11. NON-FICTION
de Olivier Assayas

Película Inaugural

"Non-Fiction" bien podríamos presentarla como una ágil, verborréica y divertidísima comedia sobre el mundo editorial literario parisino y el proceso de radical transformación en el que actualmente está inmerso, teniendo en las novelas electrónicas (dígase e-books) y los audiolibros el desesperado bote salvavidas para que una industria, que siempre fue el epicentro de nuestro conocimiento y arte, no quede obsoleta. Pero ante todo, lo que "Non-Fiction" resulta ser, es una inteligente y aguda reflexión sobre el empobrecimiento de la cultura y comunicación en el alienado mundo occidental en el que hoy día (sobre)vivimos. De como ello afecta a la propia creación artística que parece abocada a la autoficción y no a la inventiva, a nuestra forma de relacionarnos en nuestros círculos más íntimos, ya sea en el ámbito sentimental, amistoso o laboral. Y es que el nuestro es un mundo donde Youtube, Facebook y Twitter son las novelas más leídas, donde la conversación cara a cara parece haber pasado a una mejor vida. Lo filosófico y profundo se volatiliza mientras lo frívolo, efervescente y etéreo campa a sus anchas. Una crisis laboral y existencial que Oliver Assayas afronta con inspiradísimo humor, articulando una obra muy disfrutable y extremadamente deshinibida que no da respiro, en la que hay cabida incluso para delirantes guiños que van desde Michael Haneke a Star Wars pasando por la propia Binoche. Lo dicho, la vida en hashtag y cómo ésta afecta a quien no encuentra en su teclado la almuadilla.


12. WHAT YOU GONNA DO WHEN THE WORLD IS ON FIRE?

Sección Oficial

No soy Rossellini pero realizo mi cine manteniendo la propia integridad". Con estas palabras, es el propio Minervini quien de forma inmejorable define su insobornable cine, aquel que se rige por una metódica fusión entre realidad y ficción enfocada a destapar las miserias que esconde el impostado sueño americano. Y es que más allá de Donald Trump, son muchos los males que a día de hoy sintomatiza la sociedad estadounidense: la discriminación racial, la opresión sexual, el acoso escolar, el imparable auge del narcotráfico y en definitiva, la intolerancia que conlleva el abandono y marginación de las clases más vulnerables y desamparadas, siguen azotando una sociedad cada vez más fracturada y esquinada. Un amplio e inabarcable abanico de estigmas, tormentos y conflictos de índole social que el realizador italiano afincado en Estados Unidos bien ha tenido en denunciar a lo largo de su breve pero interesantísima obra. Fue el caso de su anterior y potentísima “The Other Side”, es también el caso de la afectuosa, aunque no por ello menos sobrecogedora, “What you’re gonna do when the world is on fire?”.Rodada en sobrio blanco y negro (hete aquí su principal novedad a nivel formal respecto el resto de su obra), Minervini retrata nuevamente a un marginal microcosmos, una comunidad afroamericana arrinconada en los bajos fondos de Nueva Orleans cuando una serie de asesinatos brutales de afroamericanos causaron revuelo en todo el país durante el verano de 2017. La que construye es una meditación sobre el estado de la raza en América que muy a pesar de transitar dramas desgarradores, se nos revela con conmovedor afecto desde los pequeños gestos, dejando que los personajes respiren y que las escenas se construyan por si solas a través de sus reivindicadoras conversaciones. Con todo ello, “What you're gonna do when the world is on fire?” se revela en una estoica muestra de docuficción, un documento incontestablemente poderoso y auténtico que más allá de su reivindicable discurso, se siente profundamente sensible y honestamente tierno. Black Power al son de "Treme". 

