Festival de Sevilla 2016: Nuestras 20 favoritas

Autor: Joan Sala Fuente: Filmin

Festival de Sevilla 2016: Nuestras 20 favoritas

Xavier Dolan, Andrea Arnold, Bruno Dumont, Alain Guiraudie, Oliver Laxe, Whit Stillman, Eugene Green, Ulrich Seidl, Albert Serra, Bertrand Bonello o incluso Isaac Rosa, son algunos de los nombres capitales que encabezan nuestras 20 favoritas para la XIII edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla que mañana viernes 4 de noviembre dará el pistoletazo de salida con la sublime, prácticamente maestra, "Une Vie" de Stephane Brizé. Nunca mejor dicho, Europa, Europa.

1. Une Vie

Película Inaugural

De que va

El filme relata la vida de Jeanne du Perthuis des Vauds, entre su 18º y 45º aniversario en la Normandía de la primera mitad del siglo XIX. Es la historia de una mujer hipersensible, demasiado protegida, incapaz de enfrentarse a la brutal realidad del mundo. Es también la historia de un duelo imposible, así como del paraíso perdido de la infancia.

Qué ofrece

Un ejercicio de estilo tremendamente distintivo que directamente nos lleva a las "Cumbres Borrascosas" de Andrea Arnold. La de Stéphane Brize es una obra prácticamente maestra, película de época ejemplarmente singular, rodada en formato 4:3 o mejor dicho, en 1:37 para ser exactos, en la que no hay planos generales, tampoco encuadres en la que aparezcan más de 4 personajes ni mucho menos, grandes alardes escénicos que reflejen la opulencia de un gran presupuesto. Más bien, todo lo contrario. Lo que "Une Vie" representa es una trascendente inmersión en la vida íntima de su protagonista enmarcada en una época hostilmente sacudida por la opresión social y el disforme poder de la religión. Una obra extraordinaria de tratamiento absolutamente naturalista que tiene en la cámara, en la forma de incrustarse y retratar a su personaje principal, una de sus grandes virtudes, aquella que principalmente le dota de la abrumadora profundidad emocional por la que sublimemente se distingue.




2. Solo el Fin del Mundo

Sección Oficial

De que va

Un escritor que padece cáncer regresa a su hogar natal para anunciar a su familia que se está muriendo. La adaptación de una obra teatral nacida destinada a caer en manos de Xavier Dolan.

Qué ofrece

La histérica y opresiva “Solo el Fin del Mundo” reflexiona ante todo, sobre la incomunicación y el distanciamiento en las relaciones familiares, afrontando la desconexión que de ésta emerge desde la vacua verborrea y el perpetuo griterío entre los miembros familiares, desde la constante repetición de la información en pos de evitar la incomodidad del silencio, el dolor del rencor, cuando el sentimiento de empatía, la sensación de contacto y cercanía, brilla por su ausencia. De Lost Frequencies a Moby pasando por Grimes o Dragostea Din Dei (en la que probablemente suponga su momentazo más memorable), en su mayoría flashbacks de un alto contenido emocional que son las únicas licencias ajenas a la obra teatral que el joven director canadiense emplea con el objetivo de dar rienda suelta a su explosivo e inconfundible esteticismo, pero también para brindarnos necesitados momentos de respiro. Es tal la intensidad que “Juste la fin du monde” emana que uno puede acabar por epatar. Pero no, no es el caso. Hablamos de los gritos del silencio de un absoluto portento.




3. Amor y Amistad

Sección Oficial

De que va

Ambientada en 1790, Amor y amistad (Love & Friendship) cuenta la historia de Lady Susan Vernon. Una bella viuda de la alta sociedad inglesa que viaja hasta la casa de campo de su familia política con la intención de conseguir un marido para su hija.

