Festival de Berlín 2020: Nuestras 20 favoritas

Autor: Joan Sala Fuente: Filmin

Festival de Berlín 2020: Nuestras 20 favoritas

Nueva vida, nueva era. La 70 edición del Festival de Berlín estrena caras nuevas y alentadoras en su dirección artística, que será comandada desde este primer año por Carlo Chatrian, anterior director del Festival de Locarno que toma ahora los mandos de este monstruo llamado Berlinale. Un reto mayúsculo que no ha tardado en demostrar que para nada le viene grande. Por un lado la incursión de una nueva sección competitiva dedicada al cine más radical como es Encounters y en la que encontramos nombres de primer orden que van desde Cristi Puiu a Josephine Decker pasando por Tim SuttonMatías Piñeiro Camilo Restrepo. Por el otro, una sección competitiva que recupera la mejor de sus versiones con nombres como los de Hong SangsooTsai Ming-liangAbel Ferrara, Rithy PanhKelly ReichardtPhilippe Garrel o, atención, el ucraniano Ilya Khrzhanovskiy con el proyecto más ambicioso y desbordante al que probablemente se haya expuesto el séptimo arte. 

Si a ello añadimos al maestro japonés Nobuhiro Suwa en Generation, una triple presencia del cine español en secciones paralelas de la mano de los debutantes Lois Patiño, Pilar Palomero o Javier Fernández Vázquez o, por supuesto, nuestro Canal dedicado a la Berlinale con los principales protagonistas de sus últimos años, la celebración (del cine) nos llega de antemano. No vendamos la piel del Oso antes de matarlo aunque bien podríamos. Nuestras 20 favoritas dan fe de ello.

1. DAU NATASHA. / DEGENERATSIA de Ilya Khrzhanovskiy

Sección Oficial / Special Gala

Bien podríamos estar ante el proyecto más loco y delirante de la historia del cine. Al fin ha visto la luz un concepción quimérica que parecía ya olvidado, abandonada. 10 años de rodaje, más de 700 horas de material filmado y la recreación real del Moscú de finales de los años 50 y principios de los 60 en el que han estado viviendo, sin abandonar el set durante 2 años, sus 50 principales protagonistas. 50, sí. Hablamos de "Dau", de su responsable Ilya Khrzhanovsky y en definitiva, del que bien podría ser uno de los proyectos más épicos y fascinantes que jamás hayan sacudido el mundo del séptimo arte. Lo que "Dau" promete es un monumental biopic centrado en Lev Landau, un atractivo científico soviético con dos claras pasiones: la física y las mujeres. Una mente maravillosa, y de las de verdad. De hecho, el objetivo primigenio de la producción era dramatizar la vida de este físico ganador del Premio Nobel que avanzó significativamente en la mecánica cuántica con sus teorías sobre el diamagnetismo, la superfluidez y la superconductividad. Sus opiniones sobre el sexo y el matrimonio anticiparon el verano del amor por décadas y su vida, que pedía a gritos una película biográfica, recibió un acto final de pesadilla después de que estrellara su automóvil cerca de Moscú en 1962. El físico pasó dos meses en coma y la ceremonia del Premio Nobel fue directamente trasladada a su lado de la cama. Pues bien, tras inaugurarse la exposición interactiva y definitiva que al fin inauguró este proyecto polifacético y multidireccional el pasado Otoño en París, "Dau" llega a Berlín en forma de película (a competición) y suerte de serie de 6 horas (Special Gala). Una pena que ya, puestos a pedir, no sea el caso de la exposición y recreación que si tuvo lugar en la capital gala.  Synecdoche Ukraine.


2. DAYS
de Tsai Ming-liang

Sección Oficial  

“Enfermo y preocupado, Kang vive su vida en una constante deriva. En un país extranjero, conocerá a Non y ambos se consolarán el uno al otro antes de tomar cada camino diferente y continuar con su rutina diaria”. Así nos presenta el propio Tsai Ming-Liang otra de las grandes sorpresas que nos ha deparado el anuncio de esta nueva y renovada 70 edición de la Berlinale. De hecho, son ya prácticamente 6 años los que el autor de “El sabor de la sandía” (2005) llevaba sin enfrentarse a la ficción en largo, concretamente desde aquella monumental, prácticamente maestra,“Stray Dogs” (2014), de la cual se llegó a rumorear que bien podría ser su última ficción. No ha sido así, puesto que más allá de algún que otro documental como “Your Face” (2017) o experimentar con el VR con la genial “The Deserted” (2018), el maestro thai vuelve ahora a competición en la Berlinale con "Days (Rizi)” y como no podía ser de otra manera, la hace nuevamente de la mano de su astro fetiche, el indispensable Lee Kang-sheng, acompañado en este caso del debutante Anong Houngheuangsy. Valor seguro.


