Festival de Sevilla 2015: Nuestras 20 favoritas

Autor: Joan Sala Fuente: Filmin

Festival de Sevilla 2015: Nuestras 20 favoritas

El debut más complejo y fascinante del año a cargo de Brady Corbet, las 1001 noches según Miguel Gomes, una distópica love-story por Yorgos Lanthimos, el último día con vida de Isaac Rabin según Amos Gitai, el Mundial de fútbol de Brasil NO visto por Sergio Oksman, un "Moonrise Kingdom" nihilista, la última película de Chantal Akerman o el Nothing Else Matters de Metallica reinterpretado por Marco Bellocchio. Son tan solo algunos de los alucinantes fenómenos que podrá experimentar todo aquel que a a partir de hoy viernes, 6 de noviembre, pueda pasarse por el Festival de Cine Europeo de Sevilla. Buena cuenta os daremos de ello. Hoy de momento, nuestras favoritas.

1. THE CHILDHOOD OF A LEADER de Brady Corbet

Sección Oficial

Significa junto a la incontestable "Son of Saul" de Laszlo Nemes, el debut más complejo y fascinante del año, también podríamos señalarla como un complemento ideal para "La Cinta Blanca" (con toques de PT Anderson y Stanley Kubrick) y por descontado, uno de los principales descubrimientos por los que seguro, recordaremos la XII edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla. Merecedora del Premio a la Mejor Ópera Prima y Mejor Director Orizzonti en la pasada Mostra de Venecia, "The Childhood of a Leader" nos cuenta la historia de una familia norteamericana que vive en Francia con la I. Guerra Mundial recién finiquitada, incidiendo principalmente en las experiencias que vive su pequeño hijo, aquellas que precisamente llevan al resurgir de un nuevo germen para el fascismo. Estremecedor punto de partida que directamente nos lleva a un debut que se siente tan apabullante como único, que gesta una de esas experiencias cinemáticas que de por si sola justifica nuestra asistencia a un festival. Con absoluto descaro y aplastante ambición, Corbet hace suyo un título de Sartre para plasmar, de forma tan hermética como inquietante y definitivamente abrumadora, la infancia de un futuro dictador en el periodo de posguerra, así como para sugerir (que no simplemente señalar) aquellos principales motivos y factores familiares que pueden llevar a un niño a erigirse en el monstruo mundial de un futuro no tan lejano. Y es que, son muchas las virtudes que podemos atribuir a la sorprendente "The Childhood of a Leader", tanto desde su contundente dispositivo formal como desde su intrigante base conceptual y compleja estructura argumental. Y sí, miedo que da.


2. TRILOGÍA ARABIAN NIGHTS de Miguel Gomes

Sección Oficial

Las "Arabian Nights" de Miguel Gomes es una descomunal trilogía que dura un total de 6 horas y 20 minutos para narrarnos, como si de una selección de cuentos inacabados de Scheherazade se tratara, la historia de un Portugal enmarcado en una persistente crisis económica y agitación social. Una ejemplar fusión de transgresión formal, imaginaria y creativa con una denuncia social rigurosa, concienciada y profundamente reveladora. En “Arabian Nights” conviven una inventiva y desatada ficción fabulesca junto a una singular y genuina revisión histórica y antropológica, así como una irónica y audaz forma de plasmar la realidad política de un país sumido en una permanente crisis socioeconómica. Y lo hace, tal y como el propio director a modo de demiurgo nos recuerda al comienzo de cada uno de los tres geniales segmentos, sustentándose en su espíritu y estructura pero evitando pronunciarse como libre adaptación o apoyarse en la simple inspiración. La sensación que a uno le queda tras experimentar semejante periplo es la de haber disfrutado un proyecto único, una épica mirada capaz de aunar el carácter intrínsecamente artístico con una denuncia social tan audaz como rigurosa y definitivamente inspirada, así como con un hilarante tono folklórico. Una fascinante fusión destinada a erosionar todos aquellos estereotipos que atribuimos al cine de carácter social así como a cimentar el arrebatadoramente creativo sello autorial de su inconfundible director. ¿La película definitiva sobre la crisis económica en Europa? Probablemente lo sea. ¿Una de las propuestas más memorables de cuantas disfrutamos en Cannes? Que no quepa duda.