Qué ofrece

El mejor Whit Stillman (Metropolitan, Damiselas en apuros) se lleva a su terreno a los aristócratas ingleses de Jane Austin (y a sus intrigas) a quienes aplica el tratamiento de disfuncional y caustica chispa que usa habitualmente con la clase alta neoyorquina. El enredo está servido en esta comedia ágil y vivaz cuyo reparto incluye nombres como Kate Beckinsale, Chloë Sevigny Stephen Fry y John Bennett.




4. American Honey

Sección Oficial

De que va

“American Honey” se situaría en un punto intermedio entre los white trash de Harmony Korine y Roberto Minervini. De hecho, bien podría presentarse como una suerte de cruce entre “Spring Breakers” y “The other side” con ciertos ecos de “Bestias del sur Salvaje”.

Qué ofrece

“American Honey” no es otra película más sobre una juventud pérdida a la búsqueda del sueño americano. Más que nada, porque la América que Andrea Arnold nos dibuja es una tierra prácticamente distópica, tremendamente alienada y definitivamente deshumanizada. Tanto es así que en ella ya no quedan sueños por cumplir. Un panorama tan miserable como devastador al que su séquito protagonista hace frente con enérgica disposición. Lejos de regodearse en la desgracia y el lamento, de subrayar y profundizar en el el drama que les ha tocado sufrir, optan por encontrar la forma de sobrevivir envueltos de una enérgica alegría y propulsados por un perpetuo buen rollo, es decir, por una fiesta contínua que directamente emana una suerte de nihilismo optimista. Aún y así, que nadie se equivoque, porque Andrea Arnold no obvia el tétrico paisaje que “American Honey” recorre y no es casualidad que a lo largo de este abrumador road trip, de este trayecto loopeado (no hay salida, tampoco meta, es cuestión de coherencia) los personajes con los que Star se cruza en su camino sean petroleros y cowboys de dudosas intenciones, ganaderos que se dedican a transportar animales al matadero, devotos cristianos o la white trash más extrema. En resumidas cuentas, this is America, pero bajo el prisma de un subvertido cuento de hadas que traslada una inaudita belleza partiendo desde la mugre marginal que cubre sus bajos fondos y al mismo tiempo, desde ese sentido de la libertad que nos permite ser dueños de nuestro propio destino. A volar, que no a soñar.




5. Le Fils de Joseph

Sección Oficial

De que va

Vincent se ha criado con su madre hasta que un día decide averiguar quién es su padre. Su búsqueda le llevará hasta la figura en forma de Dios del mundo literario parisino, un canalla maquiavélico interpretado por Mathieu Amalric.

Qué ofrece

No es solo que nunca falle si no que, como era de esperar, Eugéne Green trae consigo una de las propuestas más singulares y brillantes de todo el festival. Tal y como él mismo nos lo explicaba en su previa estamos ante "una historia muy actual, la de un niño que no conoce a su padre, pero he establecido un paralelismo con ciertos episodios de la Biblia de forma, por otra parte, muy intuitiva. Hay una dimensión mitológica, pero también es casi un film noir. Pero no lo será de manera clásica, claro que no". Tal cual, el director francés afincado en Estados Unidos sigue con su particularísimo sello autoral, incidiendo en este caso en una ocurrente reflexión sobre la paternidad que implica una relectura de varias historias bíblicas, que juega con los instrumentos de las comedias románticas e incluso los screwballs y que destaca ante todo por la imprevisibilidad del desarrollo de la acción y por supuesto, por esa inexpresividad, esa no interpretación por la que siempre se ha distinguido el trabajo actoral en el cine, único en su especie, de Eugéne Green.




6. Ma Loute

Sección Oficial

De que va

Ma Loute" nos lleva a la Normandía del siglo XX, concretamente del año 1910, a una ciudad balneario del Paso de Calais, en donde dos familias completamente opuestas se encuentran en el corazón de misteriosas desapariciones que son investigadas por los inspectores infames, Machin y Malfon.