3. MALMKROG
de Cristi Puiu

Encounters

"La ficción más común en nuestra vida es la historia, una historia que no es inmutable a la verdad”. Es la reveladora frase, la inmejorable presentación, para adentrarnos a la imprescindible filmografía de Cristi Puiu, cineasta rumano capital y magistral donde los haya. Si "La muerte del Sr. Lazarescu" (2005) es la primera, "Aurora" (2010) es la segunda y "Sieranevada" (2016) la tercera de las seis historias que Puiu ha enmarcado en su excelso homenaje dedicado al difunto maestro, Eric Rohmer“Seis historias sobre los suburbios de Bucarest” que tratan “seis historias de amor” (en honor a los “Seis cuentos morales” de Rohmer). Si su ópera prima versaba sobre el amor al prójimo, o mejor dicho, su ausencia en la sociedad contemporánea, la segunda lo hacía sobre el amor conyugal y su ausencia en el hogar y la tercera por su parte, se inspiraba en el poema The Agathirsoi del rumano Aurel Rau para enmarcarse en el microcosmos familiar y la desintegración de sus valores como un insondable ente, en la cuarta lo hará sobre la falta de profeso de amor en las altas esferas políticas. “Malmkrog” se presenta como un drama de 200 minutos de duración protagonizado por un senador y un terrateniente que se juntan con los amigos (entre los que encontramos un político y un general ruso) para montarse su propia 'fiesta' debatiendo acerca del mundo, su historia, el bien, el mal y la religión, entre muchos otros temas. 


4. SIBERIA
de Abel Ferrara

Sección Oficial  

El sueño "Siberia" de Abel Ferrara al fin se ha hecho realidad. Tras fracasar en Kickstarter el proyecto ha vuelto a resurgir con la inseparable colaboración del gran Willem Dafoe. Con la magistral "Pasolini" y la provocativa "Welcome to New York" incrustadas aún en nuestra retina, con la sorpresa que supuso ese proyecto secreto como resultó ser “Tomasso” el pasado año, al fin llegará a nuestros ojos un proyecto que su propio director señaló en su día como "una locura" y en el que "Dafoe será más Dafoe que nunca", así que poca broma. "Siberia" estará ambientada en la “realidad” de un universo basado en el misticismo y nos presentará a su protagonista aislado en las montañas. El propio Ferrara nos la presenta como "una historia que vive en el subconsciente basado en El libro Rojo de Carl Jung y las pesadillas de Willem Dafoe". Toc Toc.


5. FIRST COW
de Kelly Reichardt

Sección Oficial  

Insobornable musa del auténtico cine indie, caracterizada por su capacidad para desdramatizar, desnudar y naturalizar su cine con su inconfundible mirada poética, única en el universo en tener el descaro de rodar un western en 4:3, Kelly Reichardt vuelve a escena tras brindarnos con su anterior "Certain Women" uno de los retratos femeninos más precisos y fascinantetes del cine reciente. Y lo hace con "First Cow", película que adapta The Half-Life: A Novel, escrito por Jonathan Raymond, responsable del guion de "Meek’s Cutoff" y co-guionista junto a Reichardt de "Wendy & Lucy" y "Night Moves". Protagonizada por nombres más bien desconocidos como puede ser el caso de Rene AuberjonoisDylan Smith u Orion Lee, en ella se nos contará la historia de una cocinera contratada para un grupo de hombres rudos en una expedición de captura de pieles en el territorio de Oregon durante la década de 1820. También la de un hombre misterioso que huye de algunos rusos vengativos. Será la historia de su creciente amistad en el siempre cambiante paisaje del noroeste donde la riqueza está sujeta a la aparición de la primera vaca en el territorio. 