Crónica Venecia 2018:

13. OBRA SIN AUTOR de Florian Henckel von Donnersmarck

Sección Oficial

La nueva película de Florian Henckel von Donnersmarck presenta todas las credencial necesarias para volver a la senda del éxito con una historia que directamente nos lleva a su épico debut. Con guión a cargo del propio director, esta suerte de histórico thriller psicológico inspirado en hechos reales abarca tres periodos clave de la historia de Alemania y de lo que ante todo nos habla es de las posibilidades que tiene el el proceso creativo del arte como vehículo sanatorio y expiatorio para cicatrizar heridas, por muy profundas y supurantes que éstas puedan llegar a ser. Un arte que tiene porque ser explicado ni firmado, un arte que bien puede quedar a la libre interpretación de quien lo contempla. Lo verdaderamente importante y clave es el significado, las motivaciones, sobre los que lo ha gestado su autor. Una reflexión que "Obra sin Autor" articula bajo el registro melodramático y un contexto histórico claramente marcado. De la Alemania nazi, a la Alemania comunista, sus jóvenes protagonistas y sus vidas íntimas son víctimas de los traumáticos y trágicos estigmas políticos y sociales que marcaron estas convulsas etapas en el país germano. Es el contexto sobre el que se enmarca esta reveladora reflexión sobre el arte así como la conmovedora historia de amor que la recorre. De la esfera íntima, a la social, de la creación artística a la denuncia histórica y política, la nueva película del responsable de "La vida de los otros" está llamada a repetir hito. Por de pronto, ya ha sido seleccionada por Alemania para representarla en la próxima gala de los Oscar. Apostamos desde ya a que estará entre las cinco elegidas.


14. LA CIUDAD OCULTA
de Víctor Moreno

Sección Oficial

Con su anterior "Edificio España", su realizador Víctor Moreno tuvo el 'logro' de ser censurado por el todopoderoso Banco Santander. Así fue merced de un muy atractivo documental que convivía con el cambio, con la idea o la fatalidad de revolucionar un espacio, a través del singular retrato un emblemático inmueble de Madrid que en tiempos del franquismo fue símbolo de prosperidad y en este nuevo milenio sin embargo, atañe a la crisis. Tanto financiera como social. Una inmensa Torre de Babel sobre la que quedan impresas las huellas de nuestra época que da paso ahora a "La Ciudad Oculta". Es así como del rascacielos pasamos al subsuelo. Un vasto laberinto de galerías, túneles, alcantarillas, suministros de luz, agua, gas y teléfono, redes de transporte y estaciones de metro, áreas de ocio y consumo, sótanos, garajes...que conforman una inmensa tela de araña que descansa sobre la ciudad visible y depende de ella. Un espacio funcional y esencial, pero también un área simbólica, una esfera oculta que bien podríamos señalar como el inconsciente de la ciudad. Bajo esta sugerente premisa "La Ciudad Oculta" se nos presenta como una sinfonía suburbana, un viaje sensorial hacia las entrañas de la gran ciudad.


15. LA MUJER DE LA MONTAÑA

Sección EFA

El islandés Benedikt Erlingsson se hizo con el Premio Nuevos Directores en San Sebastián con "De Caballos y Hombres", un western incalsificablemente marciano, tan absurdo como singular y único, cuyo lugar no debería ser una sección paralela tanto como Sección Oficial. Hablamos de una comedia delirantemente coral, de carácter tan autóctono como cinematográficamente particular, que nos dibuja un paisaje tan descabellado como poblado de caballos, retratando a su desbocada e irreverente manera la relación entre trotones y humanos. Y lo hace galopando a ritmo de un hilarante humor deadpan, de abruptos golpes de violencia, de un bizarro romanticismo y envuelta en un imponente y sensorial dispositivo forma. En definitiva, una de esas miradas que de por si solas razonan nuestra presencia en un festival. Con su segunda película, "A woman at war",  nos cuenta la historia de Halla, que a sus cerca de cincuenta años, declara la guerra a la industria local del aluminio, que está desfigurando su país. Una guerra quea nos acerca temas de rabiosa actualidad, como el ecologismo, y otros universales y atemporales, como pueden ser la maternidad o el poder de las grandes corporaciones. "La mujer de la montaña (Woman At War)" es una película vibrante en un entorno natural espectacular, llena de acción y con un personaje principal fuerte y carismático. 


16. IDRISSA, CRÓNICA DE UNA MUERTE CUALQUIERA
de Xavier Artigas y Xapo Ortega

Sección Oficial

Después de "Ciutat Morta", Xavier Artigas y Xapo Ortega vuelven con otro documental de denuncia. En este caso su nombre propio es el de Idrissa Diallo y el documental que lo devuelve a la vida construye un retrato colectivo de la realidad migratoria, la vulneración de derechos y la explotación que sufren las personas migradas en territorio europeo a partir de la investigación de su muerte en el Centro de Internamiento de Extranjeros de Barcelona, la noche de reyes del 2012.