Qué ofrece

Con la desbordante y despampanante “Ma Loute” Bruno Dumont vuelve a profundizar en los recovecos más profundos y oscuros del alma humana sí, aunque en este caso lo hace desde el registro cómico más estrambótico y extremo, brindando un homenaje por todo lo alto al slapstickdel cine mudo (con mención especial para el Gordo y el Flaco) y al más audaz humor absurdo. Hablamos de una obra excesiva y surrealista en todos los sentidos, tanto es así que inevitablemente, puede provocar también agotamiento y extenuación en el espectador. Una propuesta definitivamente valiente y arriesgada, rebosante de contrastes, que se siente tan grotesca y desmadrada como sublimemente hermosa. Menuda es. Unica en su especie.




7. Malgré la Nuit

Sección Oficial

De que va

Lenz regresa a París para buscar a su amada Madeleine, pero sólo encuentra relaciones condenadas y un submundo macabro y pornográfico del que no hallará escapatoria.

Qué ofrece

Con tan sólo tres largometrajes (ahora cuatro) y un cortometraje a sus espaldas, la filmografía de este portentoso cineasta francés es ya una referencia para entender las derivas más radicales del cine narrativo de nuestros días. Sus películas, de una intensidad difícilmente comparable, se traducen en absorbentes experiencias físicas tanto como emocionales que indagan en la violencia sobre los cuerpos y sobre la mirada, hasta alcanzar una rara, violenta pero magnética cualidad abstracta. Sus tres películas narrativas rodadas hasta la fecha ("Sombre", "La Vie Nouvelle" y "Un Lac"), se bastan para encumbrar la ¿experimental? filmografía de Philippe Grandrieux entre lo más granado de la flora cinematográfica europea. Su cuarto film, "Malgré la nuit", definido como un filme lyncheano acerca de la pérdida y los celos, es una historia de amor y celos anclada en la pornografía tanto como en la música. Destacar que tras la desaparición del inestable Pete Doherty, llegó al rodaje el músico Kristian Marr.




8. Mimosas

Sección Oficial

De que va

Una caravana acompaña a un anciano y moribundo Sheikh a Sijilmasa. Su última voluntad es ser enterrado junto a los suyos, pero la muerte no espera y lo alcanza mientras cruzan las escarpadas cumbres del Atlas marroquí. Los caravaneros, temerosos de la montaña, se niegan a seguir transportando el cadáver. Ahmed y Said, dos buscavidas que viajan con la caravana, dicen conocer el camino a Sijilmasa y se ofrecen a llevar su cuerpo hasta allí.

Qué ofrece

Una western religioso trascendental y tremendamente espiritual, de una dimensión grandiosa tanto a nivel existencial como filosófico, que nos abre una puerta hacia la libre interpretación de lo que hoy día significa la creencia en la fe y la religión, del trayecto ¿abyecto? en el que nos puede embarcar la profunda imposición de un ideal a día de hoy. Una base conceptual sobre la que “Mimosas” se suspende combinando desde una narrativa intensa, dos trayectos de forma paralela, el introspectivo con el explícito, el interior con el exterior, desde la literalidad de la acción tanto como desde su abstracción. Una película tan visualmente imponente como conceptualmente madura, que a pesar de romper con todo tipo de etiqueta, de dejar toda posible explicación abierta, sorprende por su accesibilidad, por resultar en definitiva, vertiginosamente entretenida muy a pesar de su compleja profundidad argumental. En "Mimosas" hay acción, suspense, e incluso sorprendentes persecuciones. Todo ello envuelto de un paisaje espectacular, de un trabajo de fotografía monumental. Dicho de otra forma, la vencedora merecida y absoluta de la Semana de la Crítica en el pasado Festival de Cannes.




9. Safari

Sección Oficial

De que va

En la selva africana, cebras, impalas y ñus campan a sus anchas. Los turistas alemanes y austríacos que acuden allí a cazar, esperan entre los arbustos y acechan a sus presas. Disparan, gritan de emoción y posan con los animales que han cazado. Una película sobre gente que pasa sus vacaciones matando.