6. THE WOMAN WHO RAN de Hong Sang-soo

Sección Oficial

 Hay quien lo señala como el Woody Allen coreano y lejos no anda. Sobre todo, a la hora de reflejar su propia vida sentimental y personalidad en todas y cada una de sus películas. Eso sí, mucho más cercano al Allen de antaño que al de hoy, Hong Sang-soo es uno de nuestros maestros asiáticos más prolíficos y venerados. Tras hacerse con el Pardo de Oro en el Festival de Locarno con la genial "Ahora sí, antes no” (2015), presentar en el Festival de San Sebastián "Lo Tuyo y Tú” (2016) o hacerse con el Premio a Mejor Película en el Festival de Gijón 2018 con “Hotel by the River”, el cineasta coreano vuelve a la lucha por el Oso de Oro después de llevarse el Premio a Mejor Actriz en la Berlinale 2018 con “En la playa sola de noche” (2017), película que bien podríamos señalar como el retrato más autobiográficamente inmediato de la vida íntima de Hong, aquel que le ha llevado a estar sentimentalmente unido a su actriz protagonista Kim Min-hee en la vida real a día de hoy.  Era su sueño, una noche de invierno. Ahora ya despierto, vuelve a la vida tras envolverse de nieve y ante todo de un miedo en su anterior “Hotel by the River”: la muerte. La que probablemente suponga su película más melancólica y crepuscular hasta la fecha, suerte de "El Séptimo Sello" con estampa del responsable de "En otro país", sin guadaña ni partida de ajedrez que valga. “The Woman who Ran” por su parte estará nuevamente protagonizada por su musa Kim Min-hee en el papel de una mujer que huye y que no sabemos por qué.


7. SHIRLEY
de Josephine Decker

Encounters

Títulos de culto como "Butter on the Latch" (su inolvidable y transgresora carta de presentación llegó envuelta de dragones en 2013) y "Thou Wast Mild and Lovely" (que de la mano de Joe Swanberg puso patas arriba la Berlinale 2014 con su genuina exploración del erotismo en los recónditos más desolados) apuntaban a Josephine Decker como uno de los nombres más personales y emergentes del cine indie norteamericano reciente. Un reconocimiento inapelablemente confirmado tras el estreno de su impactante "Madeline's Madeline" (2018). Presentada en la Sección Forum de la Berlinale, "Madeline's Madeline", que supuso asimismo la primera película con la que Decker competía en Sundance, basculaba sobre la rebelión adolescente de una hija frente a la inestabilidad mental de una madre, la erosión de ambas identidades que dinamita sus roles, un proceso de creación que asimismo conlleva la destrucción. En efecto, hablamos de una nueva voz transgresora y emergente que ha sido encumbrada por el emblemático crítico del New Yorker, todo un Richard Brody, quien no dudó lo más mínimo en comparar su cine con el de Wes Anderson y Terrence Malick con tan solo tres películas a sus espaldas. Palabras mayores de una voz prestigiosa e ilustre donde las haya que apostamos, se le habrá hecho la boca agua con "Shirley", película protagonizada por Elisabeth Moss y Michael Stuhlbarg que nuevamente promete abrazar el universo meta a través de la historia de una famosa escritora de terror que finalmente encuentra la inspiración para su siguiente libro después de que ella y su marido acojan a una joven pareja . Tras gozar de una excelente acogida en el pasado Festival de Sundance, donde fue mundialmente estrenada,  “Shirley” llega como uno de los títulos de cabecera de la nueva sección Encounters.


8. LE SEL DES LARMES
de Philippe Garrel

Sección Oficial

Philippe Garrel, director de la monumental "Les Amants Reguliers" (2005), probablemente la mejor película jamás filmada sobre la oportunidad perdida del mayo del 68. Una obra mayúscula sobre el desencanto de toda una generación que capitaliza una filmografía ya emblemática, que lo ha llevado a ser un referente icónico y moderno del cine de autor galo más personal, autobiográfico y cinematográficamente apasionado. Para su nuevo proyecto, el cual nos narrará las primeras conquistas femeninas de un joven y el amor que siente por su padre, Garrel vuelve a contar con sus colabores habituales al guión, el mítico Jean-Claude Carrière (eterno cómplice de Luis Buñuel, habitual colaborador de Milos Forman, Peter Brook o Volker Schlöndorff entre otros) y Arlette Langmann. "Le Sel des larmes" está protagonizada por Oulaya Amamra ("Divines), Souheila Yacoub ("Climax"), André Wilms ("Hannah") y el joven actor teatral Logann Antuofermo, quien debuta en esto del cine entre faldas y a lo loco.