3. LANGOSTA de Yorgos Lanthimos

Sección Oficial

Una love story distópica y marciana que en cierta forma resulta conscientemente contradictoria, tal y como también lo son sus predecesoras. Si "Alps" nos hablaba de como sobreponerse a la muerte reflexionando sobre la posibilidad de sustituir tus seres queridos con otras personas, y lo difícil que ello puede llegar a ser, "Langosta" da continuidad a este particular y bizarro registro romántico observando y reflexionando sobre como la mayoría de las personas se unen para formar parejas mientras otras no, incidiendo así en lo que verdaderamente es nuestro mayor temor: y no, no lo es tanto la muerte como el miedo a estar solo, cuando la soledad que puede provocar una mala compañía también debería ocupar su debido lugar. Y es entonces, cuando pasamos del espectro íntimo a la feroz crítica social. En todo ello incurre "Langosta", y lo hace partiendo de un apabullante registro formal, también de un concepto de trama sustentado, como era de esperar, en el más demente WTF.


4. RABIN, THE LAST DAY de Amos Gitai

Sección Oficial

Con motivo del vigésimo aniversario de su muerte, Amos Gitai rinde un magistral homenaje al Premio Nobel Isaac Rabin y arroja luz sobre una crisis creciente de odio que afecta a la sociedad israelí de hoy. "Rabin, the Last Day" es un thriller político descomunalmente riguroso y brutalmente revelador que, de forma implacable y rigurosa, combina escenificaciones ficticias con material de archivo sobre las consecuencias inmediatas del atentado mortal que en el año 1995 sufrió el primer ministro israelí Isaac Rabin. Con este sugerente punto de partida, Amos Gitai disecciona con todo lujo de detalles y desde los múltiples puntos de vista de quienes vivieron y sufrieron de primera mano el fatídico suceso, la intolerancia y el fanatismo que llevó a provocar la muerte de un líder que ante todo, abogaba por el diálogo, por el respeto, la paciencia y condescendencia ante el conflicto que sacude al pueblo israelí y palestino.


5. HEDI SCHNEIDER IS STUCK de Sonja Hess

Sección Oficial

La estabilidad y el buen rollo sobre el que bascula una familia feliz y bien avenida se sale inesperadamente de su raíles en el momento en que de forma abrupta, Hedi, la madre, comienza a padecer ataques de pánico, cayendo así en una depresión profunda. Primero la enfermedad mental, luego la dependencia hacia los barbitúricos. Factores que provocan que la felicidad y estabilidad de la que disfrutan esta familia de treintañeros se torne en una situación repentinamente insostenible, en un mundo incierto, volátil y muy frágil. "Hedi Schneider si stuck" es una particularísima comedia profundamente dramática que comienza como si de una “Frances Ha” alemana se tratara, como si una nueva versión de un “Happy go lucky” fuera, para terminar evocando “Una mujer bajo la influencia” bajo el jocoso y ocurrente prisma que caracteriza el cine de Miranda July. No en vano, probablemente estemos ante la mejor película alemana de la pasada Berlinale. Una propuesta tan valiente y compleja como simpática y risueña, que presenta además el descaro de penetrar en el más descorazonador drama desde el registro cómico más acertadamente descerebrado, subvirtiendo con inspirados toques de humor absurdos su estructura profundamente dramática, y ofreciendo incluso, sugerentes guiños a conscientes referentes como lo es una de las grandes obras maestras de John Cassavetes. Tanto a nivel íntimo y de pareja, como familiar, "Hedi Schneider is stuck" se revela como toda una lección de cine, y vida. Joya.