Qué ofrece

No es una película fácil de ver (especialmente para quienes profesamos un amor incondicional por todo tipo de vida animal), pero si de la que tenemos mucho que aprender (sobre todo para aquellas personas que no les profesan ninguna sensibilidad especial). Y es que "Safari" es, ante todo, una película sobre la naturaleza humana. Si 20 años atrás Ulrich Seidl levantaba ampollas con "Animal Love", un film sobre la atención obsesiva de que los austríacos profesan por las mascotas, animales de compañía convertidos por sus propios dueños en interlocutores, amigos y objetos de moda que acaban teniendo la función de proyectar los deseos humanos, con "Safari" nos transporta a África, concretamente a Namibia, para ahondar nuevamente en la proyección del deseo humano, pero enfocada esta vez hacia la vida salvaje de quienes deberían ser nuestros congéneres y no capturas con las que saciar los sádicos anhelos para disfrute de el ocio y propio regocijo de sus cazadores. Hablamos de los animales sí, pero también de la relación interracial humana, para que nos entendamos, de la relación entre blancos y negros. Y es que no es por capricho ni casualidad que en "Safari" no solo seguimos a personas, familias, padres e hijos adolescentes que tienen en la matanza de animales salvajes uno de sus grandes placeres y principales razones de existencia. También se nos expone como los blancos se dedican a disparar y matar mientras los negros se encargan de desollar y descuartizar las presas (empezando por gnus y desembocando incluso en jirafas). Y es cuando directamente volvemos a los tiempos del colonialismo. En efecto, para echarse a temblar.




10. La Muerte de Louis XIV

Sección Oficial fuera de Competición

De que va

"La Muerte de Louis XIV nos transporta al lecho de muerte de uno de los grandes reyes de Francia para contarnos cómo éste pasa sus últimos días rodeado por sus leales seguidores.

Qué ofrece

Un ejemplo tan bello como estoico de la fuerza artística del cine, una obra de apabullante potencia pictórica en la que supone sin duda, la película más sobria y contenida hasta la fecha de Albert Serra, así como aquella que por vez primera huye de ese estilo tan libremente radical como naturalista que distingue su personalísimo cine (podría decirse que tan solo una de sus secuencias más cómicas e hilarantes, protagonizada por Albert Plá, nos lleva a sus inconfundibles señas). Un retrato memorable encerrado entre cuatro paredes que a pesar de suspenderse sobre un ostentoso carácter barroco, se aleja de sobremanera de lo artificioso y pretencioso (en este sentido "La Mort de Louis XIV" me transporta a "L'Apollonide") . Planos detalladamente dibujados, geométricamente ultra-planificados (sobre todo en el posicionamiento de los personajes en cada uno de los cuadros), sublimemente compuestos, al servicio de un rey único: Jean-Pierre Léaud. Un letargo perenne que resulta hipnótico a ojos del espectador, cuyo posible poderío simbólico y metafórico podría llevarnos a más de una interpretación ¿refleja la muerte de Louis XIV la muerte del cine? ¿es Jean-Pierre Léaud la representación de un séptimo arte que atisba su etapa más fúnebre? Podría serlo ateniéndonos a quien está tras la cámara, o no. “Esperemos que la próxima vez salga mejor”. Es la significativa frase final con la que “La Mort de Louis XIV” pone su grandioso punto y final (por más que mejor, no le podría quedar). Digna de enmarcar.




11. Staying Vertical

Sección Oficial

De que va

Basta con saber que “la película tiene lugar en la Francia a la que llamamos profunda" y que Alain Guiraudie la ha concebido "con la idea de convertir en creíble lo inverosímil, en posible lo imposible y en hacer un gran viaje sin irme muy lejos de casa, de acercar lo de fuera y de evadirme a la vuelta de la esquina". Amén.