17. TOUCH ME NOT
de Adina Pintille

Sección Oficial

¿Ficción¿ ¿Documental? ¿Un experimento social sobre nuestra percepción y conexión entre cuerpo y alma? “Touch me not” es una pieza tan inclasificable que sembró una división tal entre la prensa que muchos no se creyeron que acabara por alzarse con el Oso de Oro en en el Festival de Berlín. Ni críticos ni su propia directora, la debutante Adina Pintille, que tras siete años de trabajo e investigación, nos ofrece un ensayo, una reflexión valiente y sin complejos como pocas veces el cine se ha atrevido a retratar sobre la sexualidad, el enigma de la atracción, el significado de la belleza o nuestra relación con nuestros propios cuerpos. Y mientras seguimos buscando una palabra en nuestra cabeza que la defina, quizá la más apropiada es que la que le dio el propio Tómas Lemarquis, uno de sus protagonistas: “Touch Me Not es un animal extraño”. 


18. BUSCANDO LA PERFECCIÓN
de Julien Farault

Las Nuevas Olas No Ficción

"Buscando la perfección" tuvo su estreno en la pasada edición de la Berlinale, donde fue una de las películas más aplaudidas de la crítica. En el festival alemán, el filme no solo se alzó con el Premio a la Mejor Película de la Sección Forum, otorgado por los lectores del diario Tagesspiegel, sino que también fue incluida por la prestigiosa revista norteamericana de cine Variety en la lista de las 10 mejores películas que se pudieron ver en el festival. Narrada por el actor Mathieu Amalric ("Barbara", "Casino Royale"), supone un fascinante ensayo sobre el cuerpo y el movimiento a través del estudio de numerosas imágenes de archivo inéditas del tenista John McEnroe, en el que se entrelazan dos disciplinas en principio tan diferentes como el cine y el tenis.


19. MARIPHASA
de Sandro Aguilar

Las Nuevas Olas

Hombres y mujeres anestesiados por su inconsolable pena, supervivientes que andan por espacios desprovistos de vida en busca de un lugar de descanso. Ellos eran los protagonistas de "A Zona" (2008) una de las propuestas más rompedoras y reveladoras que podemos atribuir al cine europeo del nuevo milenio. Debut intenso y atmosférico que resultó ser un tour de force directorial, que encumbró el nombre del cortometrajista Sandro Aguilar entre lo más granado de la cinematografía portuguesa. Pues bien, 11 años después y con 8 nuevos cortos a sus espaldas, Aguilar vuelve al ruedo con su segundo largo. Mundialmente estrenada en el Forum de la pasada Berlinale, "Mariphasa" es un potentísimo ejercicio de estilo al servicio de un guardia de seguridad nocturno cuya vida transita en un permanente abismo tras la muerte de su hija.


20. EL REY
de Alberto San Juan

Tras su éxito teatral, Alberto San Juan y Valentín Álvarez  dirigen la adaptación cinematográfica de "El Rey" con Luis Bermejo y Willy Toledo como cómplices en el reparto. "El Rey" es una mirada crítica e irreverente, satírica e incómoda, a la España de los últimos 40 años, centrada en la figura de Juan Carlos I, que promete ser tan polémica como anteriores trabajos de San Juan en los escenarios, con la compañía Animalario o con Teatro del Barrio ('Masacre', 'Autorretrato de un joven capitalista español', 'Alejandro y Ana').


BONUS TRACK: ROI SOLEIL
de Albert Serra

Retomando la idea original de "La muerte de Luis XIV", que en un primer momento se tenía que llevar a cabo como performance en el museo Pompidou de París, Albert Serra pidió a su actor fetiche Lluís Serrat, quien toma el relevo de todo un Jean-Pierre Leaud, que escenificara durante siete días la lenta agonía del monarca francés, hasta la muerte definitiva, ante los visitantes a dicha galería, en un reto físico y psicológico de notable complejidad. Esta performance fue grabada en su totalidad (unas veintidós nueve horas) y ahora Serra ha creado un pieza con este material. Merecedora del Gran Premio del FIDMarseille, "Rooi Soleil" trasciende su origen documental y se convierte en una fascinante reflexión sobre la inestabilidad del significado visual en el rostro del actor, y el misterio profundo que recubre toda representación genuina.


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