6. O FUTEBOL de Sergio Oksman

Sección Oficial

Probablemente estemos ante una de las mejores películas que este año nos brindará el cine español. Tras veinte años sin hablar con su padre, Sergio Oksman se reencuentra con él en 2013 en su Brasil natal y le propone volver a reunirse al año siguiente para ver el Mundial de Fútbol. Es la única excusa válida para que dos hombres separados por una profunda brecha pasen tiempo juntos. A raíz de este encuentro, "O Futebol" presenta claras y estimulantes señas autorales respecto su anterior y genial "A Story for the Modlins", partiendo ante todo del tono críptico y hermético con el que incurre y penetra en las relaciones familiares. Aún y así, Oksman va esta vez un paso más allá por como aborda el carácter íntimo, y encima desde el espectro personal, a través de una mirada que se siente nuevamente muy construida, aunque en este caso sus cimientos sean mucho más soterradas que manifiestos o visibles. Virtudes que nos lleva a una película que se siente tan hipnótica como misteriosa, tan tierna como carismática, tan precisa y rigurosa en su metodología como abierta e imprevisible en el desarrollo de su trama, siendo capaz de ofrecer una mirada absolutamente libre a pesar de partir de una estructura tan condicionada. Y asombrosa es también la inteligencia emocional que yace en ella, con esa conmovedora sensibilidad que demuestra para diseccionar un cosmos sentimental tan vasto y profundo obviando toda posibilidad de subrayado o estridencia melodramática, destacando principalmente los pequeños gestos pero ante todo, y nunca mejor dicho, un fascinante empleo del fuera de campo. Recurso al que "O Futebol" dota de una dimensión mayúscula, abriendo prácticamente un nuevo mundo paralelo a la película a ojos y corazón del espectador. Cada uno tendrá el suyo, eso seguro. Asombrosa capacidad la suya para transmitir tanto con tan poco. Épica.


7. PARABELLUM de Lukas Valenta Rinner

Las Nuevas Olas

Salvaje experimento de ingeniería social que se construye sobre una apetitosa premisa: un grupo de ciudadanos de Buenos Aires son trasladados a un fuerte en medio de la selva, donde tendrán que imaginarse que ha llegado el fin del mundo y prepararse adecuadamente para ello. El cineasta argentino de origen austríaco Lukas Valenta Rinner bascula entre el humor y la tragedia en este filme único, que intenta buscar a la bestia que todos llevamos dentro. En otras resumidas cuentas, un "Moonrise Kingdom" nihilista que al igual que distingue el origen de su director, aúna lo mejor de la comedia deadpan argentina con el demoledor discurso social que abandera el nuevo austríaco comandado por Ulrich Seidl. Cine apocalíptico como jamás lo hemos vivido. Todos a cubierto.


8. UNDER THE ELECTRIC CLOUDS de Alexei German Jr.

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De tal padre, tal hijo. Alexey German Jr., vástago del responsable de "Qué Difícil es ser un Dios", demuestra tener la lección bien aprendida, y con "Under the electric clouds", roza cima a través una distopía futurista de gran poderío simbólico y metafórico. Un monumental destilado del cine postapocaliptico que se suspende y levita en el tiempo y el espacio, rompiendo toda lógica de las mismas, condensando ambas en una desolada Rusia, mostrándonos, más bien imaginado y ensoñando, que es lo que viene después de la destrucción, cuando ya ni tan siquiera queden ruinas, tampoco rastro alguna de la emblemática arquitectura de un pais que representa tanto el pasado, como su presente y en este caso, no futuro. Es decir, va un paso más allá de la ciencia ficción apocalíptica para articular una reflexión tan arrebatadora como devastadora, sobre el rumbo autodestructivo al que parece estar avocada la sociedad y política rusa. Fondo tan estimulante como desolador, al que "Under the electric clouds" da forma valiéndose de una narrativa circular que se sustenta sobre contenidos planos secuencia que estructuran una danza fluídamente coreografiada entre el retrato caleidoscópico de sus múltiples personajes y robusta cámara. Y lo hace introduciendo arriesgados elementos de ruptura narrativa como los son sus sugerentes retazos de humor absurdo, estimulantes anacronías (estamos en el 2017 y habla Gorbachov), desconcertantes referencias pop (como mismamente el videojuego "Fallout" o "Juego de Tronos") o alusiones musicales que van desde Mozart a Metallica. Gran variedad de recursos de los que además, de forma valiente y radical, se sirve para no caer en la tentación del efectismo. Porque como verdadera meta solo tiene una, y la cruza evitando el empleo de la banda sonora, valiéndose de espacios abiertos en los que apenas introduce elementos que roben el protagonismo en el cuadro a todo aquello que verdaderamente le importa: su poética, más bien filosófica visión, de un futuro extremadamente desesperanzador.