Qué ofrece

Una prueba más de que Alain Guiraudie sigue su propio e insurrecto camino. Una rareza inclasificable destinada, como no podía ser de otra forma, a desestabilizar al espectador provocando el extrañamiento más súbito e inopinado desde la tajante ruptura de cualquier tipo de posible imposición o 'etiqueta'. Y lo hace envolviéndose, una vez más, del más absoluto naturalismo que emana el paisaje del que "Staying Vertical" se envuelve (tal y como lo hace el resto de su obra) así como las bizarras acciones con las que constantemente sorprenden sus personajes. Maravilloso contraste. Hablamos de personas por decirlo de alguna manera, no al uso, que desde la inexpresividad luchan ante la indiferencia mientras tratan de buscar su lugar en el mundo (de ahí el título, "Permanecer Vertical"). También de situaciones completamente idas de madre que se construyen desde lo supuestamente absurdo, entre las cuales encontramos un coito para la posteridad así como uno de los grandes momentazos por los que seguro, recordaremos este Festival de Sevilla (ahí lo dejo). ¿Pero que significa lo realmente absurdo? o mejor dicho ¿a que atribuimos los supuestamente normal?. Preguntas con aparente respuesta a las que la hechicera "Staying Vertical" da la vuelta, eso sí, desde el empleo de un simbolismo mucho más evidente y accesible de lo esperado. El enigma en este caso no lo es tanto. Los lobos, tanto como las ovejas, nos dan la respuesta. Cuidado.




12. Heartstone

Sección Oficial

De que va

En un pueblo pesquero islandés, rodeados de una naturaleza salvaje, crecen Thor y Christian. En el verano del despertar sexual, Christian se da cuenta de las nuevas sensaciones que le despierta su amigo. Confuso descubrimiento, especialmente en medio de una comunidad pequeña y poco tolerante.

Qué ofrece

Es una historia personal de coming of age, basada en las propias experiencias de su director, Guðmundur Arnar Guðmundsson, como un muchacho que creció en un pueblo como el que nos dibuja la palpitante y sobrecogedora "Heartstone": “Un lugar lleno de contrastes, donde el sol brilla durante mucho tiempo en verano y durante poco tiempo en invierno; un lugar donde los niños llegan a conocer a los animales y, a menudo, descubren lo increíblemente hermosas y a la vez increíblemente crueles que pueden ser la naturaleza y las personas”, señala Gudmundsson. A partir de esta sugerente declaración de intenciones "Heartstone" retrata a los jóvenes de una remota aldea islandesa de una manera veraz, reflejando su crecimiento de una forma tan emotiva y hermosa, como necesariamente hiriente y a ratos incluso, devastadora. La opresión sexual, la homofobia o la disfuncionalidad familiar son los ejes principales que construyen este sensible y delicado relato de abrumador poderío cinematográfico, que se presenta maravillosamente fotografiado y verazmente interpretado. Un debut que atisba un director mayor.




12. United States of Love

Sección Oficial

De que va

Año 1990. Polonia acaba de abrirse al capitalismo. Entre la novedad de las cintas VHS, las clases de aerobic y los discos de Whitney Houston, cuatro mujeres intentan lidiar con la represión sexual y con sus amores insatisfechos. Agata, una joven madre atrapada en un matrimonio infeliz, se siente atraída por un sacerdote. Renata, una solitaria profesora de ruso ya en su madurez, se obsesiona con su vecina Marzena, una ex miss que sueña con ser modelo. La hermana de esta, Iza, la estricta directora de la escuela donde trabaja Renata, tiene una aventura con el padre de una alumna. Cuatro mujeres, aparentemente felices, deciden que ha llegado el momento de intentar cambiar de vida.

Qué ofrece

Oso de Plata en Berlín al Mejor Guión, "United States of Love" tiene lugar tras la caída del Muro de Berlín. Mientras que los primeros turistas de la Alemania del Este llegan para nutrir la economía, los primeros posters americanos con estrellas cubren las paredes de las habitaciones de los jóvenes, las clases de aerobic envuelven de nylon extensible los cuerpos de las mujeres, y el país vive la eclosión del movimiento Solidaridad. La vitalidad de la nueva era que comienza se ahoga con una morosidad heredada de largos años de opresión. De esta contradicción nace en las cuatro mujeres que sigue Tomas Wasilewski en una obra de abrumador poderío estético.