9. VOICES IN THE WIND de Nobuhiro Suwa

Generation

Con tan solo 7 largometrajes en más de 20 años de carrera profesional, Nobuhiro Suwa es uno de los principales exponentes del llamado nuevo cine asiático gracias a obras como las cuasi experimentales "M/Other" (1999), "H Story" (2001), pero también a la deliciosa y más accesible "Yuki y Nina". Su cine está a camino de Oriente y Occidente, entre sus referentes destacan figuras totémicas del cine europeo como Rossellini, Antonioni, Bergman, Godard o Garrel, también el underground americano de Stan Brakhage o Jonas Mekas. Es por ello que no es de sorprender que 12 años después de su última y única incursión en Francia, el maestro japonés volviera a su otra tierra prometida de la mano de todo un Jean-Pierre Léaud. En efecto, Suwa volvía a territorio francés con su anterior “El león duerme esta noche” (2017) tras "Un Couple Parafait" (2005), cruda pero real historia sobre el declive de un matrimonio que fue protagonizada por Valeria Bruni-Tedeschi y Bruno Todeschini en unos papeles sobresalientes. En su última y entrañable película sin embargo, lo que ante todo profesaba era un amor incondicional e irrenunciable por el arte cinematográfico, también por el rugir de un león que sonaba a despedida, pero sobretodo a bienvenida. Los fantasmas atacaban al jefe en este iniciático y romántico juego de niños que nos mostraba al protagonista de “Los 400 golpes” atrapado por su pasado. Un Hakuna matata en toda regla al que ahora da continuidad con “Voices in the Wind”, la cual ha supuesto su retorno a su país originario. Sorprendentemente enmarcada en la sección Generation (el peso de su nombre bien podría llevarlo a Sección Oficial), su nueva película se ubicará 8 años después del Tsunami para embarcarnos de la mano de su joven protagonista Haru, de 17 años, en un largo viaje a través de Japón. Un periplo que destapará las múltiples heridas provocadas por dicho tsunami que aún siguen sin cicatrizar. Y es que ya se sabe, después de la tormenta siempre llega el sol.


10. LUA VERMELLA
de Lois Patiño

Forum

“Una aldea. El tiempo que parece estar quieto. Todo el mundo está paralizado mientras que la naturaleza y los animales se mueven libremente. Sin embargo, podemos escuchar a personas hablando y moviéndose, como si estuvieran en una dimensión desconocida. La sensación es como estar en un limbo lleno de espectros. Tres mujeres mayores (¿serán brujas?) son capaces de moverse entre esas dos dimensiones. Ellas están tratando de hacer algo que no podemos entender”. Así se nos presenta la nueva película del aclamado director gallego de "Costa da Morte", Lois Patiño, junto a Oliver Laxe y Eloy Enciso, el trío de oro del Novo Cinema Galego. Ateniéndonos a sus incontestables antecedentes, poco más podemos añadir. Que suene el mar y hablen las imágenes. 


11. FUNNY FACE
de Tim Sutton

Encounters

Al norteamericano Tim Sutton lo conocemos bien quienes hacemos Filmin por esa respuesta cinemática, no sensacionalista y altamente intelectual, a los dramático hechos acontecidos en Colorado que supuso su críptica y experimental “Dark Night” (2016). Mediante el retrato caleidoscópico de diferentes personajes que se vieron sacudidos por el traumático suceso, la película recreaba los momentos previos a la masacre de 2012  que tuvo lugar durante una función de medianoche de "El caballero oscuro: La leyenda renace”. Un retrato espeluznante del terrorismo juvenil en Norteamérica que, en la línea de "Elephant", sus diferentes episodios se unían para acabar ensamblando un inquietante retrato de los EE. UU que profundizaba en la psique de una nación insegura y alienada. Precisamente, tal y como promete volver hacerlo “Funny Face”. El camino elegido en este caso, la deconstrucción del cine de superhéroes. Su nueva película relata una love-story transgresoramente moderna que está protagonizada por dos jóvenes de Brooklyn enamorados a su vez que azotados por la especulación inmobiliaria de los grandes tiburones de la Gran Manzana. Dos superhéroes casuales, dos rostros sometidos a la opresión económica y social cuya unión bien puede provocar la definitiva erosión de la corrupción corporativa y urbana. Tal y como su título bien nos sugiere, con toda su cara. Y si no, que se lo pregunten a "Joker".