9. EL CUENTO DE LOS CUENTOS de Matteo Garrone

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El director de "Gomorra" y "Reality" cuenta con los servicios de Peter Suschitzky, habitual director de fotografía de David Cronenberg, para rodar su primera película en inglés. Custodiado por Salma Hayek, Vincent Cassel, Toby Jones, John C. Reilly y Alba Rohrwacher, Garrone se basa libremente en “El cuento de los cuentos” del napolitano Giambattista Basile, célebre autor de relatos del siglo XVII, para enarbolar un retrato con tintes fantásticos del Barroco a través de las historias de tres reinos y sus respectivos monarcas: "un mundo donde se encuentran todos los extremos de la vida: lo ordinario y lo extraordinario, lo mágico y lo cotidiano, lo majestuoso y lo vulgar, lo brutal y lo placentero”. ¿Fábula fabulosa?


10. IN THE SHADOW OF WOMEN de Philippe Garrel

Sección Oficial

Si hay una principal novedad a destacar de lo nuevo de Philippe Garrel respecto a su anterior e imprescindible obra, es que con “L'ombre des Femmes” abraza mucho más de lleno la comedia que el drama, y lo hace a través de un lío de faldas que se siente mucho más entrañable y liviano, que trascendental o amargo, aunque no por ello deje de ser su mirada comedidamente profunda e irresistiblemente conmovedora. Sustentándose en el gag y el humor autoconsciente, entre el carácter autobiográfico y su pasión por el cine, lo nuevo de Garrel se revela como una historia mínima comandada por su alter ego, que como no podía ser de otra forma, es un loserademás de inevitablemente misántropo, y sin embargo, es inevitable no caer rendido ante él. Y es que, de forma prácticamente auoparódica, muy al estilo del primigenio Woody Allen, muy cercano al cine tan inconfundiblemente personal que rueda Hong Sang-soo, “L'ombre des femmes” también presenta pequeños nuevos matices en el aspecto formal, además del tono que innova respecto al cine de Garrel, como es el empleo de transiciones apoyadas en una banda sonora mucho más omnipresente y melosa (es aquí otro de los factores que nos llevan a evocar la figura del maestro coreano). En definitiva, una de esas pequeñas películas que sin grandes ambiciones se disfrutan con maravillosa dedicación y absoluta pasión.



11. BLOOD OF MY BLOOD de Marco Bellocchio

Sección Oficial

Una de las propuestas más complejas e igualmente excitantes y estimulantes de cuantas pudimos disfrutar en la pasada Mostra de Venecia. Dividida claramente en dos partes, en dos momentos históricos supuestamente opuestos y desiguales (del siglo XVI pasamos a la actualidad) Marco Bellocchio expone y compara dos situaciones históricas que en principio deberían de ser mundos a parte, aunque lo que viene a decirnos es más bien todo lo contrario. Los males endémicos que atenazaban entonces quizás no sean mucho peores que aquellos con los que tenemos que lidiar a día de hoy, por más que sobre el papel resulten bien diferentes. Un dilema que, propulsado por un cínico sentido del humor, Marco Bellocchio lo plasma permitiéndose todo tipo de licencias a nivel formal tanto como argumental, y lo expone de la forma más anárquica, jocosa y críptica posible, teniendo como principal hilo conductor una mártir adelantada al tiempo que corre, un vampiro que tal y como hoy día hacen los poderes corruptos, se confina en el degradante mundo moderno en el que vive para chuparle toda su sangre (tanto en su primera parte como en la segunda, rebosa sugestivos guiños al "Drácula"de Bram Stoker) o incluso uno de los temas estrellas de Metallica que Bellocchio lo hace suyo. Qué el Nothing Else Matters suene en boca de un Coro de Iglesia es aquello que mejor resume lo que podemos esperar de "Blood of my Blood".