14. Nocturama

Sección Oficial Fuera de Competición

De que va

Una mañana en París. Un puñado de adolescentes de diversa procedencia. Cada uno de ellos comienza a ejecutar una extraña danza en el laberinto del metro y las calles de la capital. Parecen seguir un plan. Sus gestos son precisos, casi peligrosos. Se reúnen en el mismo lugar, unos grandes almacenes, a la hora del cierre. París entra en erupción. La noche comienza.

Qué ofrece

Tres son las claves por las que principalmente encumbramos "Nocturama" como la mejor película de la pasada edición del Festival de San Sebastián: a) la dirige uno de nuestros directores franceses predilectos Bertrand Bonello, b) adapta a uno de nuestros escritores-bocazas preferidos, Bret Easton Ellis y c) viene con la etiqueta de ser la película que Cannes no se atrevió a proyectar. Si a ello añadimos que lo que nos encontramos es una suerte de "Elephant" trasladado a la Europa de hoy, ya tenemos el menú completo. "Nocturama" nos confirma lo que ya esperábamos de ella: es nuestra gran favorita. Así es, la nueva y contundente película del responsable de "L'Apollonide" viene protagonizada por una juventud sobreinformada. Una juventud supuestamente culturizada que a pesar de presentarse en un principio como madura y concienciada, uno finalmente se da cuenta que no son más que maniquíes damnificados y acuciados por una vulnerabilidad extrema, merced de los opresivos mecanismo policiales y políticos instaurados por el propio país al que se deben. Es decir, una juventud abandonada a su suerte por los estamentos gubernamentales de una Francia que lejos de protegerlos, los anula y sobrexpone. Lo cual puede provocar un despecho y desencanto social que les lleve a cometer un crimen de cuyas consecuencias no son verdaderamente conscientes. Razones de peso de las que emerge un acto terrorista propulsado por un aparente idealismo acérrimo que sin embargo, se ve dilapidado y absorbido por el más absoluto consumismo. En efecto, maniquíes y consumo.




15. Liberami

Sección Oficial Fuera de Competición

De que va

Liberami documenta exorcismos reales con una mirada que, aún sin tomar partido, no ahorra al espectador el estupor y el espanto de contemplar posesiones infernales a todas luces verdaderas. Colas de fieles se agolpan en la puerta de Cataldo, que también organiza sesiones colectivas para atender a su creciente demanda. Pues la iglesia se halla en urgente necesidad de más exorcistas: España ha solicitado ya siete más al Vaticano.

Qué ofrece

"El Exorcista" en nuestros días. Ganadora del premio Horizontes en Venecia, "Liberami" bien podríamos definirla como una comedia delirantemente grotesca, también como un documental extremadamente inquietante o por supuesto, como una película que lejos de reflexionar acerca de la religión, lo hace sobre el caos social, espiritual y existencial que a la misma le atañe. Y es que hablamos de un documental que se envuelve de exorcistas, exorcismos y exorcizados para transportarnos a la más pintoresca Sicila, con todo el excentricismo que ello conlleva. Y en medio de todo ello, una concentración inabarcable de supuestas posesiones que tiene en el Padre Cataldo (cual Padre Merrin fuera) y sus misas masivas de los jueves, su principal antídoto. En definitiva, un retrato que resulta tan hilarante (rebosa secuencias memorables que proporcionan carcajadas inolvidables) como definitivamente escalofriante (y no precisamente por su carácter demoníaco, sino más bien por la distopía que atisba el retrato social actual sobre la que levita). El infierno ¿social? acecha.