12. LAS NIÑAS
de Pilar Palomero

Generation

Autora de los multipremiados cortometrajes "La noche de todas las cosas" o "Zimsko Sunce", entre otros, Pilar Palomero ha participado en Berlinale Talents y en Sarajevo Talents antes de dar el salto a su debut en el largo y celebrarlo por todo lo alto. Y es que, la emergente realizadora aragonesa competirá por el Gran Premio del Jurado en la Sección Generation K Plus, allá donde precisamente  también participó y ganó el Gran Premio del Jurado a Mejor Película “Verano 1993". “Las Niñas” es asimismo un relato coming of age ubicado en la década de los 90 que cuenta la historia de muchas de las mujeres de hoy, dibujada a través de la educación que recibieron durante esos años en España. Protagonizada por Andrea Fandos ("La comulganta") y por Natalia de Molina (el resto de sus personajes son aragonesas y para muchas es su primera experiencia como actrices), “Las Niñas” fija su mirada en Celia, una niña de 11 años que estudia en un colegio de monjas en Zaragoza y vive con su madre. También en Brisa, una nueva compañera recién llegada de Barcelona que la empuja hacia una nueva etapa en su vida: la adolescencia.  En este viaje, en la España de la Expo y de las Olimpiadas del año 92, Celia descubrirá que la vida está hecha de muchas verdades y algunas mentiras.  En efecto, huele a fenómeno.


13. ANUNCIARON TORMENTA
de Javier Fernández Vázquez

Forum

“Una película tan heterogénea como los documentos en los que se basa: una historia de detectives, una acusación de colonialismo y un estudio de su representación, un canto del cisne hacia una cultura menguante compuesto de innumerables texturas dolorosas e irritantes, como la historia misma”. De esta guisa se nos presenta el primer trabajo en solitario de Javier Fernández Vázquez fuera del colectivo Los Hijos. “Anunciaron Tormenta” se centra en la muerte en 1904 de Esáasi Eweera, líder bubi que se opuso a las autoridades españolas en Fernando Poo, antigua colonia española en África. Para memorias de África, la suya.


14. BERLIN ALEXANDERPLATZ
de Burhan Qurbani

Sección Oficial 

Su título directamente nos lleva a la obra magna de RW Fassbinder. Una descomunal serie de 14 episodios que adapta la novela homónima de Alfred Döblin y que es un retrato desolador de la vida en la República de Weimar, cuando empezó a incubarse el huevo de la serpiente en una Europa al borde del abismo. Una gran producción quizás más pertinente que nunca en los tiempos que corren, imprescindible para entender los límites de la literatura, el cine y la televisión. También de los problemas de extremismo ideológico e intolerancia que asoman a Europa a día de hoy. Es lo que ha debido de pensar Burhan Qurbani, y es que en su adaptación contemporánea de la novela, el director de "We Are Young. We Are Strong" sigue el descenso a los bajos fondos berlineses de un refugiado africano de 30 años llamado Francis, único superviviente de un viaje repleto de esperanza que lo ha llevado desde África a las playas del sur de Europa. Poco tiempo después, llegará a Berlín, donde se dará cuenta de lo difícil que es vivir en el camino recto, sin caer en el descenso a los infiernos, cuando estás en Alemania sin documentos, ciudadanía ni permiso de trabajo. Con más de 3 horas de duración estamos ante una de las grandes incógnitas de esta 70 edición de la Berlinale. Un reto mayúsculo a camino entre el éxito rotundo o el gran fiasco. Veremos. 


15. EXILE
de Visar Morina

Panorama

Antes del inicio de la Guerra de Kosovo un padre intenta deshacerse de su hijo para cruzar la frontera y escapar así de la Guerra. Era el sobrecogedor punto de partida de la excepcional "Babai" (2016), un debut mayor estrenado en el Atlàntida Film Fest 2016 que no pretendía ser una declaración política pese a que se atisbaban los esfuerzos de su director Visar Morina por recrear esa atmósfera de violencia y miedo; una situación específica pero universal que tiene una fuerte influencia tanto en las actitudes como en las decisiones de los personajes principales. Babai, y su aventura a través de Europa, se convirtió en la película más cara jamás filmada en la joven Kosovo, país aún no reconocido por el Estado Español, así como su primera candidata presentada a los Oscar. Veremos si es también el caso de su segunda película, "Exil", en la que un ingeniero químico de origen extranjero se siente discriminado e intimidado en el trabajo, sumiéndolo en una crisis de identidad. Y apostamos por ello, la de un país entero.