12. FROM CALIGARI TO HITLER de Rüdiger Suchsland

Las Nuevas Olas. No Ficción (y próximamente en Filmin)

"Libertad, ironía, curiosidad: Weimar es la modernidad en su máxima expresión. El cine refleja la turbulenta época de los años veinte. ¡Estas películas lo tenían todo! Pero todo, o casi todo, acerca de ellas ha sido olvidado, reducido a dos o tres notas al pie. Quise llevar al público en un viaje de aventuras hacia este tiempo perdido; un viaje que debería entretener, conmover, sorprender y recordarnos a todos que existe una herida abierta en nuestro pasado. Siegfried Kracauer, un genio olvidado, describió esta época en De Caligari a Hitler. El más célebre de todos los libros de cine escritos en Alemania habla del miedo, la crisis y el deseo de hallar un líder expresados en las películas alemanas. En otras palabras: de la forma en que el cine presagió la era del fascismo, anticipó su terror y el colapso moral y político de la sociedad liberal. Kracauer es el guía perfecto para un período fascinante en sus contradicciones. Esa fascinación y, sí, mi amor por esa época y su cine es lo que espero compartir". Así es como nos presenta su director, el prestigioso crítico alemán, Rüdiger Suchsland, "From Caligari to Hitler" película collage que repasa brillantes secuencias de una impecable nómina de cineastas –Murnau, Lang, Lubitsch, Pabst, Ruttmann, Ulmer, Siodmak– y talentos olvidados que, sin saberlo, vaticinaron y explicaron cómo se llegó de Caligari a Hitler.


13. DEAD SLOW AHEAD de Mauro Herce

Las Nuevas Olas

Premio especial del Jurado de la sección Cineasti del presente del pasado Festival de Locarno, donde causó furor, el "Dead Slow Ahead" del español Mario Herce nos embarca en un carguero que atraviesa el océano, cuya hipnótica cadencia de sus engranajes revela el continuo movimiento de la maquinaria devorando a sus trabajadores: los últimos gestos del viejo oficio de los marineros, desapareciendo bajo el ritmo autómata del siglo XXI. Quizá se trate de una nave a la deriva, o del último ejemplar de una especie en extinción con sus motores girando, imparables. Un monstruo de acero flotante que es alimentado hasta la inconsciencia, cuyo trayecto es retratado bajo un apabullante potencial estético, tan sensorialmente abrumador como visualmente hipnótico. Una suerte de película postapocalíptica entre cuyos posibles referentes podemos encontrar "Leviathan" tanto como "Alien". En resumidas cuentas, el fin del mundo más realista jamás vivido. Todos a bordo.


14. POZOAMARGO de Enrique Rivero

Las Nuevas Olas

Siguiendo su inconfudnible sello de autor, Enrique Rivero, director de las excelentes "Parque Vía" y "Mai Morire", promete brindarnos otro soberbio y bucólico retrato minimalista sobre la muerte y la persistencia exuberantemente fotografiado. O al menos, es a lo que también apunta "Pozoamargo" a través de la historia de Jesús, alguien que al enterarse que sufre una enfermedad venérea es incapaz de enfrentarse a su cotidianidad, por lo que decide huir y refugiarse en el campo trabajando como campesino.


15. LA ACADEMIA DE LAS MUSAS de José Luis Guerín

Sección Oficial

Un profesor de filología tiene en mente crear una "academia de las musas" que, inspirada en referentes clásicos, debería servir para regenerar el mundo a través del compromiso con la poesía. Un controvertido propósito que desencadena una ronda de escenas en torno a la palabra y el deseo. Presentado su excelente acogida crítica en Locarno como credencial principal, Jose Luis Guerín vuelve al ruedo cinco años después de "Guest". Probablemente toque celebrarlo.


16. LA FRANCE EST NOTRE PATRIE de Rithy Panh

Las Nuevas Olas. No Ficción

Hemos de reconocerlo, la teníamos completamente fuera de nuestro radar, y eso que hablamos de la nueva película del responsable de "La imagen Perdida". Si en ella Rithy Panh desenterraba una larga historia no filmada de opresión de un (sangrante) periodo, tal y como nos indica el propio Festival de Sevilla, "en este film lidia con la su- perabundancia de imágenes: las de las colonias de Francia, para exponer con precisa ironía la larga historia, latente en ellas, de cómo el imperio aplastó las vidas de los 'salvajes' que se encontró. Un concienzudo ex- polio moral, cultural y material en nombre del progreso y la civilización". Dicho de otra forma, un MUST.