16. In Bed with Victoria

Las Nuevas Olas

De que va

Justine Triet ("La batalla de Solferino") cita a Howard Hawks, Billy Wilder y Blake Edwards como referentes en esta comedia screwball protagonizada por Victoria Spick abogada penalista, workaholic y madre soltera cuya falta de líbido es solo uno de sus muchos problemas: su ex se dedica a difamarla en un blog, tiene que defender a su amigo Vincent (Melvil Poupaud) de un intento de asesinato con un perro como único testigo, y Sam (Vincent Lacoste), joven ex camello al que ayudó en el pasado, se instala en su casa como au pair y aprendiz de abogado.

Qué ofrece

Como las mejores screwball comedies encumbradas por el cine clásico americano, “In bed with Victoria” destaca por su ritmo endiablado, por unos diálogos tan inspirados como viperinos y en definitiva, por no ofrecer apenas respiro. Una comedia alegre, sincera y contemporánea sobre una joven madre soltera tratando de encontrar el equilibrio entre su carrera y su vida amorosa. Es como de buenas a primeras podríamos presentar la vital y enérgica “In bed with Victoria”. Una obra genuinamente carismática que ante todo, se conjuga y propulsa sobre dos nombres propios: el de Justine Triet tras la cámara y el de Virginie Efira ante ella. La explosiva directora francesa vuelva a brindarnos una desbordante inmersión sobre el mismo microcosmos que levitaba su reveladora ópera prima: una madre soltera, laboralmente hablando tan prolífica y exitosa, como lo es caótica y desmadrada en su vida íntima. Una mujer llena de vida que sin embargo, no sabe como llevarla. Un discurso aparentemente no tan ambicioso aunque no por ello resulte menos virtuoso. Todo un deleite.




17. La Mano Invisible

Las Nuevas Olas

De que va

Una serie de profesionales se dan cita a diario en una nave industrial reconvertida en escenario teatral para desempeñar diversas tareas: un albañil construye una pared que más tarde derriba; una chica coloca piezas en una cadena de montaje sin saber para qué sirven; un carnicero despieza animales en descomposición; un mozo de almacén mueve cajas de un sitio para otro; una teleoperadora realiza encuestas sobre la consideración del trabajo; un mecánico desmonta un coche que luego vuelve a montar... Mientras tanto decenas de personas observan desde la oscuridad el "maravilloso" espectáculo del trabajo.

Qué ofrece

Formulada como una película cooperativa y autogestionada que trata de buscar alternativas al modelo de producción tradicional, “La mano invisible” toma prestada la esencia de la novela de Isaac Rosa en la que se basa para obligar al espectador a plantearse ciertas preguntas que tal vez no le resulten cómodas: ¿por qué trabajamos?; ¿para qué sirve lo que producimos?; ¿para quién trabajamos realmente?; ¿qué nos aporta el trabajo?; ¿nos dignifica de alguna manera?; ¿nos hace ser mejores personas?




18. Austerlitz

Las Nuevas Olas No Ficción

De que va

Hay lugares en Europa que han permanecido como dolorosos recuerdos del pasado, como las fábricas en las que humanos eran convertidos en cenizas. Estos lugares ahora han quedado como recordatorios abiertos al público que reciben miles de turistas cada año. El título de la película se refiere a la novela epónima escrita por W.G. Sebald, dedicada a la memoria del Holocausto. Esta película es una observación de los visitantes de estos campos de concentración.

Qué ofrece

Con un estilo tan estático como desolador, Loznitsa nos desvela la realidad del Auschwitz de nuestros días con un esclarecedor blanco y negro construido a partir de planos generales, los únicos con la capacidad para contener la cantidad ingente de turistas que visitan cada día las paredes donde se vivió el horror. El ejercicio de Loznitsa es espirtualmente de denuncia, pero lejos de ser condescendiente con las personas que pasean delante de su cámara, se mantiene al margen para permanecer como un observador neutral que deja a los espectadores la tarea de juzgar lo que ven. Y las imágenes hablan por si solas. Quién nos iba a decir que décadas después Auschwitz nos demostraría que es capaz de albergar otro tipo de horror: el de la banalización del mal. Muy alejado de la definición que Hannah Arendt nos dio para intentar describir la pasividad con la que muchos funcionarios nazis se sumaron a esa maquinaría terrible, ahora vivimos otro tipo de banalización como la que produce el olvido de nuestra historia o la falta de sensibilidad en una sociedad que está abusando del poder democrático de retratar.