16. THE ROADS NOT TAKEN
 de Sally Potter

Sección Oficial 

Su anterior "The Party" (2017) resultó ser de las películas más vitoreadas y aclamadas del Festival de Berlín 2017. Rodada en nítido blanco y negro, escenificada con un enfoque intrínsecamente teatral y plasmada a tiempo real sobre un portentoso ejercicio de cámara, la vuelta al ruedo de la directora de "Orlando" (1992) tras ocho años de ausencia se revelaba en una aguda comedia con tintes trágicos que comenzaba con un tono festivo y acababa en derrame de sangre. Un cóctel altamente inflamable que como no podía ser de otra forma, explotaba en un divertimento que es ante todo una viperina exhalación de humor negro, una concentración de cinismo que no da respiro. No será el caso, denlo por hecho, del nuevo proyecto de Sally Potter. Protagonizada por Javier Bardem, Salma Hayek, Elle Fanning, Laura Linney y Chris Rock, rodada a camino ente España y Estados Unidos, “The Roads not Taken“ se centrará en un caótico día en Nueva York en la vida de un padre, Leo (Bardem), y su hija, Molly (Fanning), que ha de lidiar con el inestable estado mental de él. You're biutiful.....


17. UPPERCASE PRINT
de Radu Jude

Forum

Tal y como ya hiciera con sus anteriores y excepcionales "Aferim!” (2015) , "La Nación Muerta" (2017) o "I do not care if we go down in history as barbarians" (2018),  el realizador rumano Radu Jude sigue desempolvando los estigmas que marcan la oscura historia de su país, poniendo el dedo en la llaga a la hora de denunciar el genocidio que sufrieron los gitanos rumanos durante el siglo XVI o los judíos rumanos durante la dictadura de Ion Antonescu, una denuncia que en el caso de  "I do not care if we go down in history as barbarians" destapa un hilarante show del negacionismo de lleno. Con "Uppercase Print"  sin embargo, lo que directamente promete atacar a través de la historia real de un joven de 16 años llamado Mugur Călinescu es el 'reinado' de Ceaucescu. Basándose en la obra de teatro dirigida por Gianina Cărbunariu (quien también colabora en el guión), su nueva película relatará como un joven adolescente resultó ser psicológicamente abatido por las fuerzas de seguridad a base de vigilancias e interrogatorios tras poner unas pintadas con mensajes anticomunistas en los muros de la base de operaciones del partido Comunista. El individuo frente al colectivo, la recreación frente a la imagen de archivo, el secretismo frente a lo público. En definitiva, el heroísmo a pequeña escala frente a la sumisión generalizada. Y la represión de una sociedad entera como incontestable vencedor.


18. IRRADIÉS
de Rithy Panh

Sección Oficial 

Es junto a Claude Lanzmann, el gran tótem del cine documental genocida, y como tal, el enemigo público número uno del empleo de la imagen de archivo para retratar la masacre y el exterminio. Nacido en Phnom Penh y víctima de los Jemeres Rojos, el camboyano Rithy Panh no solo ha dedicado su carrera cinematográfica a recordar y mantener en la memoria las atroces consecuencias del holocausto que arrasó su pueblo, también a reivindicar y reflexionar con absoluta destreza la rigurosa base artística y visual con la que se debe documentar semejante barbaridad. Tras golpearnos en seco con un documental, tan duro como magistral, que abordaba lo sucedido en el Centro de detención y torturas S-21 ubicado en el centro de Phnom Penh entre 1975 y 1979 (hablamos de "S21: la máquina roja de matar") el realizador camboyano repetía hito haciéndose con el Premio a Mejor Película de Un Certain Regard 2013 en Cannes y, lo que es más importante aún, obteniendo la nominación al Oscar al Mejor Documental, gracias al maravilloso empleo del stop-motion por el que destacó la película animada "La imagen perdida" (2013). Pues bien, tras seguir misma senda presentando en Cannes fuera de competición "Exile" (2016) y en la Jornada de los Autores de Venecia "Graves without name" (2018), Rithy Panh se enmarca esta vez en la lucha por el Oso de Oro con "Irradiés”, un documental concebido y protagonizado directamente por quienes han sobrevivido a las irradiaciones físicas y psicológicas de la guerra que ha sido descrito por el propio Festival de Berlín como “una obra extrema y necesaria cuyo impacto visual y emocional es de una fuerza sobrecogedora”. Y es que el mal se irradia sí, pero ante todo duele. 