17. NO HOME MOVIE de Chantal Akerman

Las Nuevas Olas. No Ficción (y próximamente en Filmin)

"Esta película es sobre todo acerca de mi madre, quien lamentablemente ya no existe. Esta mujer llegó a Bélgica en 1938 huyendo de Polonia, de la masacre y las atrocidades. Esta mujer se ve sola en su apartamento de Bruselas. Una película sobre la evolución del mundo y mi madre, que no la verá". Así nos presentaba la propia Chantal Akerman la que tristemente ha sido su última película en el pasado Festival de Locarno, un diario personal en el que retrata los últimos días de su madre, una superviviente polaca de Auschwitz.


18. THE EVENT de Sergei Loznitsa

Las Nuevas Olas. No Ficción

Sergei Loznitsa desarrolla el método que empleó para trabajar sobre material de archivo en "Blockada" para continuar la crónica cinemática de Leningrado, utilizando material ajeno para documentar la vida en esta ciudad en tiempos de calamidad histórica con un golpe de estado en ciernes. Diás pasados que inevitablemente nos llevan a la vida a día de hoy en Ucrania, concretamente a su anterior y magistral "Maidan". Si hay una principal virtud por la que merece ser destacada "The Event", esa es la capacidad que Loznitsa a atesora para apropiarse y hacer suyo un material completamente ajeno, demostrando una rigurosa y detallada selección de material que al igual que su imprescindible cine, se distingue por esa cámara inmersiva y contemplativa, esos movimientos prácticamente flotantes, con los que su mirada documenta y fusiona su hastiado pasado con la alarmante actualidad rusa. Lección de historia.


19. BODY de Malgorzata Szumowska

Selección EFA

Una meditación extrañamente esótérica, inclasificablemente cómica, dramáticamente reflexiva, sobre la aguda crisis personal y existencial que conlleva la pérdida de los seres queridos. Coqueteando con el género fantástico sobrenatural, Małgorzata Szumowska se aleja de la escuela austríaca, de la frontalidad de Seidl a la que de buenas a primeras podría sugerir su personalísima propuesta, para abrazar el humor deadpan más cercano al cine nórdico. A camino entre el dolor más hermético e impenetrable y el humor negro más imprevisto y absurdo, la directora polaca ha rodado sin duda, su mejor película hasta la fecha. Una destacable muestra de cine de autor mucho más enfocada a disfrutarse en un Festival de Sitges que mismamente en San Sebastián. No se si me explico, pero cuando la vean me entenderán. Tiene su juego.


20. BERSERKER de Pablo Hernando

Las Nuevas Olas

Si por algo nos motiva de sobremanera "Berserker" es por su director, bien conocido (y venerado) entre quienes hacemos Filmin por su reveladora ópera prima. "Cabás" es una singular aproximación al desamor, una obra con la que descubrir un nuevo nombre de nuestro cine: Pablo Hernando. Hablamos de un debut de peso extremadamente apasionante y creativo, de un falso documental que siguiendo la senda de la genial "Mi loco Erasmus" demuestra que el relevo generacional de nuestro cine está más que garantizado. Lo que esperamos, nos confirme "Berserker", tal y como nos la definen desde el festival, "un raro y magnético ejemplar" protagonizado por Julián Génisson (Canódromo Abandonado) e Ingrid García Jonsson ("Hermosa Juventud"). Pintan oros.


BONUS TRACK: MEURTRIERE de Philippe Grandrieux

Con tan sólo tres ficciones, dos 'performances' y un cortometraje a sus espaldas, la filmografía de este Philippe Grandrieux es ya una referencia para entender las derivas más radicales del cine narrativo de nuestros días. Sus películas, de una intensidad difícilmente comparable, se traducen en absorbentes experiencias físicas tanto como emocionales que indagan en la violencia sobre los cuerpos y sobre la mirada, hasta alcanzar una rara, violenta pero magnética cualidad abstracta. "Sombre", "La Vie Nouvelle" y "Un Lac" se bastan para encumbrar la portentosa filmografía de Philippe Grandrieux entre lo más radical de la flora cinematográfica europea. Más aún si nos atenemos que actualmente trabaja en una trilogía performance sobre la inquietud que inició con "White Epilepsy", a la que dará continuidad con "Meurtiere", otra poderosa performance protagonizada por cuatro cuerpos desnudos que conectan "lo sagrado con lo pornográfico y lo brutal".

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