19. Exile

Sección Oficial Fuera de Competición

De que va

"Exile" es una meditación sobre la ausencia, sobre la soledad interior, geográfica, política. "Exile" también constituye una tentativa de elucidación del chico de Kampuchea democrática y del adulto que no acepta la injusticia: ¿qué revolución queremos? ¿Una revolución para el hombre y con el hombre? ¿Una revolución pensada para el ser humano, basada en el respeto y la comprensión? ¿O una tentativa de destrucción de falsa pureza que consiguió tantos adeptos en Asia y en Occidente?

Qué ofrece

Una meditación lírica y poética, de arrebatador poderío visual, sobre el exilo o más bien dicho, sobre la existencialidad del mismo. La sensación de abandono, el desarraigo tanto familiar como terrenal más cruel y doloroso, la deriva introspectiva o la depresión emocional, son las sensaciones que Rithy Panh atribuye a las consecuencias del acto revolucionario. Una acción supuestamente humana y social, en pos de lo democrático, que sin embargo, y al menos en el caso de los Jemeres Rojos, acaba por atentar contra todo resquicio de humanidad, contra toda posibilidad de respeto y comprensión hacia el prójimo. Un concepto ligado a la libertad que soterra una falsa pureza y que tiene la destrucción social como solución final. Al fin y al cabo, hablamos de los peligros de la condición humana, de la corrupción del alma merced de aquel pecado capital que supone la avaricia y que guarda en ella las ansias de poder. En este sentido, “Exile” no solo supone la obra más universal de Rithy Panh sino que también la más personal. Una obra expansiva y poderosa que se construye a través de un trabajo sublime de puesta en escena, empleando todo tipo de recursos visuales que le llevan a enfrentar los colores de hoy a las imágenes de ayer, cuya hipnótica cadencia acaba por sentirse tan arrebatadoramente hermosa como profundamente dolorosa. Tremenda.




20. All these Sleepless Nights

Las Nuevas Olas No Ficción

De que va

Fiestas en casas, raves, clubs, alcohol, bares, cigarrillos, música, drogas, conversaciones existenciales, bailes, sexo, afters, mañanas de doblete. Las noches sin dormir de los años del frescor, las que se pegan Kris (que acaba de romper con su novia) y su amigo Michal, viviendo la vida a tope. Evocador retrato de una concisa e intensa ventana hedonista hacia dos jóvenes amigos en las calles de Varsovia.

Qué ofrece

Premio a la Mejor Dirección en Sundance, el responsable de "Fxck for Forest" nos brinda una película de "realidad construida" sobre una pareja de veinteañeros fiesteros amantes de la noche y de las emociones fuertes. Un fascinante y exuberante ejercicio cinemático con muchas verdades que contar acerca de la juventud, la diversión, la amistad y sobre todo, el contexto profundamente existencial del que se envuelve.




BONUS TRACK: Eldorado XXI

Las Nuevas Olas No Ficción

Siguiendo la estela de Michael Glawogger y su "Workingman's Death", "Eldorado XXI" es un tour de force directorial que nos lleva al asentamiento minero más alto del mundo, precisamente al de La Rinconada y Cerro Lunar (5500 m de altura en los Andes del Perú) para trasladarnos el impactante y desgarrador retrato del duro trabajo que realizan los mineros y que resulta cada vez menos visible en nuestro tecnológico siglo XXI. Todos conducidos por una misma ilusión, movidos por unos mismos intereses que sin embargo, les llevan directos a la autodestrucción. Con un apabullante dispositivo formal, de planteamiento tan radical como visualmente espectacular, la portuguesa Salomé Lamas captura una inquietante y misteriosa realidad etnográfica cortada en pedazos. que profundiza en el conocimiento a una comunidad a propósito de una labor extrema. Épica y vital.


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