19. ISABELLA
de Matías Piñeiro

Encounters

Los líos románticos y profesionales de los jóvenes subempleados, sobre-educados en una gran ciudad que bien puede ser latinoamericana o norteamericana. Se trata de preocupaciones difícilmente inusuales para un cineasta, pero en las películas de Matias Piñeiro, las grandes urbes como Buenos Aires o Nueva York, así como las luchas en las que diariamente se embarcan los propios jóvenes que las habitan, se filtran a través de una viva sensibilidad literaria y un estilo visual preciso y elegante. Hablamos del argentino más mumblecore y exitoso del momento, pero también de uno de los menos conocidos a gran escala. Aquel que destaca por sus historias cercanas, de poco presupuesto, o como él las considera: 'películas ecológicas'. Pues bien,  Matías Piñeiro sigue indagando  con “Isabella” sobre el rol de la mujer en las comedias de William Shakespeare, y es ahora con su quinta entrega de la llamada serie Las shakespeareadas que pasará por Berlín tras sus anteriores y excepcionales trabajos, "Viola" (2012), “La princesa de Francia” (2014) y “Hermia & Helena” (2016).  Su nueva película está protagonizada por Mariel, una actriz de Buenos Aires que intenta obtener, a lo largo de dos años de audiciones, el rol de Isabella, la heroína de la comedia Medida por medida, sumergiéndose a su vez en una red de intriga romántica y revelación que se despliega como un rompecabezas sobre la dificultad de definir con exactitud el color de nuestros deseos. Como quien diría, y no precisamente Shalkespeare, las cosas del querer.


20. SURGE
de Aneil Karia

Panorama

Premio Especial del Jurado Sundance, críticas efusivas y apasionadas que destacan el papelón de Ben Wishaw y las referencias directas al inconfundible universo del hipervitaminado y taciturno cine de los Safdie. Es la carta de presentación con la que llega “Surge” al Festival de Berlín. Una muestra de cine de género británico en la mejor de sus versiones que relata el particular y desatado ‘carpe diem’ en el que se embarca callado y tímido Joseph, un cuarentón que vive de forma modesta en Londres, alternando entre su solitario apartamento y el aeropuerto en el que trabaja como miembro de seguridad.  Tras una serie de extraños incidentes sin embargo, decide dejar atrás sus buenos modales para protagonizar una increíble y frenética aventura por las calles de la ciudad. Y es que ya se sabe, dormir es de cobardes.


BONUS TRACK: EL TANGO DEL VIUDO Y SU ESPEJO DEFORMANTE
de Raúl Ruiz y Valeria Sarmiento

Han pasado más de 50 años desde que Raúl Ruiz trabajó en su primer largometraje en Santiago de Chile. Nunca lo terminó. En 1973 el golpe militar lo obligó al exilio y los rollos de película aparecieron mucho más tarde en un cine. Valeria Sarmiento, directora y viuda de Ruiz, tomó las imágenes y les dio sentido con la estimable colaboración de consultores sordos que la ayudaron a reconstruir el diálogo leyendo los labios de los actores. La historia se centra en el Sr. Iriarte, cuya vida sufre un vuelco por la muerte de su esposa. Tal y como nos advierten desde el propio festival, "El tango del viudo y su espejo deformante" retrocede y avanza en el tiempo como si ayer fuera mañana y hoy hace 50 años. El amor nunca muere. Queda dicho.


Publica un comentario

1 valoración

santafer12

Se respeta pero no convence la seleccion del señor sala sobre berlin 2020, ahi faltan las siguientes:

there is no evil

high ground

charlatan

police

time to hunty

y sobre todo falta Undine, el señor Petzold hoy en dia es de los mejores directores de cine siempre sera muy interesante ver cualquier proyecto que haga

22 febrero 2020